Bernardo Polo, un artista zaragozano poco conocido

El artista zaragozano Bernardo Polo fue durante muchos años un artista confundido como pintor italiano al que se llamaba "Maestro Frutero" hasta que en una de sus obra apareció su firma de manera muy clara. 

Pintor barroco del siglo XVI era un encargado de taller donde se realizaban obras por encargo de flores y frutar para decorar palacios y pequeñas estancias. Eran obras que se hacían en series de dos en dos o de más elementos, realizadas para habitaciones específicas.

Lo traemos aquí por su maestría en el arte de las naturalezas muertas, por zaragozano y por lo olvidados que resultan muchos artistas de nuestra tierra si no han sido capaces de trascender fuera de sus fronteras con esa contundencia que resulta ya imposible de negar.

Arte caprichoso por los suelos, en Amsterdam

Las obras de arte entran por la sensación, tal vez incluso por la sensibilidad del momento. Por eso a veces algo que resulta a mis ojos una obra de arte no lo es. Depende. Este caso es clarísimo y no sé bien el motivo. 

Estaba de paseo por la ciudad de Amsterdam y en uno de sus barrios exteriores vi en la entrada a la casa esta alfombra. Es muy posible que sea de un gran centro comercial, una alfombra de suelo de fabricación industrial. Pero en ese momento sus líneas me atraparon, mi vista se quedó allí unos instantes.

En ese momento era para mi ARTE y por eso lo pilla con mi cámara y me la traje para mi bolsillo. No tiene nada más. Ni nada menos. Así es el arte de caprichoso.

Mapa del Cubismo y el Arte Abstracto, desde 1890 a 1935

Para ir despidiendo este 2019 voy a dejaros este gráfico o plano descriptivo del Arte Abstracto y Cubista desde 1890 a 1935 de un catálogo de finales de los años 30, que representa bastante bien la evolución del arte moderno de principios del siglo XX y su evolución desde el nacimiento de las nuevas tendencias. No es perfecto, pero es un punto de arranque para seguir investigando.

La cicatriz de Belén de Banksy

El artista británico Banksy en su propio hotel de la ciudad palestina de Belén ha montado un original nacimiento, en el que José, María y el niño Jesús tienen de telón de fondo el imponente muro israelí con un impacto de proyectil con forma de estrella. La obra titulada “La cicatriz de Belén” en un juego de palabras pues en inglés intenta confundir las palabras “scar/cicatriz” con la de “star/estrella” representando la estrella con un agujero de un proyectil sobre el muro que separa Palestina de Israel.

El "The Walled Off Hotel" ("El hotel enclaustrado") dice tener las "peores vistas del mundo para un hotel", pues sus ventanas miran hacia el muro israelí de ocho metros, y en su hall de entrada es donde han montado esta representación de un belén.

Cristina Huarte, un valor zaragozano en el nuevo ARTE

La joven artista aragonesa Cristina Huarte nos ha presentado esta obra titulada “Tristeza sin dónde” realizada en el año 2018 a lápiz conté y al óleo en el Premio Ibercaja de Pintura Joven 2019. 

Sin duda esta artista además de trabajar incansablemente en muy diversas técnicas, es un valor al que hay que seguir en el futuro por la diversidad de sus trabajos y por la novedosa forma de provocar con sus obras y sus montajes.

Picasso contemplado en pareja. Parejas contemplando a parejas

No podemos saber qué pensaban esta pareja contemplando a otras parejas. Parejas de Picasso enfrente de parejas de Picasso. Parejas pensando, contemplando con la imaginación e imaginando con la contemplación. El arte obliga, exige, paraliza, provoca. El arte te traslada y te mueve.

Contemplar a los que contemplan es otra forma de construir un paisaje para tu mirada, pues podría ser que la suma creara otro cuadro diferente. Todo es posible con el arte como medio, como herramienta de mover sensaciones.

Poema de un adolescente que va para artista

Un leve poema de una persona muy joven, de esa adolescencia a golpes y a gritos, es siempre un ejemplo de arte inicial, de grito de vida y de sentimientos, de sensaciones que nos vuelven pues todos hemos pasado por esas épocas. 

Han pasado por encima de él dos años, no sabemos qué piensa, seguro que esta hoja ya la habrá destruido, es poesía efímera de almas conquistador¡as de su propia libertad. De su espacio personal de futuro. Es la vida.

Pintura americana de recolectores rurales

A veces una obra de arte te entra por los ojos y no sabes bien ni información sobre ella ni autor o fecha, como datos más básicos para posicionarla. En este caso me la encontré en una cafetería restaurante de Asturias y me gusto su tipología posiblemente iberoamericana. El color, el puntillismo grueso, su repetición decorativa de algunos de sus elementos. 

