Impresionismo en "Los bebedores de absenta" de Edgar Degas


Si antes hablaba un poco del Impresionismo con una obra de Claude Monet, ahora creo que es obligatorio ver una obra de otro pintor impresionista que es también una de las más conocidas de los finales del siglo XIX, la que llamamos "La absenta" o "Los bebedores de absenta" o incluso "En un café" o "El ajenjo" y pintado en el año 1873 por Edgar Degas

En este conocido cuadro de Edgar Degas podemos ver a dos personajes, una mujer y un hombre, sentados en una mesa de un café urbano posiblemente de París, con la mirada perdida, desolados y sin saber que expresión tienen, por lo que casi siempre se ha dicho que en realidad eran dos personas ya algo borrachas que estaban como perdidas.

Es casi una fotografía instantánea que busca retratar un momento habitual en según qué locales a ciertas horas. Las copas, la botella, el color de lo que la mujer bebe hace pensar que podría ser absenta, anís verde. Sabemos que ella era la actriz Ellen André y él era el pintor Marcellín Desboutin. 

Muestra también la soledad de una época en París, el aislamiento de dos personajes que además están descentrados en la obra que deja un gran espacio a la izquierda del cuadro mientras corta al personaje masculino. No gustó nada en sus presentaciones de los primeros años pues representaba el vicio, la frialdad humana, el aislamiento. 

Impresionismo inicial y puro de Claude Monet



De los grandes artistas tendemos a reconocer y conocer con rotundidad unas pocas de sus obras, pero en muchos casos realizaron cientos de ellas y solo las pocas que el propio mercado reconoce como las mejores, son las que todos nosotros tenemos en el recuerdo. Del pintor impresionistas Claude Monet tenemos muchas referencias de campos de naturaleza, e incluso varios de ellos con títulos muy similares. Le encantaban las flores pintando con sus colores los lienzos de los campos.

Esta obra titulada: Las Amapolas, o El Paseo o Les Coquelicots en el francés original se pintó en el año 1873. Era un joven Claude Monet que con 33 años ya había elegido su modelo de pintura, su modo de expresión. 

Claude Monet juega con la composición, con dos parejas de personas —posiblemente la de primer plano sea su propia esposa y su hijo— que dividen la obra en dos campos distintos —tres si añadimos el cielo—. A la izquierda los rojos de las amapolas y a la derecha nuestra un campo de hierbas verdes azuladas a la vista del espectador hecho con manchas de colores que quedan mezclados en nuestros ojos. 

Para cortar con el horizonte y dar entrada al cielo, una hilera de árboles, una casa y la segunda pareja de personas.

Como se trabaja sin detalles —buscando que sea el ojo del espectador el que consiga ver las mezclas de colores, los detalles del conjunto— los rostros de las personas no tiene más que manchas en bruto, pues no interesa ver nada que no sea la impresión de un paisaje hermoso donde los colores en pequeñas pinceladas se van mezclando para formar las hierbas, las zonas con flores o los distintos planos de la obra. 

No era puntillismo, era impresionismo inicial.

Los apellidos del Arte: ismo. Goya reinterpretado por Lalo Cruces


El Arte está lleno de muchos “ismos” como apellidos que intentan encasillar a las distintas maneras de crear arte, de ser distintos a otros artistas o grupos de artistas. Pero estos apellidos no son compartimentos estancos y fijos, y todos ellos contienen muchas formas similares pero distintas de hacer y crear Arte, pues cada artista impregna con su sensibilidad y técnicas cualquier apellido que se le quiera poner a sus obras.

Muchos artistas huyen de estar encasillados en un ismo particular y de hecho n este siglo XXI ya casi no se utilizan para el Arte Moderno, Actual o Contemporáneo. Se da el caso de que figuras hoy muy reconocidas dentro de una familia artística determinada, nunca en vida supieron de que se les incluiría en un ismo que al final determina y encasilla.

O tenemos muchos artistas que han ido pasando por diferentes formas y maneras de crear, y es imposible al final encasillarlos en ningún apellido artístico pues ellos mismos nunca pretendieron eso, o incluso huyeron de eso.

¿Se hace en el siglo XXI impresionismo? Pues si. Como Goya hizo surrealismo cuando quiso. Algunos tipos de Performance ya los hacían los griegos clásicos o los árabes de hace diez siglos. En realidad el Arte cambia pero sobre todo se actualiza hacia el espectador, no tanto en contenidos ni en formas, como en detalles y en técnicas según los nuevos adelantos

Nota.: La escultura de un Goya reinterpretado es del artista Lalo Cruces para el 275 aniversario de Goya, instalada temporalmente en la plaza de La Seo de Zaragoza.

Alex Katz y sus sonrisas extrañas y muy serias


Esta obra es del artista de New York: Alex Katz de su serie "Smiles" realizada en los años 1993 y 1994. Su título es "Katryn sonríe" realizado en óleo sobre lienzo de lino. Alex Katz nacido en 1924 es un precursor del Arte Pop con obras planas casi siempre sobre madera y cuyas obras están en los más importantes museos del mundo. Además de pintor es diseñador, escultor y pintor gráfico. Pintor y escultor figurativo refleja a sus personajes como ensimismados, fríos, ajenos al mundo que los está mirando.

Alex Katz pinta preferentemente retratos y realiza primero un boceto, lo trabaja de nuevo antes de llevarlo al lienzo. Pinta, sin interpretar, la imagen fría del sujeto, sus inquietudes, la expresión misteriosa de las miradas. Sus personajes se destacan sobre fondos a la vez abstractos y muy coloreados, o serios y que nos distraigan. Alex Katz es sensible a los detalles de la moda de cada etapa (peinados, vestimentas, signos…) lo mismo que a los símbolos de su época. El artista pinta en menor medida paisajes, flores y marinas.

