26.5.09

Los museos no dejan hacer fotos. El nuevo museo de Hergé

Con varios años de retraso y tras diversas polémicas sobre su ubicación y gestión, el Museo de Hergé, el padre del célebre reportero Tintín, ha visto la luz en la pequeña población belga de Lovaina la Nueva, en uno de los primeros centros dedicados en exclusiva al noveno arte. 

El acto de presentación a los medios ha estado marcado por la controversia, debido a la prohibición de reproducir imágenes de la colección, medida que no había sido anunciada antes y que motivó las protestas de numerosos periodistas, e incluso, el abandono de algunos de ellos. 

Esta negativa "forma parte de la política de la Fundación" y pretende evitar "que los originales se deterioren", se ha justificado el director del museo, Laurent De Froberville.

Lo cierto que es algunos museos no dejan hacen fotografía, y no es porque se dañan los originales. Se podría exigir no utilizar el flash bajo multa muy alta, y no se hace. 


Simplemente es que no quieren que se puedan reproducir los cuadros, para que sean ellos los que tengan todos los ingresos sobre reproducción. Hoy las cámaras digitales con alta sensibilidad, son capaces de fotografiar con calidad buena las obras de los museos, sin necesidad de utilizar flash. Es lo que hay, nos guste o no, a mí, muy poco.

Pero no tiene sentido práctico, pues si somos capaces de llevarnos en la retina o en el recuerdo una obra, no tiene sentido que no podamos llevárnosla en una cámara de fotografías. No es un robo, es recordarla mejor. 

Y quien crea que con esas cámaras y luz natural, se puede lograr un producto para vender, se equivoca.

Por cierto, si los museos son públicos ¿las obras no son públicas al menos en derecho de recuerdo?

24.5.09

El color en los acrílicos se modifica en la pintura seca

Cuando se trabaja con pintura de óleo, el color de la paleta es muy exacto al que luego va a quedar definitivamente en el cuadro final. Es muy leve la modificación del color que ves en la paleta y que después queda ya seco y definitivo.

Pero con los medios acrílicos el cambio de color es más notable y hay que tenerlo en cuenta para no llevarse sorpresas.

Los colores acrílicos al secarse tienden a quedar algo más oscuros, más fuertes, más vivos a veces, y esto sucede más o menos según el color y dependiendo de la marca o calidad. Tú eliges, pero antes asesórate.

En algunos tonos esta ganancia de color es una ventaja pero en otros tonos estropea el resultado. Los anamillos anaranjados pueden acercarse mucho a los naranjas, algunos verdes se oscurecen perdiendo luz.

Hay que probar antes de trabajar de manera definitiva, para no tener sorpresas. Y conocer bien las marcas y no emplear unas veces unas y otras veces otras. Inevitablemente, quien te venda los colores te podrá aconsejar bien y casi siempre el precio nos indicará la calidad.

18.5.09

Poema de Antonio Vega

Un momento en una agenda
una décima de segundo más
vuela...
Va saltando de hoja en hoja
mil millones de instantes de qué hablar

Una ráfaga de aire frío
un molino de viento hace girar
sigue...
va rodando sobre su eje
describiendo una trayectoria más.

Es que no hay nada mejor
que imaginar...
la física es un placer
Es que no hay nada mejor
que formular…
escuchar y oír a la vez.

Mide el ángulo
formado
por ti y por mi
es la solución a aIgo muy común aquí

Ahora tú
no dejes de hablar
somos
coordenadas de un par
incógnitas
que aún faltan por despejar

Busca un libro que diga cómo,
luego otro que se titula sí,
sigue...
un tercero llamado nada
es la fórmula del círculo sin fin

Es que no hay nada mejor
que revolver
el tiempo con el café

Es que no hay nada mejor
que componer
sin guitarra ni papel.

paralelas
vienen
siguiéndome
espacio y tiempo
juegan al ajedrez

Ahora tú... no dejes de hablar.

Antonio Vega

Mario Benedetti, otro poeta libre que se fue

Llevamos un semana de pérdidas poéticas. Tras Antonio Vega se nos va Mario Benedetti, otro escritor de las conciencias, otro poeta de la libertad.

Sus poemas estaban al servicio de la rabia que le producían las dictaduras del sur de América.