Miniatura del libro llamado Layla wa Majnún del siglo XIX

Miniatura del libro llamado “Layla wa Majnún” realizada sobre 1845 y que representa el diálogo entre Qais ibn Al-Mulawwah (Madjun) y el aristócrata Nawfel (Nufel). Majnun está sentada debajo de un sauce llorón y le cuenta a Nawfel su amor imposible por Layla mientras en el suelo hay un sirviente y detrás cuatro jinetes que vigilan la escena y el diálogo.

El libro Layla wa Majnun es una de las novelas más populares del mundo islámico y está basado en un cuento beduino de amor, Tiene más de 4.000 versos dobles y ha sido traducido innumerables veces a muy distintos idiomas. Se basa en historias persas del siglo XI.

Berlinde De Bruyckere y sus duras esculturas muertas

Berlinde De Bruyckere es una escultora belga que trabaja con muy diversos materiales para crear una obra muy personal, fácilmente reconocible, que sin duda impresiona nada más verla. Grandes esculturas, duras de ver y de sentir, que no pueden dejar indiferente al espectador.

Puede emplear maderas, ceras, ropas o mantas, metales y siempre unas miradas duras sobre realidades creadas para provocar sensaciones de muerte, de finales, de vidas truncadas. De lo poca cosa que somos en realidad, y lo tristes que podemos ser en cuanto dejamos de estar vivos.

Parásitos, ¿solamente coreanos? ¿quienes somos los parásitos?

No es la primera vez que el cine coreano me da una bofetada anímica para bien. Y eso que me aburre por falta de acción en general el cine asiático, salvo contadísimas historias como las de Farhadi o Kitano. Que me hacen estar pegado por encrespamiento de sensibilidad a la butaca.

Sin embargo con el cine coreano experimento una sensación de familiariedad y cercanía, de gusto a gran cine, de imperio de mis sentidos y sensibilidad, incluso de gusto por la acción dentro de narraciones de vida ordinaria que me seducen.

Me pasa desde que Kim Ki-duk me mostró el carácter, mentalidad, relación con el paisaje y sentido del humor coreanos. Lo creía enorme porque conozco el japonés aplicado incluso a la muerte de seres queridos. Y también porque suponía que alguien se estaría descojonando en clave de superar censuras: hablo de la situación de aislamiento respecto de su vecina del norte. Y sí, lo hacen y muy bien.

Bong Joon-ho ha recorrido ese camino con virtuosismo realista, adentrándose en la sociedad coreana vigente en “Parásitos”.

La película me transportó a ese exceso de información descontrolada que todos tenemos por parcial, acabando por colocarla. Porque me recordó a los cinco millones de coreanos residentes en Japón a quienes se negó la nacionalidad nipona, los emigrados a partir del conflicto coreano. Vivieron y aún hoy sus hijos como semi-esclavos maniobreros de maquila con denominación propia despectiva: “zainichi”. Literalmente significa residentes en Japón. Nada más.

En Europa se repite casualmente en otro país del Eje, Alemania, respecto de los turcos allí nacidos. Se quiere exportar a Euskadi, Catalunya y demás.

También me vinieron a la mente las violaciones masivas sin memoria histórica, o con memoria y restituciones mal resueltas, llevadas a cabo por el ejército japonés en la Península de Corea. En los campos de internamiento de las mujeres coreanas al servicio sexual del superhombre amarillo. Denunciadas indirectamente pero con decisión por Murakami Haruki San, el de los maratones. Superador de Mishima.

Tanto dolor padecido en Corea del Sur, tanta amenaza aún hoy existente, han dejado un reguero de profundas cicatrices mal operadas. Sociales, políticas… no vamos a pensar que no afecten a las personas.

Ni los anticuerpos y antibióticos Samsung o Hyundai han servido como antídotos. Tampoco para restañar la condición de zainichi dentro de su propio país de millones de coreanos.

La cinta versa sobre la imperfección de la planificación de la venganza por los excluidos, tiene un regusto confuciano importante. No cabe planificar imposturas contra la clase dominante, aunque las ensayes y perfecciones. Porque si has nacido en un suburbio (en una shitamachi o ciudad baja en japonés), te decoficarán incluso los hijos de los nuevos ricos por tu olor a metro y verdura cocida.

Esta clave filosófica subyacente para mí es en cierto modo natural, porque conozco bien el sistema piramidal de no salirse del tiesto de las sociedades orientales.

