2.12.19

Una marina de Pau Navarro para recordar momentos

El joven artista levantino Pau Navarro, de familia de grandes artistas tiene esa mirada decorativa que podría parece una despectiva forma de referirse a su obra, cuando en realidad es un adjetivo calificativo positivo pues añade a su bella técnica esa mirada fotográfica y actual para reflejar de la mejor manera posible los paisajes que él observa todos los días, eligiendo los detalles que separa del total para volverlos protagonistas.

En este caso os dejo una marina donde lo que realmente nos muestra lo que impresiona, la fuerza del agua al romper en la playa, algo común para todos, pero sobre todo algo que todos desearíamos tener cerca cuando necesitamos recordar momentos.

1.12.19

Mari Chordá y una de sus obras más feministas

De la artista catalana Mari Chordá Recasens os dejo arriba la obra “La Gran Vagina” realizada en ceras sobre papel en el año 1966. Pintora, poeta, escritora y activista sociocultural feminista española desde los tiempos de la Transición, es una gran trabajadora por los derechos de la mujer desde el arte y el trabajo colectivo de todo tipo de cultura como herramienta que siempre sirve para buscar la libertad, el reconocimiento y la autoestima.

Os dejo a continuación un poema suyo.


Primero la hormiga dijo: ‘sácame de encima esta pata enorme’. 

El elefante dormía y ella hizo un túnel. 

Aquí comenzó la más increíble cultura subterránea.


Amnistía de Agustín Ibarrola. Pintura expresionista

Una obra al óleo sobre lienzo del vasco Agustín Ibarrola que realizó en el año 1976 titulado "Amnistía". Aunque mucho mas conocido en la actualidad por sus intervenciones escultóricas, utilizando la naturaleza para crear obras, comenzó de forma autodidacta su trabajo como artista siendo pintor de obra que desde el cubismo plasmaba sus ideas y miradas hacia un expresionismo social.

Militante activo de la izquierda vasca desde movimientos comunistas, pasó varias veces por la cárcel por defender a obreros en los años finales de la dictadura o los primeros tiempos de la Transición. Esta obra la realizó precisamente a los pocos años de salir de la prisión de Burgos por motivos políticos.

19.11.19

Los Bichos de la calle San Agustín de Zaragoza

Maravillosos bichos para ocasiones americanas de celebrar el Día de Difuntos. Muertos de casa, de salón comedor, de mesa puesta y servida, de aperitivos rojos y caldosos. 

No te encuentro, Muerte, porque estás encajonada y me pones mala cara. Así no, chata, así seguirás lejos y no te quiero ni buscar ni mucho menos encontrar. ¡¡Cámbiame de cara!! hostias. Y no me vengas de tres en tres, que solo será capaz de aguantar una.

Chikita y sus doble mirada de la Vida y la Muerte

En el Centro de Historias de Zaragoza podemos ver en estas semanas la obras de cuatro artistas de nuestra ciudad que exponen sus trabajos dentro de un colectiva que llaman "Vida o Muerte" y donde nos muestran sus miradas de arte urbano, tatuajes y detalles de arquitectura innovadora. 

Esta obra es de unos de ellos: "Chikita" que con esta obra doble me atrapó al unir de una forma tan sutil la vida y la muerte siendo casi ambas igual de bellas. 

Cuidado con pensar como yo o como Chikita, que con la muerte no se juega. Si acaso en pintura.

18.11.19

Se descorre la cortina. Federico García Lorca

Del libro Impresiones y Paisajes de Federico García Lorca, su primer libro publicado con muy poco éxito por cierto, os dejo un texto de su inicio, para detectar en sus primeras palabras su espíritu poético que también traslada a este libro de prosa, un libro de viajes por la Castilla Vieja, León y Galicia. Escrito entre 1916 y 1917, se publicó un año más tarde.

15.11.19

Arte Prehistórico en un niño artista… hasta que le enseñan a no serlo

Este es un dibujo de un niño de poco más de dos años y medio y al que podríamos llamar Yuriel por ponerle un nombre. Una maravillosa edad para desarrollar sus instintos artísticos y dejarse llevar por construir lo que ve según él lo ve a su edad y dejando que sus manos hagan el resto. Algunos artistas muy conocidos supieron quedarse en estas fases del arte, pero admitimos que es muy complicado lograrlo. Nos enseñan a olvidarnos de lo que hemos aprendido en la niñez. Nadie quiere que seamos personas de 1,80 con la mentalidad artística de un niño de cuatro años.  Excepto si eres Miró, Dalí o Picasso, por poner ejemplos españoles y fáciles.