Alex Katz comenzó a pintar a finales de los años 50 del siglo XX, empleando en sus obras la figuración, los fondos planos, los colores suaves y la iconografía extraída del cine y la televisión. Antes que Andy Warhol. Antes que Wesselmann. En esos años, los expresionistas abstractos devoraban Manhattan y alrededores pero Katz marchó en dirección contraria.

"El arte, a veces, fascina porque no se entiende. Nos enseñaron que la belleza es para siempre, pero en verdad es algo cambiante y fugaz. Mi obra está hecha de pequeños detalles a gran escala. Y aún aprendo pintando. Y aún dudo. Dudo mucho. Creo que es esa misma duda la que me sostiene. He pasado la vida huyendo de Picasso, aunque mi artista de referencia es Matisse. El problema es que Picasso nos ha obligado a orbitar a su alrededor. Y de algún modo ahí seguimos. Prefiero el trabajo de creadores como Franz Kline. El pop llegó como un movimiento de estilo muy personal, accesible para todos, masivo... Fue una reacción inevitable ante el exceso pretencioso del expresionismo abstracto. Digamos que el Pop fue útil".



Distancias entre Arte y Artesanía. Punto de Cruz


La distancia entre el Arte y la artesanía no es solo una mayúscula de mas o de menos, es sobre todo que el Arte crea algo nuevo y la artesanía copia con técnicas diversas y logrando más de un ejemplar. Pero tampoco es tan sencillo esto, pues los tapices suelen ser obras terminadas que se basan en cartones pintados con anterioridad y en realidad son una copia de estos cartones de la que se pueden lograr varios ejemplares. Incluso de cuadros al óleo en la antigüedad se solían hacer varios ejemplares muy similares cuando los talleres de los grandes pintores trabajaban por encargo para las grandes familias ricas. Todo queda diluido.

Sin entrar a valorar que una obra única y original puede ser peor estéticamente hablando, que una obra de artesanía no industrial que nos puede motivar o provocar mucho más. El uso de máscaras para pintar con spray por algunos grafiteros de renombre no convierte a sus obras de Street Art en artesanía. Las técnicas son simples herramientas para lograr un fin.

Esto que vemos es punto de cruz, una técnica para crear pequeños (o grandes) trabajos con hilos gruesos de algodón y lanas que asemeja a los tapices convencionales o al menos se acerca algo con bordados que utilizan distintas técnicas finales. 

Pueden ser trabajos que copian obras ya impresas, o pueden ser trabajos originales que partan de unas ideas que se trasladan a esta técnica que entonces deja de ser artesana para convertirse en artística.

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The distance between Art and crafts is not just a capital letter of more or less, it is above all that Art creates something new and crafts copies with different techniques and achieving more than one copy. But this is not so simple either, as tapestries are usually finished works that are based on previously painted cartons and are actually a copy of these cartons from which several copies can be obtained. Even oil paintings in ancient times used to make several very similar copies when the workshops of the great painters worked on commission for the great wealthy families. Everything is diluted.

Without going into evaluating that a unique and original work can be aesthetically worse than a non-industrial handicraft work that can motivate us or provoke much more. The use of spray painting masks by some reputable graffiti artists does not turn their Street Art works into handicraft. Techniques are simple tools to achieve an end.

What we see is cross stitch, a technique to create small (or large) works with thick threads of cotton and wool that resembles conventional tapestries or at least comes somewhat closer with embroidery that uses different final techniques.

They can be works that copy works already printed, or they can be original works that start from ideas that are transferred to this technique that then ceases to be artisan to become artistic.

Street Art en los soportales de La Ribera de Bilbao


Enfrente del Mercado de la Ribera de Bilbao están los soportales de la vieja calle de la Ribera decorados con elegantes pinturas en los techos de estos soportales de La Ribera de Bilbao, también llamados Arcos de la Ribera. 

Estos techos están decorados con obras de Justo San Felices (“Homenaje a las artes”), Roberto Zalbidea (“La Leyenda de Kixmi”), Ángel Cañada (“El ayer y el hoy del Bilbao Filarmónico”), Alejandro Quincoces (“Alegoría sobre un Bilbao imaginario”) y Ambrosio Ortega, “Brosio”, (“Haciendo país”).

La parte de una de estas obras que vemos arriba es del autor Alejandro Quincoces y su obra "Alegoría sobre un Bilbao imaginario" del año 1989

Rosetón vidriera de la catedral de Bilbao


Este rosetón de la catedral de Bilbao, una vidriera espléndida que da luz natural y tamizada al interior de la iglesia es de una belleza enorme visto desde la distancia del espectador de pie. Pero muchas veces hay que acercarse un poco para ver detalles que no son sencillos de contemplar. La catedral está dedicada a Santiago y es lógico que aparezca en el centro de esta vidriera eje de la nave de la catedral. Un Santiago a caballo atacando a los infieles. 



La vidriera de la Estación Abando Indalecio Prieto de Bilbao


Uno de los elementos artístico que vemos nada más llegar por tren a Bilbao es su inmensa vidriera de bienvenida. Hay bastantes ciudades por Europa y América que han utilizado las grandes vidrieras en estaciones de trenes como bienvenidas y entradas de luz a interiores oscuros. Esta vidriera de Bilbao fue construida en el año 1948 por Jesús Arrecubierta en el taller de la Unión de Artistas Vidrieros de Irún, copiando un diseño que hizo el diseñador paisajista y muralista de Irún Gaspar Montes Iturrioz

Son más de 250 metros cuadrados de vidriera con 301 piezas diferentes que representan las tradiciones de la industria y agricultura vasca, sus deportes y sus iconos en una variada temática sobre todo vizcaína. Y en lo alto de la vidriera la Basílica de Begoña presidiendo la entrada de luz y el reloj que marca las horas de las esperan para los viajes.