Todas con retrogusto mandarinesco en sus clases dominantes políticas y empresariales. Que, por cierto, se confunden en la práctica. Mitsubishi o LD son zaibatsu: compañías que perciben subvenciones gubernamentales haciendo dumping mundial para dominar el comercio de un producto determinado, son bancos, compañías de seguros, compran la deuda pública de su país y demás…

El Corte Inglés tiene un modelo parecido, y supongo que importado de Asia, en el tratamiento de sus empleados. Que pueden comprar ocio y vida privada a través de la empresa.

Excluidos del sistema pícaros que huelen a metro y parásitos de casta baja zainichi hay en todas las sociedades. Españoles de segunda y de tercera. Forman parte de nuestra mejor literatura, incluso escrita por Cela.

Son los asolados por cada inundación, enorme metáfora de la película. Además se trata de una inundación fecal apoteósica: eso en España no se hubiera grabado por caridad socialdemócrata.

Pero no hace falta nacer en una sociedad confuciana para estar dentro de una trama de imposibilidad de matrimonio o relación fuera del estrato, para vivir una exclusión del sistema laboral incluso bien formado.

Solamente quedan la picaresca y la violencia contra el respingo. ¿Quiénes somos o son los parásitos?

Obviamente, para componer semejante friso hacen falta actores nada canónicos ni que declamen modo escuela de teatro. Que se introduzcan en los personajes como si de personas de ese estrato se tratara.

Es imposible no afirmar que se trata de una obra autobiográfica de Bong Joon-ho. O puede que el guión lo escribiera pensando también en mí y también en tí.

Está escrito que la división conviene y no se supera por conveniencia de muchos. La súper especialización separa a los triunfadores de advertirla, ocupados como están en diseñar la siguiente generación de teléfonos inteligentes. Dejando familia, alimentación y vida en manos de esos otros parásitos.

11.12 Luis Iribarren

Posiblemente la pintura más antigua que se conoce

En Indonesia han encontrado lo que podría ser la pintura más antigua de nuestra presencia en la Tierra, unas escenas de caza de más de 40.000 años de antigüedad descubiertas en una cueva al sur de Sulawesi en la cueva Leang Bulu' Sipong donde podemos ver a figuras humanas pero con algunas características de animales para producir temores o como demostración de que acudían disfrazados a la caza, con lanzas y cuerdas atrapando a grandes animales. 

También cabe la idea de que estos humanos se transformaban en animales con poderes extraordinarios cuando se presentaban ante los animales a los que iban a cazar, para dotarlos de poderes adicionales, lo que sugiere unos pensamientos casi religiosos que lograban transformar a los humanos según la actividad que iban a realizar, dotándolos de poderes sobrehumanos.

En una zona de casi cinco metros de ancha han aparecido hasta ocho figuras humanas cazando a seis animales. Dos grandes cerdos verrugosos y cuatro búfalos enanos que todavía existen por la zona. Todos ellos pintados en unos pigmentos rojo oscuro. Las figuras humanas tienes partes de su cuerpo dibujadas con elementos que recuerdan a animales de menor tamaño de la misma zona.

La edad calculada de las pinturas a través de técnicas radioactivas podría variar entre los 35.000 y los 44.000 años. En Europa las imágenes pintadas más antiguas no llegan a los 20.000 años de antigüedad. Sería pues una escena de caza sumamente interesante por lo que plantea distintas edades de los asentamientos de los humanos con capacidad de comunicación.

Arte Urbano en Zaragoza, arte efímero del siglo XXI

Arte Urbano en Zaragoza, arte efímero que durará semanas, meses, que hace cambiar el paisaje de los espacios urbanos. No es de nadie pues es de todos. Pequeños gritos artísticos del siglo XXI que nos marcan nuestra manera de expresión artístico, cuando el arte tiene un valor alejado de los mercados.

Una marina de Pau Navarro para recordar momentos

El joven artista levantino Pau Navarro, de familia de grandes artistas tiene esa mirada decorativa que podría parece una despectiva forma de referirse a su obra, cuando en realidad es un adjetivo calificativo positivo pues añade a su bella técnica esa mirada fotográfica y actual para reflejar de la mejor manera posible los paisajes que él observa todos los días, eligiendo los detalles que separa del total para volverlos protagonistas.

En este caso os dejo una marina donde lo que realmente nos muestra lo que impresiona, la fuerza del agua al romper en la playa, algo común para todos, pero sobre todo algo que todos desearíamos tener cerca cuando necesitamos recordar momentos.

Mari Chordá y una de sus obras más feministas

De la artista catalana Mari Chordá Recasens os dejo arriba la obra “La Gran Vagina” realizada en ceras sobre papel en el año 1966. Pintora, poeta, escritora y activista sociocultural feminista española desde los tiempos de la Transición, es una gran trabajadora por los derechos de la mujer desde el arte y el trabajo colectivo de todo tipo de cultura como herramienta que siempre sirve para buscar la libertad, el reconocimiento y la autoestima.