A esta edad se puede dibujar lo que se quiera, otra cosa es que se entienda con nuestra mentalidad de adulto, ya modificada, lo que realmente nos intenta mostrar el niño, lo que él construye con la suma de sus manos más su forma de ver las cosas.

No voy a realizar trampas, estos dibujos de arriba están hechos a la vez, en la misma sesión sobre pizarra y con clarión, pero no están así de distribuidos. Aquí ya ha intervenido la mano del corrector digital, para joder el dibujo original del niño.

Yo mismo he readaptado lo que el niño ha planteado… hacia mis propios espacios lógicos. Creyendo incluso que también son los vuestros. En la imagen de abajo podemos ver la distribución de los mismos elementos tal y como los dibujó realmente el niño.

Vemos en los dibujos a una persona, a un globo, posiblemente unas piedras a la izquierda y una figura que he querido mantener sin saber bien qué nos quería decir el niño con ella. Pero el motivo de este pequeño ejercicio es ver de qué manera ya somos capaces desde muy pequeños de esquematizar los elementos que observamos hacia figuras muy simples, minimalistas, ahorrando detalles que no nos sirven para comprender nada.

Es como si estuviéramos viendo un Arte Prehistórico, donde lo importante no son los detalles sino la transmisión de un mensaje, de “un algo” de una forma de escribir con rayas y formas. Y lo seguimos viendo en la vida común. El símbolo de la fuerza del Cristianismo son dos rayas. Del judaísmo dos triángulos mezclados, del islam figuras simples del firmamento.

La pregunta sería: ¿Crecemos cuando añadimos detalles a los símbolos, a las representaciones, o las estamos complicando para poderlas manipular? ¿Con cuántas mínimas palabras, gestos o símbolos podemos explicar la belleza, el amor, el humanismo, etc.? 


¿Necesitamos una gran obra de Velázquez con todos sus detalles para explicar la violencia de una guerra o nos sirven las simples formas de un Picasso o un Miró?


La defensa de los Derechos Humanos, en una escultura en Murcia

En el centro de la ciudad de Murcia está instalada una escultura del artista murciano Mariano González Beltrán que simboliza la defensa de Los Derechos Humanos a través de un grupo de diversas personas comunes unidas y en corro, observando a quien pasa por la plaza. En la imagen podemos ver una pequeña sección de la escultura.

Es un círculo de vida pues podemos ver desde un niño a una mujer embarazada, desde unos ancianos a adultos reflexionando mientras todos ellos están unidos por sus brazos y manos. 
Una copia de esta escultura la donó el propio Gobierno de Murcia a la ciudad de Estrasburgo para ser montada en los jardines exteriores del Palacio de los Derechos Humanos.



El Casino de Murcia y su Salón de Baile

España está llena de pequeños espacios maravillosos donde el arte complementa lo que ya de por sí es espléndido. Una sorpresa para quien no lo conozca es el Casino de Murcia, y aunque todo él es una maravilla construida para hacerte viajar con las sensaciones voy a referirme más en concreto al Salón de Bailes, lugar donde hace un par de décadas sonaba al entrar un vals que te obligaba a ponerte a bailar y que ahora, ya reconstruido representa un espacio imprescindible en cualquier visita a Murcia.

El Salón de Baile impacta al entrar a poco que levantes la mirada hacia el techo y veas pintado en lienzos luego pegados al techo unas maravillosas obras que acompañan al recinto para lo que fue construido el enorme salón. 

Pintados en el año 1876, refleja escenas musicales en sus 180 metros cuadrados, pintados entre Manuel Picolo López las escenas de músicos, y a Manuel Sanmiguel las partes donde se pueden ver a murcianos famosos.

14.11.19

Un simple dibujo pintura de Yayoi Kusama ¿Un simple dibujo?

Hoy mismo he publicado una obra de Yayoi Kusama, la artista japonesa multidisciplinar que pinta, esculpe, dibuja o realiza performance y recrea sueños o instalaciones envolventes para crear mundo nuevos.