En el Bilbao más vigilado, unas manchas de color y textura


En el Bilbao más vigilado en la actualidad te puedes encontrar con detalles de gran calidad que pasan desapercibidos. ¿Y qué tienen estas manchas de arte? Pues es Arte Natural, es Arte Casual, es incluso Arte Brut y Arte Fotográfico. El Arte no está en la obra sino en la mirada de quien observa.

En el Bilbao más cuidado, en donde te piden el DNI para poder pasar, existen detalles contrastados de nudos y negros, de amarillos vivos y de vetas que se abren paso por la madera. Y yo, bien observado por gentes de bien me acerqué a ver los detalles y a pillarlos desprevenidos. Tengo como este una veintena. Pequeñas manchas hermosas que sirven para entender que la vida se compone de muchas pequeñas zonas de color.

El Arte y la Decoración. ¿Unidos y Amigos? ¿Se repelen?


Es muy complicado a veces diferenciar el concepto de Arte Motivador del Arte para Decorar, en el mejor sentido de la palabra. Una de las funciones del Arte es decorar nuestras vidas, llenarla de algún sentido lúdico, festivo o sentimental. Cuando nos está motivando o provocando, cuando nos entra dentro estaríamos deseoso de que eso sucediera muchas veces o ninguna.

El Arte ha decorado y decora iglesias a base de explicar con imágenes lo que no se sabía leer de los libros. El Arte se utiliza para muchas funciones, y en parte muchas de ellas son similares al hecho de acompañar, complementar, decorar nuestras vidas.

Esta entrada de un hotel de Bilbao podría tener el cuadro que tiene, podría tener otro o incluso podría estar vacía la pared o con una mínima expresión. 

En cada caso la entrada al hotel sería diferente. Los clientes sin casa percibirlo entrarías de otra manera. No todas las decoraciones se dejan notar fácilmente por quien las observa de pasada. Pero están allí, ocupando un espacio visual al igual que una música ocupa un espacio sonoro.

El tamaño en el Arte sí importa, o casi mejor dicho, “los tamaños” pues no hay un estándar. Depende del uso, del espacio en donde vaya a estar y depende de lo que se pretenda desear con la obra. ¿Queremos verla a una cierta distancia o preferimos obligar al espectador a acercarse por algún motivo?

Una obra de Arte enmarca lo que le rodea, y lo que le rodea la enmarca a ella. Se complementan en el uso. Por eso hay que analizar qué se pretende lograr, en dónde va colocada, qué deseamos que perciba el espectador, qué elementos rodearán la obra en cuanto a formas y colores e incluso en cuanto a edad.

Un tapiz retablo en Huesca. Siglo XVI de Quinten Matsys


Este tapiz de la Virgen y San Vicente está en el Museo de Huesca y representa a la Virgen con el Niño Jesús frente a San Vicente Mártir que va vestido de diácono y con la rueda de molino que simboliza el martirio que sufrió. En la zona izquierda aparece San Erasmo de Formia más conocido por San Telmo o San Elmo, con un texto que asocia a la Virgen con San Ramón. En la zona de la derecha está San Valero.

Este tapiz es de la primera mitad del siglo XVI atribuido el cuadro de donde se logra el tapiz a Quinten Matsys o a su taller y se hizo en Amberes, en los Países Bajos y mezcla diseños italiano como la cortina y las columnas, peo en cambio la forma de plegar las telas es de tradición flamenca. Este tapiz, posiblemente utilizado como retablo frontal de algún altar, se encargó por el donante D. Pedro Agustín Albanell, Prior de Roda de Isábena y Obispo de Huesca Jaca cuando estaban unidas en el mismo obispado, y cuyas armas podemos ver en los arcos.

Huesca y su Arte Urbano que desaparece



Es la realidad aunque nos duela, el Arte Moderno, el Street Art de más calidad desaparecerá en pocos meses y será sustituido por otras obras. Nace para morir, no quedará en los museos ni en los despachos de postín. Este muro es de la ciudad de Huesca, un trabajo más cuidado que muchas obras que cuelgan en museos, pero cuando nace el Arte Urbano sabe que es efímero y que en breve tiempo desaparecerá. 

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It is reality, although it hurts us, Modern Art, the highest quality Street Art will disappear in a few months and will be replaced by other works. Born to die, it will not remain in museums or posh offices. This wall is from the city of Huesca, a more careful work than many works that hang in museums, but when Urban Art was born it knew that it was ephemeral and that it would soon disappear.

En Huesca los pulpos callejeros anuncian pulpo a la plancha


En ese camino intermedio entre el Arte Urbano y el Arte Publicitario que a veces se juntan bastante y si hay duda revisar la cartelería de los últimos 100 años, te puedes encontrar ejemplos como este. Una gran pared de Huesca anunciando un bar restaurante en donde venden pulpo a la plancha y lo anuncian a lo grande para que se vea desde lejos. Toco el Arte la forma, toca la publicidad, es un uso intermedio. Un cuadro decora una pared de un despacho y lo vemos correcto. Este pulpo decora una calle para advertir de que allí podemos parar y descansar. Todos menos el pulpo. El Arte tiene muchas aristas.

Giorgio Morandi y sus bodegones llenos de silencio


A partir del 24 de septiembre de este 2021 vamos a poder ver en Madrid, en la Fundación Mapfre una exposición retrospectiva del artista italiano Giorgio Morandi uno de los artistas más significativos en la historia del arte del siglo XX en Italia. Pintor, profesor de Arte, grabador, dibujante escultor y artista gráfico, empezó dentro del Movimiento Futurista y el Novecento italiano, para terminar más en la Escuela Metafísica, donde trabajó sobre todo los bodegones de objetos normales y sencillos como un director teatral de vasos, botellas y utensilios de cocina que modelaba. Objetos cotidianos, flores y paisajes, en los que el pintor italiano juega con los colores, las formas y los volúmenes de manera armoniosa, buscando simplemente los silencios y las formas. 