Os dejo a continuación un poema suyo.

Primero la hormiga dijo: ‘sácame de encima esta pata enorme’. 

El elefante dormía y ella hizo un túnel. 

Aquí comenzó la más increíble cultura subterránea.

Amnistía de Agustín Ibarrola. Pintura expresionista

Una obra al óleo sobre lienzo del vasco Agustín Ibarrola que realizó en el año 1976 titulado "Amnistía". Aunque mucho mas conocido en la actualidad por sus intervenciones escultóricas, utilizando la naturaleza para crear obras, comenzó de forma autodidacta su trabajo como artista siendo pintor de obra que desde el cubismo plasmaba sus ideas y miradas hacia un expresionismo social.

Militante activo de la izquierda vasca desde movimientos comunistas, pasó varias veces por la cárcel por defender a obreros en los años finales de la dictadura o los primeros tiempos de la Transición. Esta obra la realizó precisamente a los pocos años de salir de la prisión de Burgos por motivos políticos.

Los Bichos de la calle San Agustín de Zaragoza

Maravillosos bichos para ocasiones americanas de celebrar el Día de Difuntos. Muertos de casa, de salón comedor, de mesa puesta y servida, de aperitivos rojos y caldosos. 

No te encuentro, Muerte, porque estás encajonada y me pones mala cara. Así no, chata, así seguirás lejos y no te quiero ni buscar ni mucho menos encontrar. ¡¡Cámbiame de cara!! hostias. Y no me vengas de tres en tres, que solo será capaz de aguantar una.

Chikita y sus doble mirada de la Vida y la Muerte

En el Centro de Historias de Zaragoza pudimos ver en el año 2019 la obras de cuatro artistas de nuestra ciudad que exponen sus trabajos dentro de un colectiva que llaman "Vida o Muerte" y donde nos muestran sus miradas de arte urbano, tatuajes y detalles de arquitectura innovadora. 

Esta obra es de unos de ellos: "Chikita" que con esta obra doble me atrapó al unir de una forma tan sutil la vida y la muerte siendo casi ambas igual de bellas. 

Cuidado con pensar como yo o como Chikita, que con la muerte no se juega. Si acaso en pintura y no siempre.

Se descorre la cortina. Federico García Lorca

Del libro Impresiones y Paisajes de Federico García Lorca, su primer libro publicado con muy poco éxito por cierto, os dejo un texto de su inicio, para detectar en sus primeras palabras su espíritu poético que también traslada a este libro de prosa, un libro de viajes por la Castilla Vieja, León y Galicia. Escrito entre 1916 y 1917, se publicó un año más tarde.

Arte Prehistórico en un niño artista… hasta que le enseñan a no serlo

Este es un dibujo de un niño de poco más de dos años y medio y al que podríamos llamar Yuriel por ponerle un nombre. Una maravillosa edad para desarrollar sus instintos artísticos y dejarse llevar por construir lo que ve según él lo ve a su edad y dejando que sus manos hagan el resto. Algunos artistas muy conocidos supieron quedarse en estas fases del arte, pero admitimos que es muy complicado lograrlo. Nos enseñan a olvidarnos de lo que hemos aprendido en la niñez. Nadie quiere que seamos personas de 1,80 con la mentalidad artística de un niño de cuatro años.  Excepto si eres Miró, Dalí o Picasso, por poner ejemplos españoles y fáciles.

A esta edad se puede dibujar lo que se quiera, otra cosa es que se entienda con nuestra mentalidad de adulto, ya modificada, lo que realmente nos intenta mostrar el niño, lo que él construye con la suma de sus manos más su forma de ver las cosas.

No voy a realizar trampas, estos dibujos de arriba están hechos a la vez, en la misma sesión sobre pizarra y con clarión, pero no están así de distribuidos. Aquí ya ha intervenido la mano del corrector digital, para joder el dibujo original del niño.

Yo mismo he readaptado lo que el niño ha planteado… hacia mis propios espacios lógicos. Creyendo incluso que también son los vuestros. En la imagen de abajo podemos ver la distribución de los mismos elementos tal y como los dibujó realmente el niño.

Vemos en los dibujos a una persona, a un globo, posiblemente unas piedras a la izquierda y una figura que he querido mantener sin saber bien qué nos quería decir el niño con ella. Pero el motivo de este pequeño ejercicio es ver de qué manera ya somos capaces desde muy pequeños de esquematizar los elementos que observamos hacia figuras muy simples, minimalistas, ahorrando detalles que no nos sirven para comprender nada.