Ahora os dejo simplemente un dibujo, que parece efectivamente un simple dibujo ante la figura tan compleja y llena de arte como es Yayoi Kusama. Pero precisamente por eso traigo esta obra, para demostrar que el dibujo no es nunca algo siempre, no es siempre un inicio, un boceto, sino que muchas veces puede ser una obra completa y llena.

Poesía, literatura en la calle del Madrid de 2011

«Hanse de casar las fábulas mentirosas con el entendimiento de los que las leyeren, escribiéndose de suerte que, facilitando los imposibles, allanando las grandezas, suspendiendo los ánimos, admiren, suspendan, alborozan y entretengan de modo que anden a un mismo paso la admiración y la alegría juntas, y todas estas cosas no podrá hacer el que huyera de la verisimilitud y de la imitación, en quien consiste la perfección de lo que se escribe. No he visto ningún libro de caballerías que haga un cuerpo de fábula entero con todos sus miembros, de manera que el medio corresponda al principio, y el fin al principio y al medio, sino que los componen con tantos miembros, que más parece que llevan intención a formar una quimera o un monstruo, que a hacer una figura proporcionada»

Yayoi Kusama y su mundo interior de sueños

La artista japonesa Yayoi Kusama ha creado obras utilizando muchos métodos de trabajo, desde escultura a pintura, desde literatura a performance o diseño. Es claramente una creadora que trabaja las repeticiones, los patrones y texturas repetitivas, creando a veces como pequeñas obras teatrales en secuencias de una mezcla de Arte Pop y surrealismo abstracto, minimalismo o incluso expresionismo abstracto. Su mundo interior influido por problemas personales lo saca en sus obras, creando a veces mundo que parecen imposibles pero que en realidad son simples transformaciones de sus puntos de vista interiores, a veces surrealistas.

11.11.19

El surrealismo de Javier Ciria Escartivol

Javier Ciria Escartivol fue un pintor surrealista aragonés del siglo XX (nació en 1904) que también trabajó la escultura y que sobre todo creó mucho basándose en temas marinos desde muy diferentes miradas. Con 45 años se marchó a Barcelona donde acabó su carrera en el año 1991. Artista que presentó importantes exposiciones individuales y que aun sin estar en Aragón mantuvo estrechas relaciones con su tierra de origen y con los artistas aragoneses de su época.

Esta obra que vemos la tituló “Despertar, caminos de la pintura” y la realizó en el año 1933 al óleo, siendo propiedad del Museo de Zaragoza. Es un cuadro relativamente pequeño pues tiene un tamaño de 27 x 34 centímetros.

6.11.19

Última Cena de Jaume Blanquer en Palma de Mallorca

En la Catedral de Mallorca podemos contemplar en la zona central del primer cuerpo esta Última Cena en el retablo del Corpus Christi iniciado en el año 1626 por Jaume Blanquer y que fue uno de sus últimas obras antes de fallecer en 1636. Está enterrado detrás de este mismo retablo.

31.10.19

El Manierismo tras el Renacimiento en el siglo XVI

Tras el Renacimiento en el Arte europeo, surge una nueva tendencia que conocemos con el nombre curioso de Manierismo, también nacido por transformación en la Italia del siglo XIV donde los artistas empiezan a trabajar más las emociones en sus obras, entrando ya de lleno en las representaciones teatrales, incluso en algunos atisbos de un surrealismo que no se ve como tal.

Los artistas se salen de lo establecido hasta entonces, lo cual sin duda es hoy un buen ejemplo lógico del papel del arte ante la sociedad, y empiezan a trabajar mucho más la invención de los paisajes, saliéndose de lo real para construir escenas a gusto de cada artista, tocando incluso el erotismo, cada uno con su propio “estilo” con su propia “manera de hacer” de donde viene la palabra Manierismo, y que representa una libertad para crear pero sin salirse de los clásicos modos de ver la sociedad que había que pintar.

La pintura se complica, se trabaja mucho más las texturas, se dejan zonas de los cuadros en apariencia sin terminar o bocetadas, se empieza “a jugar” con la forma de pintar de cada artista. Se busca sorprender al espectador, ser más llamativo con las obras y las escenas representadas, más provocadores con escenas que se inventaban precisamente para eso, para llamar la atención de que el arte podía generar escenas inverosímiles, creadas para ser enseñadas y que no siempre tenían que ser reales.