La imagen de arriba nos muestra una obra que tituló Naturaleza Muerta realizada en el año 1941. 

"Uno descubre en el pintor la audacia del que es extemporáneo porque su arte brota de quién él es y no de lo que imponen otros" Antonio Muñoz Molina.

Don Bergland y el surrealismos con dudas y preguntas


Esta obra del artista canadiense Don Bergland y titulad "El escepticismo" se ha podido ver en el CAC de Málaga en una exposición titulada "El silencio de la eternidad" y forma parte de una serie de obras impresas con tintas pigmentadas sobre lienzo, tras crear sus cuadros de forma digital. 

Don Bergland crea arte surrealista puro y actual, en donde de forma teatral mueve a sus personajes hacia preguntas incómodas que tiene que ver con la inmortalidad, con el papel que cumplimos o no en esta sociedad, con lo que nos atrapa o retiene, lo que nos sorprende y asusta.

Juega digitalmente con sus decorados, sus luces y sombras, sus gestos y complementos, hasta lograr que el conjunto final hable y se exprese en silencio, para que sea el espectador quien intente responder lo que parecen preguntar los personajes.

Como en cualquier buena viñeta de humor, juega con pocos elementos, pocos personajes distintos, y muchas preguntas, muchas dudas, mucha acidez en sus planteamientos silenciosos. Parecen temas inocentes, fáciles, infantiles, parecen juegos de humor, pero en el fondo se esconden verdades filosóficas, dudas de la existencia. 

Si miramos esta obra podemos preguntarnos muchas cosas. Por ejemplo si nosotros somos las ovejas, que parece claro que sí. Y que estamos casi adorando a un poder falso que nos atrapa por sus posiciones y sus vestidos. Estamos viendo el teatro del Poder y nos quedamos absortos con el escepticismo contundente de saber o no saber si adorar a quien tiene lo elementos para ser respetado (traje, corbata, elegancia) aunque le falta la cabeza de pensar.

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This work by the Canadian artist Don Bergland and entitled "Skepticism" has been seen at the CAC in Malaga in an exhibition entitled "The silence of eternity" and is part of a series of works printed with pigmented inks on canvas, after creating your pictures digitally.

It is pure and current surrealism, where in a theatrical way it moves its characters towards uncomfortable questions that have to do with immortality, with the role that we fulfill or not in this society, with what traps or holds us, what surprises us and scares.

Play digitally with their sets, their lights and shadows, their gestures and accessories, until the final set speaks and expresses itself in silence, so that it is the viewer who tries to answer what the characters seem to ask.

As in any good humorous vignette, he plays with few elements, few different characters, and many questions, many doubts, a lot of acidity in his silent approaches. They seem like innocent, easy, childish themes, they seem like games of humor, but deep down they hide philosophical truths, doubts of existence.

If we look at this work we can ask ourselves many questions. For example, if we are the sheep, it seems clear that we are. And that we are almost worshiping a false power that traps us by their positions and their dresses. We are watching the theater of Power and we remain absorbed with the overwhelming skepticism of knowing or not knowing whether to adore someone who has the elements to be respected (suit, tie, elegance) even though he lacks the head to think.





Huesca y su Arte Urbano más moderno


No estamos poniendo en valor urbano del Arte, o el valor del Arte Urbano o del Street Art efímero que alguien muchas veces desinteresadamente hace en las calles de nuestras ciudades simplemente para disfrutar creando y sabiendo que añade un valor a una fachada, a un paseo. No sabemos todavía si el llamado Post-Graffiti o Street Art será considerado el Arte del siglo XXI, pero camino de ello lleva.

No existe un solo tipo de Street Art o Post-Graffiti , no hay una única manera de expresarse con el Arte Urbano, hay escuelas, tendencias, modos, espacios, calidades. Y eso es lo interesante, además de que existan muy diversos artistas, algunos ya con firma propia incluso en España.

Mi consejo es que estamos atentos a esta forma de Arte Moderno, pues será el tiempo futuro el que la pondrá en su lugar, aunque para entonces ya, no existan las obras que podemos ve ahora.

Esta obra de Arte Urbano que vemos arriba está en la ciudad de Huesca y es de la artista e_bhurton

Luis del Olmo Alonso se ha ido a dibujar a otra parte


Un dibujante de viñetas es un artista de la literatura y el dibujo que se gana la vida inventando la vida que ve pasar por sus ojos. Luis del Olmo Alonso era un dibujando vasco de periódicos, de poner un toque de alegría en miles de lectores todos los días. Y a sus 99 años se ha cansado de seguir dibujando. No sucede nada, es imposible dejar de crear aunque estés donde estés, eso va dentro de cada uno.

Desde 1943 hasta este 2021 ha estado dibujando a Don Celes que dio la vuelta al mundo en infinidad de periódicos diversos. En el mundo gráfico lo importante para seguir creando todos los días historias nuevas es tener algunas en el cajón para esos días malos en los que no te viene nada. Y también soñar. Soñar por las noche ayuda a que al levantarte te aparezcan los personajes queriendo hablar de nuevo.

Las 3 versiones del cuadro de van Gogh, La Habitación de Arlés


Pocas obras hay tan conocidas como esta a nivel mundial. La Chambre à Arles Vincent van Gogh de las que existen tres versiones pintadas en pocos meses y a distintos tamaños. La primera versión está pintada a finales de 1888, la segunda en septiembre de 1889 y la tercera y más pequeña en el otoño de 1889. Las dos primeras obras tienen 90 centímetros de anchas. La tercera 74 centímetros de anchura.