Su apariencia era la de un juez de paz, pero nunca hubo paz en su alma

A sus 88 años años se nos va otra voz por la libertad, por la literatura de verdad, por el compromiso poético con el mundo que les ha tocado vivir.

"Usted madura y busca / las señas del presente / los ritos del pasado / y hasta el futuro en ciernes / quizá se ha vuelto sabio / irremediablemente / y cuando nada falta / entonces usted muere".



17.5.09

Los mejores soportes para pintar al óleo o acrílico

La mayoría de las personas que se adentran en la pintura lo hacen sobre soportes de lienzo ya montado sobre bastidor de madera, telas no muy buenas pero baratas y con su imprimación ya colocada y por ello listas para ser usadas.

Es una buena opción. Pero hay otras.


En acrílico se utiliza cada vez más la madera conglomerada, de un grosor a partir de 5 mm, cortada al tamaño que nos interese en tiendas de carpintería o de madera para muebles. La ventaja es clara. 

Podemos disponer del tamaño que necesitemos, algo que no se puede hacer con los bastidores de lienzo montado. Dar una imprimación es muy sencillo y acertar con el producto también, pues en la misma tienda en donde se comprar las pinturas te ofrecerán diferentes soluciones. Incluso puedes explorar la posibilidad de empezar un cuadro no sobre fondo blanco sino con una base de imprimación en un color oscuro o diferente al blanco.

La pintura sobre madera conglomerada tiene la ventaja de que no será atacada por los insectos, pero el inconveniente de que sufre mucho con la humedad. Por eso es conveniente al cuadro terminado, darle una capa de pintura por los cantos y el fondo trasero, para que si le cae agua, no sufra el soporte.

Si te gusta el lienzo, aprende a crear tus propios bastidores para poder elegir tamaños y formas y para poder emplear telas de mejor calidad y de texturas distintas. Es complicado encontrar texturas gruesas en lienzos industriales y de encontrarlos son caros. 

No es nada complicado seguir buscando por Google la forma de prepararse los lienzos o los soportes de cartón o madera en casa o en el taller.

14.5.09

Antoni Muntadas, Premio Velázquez 2009

El artista barcelonés residente en Nueva York Antoni Muntadas, galardonado hoy con el Premio Velázquez de las Artes Plásticas, está considerado un pionero del vídeoarte y el padre del net-art español. El galardonado, sin embargo, ya ha señalado al conocer la concesión del premio que no se considera "pionero" o "padre" de nada, y ha añadido que su objetivo es "aportar lo máximo" al mundo del arte y lo "más honestamente posible". Ha subrayado que ganar este galardón supone "un reconocimiento al trabajo" pero "no cambiará" su forma de ver el mundo o el arte.

Premio Nacional de Artes Plásticas 2005, Muntadas (Barcelona, 1942) es uno de los artistas contemporáneos más innovadores del panorama artístico español, y su obra está expuesta en museos e instituciones de numerosos países. Aunque comenzó como pintor, este artista, que vive y trabaja en los Estados Unidos desde los años sesenta, explora en su obra asuntos de interés social, político y de comunicación y utiliza medios como la fotogrfía, el vídeo, publicaciones, internet e instalaciones multimedia.

Información de elpais.com

13.5.09

De él aprendí, con él crecí. Antonio Vega, por Nacho Vega

Me resulta muy difícil hablar de Antonio Vega en este momento. Todo lo que siento se lo lleva el vacío que nos acaba de dejar. Intento pensar en él, pero no lo consigo porque lo único que tengo delante es dolor y la angustia de los que siempre le han querido. Muchos piensan que ha sido un desenlace muy rápido y otros que no es más que el final prematuro de una historia, la de su vida, que él mismo había escrito. Todo es posible tratándose de él, pero lo cierto es que hasta el final lo único que quiso fue vivir para tocar, y a su manera volcarse en sus particulares ilusiones.

Antonio vivió peligrosamente durante mucho tiempo, y en su escala de valores lo imprevisto y lo extremo jugaron un papel determinante. Puede que sólo de un mundo tan frágil pueda surgir algo tan poderoso como esos trazos finos y a la vez increíblemente sólidos.