La obra de arriba es de Jan Gossaert y la de abajo de Giuseppe Arcimboldo


28.10.19

Carla Nicolás y sus obras "Abrigo"

Hasta el 6 enero de 2020 podemos ver en la Sala Montemuzo del Ayuntamiento de Zaragoza las últimas obras de la artista zaragozana Carla Nicolás, Premio Isabel de Portugal 2019, con una serie de trabajos que sin duda no te dejarán vacío de ideas y reflexiones y titulada “Abrigo” donde durante el periodo de gestación como madre ha realizado todo un trabajo complejísimo y vital, variado y tocando diferentes disciplinas, para plasmar sus sensaciones, sus motivaciones e instintos en una evolución que se movía en el tiempo al mismo ritmo que ella crecía en su maternidad.

Busca una simbiosis entre la piel del ajo y la piel de la vida, entre la función protectora del ajo y en concreto de su piel, y la realidad de la vivencia de ser madre y llevar vida dentro a la que debe proteger de forma instintiva pero a la vez dando soporte vital al nuevo ser que ya le inspira y le abre a nuevas ideas. Sin duda una exposición muy recomendable.

27.10.19

Cena de fiesta en Casa de Leví, de Paolo Veronese

Cuando hablamos de Renacimiento pleno o Alto Renacimiento hablamos de la época posterior al trabajo del Renacimiento surgido en la Florencia en el siglo XIV para adentrarnos en el siglo XV y en los inicios del siglo XVI, con obras muchos más terminadas, donde los artistas ya tenían un papel claro y reconocido como hábiles retratadores del momento y donde la figura humana volvía a recobrar su importancia con todo lujo de detalles.

Se trabajó mucho más las escenas, el relieve en pintura, los detalles de las musculaciones y rostros, los gestos, las expresiones, los ambientes que rodeaban las escenas. Se premiaba la calidad de los trabajos, se reconocían a los artistas y se les ponía en un lugar prominente en los trabajos culturales que gobernaban las Grandes Familias de aquellos siglos, no solo ya la iglesia o las monarquías, sino también los poderosos hombres de negocios. Escultura, pintura y dibujo ocupaban ya los trabajos y encargos de aquella nueva época casi dorada.

En la imagen podemos ver la obra “Cena de fiesta en Casa de Leví” de Paolo Veronese “El Veronés”, una obra de casi seis metros de ancha, pintada en el año 1573 representando una Última Cena en tela puesta sobre la pared posterior del comedor del convento de San Juan y San Pablo. En realidad la obra era La Última Cena, pero fue requerido por la Inquisición pues en la obra se veía a bufones, soldados y gentes del pueblo y aquello no gustaba nada a las autoridades. Se le mandó retocar la obra pero al final solo le cambió el nombre hacia el que se le conoce en la actualidad, olvidándose de que fuera La Última Cena. 



26.10.19

Nacimiento de Giotto de Bondone. Renacimiento Temprado

El Renacimiento supuso volver a rescatar el arte del control religioso sin dejar de lado la religión. Suponía volver a poner en valor la filosofía, la ética, la arquitectura o las artes sin que tuvieran que dependen en exclusiva de la religión volviendo la mirada hacia las artes de Grecia y Roma de antaño. Era volver "a Renacer" volviendo atrás para impulsar de nuevo. Dividido en dos bloques, el Renacimiento supuso también la vuelta al relieve, a la perspectiva, a la naturalidad.

Aquí vemos un ejemplo de pintura del Renacimiento Temprano de principios del siglo XIV, del artista florentino Giotto de Bondone que entre los siglos XIII y XIV abrió nuevas ideas sin salirse de las obras religiosas, pero planteando imágenes más naturales, en casi movimiento, que iniciaban una nueva manera de entender el arte pictórico, acercándose a la realidad. Ya no solo se mostraban imágenes en escenas simples, sino que se mostraban emociones, escenas casi teatrales que iban abriendo nuevas ideas a la pintura y al arte.