La Habitación de Arlés o el dormitorio en donde descansaba el genial pintor en la ciudad francesa de Arlés es una obra muy utilizada en los colegios para enseñar a los niños Arte Contemporáneo e iniciarlos en el campo de la pintura, tanto de acrílicos u óleo como en acuarelas. Permite hablar de color, de su importancia en la construcción de volúmenes, y al ser una obra que semeja un estilo bastante naif, sirve para que los niños la acepten muy fácilmente y se avengan a intentar copiarla con todo lujo de detalles. En realidad es una obra de brochazos, de un impresionismo tardío pero fácil de copiar.




Malika Favre y el cartel de la Mercè 2021 para Barcelona


Que una ilustración para un cartel de fiestas logre muy pocas críticas casi parece un milagro. El trabajo de la diseñadora Malika Favre, autora del cartel de la Mercè 2021 para el barrio de la ciudad de Barcelona debe estar muy contenta de las alabanzas recibidas. No es lo habitual en ninguna ciudad.

La artista y diseñadora Malika Favre es hija de padre francés y madre argelina. Estudió diseño gráfico en Londres y en los últimos años se ha convertido en una ilustradora que acapara páginas en The New Yorker, The New York Times, Vogue, Vanity Fair. 

En todas sus obras aparecen formas geométricas que remiten a su interés por las matemáticas y las ciencias. Una de las características de sus obras son los colores, potentes, puros, que recuerdan el arte centroafricano, aunque en este trabajo ha suavizado algunos para acercarse más a los dorados.



Una Última Cena con 13 apóstoles, de Vicenzo Carducci


Este curioso
cuadro de la "Santa Cena" pintada por el artista Vicente Carducho de origen napolitano se encuentra en el retablo de la Iglesia y Convento de las Carboneras de Madrid. Hecho con una maestría para el dibujo, la perspectiva y el color tremenda, era el pintor en su época más reconocido de la escuela madrileña de pintura hasta que quedó desbancado por Diego Velázquez

En esta obra nos ha representado el momento de la Santa Cena en un gran lienzo donde la mesa no está en posición horizontal, sino vertical, con lo cual alarga el espacio y la perspectiva se hace más profunda, metiendo al espectador en el mismo momento en el cual estaban sucediendo los hechos del Cenáculo. 

La obra está realizada en el año 1634, ya en época de Felipe IV. Vicente Carducho se llamaba en realidad Vicenzo Carducci en su idioma natal, el napolitano. Se formó artísticamente junto a su hermano Bartolomé que ya trabajaba en el Escorial para Felipe II.

Un de las curiosidades de esta obra es que además de los 12 apóstoles y Jesús, hay un miembro más observando la escena, un perro pequeño que agachado parece vigilar a Judas que esconde entre sus piernas la bolsa con los dineros que le han dado por vender a Jesús de la que observamos sutílmente solo la cuerdecita de su cierre. 

¿En cuántas Últimas Cenas tenemos a un perro como espectador?

Roberto Matta y el surrealismo abstracto de su pintura


El artista chileno Roberto Matta está considerado unos de los últimos representantes del surrealismo más académico, disciplina artística que sigue viva tanto en pintores como en fotógrafos o escritores. Arquitecto, pintor y poeta, en las primeras décadas del siglo XX viajo por Europa conociendo a todas las figuras del Arte europeo de aquellos años, desde Picasso a Bretón, Lorca o Dalí entre otros, y colaborando en revistas, aprendiendo y practicando de los nuevos movimientos artísticos de la época. Tras su primer viaje por la Europa artística que giraba sobre París principalmente se marcha a New York en donde amplió sus exploraciones artísticas relacionándose con Jackson Pollock entre otros. Vuelve a Europa y se asienta en Italia pero sin dejar América de sus viajes y trabajos.

Roberto Matta fue Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el año 1995 y trabajó también el vídeo, el diseño de muebles e interiores, muy reconocidos trabajos en murales y algunos pequeños trabajos literarios. Su universo cósmico con manchas que perfilaba con maestría se componía de figuras imaginadas dentro de su espíritu libre y a la vez surrealista puro, dentro de un surrealismo que se movía hacia la abstracción.

Al final de la II Guerra Mundial elabora paisajes y figuras cada vez más monstruosas; como seres humanoides y torturados presentes en sus trabajos desde entonces. Su pintura se convierte en casi literatura, nacida de de los signos y desarrollada en el dinamismo de la acción pictórica. Pequeños seres monstruosos, mitad hombre y máquina, realizan sobre el lienzo su baile grotesco. Su sentido profundo es la crítica de la irracionalidad de la tecnología y de la sociedad moderna.

La obra al óleo que vemos arriba es del año 1986 y Roberto Matta la tituló: "Munda y desnuda, la Libertad contra la Opresión"

Frida Kahlo y su obra "Unos cuantos piquetitos" llena de sangre


En el Museo Dolores Olmedo de la ciudad de México D.F. podemos contemplar y sufrir esta obra de Frida Kahlo titulada "Unos cuantos piquetitos" donde podemos ver en todo su drama un asesinato de una mujer posiblemente por su propia pareja sentimental. Es un cuadro enmarcado, para representar el drama y la sangre salpicada sobre el marco. La mujer ha quedado convertida en un pelele doblado y destrozada a cuchilladas. Y el hombre permanece impasible, como si todo fuera de lo más normal.