En esta tarde, que muchos no olvidaremos nunca, me acuerdo de Antonio, pero a través de sus hermanos y padres, que sufren como una herida propia el dolor de perderle. Pienso en los muchos y buenos amigos músicos que le han acompañado hasta el final y hoy comienzan una nueva forma de vivir sin Antonio.

A Antonio y a mí nos juntó la vida, pero nos unió para siempre el amor por la música. Comenzamos a soñar desde pequeños con letras y acordes, punteos y estribillos, y desde entonces he dado gracias por tenerle cerca.

De él aprendí, con él crecí.

Aquellos que vieron en Nacha Pop el resultado de una buena complementación entre nosotros intuían sin duda la complicidad de las cosas que se hacen sin palabras.

La canción de su vida está llena de esos pasajes agridulces que avanzaban por esos espacios tenues que le permitieron desarrollar una paz interna de fondos claroscuros donde cohabitaban el éxito y el anonimato.

Se va el autor total, puede que el más grande y querido de este país.

Salir, tocar para verte sonreír, coger al vuelo el sentido de vivir...

Adiós, primo.

Nacho G. Vega es músico y fue miembro fundador de Nacha Pop.

Artículo escrito por Nacho Vega para "El Pais". Pinchar aquí para ver el artículo, copiado arriba.

10.5.09

El universo creativo de David Lynch

En Zaragoza hay una pequeña exposición sobre la obra cinemetográfica de David Lynch, sobre todo su universo visual creativo. Todos conocemos a David Lynch, por su serie Twin Peaks (que empezó pero que no termino e incluso no son de él la mayoría de los capítulos), de culto pero también de entretenimiento, maravillosa y rompedora pero también sencilla y fácil si así se quería ver. Han pasado casi 20 años de su estreno pero todavía se deja ver muy bien.

Dejo a continuación una pequeña reseña sacada de la Wikipedia, sobre su obra.

Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz"), aunque no con el culto típico norteamericano y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart, donde crea una gran polémica al parodiarla.

Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.

Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

9.5.09

Maurice de Vlaminck. Un fauvista de gran color

Maurice Vlaminck fue un pintor fauvista que llenó de color potente y de brochazos que sorprenden por su perfecta colocación el de por si ya maravilloso paisaje francés.

Asombra el atino de cómo con muy pocas pinceladas gruesas puede ir dibujando atinadamente edificios, cielos, luces, degradados, sombras o detalles de naturalezas o rostros.

Son obras con casi 100 años de edad, que no lo demuestran ni en su ejecución ni en su potencia colorista. Estuvo influido por 
Van Gogh tanto en el colorido de sus obras como en la estética de sus trabajos.

8.5.09

Consejo (básicos) sobre imagen digital y formatos de imágen


El día que descubras el formato RAW en imagen digital ya no dispararás (casi) nunca más en otro formato, en el clásico JPEG. La opción de tirar en los dos formatos es la que yo utilizo, pero para conservar los .jpg por si con los años los formatos cambian y resulta complicado abrir algunos.

El RAW te permite realizar pequeños errores en la toma, que luego sin problema puedes corregir al "revelar" en un programa de software la imagen. E incluso medianos errores inevitables, como una exposición de más de un punto de corrección.

Pero además te puedes desentender del tipo de corrección de luz en el momento de la toma, al poder modificar la temperatura de color de la imagen al "revelarla", viendo en pantalla el tono que deseas para la toma.

El disparo lo haces "en bruto" sin que la cámara te procese la imagen, y eso te permite terminar ajustes a veces imprescindible. Por ejemplo decirle qué objetivo has empleado para disparar y hacerte correcciones de color o de distorión, según lo que el formato tiene programado.

Es cierto que procesar las imágenes RAW llevan un tiempo, maravilloso por otra parte, pues te deja recrearte otra vez con las imágenes tomadas. Las vuelves a disfrutar, una a una.

Aclaras, oscureces, contrastas, cambias color, aumentas detalle, das volumen a las sombras y luces, modificas temperatura de color, tono de los neutros, ajustas distorsiones, etc.

Hay pues que aprender a procesar las imágenes, no es sencillo en la primera toma de contacto con el proceso, pero poco a poco se va aprendiendo y al cabo de pocas semanas te llega la sensación de que ya no podrías fotografiar sin el formato RAW.