Escaleras en San Sebastián para gritar con ARTE

La Bienal MUGAK de San Sebastián ha cerrada la ‘Semana de las Escuelas de Arquitectura’ de 2019 con dos instalaciones que se fijan en las fronteras desde perspectivas diferentes. En plena fachada del Museo San Telmo se han colocado un centenar de escaleras construidas por personas migrantes que las utilizaron para saltar la valla de Melilla, obra del artista Fernando Clavería, que es la que vemos en la imagen, muestra clara de que el ARTE es una maravillosa manera de expresión y de grito social.

La obra titulada ‘Muga’ llegó a la Bienal de la mano de la Escuela de Arquitectura de Toledo y de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la UPV/EHU, cuyos estudiantes se han encargado de la instalación a lo largo de este viernes. La instalación permanecerá en la Plaza Zuloaga hasta mediados de noviembre.

Fernando Clavería ideó el uso artístico de las escaleras en 2005 y, tras tres meses de infructuosas gestiones con las instituciones locales, logró trasladarlas de Melilla a la Península para poder crear la obra. “La renta española es cinco veces mayor que la de Marruecos –y hasta 25 veces superior a la de Mali-, es una realidad que se concentra en apenas 10,8 kilómetros entre el norte y el sur”, indica el artista.

Las escaleras, de hasta cinco metros de altura hechas con ramas, jirones de ropa y cuerda, son el “reflejo del drama de la huida y de una búsqueda a través de muchos kilómetros”, indica Fernando Clavería para añadir imagen clara al drama de la emigración.

22.10.19

Los peces también tienen plazas en Portugal

"Portugal" - Plaza del Pez - Plaça dó Peixe - 2019


Pedro Juan Gutiérrez y su Poesía Visual de artefactos

El artista cubano Pedro Juan Gutiérrez, también vendedor de periódicos y de helados, soldado, obrero de la construcción, cortador de caña de azúcar y periodista durante 26 años es además poeta visual, escribidor de ideas o de artefactos como le gusta llamarlos a él mismo, artista visual que recoge y monta proyectos pequeños para libros que se han publicado hasta en 22 idiomas. Vive en La Habana, donde se dedica a escribir y a pintar.

“Las reflexiones provocadas por el texto las hace el lector. Yo sólo hago el cincuenta por ciento del trabajo. El resto lo pone el lector”.

Mujer. En Palencia no gustó casi nada esta escultura

Escultura del artista Indalecio López en la ciudad de Palencia, titulada "Mujer" y que fue muy criticada en la ciudad por su apariencia. La llaman coloquialmente "La gorda".

14.10.19

Llovía sobre las tumbas de los judíos, pero había flores

Creo que ví pasear a Kafka mientras llovía sobre las tumbas de los judíos.

No tenía un cordel blanco pero até una bufanda olvidada en el puente de las cadenas y pude respirar alivia.

Cada diez minutos me preguntabas la hora y yo abría el reloj que colgaba en mi cuello, no me importaba, el tiempo es infinito. 

Son las seis de la tarde, a esa misma hora los enterraron, no ponen flores sólo piedritas una al lado de la otra. Las toqué todas.

Cristina Pola

12.10.19

La delicadeza de lo tremendamente enorme

"Suavidad de madera" - Palencia 2016

El Dios Vishvarupa, arte religioso indio

El artista indio Manjunath Kamath nos presenta aquí una instalación de 1008 piezas de pintura realizadas con acuarelas o manchas de té y titulada “Vishvarupa” que es una deidad infinita (la forma máxima de Vishnu, que se puede presentar de todas las formas posibles, para poder proteger a todos los habitantes del universo. Un Dios pacífico o feroz, dependiendo del motivo y el momento, con la finalidad última de salvar el mundo. Una obra surrealista pero viva que conforma en la suma de todos sus elementos la figura del Dios.


Escultura urbana en las calles de Palencia

"Ave Urbana" - Palencia

10.10.19

Mosaico del Océano y las Nereidas en Palencia

Este mosaico romano lo llaman “Mosaico del Océano y las Nereidas” y se encontró junto al río Pisuerga en la llamada Villa Possídica de Dueñas en Palencia. Podemos ver en su zona centro al Dios griego Océano, rodeado de las Nereidas que parecen significar las olas del mar, rodeadas de peces y animales mitológicos. Todo el conjunto estaba sobre unos baños de la zona, donde este sería el suelo de una gran habitación, la base de una de las estancias principales.