Frida Kahlo leyó en un periódico mexicano la siguiente noticia: Un hombre mató a su mujer y en los tribunales se defendió diciendo que sólo le había dado «unos cuantos piquetitos». Según la policía, fueron veinte puñaladas. Y con esa noticia Frida Kahlo construyó esta mirada suya, dolorosa y triste.

Frida Kahlo no quiso mostrar solo la imagen de un asesinato, quiso que nosotros como espectadores supiéramos que ese asesinato se había producido allí mismo, delante de nuestras miradas, y por eso lleno de sangre el marco ficticio de la obra. No era un cuadro, era un espejo. La mujer asesinada estaba delante de nosotros y sus restos nos envolvían. Y la cara de cínico del asesino también estaba allí, delante del espejo, mirando a la mujer pero con la sensación de que en cualquier momento nos puede mirar a nosotros.

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At the Dolores Olmedo Museum in Mexico City D.F. we can contemplate and suffer this work by Frida Kahlo entitled "A few piquetitos" where we can see in all her drama a murder of a woman possibly by her own sentimental partner. It is a framed painting, to represent the drama and the blood splattered on the frame. The woman has been turned into a dummy bent and smashed to pieces. And the man remains impassive, as if everything were the most normal.

Frida Kahlo read the following news in a Mexican newspaper: A man killed her wife and in court she defended herself saying that he had only given her "a few little peaks." According to the police, there were twenty stab wounds. And with that news, Frida Kahlo built this painful and sad look of hers.

Frida Kahlo did not want to show only the image of a murder, she wanted us as spectators to know that this murder had taken place right there, in front of our eyes, and that is why the fictional frame of the work filled with blood. It was not a painting, it was a mirror. The murdered woman was in front of us and her remains enveloped us. And the murderer's cynical face was also there, in front of the mirror, looking at the woman but with the feeling that at any moment she could look at us.

Lita Cabellut, una artista rompedora con casi todo


La artista aragonesa afincada en La Haya, Lita Cabellut, expone ahora en Amsterdam sus nuevas obras realizadas durante la primera parte de la pandemia de COVID en un montaje colección que ha titulado "Elección de los Recuerdos - Choice of Memories", donde muestra nuevas esculturas y las obras de grandes dimensiones. Esta que vemos la ha titulado "Misaki" donde Lita Cabellut utiliza una técnica innovadora que por medio de un craquelado incorporado a sus obras ya finalizadas de gran realismo hace aumentar el impacto visual de cada una de sus obras. Parte para sus obras de fotografías que reproduce con todo detalle y sobre las que aplica diversas técnicas de rotura, de incluso casi destrucción.

Pero la biografía artística de Lita Cabellut tiene sombras que emborronan en parte sus obras, algo que incluso vemos al final en sus trabajos. No todo parece real, no todo resulta maravillosamente espléndido para que sea la artista española más cotizada en el panorama artístico europeo de estos años.

El mundo del Arte Actual, vive en gran medida de mercados manipulados por los dineros, por las modas, por los listos que saben mover tendencias y crear nombres que les sirvan para sus intereses económicos. De momento nos quedaremos con las obras de Lita Cabellut y disfrutaremos de sus miradas artísticas diferentes aunque utilice técnicas muy viejas llevadas al punto de ruptura.

Las alcantarillas de Japón y sus diseños coloristas


No es la primera vez que hablamos aquí de las alcantarillas de Japón y es que nos sorprende que en el urbanismo de ir por los suelos, un país quiera agradar a sus transeúntes con diseños, coloridos, tiradas cortas para no repetir los motivos que funden en el metal de las alcantarillas. No sé si es un ejemplo, depende de las economías, pero sin duda es un detalle de calidad en la vida de las calles del Japón. Diseños que cambian según ciudades, barrios o zonas cercanas e interesantes para visitar en las ciudades. En realidad son un motivo de alerta, de aviso, de publicidad de sus lugares más conocidos en cada ciudad.

Por si hay duda de su interés, hay personas en Japón que coleccionan imágenes de las distintas alcantarillas japonesas y las ponen en conocimientos de sus lectores.

Cenicienta de Sony… ¿y por qué no es buena?


Esta semana se ha estrenado en Amazon Prime Video la película Cenicienta de Sony (Cinderella) basada en el cuento de su mismo nombre de Charles Perrault en el siglo XVII. Un rodaje que sufrió cortes debidos a la pandemia del COVID y que al final al logrado un producto muy bien hecho, que recibirá duras críticas son ninguna duda, pero que es muy agradable, entretenida y muy bien realidad en fotografía y efectos especiales, con unas actuaciones a la altura del producto final.

Es un cuento de hadas, un clásico, con un final muy conocido y que resulta imposible que te sorprenda, excepto por la calidad de las imágenes, de la música y de sus coreografías. Pero en estos tiempos tan negativos, cualquier atisbo de alegría, de positivismo, de locura imposible es de agradecer.

Hay cuatro personajes clave en la película que debo normar. Los tres ratones y el Hada Madrina. Nombrar a estos personajes secundarios no supone dejar atrás a los protagonistas, aunque a casi todos ellos les podríamos pedir algo más de credibilidad, aunque estemos dentro de un cuento de hadas. 

El trabajo en concreto de Billy Porter, dentro de su histrionismo lógico, es uno de los puntos de arranque para entender que todo es posible si lo vemos desde la alegría y la sonrisa, la música, el color y el movimiento. Que incluso Cenicienta, un cuento para niños, puede convertirse en un entretenimiento para adultos que están ya cansados de tanto pesimismo y tanta mala baba constante. 


¿Para qué sirve el Arte si no es para provocar?


El arte debe consolar a los perturbados, heridos, nerviosos, idos, desmotivados, simples, normales, cabreados, cazadores de nuevos aires, miradores de lo raro, sensibles, suaves, amantes del amor, luchadores de la habitual.