Tenlo en cuenta a la hora de comprar una cámara, pues muchas de las compactas de bajo precio no son capaces de guardar las imágenes en RAW. Las réflex todas.

7.5.09

Los presos de la cárcel de Daroca y La oca loca



Una revista cultural de los presos de la cárcel de Daroca.

Una excelente iniciativa.

Una quinta revista que da el salto "de adultos" y se adentra en la red para que todo el mundo la pueda leer.

¡¡Suerte!!

6.5.09

Consejos sobre fotografía (imagen) digital y compra de una cámara

Si te gusta la fotografía artística (que es casi toda), tienes que intentar disfrutar con la digital teniendo en cuenta algunos consejos generales muy sencillos.

Casi el primero será decidir qué tipo de equipo fotográfico te compras.

Si te gusta disparar rápido para ver las imágenes en el ordenador o sacar algunas copias en papel a un tamaño normal, tu decisión de compra se debe centrar en compactas de marca conocida, con un zoom óptico de x5 más o menos. A partir de esta máquina, ya puedes empezar a disfrutar como un poseso. Yo te recomendaría alguna marca conocida —depende del año pero hoy Canon y Sony tienen muy buenos ejemplos de máquinas— de las que se pueden abatir el visor porque esto es una comodidad maravillosa para hacer fotografía sin que nadie lo note. Y que sepa guardar las imágenes en formato RAW. Pero para gustos están las marcas.

Si quieres algo más profesional, si te gusta la fotografía de verdad y sabes que lo importante es aprender a ver y tener unos segundos para buscar un buen encuadre, debes ir a por una réflex.

Mucho cuidado con las réflex, porque de entrada te creerás que no has hecho una gran compra, pensarás que la calidad que te entregas es incluso peor que las compactas.

Esto le sucede a todo el que se compra una réflex digital con un objetivo de serie y de entrada no domina la máquina. Cuando sepan hacerla funcionar bien, veras que es otra cosa maravillosa, que tanto en calidad como en la profundidad de enfoque, te permite jugar y trabajar en otra división fotográfica.

Mi recomendación es que para empezar, te compras un cuerpo medio pero de marca importante. Y que la dotes de unos objetivos buenos aunque sean algo más caros que el cuerpo. Es más importante la óptica que la máquina y los objetivos te durarán más tiempo.

Debes estar seguro en la marca de cámara elegida, pues los objetivos te obligarán a seguir en la misma marca o parecida, durante muchos años. 

Como ópticas cómprate objetivos estabilizados, sobre todo si el cuerpo no lo está. E intenta tener entre dos objetivos al menos, un campo focal que vaya desde un 18mm a un 250 mm. 

Ahora es posible tener un solo objetivo con este zoom o similar. Si logras algo más de presupuesto, intenta tener un gran angular desde 10/14 mm (es un lujo maravilloso), y un tele de hasta 400 mm. Y si dispones de macro en el pequeño, miel sobre hojuelas.

Recuerda que en una réflex, por muchos pitos que tengas para jugar, debes tirar en RAW y aprender a retocarlas en el ordenador, porque una vez que lo descubres, ya nunca más tirarás (o emplearás) en JPEG. Yo tiro en jpeg más Raw, por seguridad en el tiempo.

Y que debes trabajar (como consejo), con preferencia sobre la apertura de diafragma, para poder poner una apertura de 9/11 más o menos como norma mínima, y que sea la velocidad la que se mueva según las condiciones de luz.

Si no hay suficiente luz, puedes jugar subiendo la sensibilidad (las buenas cámaras son capaces de disparar sin mucho ruido hasta 1600 asa) y bajando algo el diafragma. 

Pero si tiras en RAW, incluso aunque dispares con dos aberturas del diafragma por debajo, podrás obtener un buen resultado final.

Y dispara y aprende a retocar las imágenes. Lee libros o asiste a exposiciones y mira con ojos de fotógrafo. Aprender es insustituible.

5.5.09

La maleta mexicana de Capa, Taro y Chim muestra el exilio español


El tesoro fotográfico escondido en "La maleta mexicana" va más allá de la pura fascinación por las imágenes que tres de los mejores fotógrafos de la historia captaron en la Guerra Civil española. 