Arte romano, arte con dos mil años, pero sobre todo arte que necesita una restauración. Es verdad que cuesta dinero restaurar obras de arte antiguo, la misma verdad que las salidas profesionales de los restauradores o figuras similares de licenciados en arte no tiene fácil acomodo en la vida laboral. ¿Alguien se imagina lo que se haría en otros países con estos yacimientos?

Ya sé, pues los conozco que en otros países están peor y que algunos restos de ciudades romanas actualmente habitados todavía se van perdiendo constantemente por la (casi) nula conservación. Pero cada país tiene la responsabilidad que le corresponde con arreglo a su historia y a sus posibilidades. Y el arte antiguo no nos pertenece a los que vivimos hoy, sino a todas las generaciones. También a las futuras. Así que como poco, tenemos la obligación de conservar.

Zaragoza no mira al Ebro, pero otras ciudades sí

Esta imagen nos muestra varias disciplinas de arte en una sola instantánea. El arte de una bella ciudad que mira a su río mientras en otras ciudades como Zaragoza los bancos para descansar los ponemos a espaldas de Ebro; el arte de saber estar descalza en el centro de una gran ciudad; el arte de la escritura y del recuerdo guardado con las impresiones en un cuaderno de bitácora; y el arte de la fotografía que ha sabido captar el instante, el momento, la sensación, el espíritu de la calma, del transeúnte, de la calle que se ha convertido en hogar.

Cuando una ciudad logra que sus calles sean como una extensión de los propios hogares, de las propias cuevas… estamos ante una gran ciudad. El fotógrafo que supo cazar la bella y completa instantánea es Luis Iribarren.

Niranjan Jonnalagadda y un Buda meditando debajo de un árbol

El artista indio Niranjan Jonnalagadda (vive en Srikalahasti, una ciudad sagrada en el distrito de Chittoor del estado indio de Andhra Pradesh) pintó al temple esta obra titulada “Buda meditando debajo de un árbol” donde podemos ver a un Buda sentado, contemplativo, lleno de elementos naturales a su alrededor representando la vida natural que le rodea para poder meditar debajo de un árbol Bodhi.

La técnica de la obra es totalmente tradicional y muy antigua y se basa en un tejido a modo de lienzo tratado de una forma especial para soportar bien las tintas naturales con las que pinta, primero la negra para perfilar y luego las de colores para realzar. Todo ello con una pluma especial llamada qalam o kalam que es una caña fina hueca a la que se le realiza un corte transversal para sacarle punta y poder así escribir o pintar, creando diversos grosores según lo que se deja de caña en la punta con la que se dibuja. 


Esta técnica se llama Kalamkari y trabaja con una docena de pasos totalmente reglados, donde la preparación de la tela es la fundamental pues se pasa por diversos procesos para blanquearla incluido uno con estiércol animal líquido para que después los tintes realizados con semillas y flore, queden en el lienzo durante muchos años.

Dentro de la pintura que realiza Niranjan Jonnalagadda hay obras claramente tradicionales, pero también de arte contemporáneo, pues con las mismas técnicas realiza trabajos totalmente modernos, llenos de color y detalles de la naturaleza.


9.10.19

Ama a tu vecino. En una pared de Budapest

Este muro que vemos desde una ventana con rejas refleja maravillosamente el espíritu de la Europa que todos desearíamos abrazar. Y la fotografía de Luis Iribarren refleja precisamente esa sensación de recibir el mensaje como un vecino mas, pero tras las rejas de la incomprensión, de la cerrazón en abrirnos a los demás. Los vecinos son eso, vecinos como nosotros lo somos de ellos. Personas que no quieren ver muros altos ni ideas de odio.

Y se da en la ciudad de Budapest, Hungría, junto al barrio judío tan brutalmente cubierto de sangre en tiempos viejos, cuando el fascismo se quiso apoderar del mundo. No es posible añadir nada que no sea leer el cartel de la pared.


"Ama a tu vecino"



Un Árbol de la Vida, de Bhaskar Mahapatra

El Árbol de la vida, una obra de Bhaskar Mahapatra residente en Odisha al Este de la India y realizado en el año 2012 sobre seda. Este clásico árbol nos muestra la relación que tiene la vida natural con el ser humano a través de un árbol lleno de ramas y raíces que sirve de refugio a un poblado, y que sujeta la vida y limpia el aire de sus contornos. 