Y debe perturbar a los cómodos, a los ricos del dinero, a los violentos de pensamiento, a los censores, a los brutos, a los tontos bien formados, a los incultos que leen mucho, a los enfermos de normalidad, a los que siempre ríen por sentirse los dueños, a los poderosos infelices.

Una niña de 7 años contando una historia con un dibujo


En esta ventana vemos todo tipo de Arte, así que el arte infantil también debe tener cobertura. Es un inicio, es un Art Brut puro, un Art Naif original y además en este caso, va explicado. Es un dibujo que en realidad es un pequeño cuento contado por la niña, que explica la historia que ha dibujado. No es solo un dibujo simple, lo que nos lleva a la pequeña conclusión ya conocida de que casi nadie crea algo, Arte en este caso, sin que debajo subsista una historia.

Puede parece increíble que con 7 años haya dibujado esa línea que parece de horizonte, pero no lo es, desentonaría para la edad, pero todo tiene explicación.

En realidad ha dibujado a una tía suya a la que le ha escondido un tesoro (el bolso y la llave) entre las hierbas, y le ofrece el plano del camino que debe hacer para encontrarlo (la línea que parece el horizonte) hasta llegar a la X que es donde está escondido el tesoro.

¿Y por qué ha dibujado el tesoro en un lugar alejado de la X? Pues porque el tesoro está en la X pero si no se sabe qué se busca no se puede encontrar y por eso lo ha dibujado, para que vea la tía la forma que tiene el tesoro.

Como es lógico, entre todos nosotros lograremos tras muchos esfuerzos colectivos que esta niña según vaya creciendo se olvide de sueños, de cuentos y de tesoros, y se centre en trabajar mucho y en comprar más todavía, para ver si es posible que lo más pronto posible firme una hipoteca muy larga. Y que se deje de mierdas de dibujos, que eso, dicen, no lleva a ningún lugar. Somos así de listillos.

Mariano Tobeñas, pintor zaragozano que triunfó en Cuba


Mariano Tobeñas Mirabent
fue un pintor nacido en Zaragoza en el año 1881 y que tras vivir varios años en Calatayud tuvo que emigrar a Cuba a los 22 años, el país de su madre ya fallecida al casarse su padre (militar español) con otro mujer que no lo admitía como hijo. En Aragón había sido alumno de Pintura y había logrado en aquellos años ser licenciado en Bachiller de Ciencias y Letras. 

Se asienta como maestro de Matemáticas en la localidad de El Jíbaro y allí queda atrapado de los paisajes de la zona y decide pintarlos, recreando la selva de la zona, los verdes de las palmeras y las auas de ríos como nadie en aquel principio del siglo XX. Se consagró como paisajista mayor rural de la zona de Sancti Spíritus y logró varios premios y reconocimientos a su trabajo artístico. Fue uno de los pintores más destacados del centro de la isla en la primera mitad del siglo XX.

Helga Stentzel: "La Fotógrafa Surrealista del Hogar"


La fotógrafa rusa Helga Stentzel es conocida como "La Fotógrafa Surrealista del Hogar" pues gran parte de sus trabajos son montajes con productos básicos de cualquier vivienda que ella monta en una escenografía para simular escenas y trampantojos. 

Además de la fotografía también es diseñadora y hace vídeos con similar temática. Comenzó como Directora de Arte en publicidad y hoy sorprende con sus trabajos fotográficos por la sencillez de sus elementos y los teatral de sus montajes. Crea personajes con elementos de lo más diversos, dándoles una vida nueva.

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The Russian photographer Helga Stentzel is known as "The Surrealist Home Photographer" since much of her works are assemblies with basic products of any house that she assembles in a set to simulate scenes and trompe l'oeil.

In addition to photography, she is also a designer and makes videos with a similar theme. She began as an Art Director in advertising and today surprises with her photographic work due to the simplicity of her elements and the theatrical productions of her. She creates characters with the most diverse elements, giving them a new life.



Oana Stoian, una fotógrafa surrealista rumana


Una fotografía bella de la artista rumana nacida en Lugaj: Oana Stoian, para comprobar como un desnudo puede ser muchas más cosas que un desnudo. En este caso son formas, es belleza, es estructura y misterio. 

De hecho sus obras (primero fue pintora)muestran una abstracción de la realidad, una pérdida de identidad  real de los objetos que fotografía en el contexto de misteriosas escenas montadas para ver lo normal de una forma totalmente distinta, con diferentes diálogos con la escena primero y con el espectador después.

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A beautiful photograph of the Romanian artist born in Lugaj: Oana Stoian to see how a nude can be much more than a nude. In this case they are forms, it is beauty, it is structure and mystery. 

In fact, her works (she was a painter at first) show an abstraction of reality, a loss of real identity of the objects she photographs in the context of mysterious scenes staged to see the normal in a totally different way, with different dialogues with the first scene. and with the viewer afterwards.

Perplejidad ante el Arte Griego o el Arte Contemporáneo


Hay muchas ocasiones para quedarnos perplejos ante algo. Por ejemplo ante lo que no esperamos encontrarnos. ¿Es posible encontrarnos con una escultura de mármol que se ponga a pescar delante de nosotros? Este sería un ejemplo en el que nos quedaríamos perplejos.

Si es una escultura antigua, de Arte Griego por ejemplo, nos quedaremos perplejos. No la entenderemos. Pero si es una obra artística contemporánea ya no, ya la observaremos con otros ojos intentando saber qué nos quiere decir el artista pues ha podido querer jugar con nosotros, con su obra, son  lo que se espera de ella. 

Esta es parte del juego artístico que el Arte Contemporáneo nos plantea a veces. Mostrarnos secuencias, imágenes distintas a las que esperamos ver, a las habituales, a veces impactantes, y que nos pueden dejar perplejos. No se busca otra cosa que lograr lo que es otras épocas de nuestra historia sería imposible.