La digitalización de los 4.300 negativos que, al igual que miles de españoles, se exiliaron primero en Francia y después en México, imágenes que permanecieron escondidas en una maleta (que en realidad eran tres cajas) hasta diciembre de 2007, está arrojando nueva luz no sólo respecto al trabajo realizado durante aquella terrible guerra por los artistas fotógrafos de prensa Robert Capa, Gerda Taro y Chim (David Seymour), sino también para mostrar las condiciones de vida a las que estuvieron sometidos los españoles forzados al exilio posterior. 

En realidad Robert Capa y Gerda Taro eran seudónimos, ambos firmaban muchas veces como Robert Capa, eran pareja y se llamaban Endre Ernő Friedmann (el) y Gerta Pohorylle (ella).

Después de que el International Center of Photography (ICP) de Nueva York (fundado por Cornell Capa, hermano de Robert) anunciara que todos los negativos de la maleta recuperada (y que hoy está en sus manos) habían sido escaneados, el Centro Juan Carlos I de la New York University organizó un simposio bajo el título Documentando a los desplazados: imágenes de los refugiados de la Guerra Civil española. Recuperar la historia es un lujo.

Nunca Robert Capa supo que aquellos negativos no se habían perdido y que volverían a servir para conocer sus trabajos y la historia de España.

Cortó Gauguin la oreja a Van Gogh?

Entre los artistas siempre han existido amores y odios, relaciones humanas al fin y al cabo. Que por amor o por sexo alguien corte de un espadazo la oreja a otro no es nuevo. Que haya sido Gauguin a Van Gogh…, ya si.

El enfoque proviene del paciente y riguroso estudio que los historiadores germanos han hecho de la última Nochebuena de Van Gogh. Admiten que no existió una investigación judicial real de lo acaecido, pero dicen que han reconstruido los hechos gracias a los documentos policiales, las noticias de la prensa y los archivos municipales disponibles.

"La realidad es que la versión aceptada hasta la fecha proviene de la contradicción y de la falta de rigor", sostiene Hans Kaufmann. "Nadie parece haberse interesado realmente en aclarar las circunstancias de aquel episodio. Quizá porque se ha aceptado con indulgencia los testimonios que Gauguin documentó muchos años después. Se sentía en deuda. Y pintó unos girasoles en 1901, fuera de contexto, en Tahití, como si fuera aquélla la manera de expiar cuanto sucedió en la noche del sangriento episodio".


¿Sirven las orejas para pintar mejor o peor? 

4.5.09

Angel Orensanz, pintor y escultor aragonés

La obra de Ángel Orensanz es muy conocida por todos los zaragozanos aunque no lo sepan, pero trasciende sin duda a nuestra tierra, porque es un innovador de escala mundial, y sus trabajos en las mayores capitales del mundo lo atestiguan. 

Más apreciado fuera de su tierra que en ella, es un artista comprometido con su ciudad, aunque no lo notemos. Otro aragonés posiblemente más conocido fuera que dentro de su país.

Yo lo conocí personalmente hace ya más de 20 años, en sus primeros posiblemente viajes de NY a Zaragoza, mi relación fue corta, pero la sensación de tener cerca a alguien ya en aquel momento muy importante para el arte, supuso un empujón en mis aficiones escondidas.

Artista que trabaja experimentos, dibujos, pinturas, esculturas, grabados; orensanz de Orensanz.

Hay que mirar hacia arriba. Incluso a veces para ver arte.

Hay que mirar hacia arriba para encontrar la ciudad escondida, tal vez la que quisieron hacer para que no se viera con facilidad, más que por esos pocos que levantamos la mirada al cielo.

El ARTE existe en las miradas, más que en las realidades. Existe al desear que exista.

Rotoarte o el arte tirado en la calle

Fue algo. No sabemos qué. Y ahora sigue siendo algo, tampoco sabemos qué.

Igual ahora es incluso más hermoso a la vista que antes.

¿Quien dijo que no se puede ver ARTE en un montón de chatarra?

La sensibilidad no se vende y claro, no se puede comprar, ni es obligatoria, ni es necesaria.

Eso le da un valor tremendo. La puedes tener o no y no suceder nada por ello.

Las cosas que no tienen precio son las que más valen. 

Creo.



Puede el ARTE crearse de manera espontánea?