Es como si estuviéramos viendo un Arte Prehistórico, donde lo importante no son los detalles sino la transmisión de un mensaje, de “un algo” de una forma de escribir con rayas y formas. Y lo seguimos viendo en la vida común. El símbolo de la fuerza del Cristianismo son dos rayas. Del judaísmo dos triángulos mezclados, del islam figuras simples del firmamento.

La pregunta sería: ¿Crecemos cuando añadimos detalles a los símbolos, a las representaciones, o las estamos complicando para poderlas manipular? ¿Con cuántas mínimas palabras, gestos o símbolos podemos explicar la belleza, el amor, el humanismo, etc.? 

¿Necesitamos una gran obra de Velázquez con todos sus detalles para explicar la violencia de una guerra o nos sirven las simples formas de un Picasso o un Miró?

La defensa de los Derechos Humanos, en una escultura en Murcia

En el centro de la ciudad de Murcia está instalada una escultura del artista murciano Mariano González Beltrán que simboliza la defensa de Los Derechos Humanos a través de un grupo de diversas personas comunes unidas y en corro, observando a quien pasa por la plaza. En la imagen podemos ver una pequeña sección de la escultura.

Es un círculo de vida pues podemos ver desde un niño a una mujer embarazada, desde unos ancianos a adultos reflexionando mientras todos ellos están unidos por sus brazos y manos. Una copia de esta escultura la donó el propio Gobierno de Murcia a la ciudad de Estrasburgo para ser montada en los jardines exteriores del Palacio de los Derechos Humanos.

El Casino de Murcia y su Salón de Baile

España está llena de pequeños espacios maravillosos donde el arte complementa lo que ya de por sí es espléndido. Una sorpresa para quien no lo conozca es el Casino de Murcia, y aunque todo él es una maravilla construida para hacerte viajar con las sensaciones voy a referirme más en concreto al Salón de Bailes, lugar donde hace un par de décadas sonaba al entrar un vals que te obligaba a ponerte a bailar y que ahora, ya reconstruido representa un espacio imprescindible en cualquier visita a Murcia.

El Salón de Baile impacta al entrar a poco que levantes la mirada hacia el techo y veas pintado en lienzos luego pegados al techo unas maravillosas obras que acompañan al recinto para lo que fue construido el enorme salón. 

Pintados en el año 1876, refleja escenas musicales en sus 180 metros cuadrados, pintados entre Manuel Picolo López las escenas de músicos, y a Manuel Sanmiguel las partes donde se pueden ver a murcianos famosos.

Un simple dibujo pintura de Yayoi Kusama ¿Un simple dibujo?

Hoy mismo he publicado una obra de Yayoi Kusama, la artista japonesa multidisciplinar que pinta, esculpe, dibuja o realiza performance y recrea sueños o instalaciones envolventes para crear mundo nuevos.

Ahora os dejo simplemente un dibujo, que parece efectivamente un simple dibujo ante la figura tan compleja y llena de arte como es Yayoi Kusama. Pero precisamente por eso traigo esta obra, para demostrar que el dibujo no es nunca algo siempre, no es siempre un inicio, un boceto, sino que muchas veces puede ser una obra completa y llena.

Poesía, literatura en la calle del Madrid de 2011

«Hanse de casar las fábulas mentirosas con el entendimiento de los que las leyeren, escribiéndose de suerte que, facilitando los imposibles, allanando las grandezas, suspendiendo los ánimos, admiren, suspendan, alborozan y entretengan de modo que anden a un mismo paso la admiración y la alegría juntas, y todas estas cosas no podrá hacer el que huyera de la verisimilitud y de la imitación, en quien consiste la perfección de lo que se escribe. No he visto ningún libro de caballerías que haga un cuerpo de fábula entero con todos sus miembros, de manera que el medio corresponda al principio, y el fin al principio y al medio, sino que los componen con tantos miembros, que más parece que llevan intención a formar una quimera o un monstruo, que a hacer una figura proporcionada»

Yayoi Kusama y su mundo interior de sueños

La artista japonesa Yayoi Kusama ha creado obras utilizando muchos métodos de trabajo, desde escultura a pintura, desde literatura a performance o diseño. Es claramente una creadora que trabaja las repeticiones, los patrones y texturas repetitivas, creando a veces como pequeñas obras teatrales en secuencias de una mezcla de Arte Pop y surrealismo abstracto, minimalismo o incluso expresionismo abstracto. Su mundo interior influido por problemas personales lo saca en sus obras, creando a veces mundo que parecen imposibles pero que en realidad son simples transformaciones de sus puntos de vista interiores, a veces surrealistas.