Símbolo de la sociedad, de las energía positiva y negativa, de nuestro bienestar físico y emocional, de nuestra forma espiritual de ver la vida desde la óptica casi prehistórica del ser humano sabedor de su vulnerabilidad ante la naturaleza. 

Estos “árboles de la vida” son muy comunes en algunas culturas como elementos de regalo familiar o de prestigio, pues representan el mundo exterior que está por encima de la persona.


Una librería bar es una pequeña obra de arte

Me encantan las librerías bar, las librerías con mesas de tertulias, las librerías donde se pueden degustar los libros mientras tomas un café con olor a papel. Visito alguna en Madrid, aunque esta de arriba es de Budapest en Hungría, enviada por nuestro corresponsal en Europa Luis Iribarren que no viaja por nosotros, sino por todos incluido él mismo.

Una librería bar nace por la necesidad de ser rentable. En esta bella librería húngara tomarse un café cuesta al cambio unos dos euros. Pero el marco es diferente a todos los demás, aquí no hay prisa, hay tiempo para sentarse y leer, para mirar y remirar, para sentirte diferente. Hoy ya no se busca la rentabilidad de la bebida sino la rentabilidad de los clientes fieles.

Una librería bar es una pequeña obra de arte donde drogarse de libros, incluso de café. Allí es imposible sentirte solo, pues te acompañan las historias de todos los que han ido y volverán.

En el suelo están los mensajes que debemos leer

Urbanismo con mensaje para pensar mientras paseas por ls calles de Madrid. En las grandes ciudades puede ser habitual encontrarte junto a los grandes carteles para animar al consumismo simples frases que te recuerdan qué eres si quieres ser algo diferente. Ni unos ni otros son obligatorios de leer y menos de seguir. Pero curiosamente siempre gana el que más luz y color tiene.

"La evolución humana fue biológica hasta transformarse en cultura. Así el sentido de lo humano puede ser pensado y su futuro puede ser sentido".

8.10.19

Pienso luego existo. Protesta en Paz

El artista portugués Carlos Correia realizó en el año 2012 esta conjunto de post It de Protesta en papel con rotulador, clavados luego en un papel de corcho. Es una clásica protesta de un indignado que cree en el poder del arte para lograr cambiar las cosas. Con la palabra, con el arte, con la paz también se puede influir.

Tiempos de desamparo para los huérfanos del Mediterráneo

La artista armenia aunque residente en Beirut Annie Kurkdjian creó esta obra al pastel en el año 2015, titulada “Salvando a los huérfanos”. Estuvo expuesta en Madrid dentro de la colectiva “Tiempos de desamparo” donde se habla duramente de nuestro mar Mediterráneo y la poco solidaridad que tenemos con las personas que intentan cruzarlo para lograr una vida mejor. Dejarlos ahogar no es la mejor manera de creer que somos humanos, de practicar como humanos. Es puro egoísmo y un claro error.

Anne Marie Schneider y un caos de líneas

Anne Marie Schneider nos dejo aquí una obra del año 1992 realizada al carboncillo. Líneas, figuras, asemejando cruces o no. Simplemente lineas que inundan el lienzo o papel, hasta ir formando caminos visuales. En cualquier caso, elementos simples, sencillos, que crean sensaciones incluso de caos, de barullo, de amontonamiento.

7.10.19

¿Es arte un par de alcantarillas? Tengo dudas

Desde Budapest (Hungría) a la derecha y desde la ciudad de Praga (República Checa) a la izquierda, nuestro corresponsal europeo Luis Iribarren nos manda dos detalles urbanos que también son ARTE mientras que además siguen siendo alcantarillas. Efectivamente, podemos decir que a lo sumo es artesanía industrial y también es cierto, pero deberíamos añadir que es un elemento que muchas ciudades incluidas las españolas, realizan con un diseño muy personal cuidando que sea mucho más que una simple tapa metálica que evite resbalones.

¿Dónde empieza y dónde acaba el arte? Pues no hay puertas claras. Hoy una imagen tomada con nuestro teléfono móvil puede ser también arte, depende de muchos factores donde sin duda interviene también el buen gusto, el deseo de motivar, de agradar o de cabrear. Pero puede ser una bobada sin sentido que aunque tenga píxeles no sea una fotografía sino una sopa plana.