¿Puede el ARTE crearse de manera espontánea? Yo creo que si. Esta imagen me puede servir para intentar explicar lo que es el Arte Casual. Veamos este ejemplo de un solar abandonado.

Estaba así cuando yo llegué, y el efecto llamada del cubo de basura tumbado en el suelo, mimetizado con el entorno, como esperando que los arbustos secos se fueran hacia él lentamente, ahora que el calor ya había secado su verde, me pareció llamativo.

Es una lástima que la pared de la izquierda no haya tenido la misma suerte artística que la de la derecha, y esos blancos no ayuden nada a envolver todo, pero lo importante es no tocar. 


Podría haber cortado gran parte de esa zona blanca y haber puesto un encuadre en donde el cubo estuviera esperando desde la zona izquierda. Como se ve abajo. Pero prefería que el cubo fuera el centro. 

Ahora ya tengo dudas. 

La idea de que el cubo estuviera lleno de pinturas y que al caer impregnara toda la pared de enfrente, es potente. Me debería haber movido más hacia la zona del culo del bidón y el encuadre hubiera ganado mucho.

Consejo para aprender a escribir mejor, practicando con truco


Una de las excusas más comunes entre los que gustamos de escribir es que no disponemos de suficiente tiempo libre para hacerlo. Y es verdad.

Nadie tiene suficiente tiempo libre, porque el tiempo vacío no existe. Hay que buscarlo, hay que reorganizar las horas.

Le voy a dar un pequeño truco para que no deje de escribir por problemas de tiempo. Lo primero es que no debe ponerse el listón de la calidad muy alto. Lo importante es escribir. 

¿Usted deja de hablar porque no lo hace igual a un académico?

Intente el siguiente ejercicio.

Piense en una temática que le guste y que domine ligeramente. Practicando mejorará mucho, no lo dude. Puede ser sobre crónica política, social, laboral, gastronómico, educativo, sexo, motor, arte, urbanismo, consejos de salud, o mil temas más que se le ocurran. Pero elija uno y no se salga.

Y ahora la salsa que le dará cuerpo a todo lo que escriba.

Oblíguese a que sus escritos tengan SOLO mil letras con espacios. Que tengan un tamaño entre 900 y 1000 caracteres incluidos los espacios. Con los días tendrá una serie de artículos medidos, temáticos ya demás se habrá obligado a practicar lo que seguro, le ayudará a aprender sin darse cuenta a limar, restar, pulir los textos que escriba.

Ya me dirán si les resulta complejo o sencillo el ejercicio.

Preguntas sobre Arte. Net Arte. Tu Arte



¿Para qué sirve el Arte?

¿Qué es Arte? ¿qué no es una obra de Arte?

¿Es superior el Arte culto que sólo entienden o dicen entender unos pocos…, al Arte Pop?

¿Si la Artesanía hace un sólo ejemplar de una obra se convierte en Arte?

Quien hace Arte, ¿siempre es un artista?

¿Qué valor real tiene una obra de Arte?

¿Quien debe marcar el precio en dinero de una obra de Arte?

¿El Arte efímero acabará con el concepto de Arte mercantilista?



Los mejores pinceles para pintar un cuadro

No existe una respuesta correcta y única sobre cuales son los mejores pinceles para pintar una obra, pues depende en gran medida del tipo de base y pintura o medio utilizado, y sobre todo del tipo de textura que desees obtener al final.

Hoy los pinceles sintéticos que simulan pelo suave y blando son de muy buena calidad y te serán recomendados en la tienda en donde los compres. Y no son tan caros como los de pelo de marta, estos muy suaves e ideales para difuminados.

Los de pelo de cerda son más duros, y si son buenos, resultan excelentes para terminaciones con textura media o alta.

No deben faltarte pinceles planos y redondos, y algunos pinceles muy finos, a ser posible estos ya sí de pelo de marta, si deseas realizar detalles finos a muy finos en el cuadro. 

Si están empezando, ten al menos 6 pinceles que deben ir desde el número 2 al 12. Pero si te gusta trabajar en cuadros pequeños deberás tener al final uno del número 1 que deberás cuidar con exigencia.