El surrealismo de Javier Ciria Escartivol

Javier Ciria Escartivol fue un pintor surrealista aragonés del siglo XX (nació en 1904) que también trabajó la escultura y que sobre todo creó mucho basándose en temas marinos desde muy diferentes miradas. Con 45 años se marchó a Barcelona donde acabó su carrera en el año 1991. Artista que presentó importantes exposiciones individuales y que aun sin estar en Aragón mantuvo estrechas relaciones con su tierra de origen y con los artistas aragoneses de su época.

Esta obra que vemos la tituló “Despertar, caminos de la pintura” y la realizó en el año 1933 al óleo, siendo propiedad del Museo de Zaragoza. Es un cuadro relativamente pequeño pues tiene un tamaño de 27 x 34 centímetros.

Última Cena de Jaume Blanquer en Palma de Mallorca

En la Catedral de Mallorca podemos contemplar en la zona central del primer cuerpo esta Última Cena en el retablo del Corpus Christi iniciado en el año 1626 por Jaume Blanquer y que fue uno de sus últimas obras antes de fallecer en 1636. Está enterrado detrás de este mismo retablo.

Date un poco de autoestima. Y hazlo. O te copiarán

"Todo lo que una persona puede imaginar, otras podrán hacerlo realidad"

El Manierismo tras el Renacimiento en el siglo XVI

Tras el Renacimiento en el Arte europeo, surge una nueva tendencia que conocemos con el nombre curioso de Manierismo, también nacido por transformación en la Italia del siglo XIV donde los artistas empiezan a trabajar más las emociones en sus obras, entrando ya de lleno en las representaciones teatrales, incluso en algunos atisbos de un surrealismo que no se ve como tal.

Los artistas se salen de lo establecido hasta entonces, lo cual sin duda es hoy un buen ejemplo lógico del papel del arte ante la sociedad, y empiezan a trabajar mucho más la invención de los paisajes, saliéndose de lo real para construir escenas a gusto de cada artista, tocando incluso el erotismo, cada uno con su propio “estilo” con su propia “manera de hacer” de donde viene la palabra Manierismo, y que representa una libertad para crear pero sin salirse de los clásicos modos de ver la sociedad que había que pintar.

La pintura se complica, se trabaja mucho más las texturas, se dejan zonas de los cuadros en apariencia sin terminar o bocetadas, se empieza “a jugar” con la forma de pintar de cada artista. Se busca sorprender al espectador, ser más llamativo con las obras y las escenas representadas, más provocadores con escenas que se inventaban precisamente para eso, para llamar la atención de que el arte podía generar escenas inverosímiles, creadas para ser enseñadas y que no siempre tenían que ser reales.

La obra de arriba es de Jan Gossaert y la de abajo de Giuseppe Arcimboldo

Carla Nicolás y sus obras "Abrigo"

Hasta el 6 enero de 2020 podemos ver en la Sala Montemuzo del Ayuntamiento de Zaragoza las últimas obras de la artista zaragozana Carla Nicolás, Premio Isabel de Portugal 2019, con una serie de trabajos que sin duda no te dejarán vacío de ideas y reflexiones y titulada “Abrigo” donde durante el periodo de gestación como madre ha realizado todo un trabajo complejísimo y vital, variado y tocando diferentes disciplinas, para plasmar sus sensaciones, sus motivaciones e instintos en una evolución que se movía en el tiempo al mismo ritmo que ella crecía en su maternidad.

Busca una simbiosis entre la piel del ajo y la piel de la vida, entre la función protectora del ajo y en concreto de su piel, y la realidad de la vivencia de ser madre y llevar vida dentro a la que debe proteger de forma instintiva pero a la vez dando soporte vital al nuevo ser que ya le inspira y le abre a nuevas ideas. Sin duda una exposición muy recomendable.

Cena de fiesta en Casa de Leví, de Paolo Veronese

Cuando hablamos de Renacimiento pleno o Alto Renacimiento hablamos de la época posterior al trabajo del Renacimiento surgido en la Florencia en el siglo XIV para adentrarnos en el siglo XV y en los inicios del siglo XVI, con obras muchos más terminadas, donde los artistas ya tenían un papel claro y reconocido como hábiles retratadores del momento y donde la figura humana volvía a recobrar su importancia con todo lujo de detalles.

Se trabajó mucho más las escenas, el relieve en pintura, los detalles de las musculaciones y rostros, los gestos, las expresiones, los ambientes que rodeaban las escenas. Se premiaba la calidad de los trabajos, se reconocían a los artistas y se les ponía en un lugar prominente en los trabajos culturales que gobernaban las Grandes Familias de aquellos siglos, no solo ya la iglesia o las monarquías, sino también los poderosos hombres de negocios. Escultura, pintura y dibujo ocupaban ya los trabajos y encargos de aquella nueva época casi dorada.