Sea o no sea arte urbano, una alcantarilla bien diseñada sin duda es calidad urbana, es sinónimo de que las ciudades cuando se convierten de verdad en algo más que una sucesión de calles y edificios, se convierten en lugares humanos donde disfrutar y descansar. La ciudad que mima sus alcantarillas al menos en teoría también mimarán sus parques y a sus ciudadanos.

Si os preguntáis en qué ciudad se fuma más y en donde son más cochinos, entraríamos a otro debate.

Mural en Zaragoza de Ana, para animar el urbanismo

Presuntamente una artista urbana que se llama ANA pintó este mural en las calles de Zaragoza, hermoso ejemplo de líneas simples, decorativo y con un mensaje muy natural, muy naturalista. Vemos siete figuras picassianas bailando entre hojas a las que intentan peinar mientras las observa el sol. 

Creo sin seguridad que la obra de Ana ha durado más que la empresa para la que se creó el mural, pero tnego dudas. En cualquier caso es un claro ejemplo de que las obras de arte urbanas además de resultar decorativas y animar el paisaje urbano, sirven para jugar con las formas y motivar la calle si en ellas les añadimos un toque de arte y diseño.

Praga vista por Luis Iribarren y su teléfono

Nuestro corresponsal del mundo mundial Luis Iribarren,  nos manda esta imagen desde Praga, de esa ciudad donde es imposible no estar constantemente fotografiando el urbanismo. Arte callejero en una de las mejores ciudades del mundo para quedar sorprendido, para beber cerveza y comer sopa dentro de una hogaza de pan o para escuchar al propio Dvorak que a veces sale de la tumba a dirigir sus conciertos.

Las calles de cualquier ciudad importante del mundo tienen que tener arte histórico, pero también toques de ese arte efímero callejero que marca siglo y tendencias.

Las Santas Justa y Rufina de Francisco de Goya

Francisco de Goya recibió el encargo de esta obra directamente del Cabildo Metropolitano de Sevilla en el año 1817 y fue entregado el 14 de enero de 1818 por el que recibió Goya la cantidad de 28.000 reales. Hoy la obra titulada "Las Santas Justa y Rufina" sigue estando en la Catedral de Sevilla.

La obra encargada a un Goya ya mayor y que pasaba unos años cuestionado por sus últimas obras entre las que se encontraban Las Majas recibió este encargo por mediación de su amigo Ceán Bermúdez que intentaba de esta manera que Goya volviera a ser considerado un pintor nada obsceno que de alguna forma volvía a las pinturas religiosas.

En ella podemos ver a las Santas Justa y Rufina, hermanas sevillanas ambas, que portaban los símbolos del martirio, los de su profesión de alfareras y a un león a sus pies que es como dice la leyenda que sucedió cuando fueron lanzadas a los leones en el anfiteatro.

Esta obra no gustó nada en el mundo sevillano de la época, sobre todo porque hubieran preferido que se realizase por un artista andaluz en vez de por un aragonés venido desde Madrid. Para criticar la obra solo supieron decir que se basó en dos modelos sevillanas muy conocidas y que ambas eran prostitutas.

Virgen con el Niño, anónimo florentino siglo XV


Del siglo XV es esta Virgen con el Niño en alabastro que se conserva en la Catedral de Sevilla. Una obra religiosa de una dulzura y suavidad que solo el alabastro pulido puede lograr. Es un anónimo florentino donde vemos al Niño Jesús con una fruta en la mano, posiblemente una pera.


6.10.19

Prada Poole y sus estructuras neumáticas

José Miguel de Prada Poole es un arquitecto artista y profesor castellano que ha investigado como nadie las estructuras neumáticas a lo que ha dedicado su vida no tanto como artista muy reconocido como un precursor en las estructuras y volúmenes esféricos para viviendas, comercios o edificios públicos. 

Arquitectura de montar y desmontar, de usar y reusar, donde las formas naturales de las pompas de jabón van creando sobre el aire estructuras aleatorias, que van surgiendo de la nada hasta explotar. Estructuras naturales, matemáticas, adaptadas a la sostenibilidad, al consumo posible y a los futuros tiempos de escasez de energías. 

Esta obra es del año 1969 y se presentó a la VI Bienal de Artes Plásticas de París.