Sobre todo cuida mucho la limpieza de las herramientas. Quita el exceso de pintura con un papel y limpia muy bien en aguarrás (o agua si utilizas acrílico) los pinceles. Yo suelo terminar la limpieza con jabón líquido mezclado con agua y después con un enjuague intenso.

¿Que si se puede pintar con algo que no sean pinceles?, claro, faltaría más.

Con telas, esponjas, espátulas, brochas, las manos y los dedos, papel duro, etc. Todo sirve pues nadie te va a preguntar nunca por el tipo de herramientas que has utilizado si la obra es buena. Y si es mala, no te preguntarán nunca nada.

Jesucristo con los brazos estirados. Arte sacro diferente


En el Museo de la Catedral de Málaga se puede ver esta imagen de Jesucristo, con los brazos estirados y no en cruz y con los pies separados. Dos detalles que marcan diferencias con la mayoría de tallas.

Imagen sacra de tamaño medio, con una posición distinta a la habitual.

El artista que la creo tuvo el atrevimiento de romper ideas preconcebidas, de plasmar un punto de vista personal y diferente, incluso más lógico según la historia.

Muchas veces en el arte se trata precisamente de eso, de ser capaces de ofrecer miradas diferentes, variables que el espectador no suele ver en abundancia, no tiene la oportunidad de contemplar con normalidad.

La necesidad de los Museos de Arte Contemporáneo, en las grandes ciudades

Visitando el otro día el Museo de Arte Contemporáneo de Málaga, un numeroso grupo de alumnos de un colegio de la ciudad, de no más de 6 a 7 años, con dos profesoras como cicerones, estaban sentados en el suelo, enfrente de una obra como la de la imagen que muestro. Las profesoras les repartieron papel y colores a tod@s, para que cada uno pintara el trozo del cuadro que más les gustase.

Así de sencillo y de complicado a la vez para un grupo de niños que debían elegir una parte de un todo, aquella que les produjera, sin ellos saberlo, algo en el cerebro, y después intentar copiarlo a “su manera” en un papel.

Excelente ejercicio educativo que por sí solo da sentido a que en las grandes ciudades existan Museos de Arte Contemporáneo, vivos y con sentido formativo, para la gente que viene aprendiendo.

No todo va de ser televisión o deporte. Existen más cosas.

3.5.09

Juan Muñoz y su ARTE, invade el Reina Sofía de Madrid

El artista Juan Muñoz consiguió con esta retrospectiva, que sus obras de arte estén muy vivas después de su prematuro abandono de su trabajo por un problema cardíaco.

Ha logrado que los espectadores hagamos filas para formar parte temporal de sus obras, casi se diría que inacabadas, en espera de que las llenemos con nuestra presencia; unas obras vivas que se mueven o gritan, que dejan luces y espacios para que todos nosotros formemos parte de las mismas, entrando literalmente en algunas de ellas, pisando el lienzo para ser una escultura más, para que nuestra presencia pueda ser contemplada por el resto de espectadores.

Juega con nosotros y nosotros con él y su obra. Y eso es importante, pues lo ofrece a la obra una vida animada con objetos inanimados.

El montaje del Museo Reina Sofía de Madrid es excelente, en una nueva manera de entender los museos, para que sean vivos y cambiantes, según las temporales que se crean.

Tenemos tiempo hasta agosto para visitar la muestra, de la que dejaré imágenes propias en próximos días.

Una flor que nos engaña…, sin quererlo

Su color nos puede. Envidiosamente tenemos que reconocer que somos incapaces de copiar sus colores, de lograr esos potentes magentas, esos rojos tan profundos.

No podemos copiar sus colores, incluso los amarillos de sus entrañas se nos pierden a no ser que ampliemos la imagen.

¡Puñetera flor!, qué envidia te tengo.

Cuadro para mirar y tal vez soñar. O no

Esta mirada se me quedó fija en una exposición de Málaga, en su Museo de Arte Contemporáneo. No sabemos bien qué nos quiere decir, pero resulta interesante que al mirarla nos hagamos una idea de lo que se esconde detrás de esta mirada.

Ver…, saber mirar y adivinar…, es un buen ejercicio. 

Es igual que coincidamos o no, lo importante es que nos guste ver e intentar leer algo en el arte.

Poco a poco nos iremos educando (o no) el gusto artístico, pero para ello, hay que mirar.