En la imagen podemos ver la obra “Cena de fiesta en Casa de Leví” de Paolo Veronese “El Veronés”, una obra de casi seis metros de ancha, pintada en el año 1573 representando una Última Cena en tela puesta sobre la pared posterior del comedor del convento de San Juan y San Pablo. En realidad la obra era La Última Cena, pero fue requerido por la Inquisición pues en la obra se veía a bufones, soldados y gentes del pueblo y aquello no gustaba nada a las autoridades. Se le mandó retocar la obra pero al final solo le cambió el nombre hacia el que se le conoce en la actualidad, olvidándose de que fuera La Última Cena. 

Nacimiento de Giotto de Bondone. Renacimiento Temprado

El Renacimiento supuso volver a rescatar el arte del control religioso sin dejar de lado la religión. Suponía volver a poner en valor la filosofía, la ética, la arquitectura o las artes sin que tuvieran que dependen en exclusiva de la religión volviendo la mirada hacia las artes de Grecia y Roma de antaño. Era volver "a Renacer" volviendo atrás para impulsar de nuevo. Dividido en dos bloques, el Renacimiento supuso también la vuelta al relieve, a la perspectiva, a la naturalidad.

Aquí vemos un ejemplo de pintura del Renacimiento Temprano de principios del siglo XIV, del artista florentino Giotto de Bondone que entre los siglos XIII y XIV abrió nuevas ideas sin salirse de las obras religiosas, pero planteando imágenes más naturales, en casi movimiento, que iniciaban una nueva manera de entender el arte pictórico, acercándose a la realidad. Ya no solo se mostraban imágenes en escenas simples, sino que se mostraban emociones, escenas casi teatrales que iban abriendo nuevas ideas a la pintura y al arte.

Escaleras en San Sebastián para gritar con ARTE

La Bienal MUGAK de San Sebastián ha cerrada la ‘Semana de las Escuelas de Arquitectura’ de 2019 con dos instalaciones que se fijan en las fronteras desde perspectivas diferentes. En plena fachada del Museo San Telmo se han colocado un centenar de escaleras construidas por personas migrantes que las utilizaron para saltar la valla de Melilla, obra del artista Fernando Clavería, que es la que vemos en la imagen, muestra clara de que el ARTE es una maravillosa manera de expresión y de grito social.

La obra titulada ‘Muga’ llegó a la Bienal de la mano de la Escuela de Arquitectura de Toledo y de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la UPV/EHU, cuyos estudiantes se han encargado de la instalación a lo largo de este viernes. La instalación permanecerá en la Plaza Zuloaga hasta mediados de noviembre.

Fernando Clavería ideó el uso artístico de las escaleras en 2005 y, tras tres meses de infructuosas gestiones con las instituciones locales, logró trasladarlas de Melilla a la Península para poder crear la obra. “La renta española es cinco veces mayor que la de Marruecos –y hasta 25 veces superior a la de Mali-, es una realidad que se concentra en apenas 10,8 kilómetros entre el norte y el sur”, indica el artista.

Las escaleras, de hasta cinco metros de altura hechas con ramas, jirones de ropa y cuerda, son el “reflejo del drama de la huida y de una búsqueda a través de muchos kilómetros”, indica Fernando Clavería para añadir imagen clara al drama de la emigración.

Surrealismo pictórico de las miradas

"Miradas Ocultas" - M. C. de la Fuente - 2019

Los peces también tienen plazas en Portugal

"Portugal" - Plaza del Pez - Plaça dó Peixe - 2019

Pedro Juan Gutiérrez y su Poesía Visual de artefactos

El artista cubano Pedro Juan Gutiérrez, también vendedor de periódicos y de helados, soldado, obrero de la construcción, cortador de caña de azúcar y periodista durante 26 años es además poeta visual, escribidor de ideas o de artefactos como le gusta llamarlos a él mismo, artista visual que recoge y monta proyectos pequeños para libros que se han publicado hasta en 22 idiomas. Vive en La Habana, donde se dedica a escribir y a pintar.

“Las reflexiones provocadas por el texto las hace el lector. Yo sólo hago el cincuenta por ciento del trabajo. El resto lo pone el lector”.

Mujer. En Palencia no gustó casi nada esta escultura

Escultura del artista Indalecio López en la ciudad de Palencia, titulada "Mujer" y que fue muy criticada en la ciudad por su apariencia. La llaman coloquialmente "La gorda".

Llovía sobre las tumbas de los judíos, pero había flores

Creo que ví pasear a Kafka mientras llovía sobre las tumbas de los judíos.

No tenía un cordel blanco pero até una bufanda olvidada en el puente de las cadenas y pude respirar alivia.

Cada diez minutos me preguntabas la hora y yo abría el reloj que colgaba en mi cuello, no me importaba, el tiempo es infinito. 

Son las seis de la tarde, a esa misma hora los enterraron, no ponen flores sólo piedritas una al lado de la otra. Las toqué todas.

Cristina Pola

La delicadeza de lo tremendamente enorme

"Suavidad de madera" - Palencia 2016

El Dios Vishvarupa, arte religioso indio

El artista indio Manjunath Kamath nos presenta aquí una instalación de 1008 piezas de pintura realizadas con acuarelas o manchas de té y titulada “Vishvarupa” que es una deidad infinita (la forma máxima de Vishnu, que se puede presentar de todas las formas posibles, para poder proteger a todos los habitantes del universo. Un Dios pacífico o feroz, dependiendo del motivo y el momento, con la finalidad última de salvar el mundo. Una obra surrealista pero viva que conforma en la suma de todos sus elementos la figura del Dios.

Escultura urbana en las calles de Palencia

"Ave Urbana" - Palencia

Mosaico del Océano y las Nereidas en Palencia

Este mosaico romano lo llaman “Mosaico del Océano y las Nereidas” y se encontró junto al río Pisuerga en la llamada Villa Possídica de Dueñas en Palencia. Podemos ver en su zona centro al Dios griego Océano, rodeado de las Nereidas que parecen significar las olas del mar, rodeadas de peces y animales mitológicos. Todo el conjunto estaba sobre unos baños de la zona, donde este sería el suelo de una gran habitación, la base de una de las estancias principales.

Arte romano, arte con dos mil años, pero sobre todo arte que necesita una restauración. Es verdad que cuesta dinero restaurar obras de arte antiguo, la misma verdad que las salidas profesionales de los restauradores o figuras similares de licenciados en arte no tiene fácil acomodo en la vida laboral. ¿Alguien se imagina lo que se haría en otros países con estos yacimientos?

Ya sé, pues los conozco que en otros países están peor y que algunos restos de ciudades romanas actualmente habitados todavía se van perdiendo constantemente por la (casi) nula conservación. Pero cada país tiene la responsabilidad que le corresponde con arreglo a su historia y a sus posibilidades. Y el arte antiguo no nos pertenece a los que vivimos hoy, sino a todas las generaciones. También a las futuras. Así que como poco, tenemos la obligación de conservar.

Zaragoza no mira al Ebro, pero otras ciudades sí

Esta imagen nos muestra varias disciplinas de arte en una sola instantánea. El arte de una bella ciudad que mira a su río mientras en otras ciudades como Zaragoza los bancos para descansar los ponemos a espaldas de Ebro; el arte de saber estar descalza en el centro de una gran ciudad; el arte de la escritura y del recuerdo guardado con las impresiones en un cuaderno de bitácora; y el arte de la fotografía que ha sabido captar el instante, el momento, la sensación, el espíritu de la calma, del transeúnte, de la calle que se ha convertido en hogar.

Cuando una ciudad logra que sus calles sean como una extensión de los propios hogares, de las propias cuevas… estamos ante una gran ciudad. El fotógrafo que supo cazar la bella y completa instantánea es Luis Iribarren.

Niranjan Jonnalagadda y un Buda meditando debajo de un árbol

El artista indio Niranjan Jonnalagadda (vive en Srikalahasti, una ciudad sagrada en el distrito de Chittoor del estado indio de Andhra Pradesh) pintó al temple esta obra titulada “Buda meditando debajo de un árbol” donde podemos ver a un Buda sentado, contemplativo, lleno de elementos naturales a su alrededor representando la vida natural que le rodea para poder meditar debajo de un árbol Bodhi.

La técnica de la obra es totalmente tradicional y muy antigua y se basa en un tejido a modo de lienzo tratado de una forma especial para soportar bien las tintas naturales con las que pinta, primero la negra para perfilar y luego las de colores para realzar. Todo ello con una pluma especial llamada qalam o kalam que es una caña fina hueca a la que se le realiza un corte transversal para sacarle punta y poder así escribir o pintar, creando diversos grosores según lo que se deja de caña en la punta con la que se dibuja. 

Esta técnica se llama Kalamkari y trabaja con una docena de pasos totalmente reglados, donde la preparación de la tela es la fundamental pues se pasa por diversos procesos para blanquearla incluido uno con estiércol animal líquido para que después los tintes realizados con semillas y flore, queden en el lienzo durante muchos años.

Dentro de la pintura que realiza Niranjan Jonnalagadda hay obras claramente tradicionales, pero también de arte contemporáneo, pues con las mismas técnicas realiza trabajos totalmente modernos, llenos de color y detalles de la naturaleza.