La artista Nuria Román y su: Arte para la Vida


Desde Baleares nos llega este trabajo de la artista Nuria Román, Arte para la Vida, un péndulo del 2020 donde nos quiere llevar al pensamiento de que nada es estable, nada es fijo, todo es capaz de moverse a nuestro alrededor y cambiar nuestra percepción de lo que nos rodea. Esta artista que vive en Menorca pero ha ido acumulando experiencias en Holanda o los EEUU trabaja la piedra, la cerámica la pintura y la escultura en un trabajo completo y complejo donde experimenta con encontrar los caminos de expresión y relación de la mujer con el mundo, las distintas relaciones que se dan entre el Norte y el Sur o entre las vidas urbanas y rurales.

Nos dice en una clara declaración de intenciones que.: Hay caminos del arte que están sin explorar, hay que tratar de abrir esos nuevos caminos. Creo en el Poder del Arte como herramienta para transformar y comunicar. El Arte debe ser algo cotidiano, cercano y popular (para el pueblo). Se debe hacer Arte igual que se hace pan cada día. El arte tiene la capacidad de abrir caminos, unir diferencias y despertar al entendimiento.

La vida interior sale a la luz a poco que rasquemos en la superficie


En fotografía se puede jugar con los conceptos, con las miradas, y practicar el ejercicio muy simple de ir buscando esas escenas a las que se les puede añadir una idea, un mensaje, un complemente a la imagen que nos acerque un poco a la poesía visual, a esa mezcla entre fotografía y literatura, a completar la idea observada con la idea imaginada.

"Los ríos amarillos de la vida interior, salen a la luz a poco que rasquemos en la superficie de las personas" - Ajovín



Fermín Aguayo y unos "Animales sumergidos"


Esta obra es del artista burgalés Fermín Aguayo realizada el año 1948 en guache sobre papel y titulada "Animales sumergidos". Se formó artísticamente en Zaragoza y formó parte del importante Grupo Pórtico desde donde trabajaron ese cubismo abstracto que de alguna forma revolucionó el arte español de aquellos años de la mitad del siglo XX.

Curiosamente en Zaragoza no se le prestó ni a él ni a su Grupo Pórtico la atención debida en sus años de evolución, llegando a perderse gran parte de su obra en el desalojo de su vivienda zaragoza del Paseo de la Mina. 

Tras más de una década en Zaragoza se fue a trabajar a París donde fue reconocido como pintor que ya había evolucionado hacia unos modelos figurativos más poéticos, ni sin dificultades pues al ser autodidacta no siempre era fácilmente reconocido su trabajo en los ambientes un tanto cerrados del Arte de mitad del siglo XX. Falleció a los 51 años, lo que nos deja bastante suprimida su evolución más madura.

Joseph Holston y sus obras para reflexionar sobre la historia de los EEUU


De ascendencia afroamericana dejo esta obra del artista pintor y grabador norteamericano Joseph Holston titulada "El Viejo" del año 2002. Con líneas y formas que se acercan al cubismo abstracto y con colores vivos casi siempre, trabaja sobre todo retratos de identidad negra, casi ilustraciones comerciales que nos mezclan la idea del grabado y la pintura como dos técnicas complementarias pues al final es la mirada del espectador la que dicta qué está viendo. 

Presente en muchos museos norteamericanos crea arte para reflexionar, cuestionar y profundizar en la historia de los EEUU a través de sus personas contundentes, tristes a veces, con fuerte personalidad.

Además de la pintura y las impresiones de sus propios grabados, o impresiones digitales de sus obras, trabaja también la serigrafía y el collage, y hace dibujos para exposiciones de sus obras.

William Kentridge y un dibujo muy teatral


El artista sudafricano William Kentridge, Premio Príncipe de Asturias de las Artes del año 2017 nos muestra aquí un dibujo suyo, muy teatral como parte de sus actividades artísticas además del grabado y el dibujo, siendo también director artístico de series para la televisión y creador de películas animadas basadas en sus propios dibujos.

Dibujando sobre todo, William Kentridge siempre ha querido trabajar la crítica social, trabajando con muy pocos colores, para resaltar la diferencia entre el blanco y negro y muchas veces un único color. Refleja la vida social de su Sudáfrica, pero sin añadir estereotipos clásicos, sino denunciando lo que afecta a todas las personas.

William Kentridge dijo.: Me interesa el arte político, es decir, un arte de ambigüedad, contradicción, gestos incompletos, metáforas y finales inciertos. Un arte y una política, donde el optimismo está bajo control y el nihilismo se mantiene a raya.

Paul Colin y el artístico mundo del diseño gráfico


El mundo del cartel, del diseño gráfico, es un mundo lleno de artistas
conocidos o no, de provocaciones como el mundo del Arte de museos, y de trabajos de alta calidad que muchas veces nos pasan bastante desapercibidos. Cuando hablamos de Arte Contemporáneo, tal vez mucha veces nos olvidamos del mundo de la publicidad, del diseño, del grafismo con mensajes o sin ellos, de algunos trabajos que son auténticas obras de arte.

Este que vemos es un cartel del año 1935 para la marca de coches Peugeot. No necesita explicación para vender un producto. Está vendiendo velocidad, aceleración, sensación de movimiento, aventura, elegancia, libertad. Esta hecho por Paul Hubert Colin uno de los más influyentes diseñadores franceses de la primera mitad del siglo XX que también trabajó en escenografía y en vestuario, en pintura y escultura. Es claramente un ejemplo de Art Déco en el diseño gráfico.

El escultor Pablo Gargallo y uno de sus caballos


Delante del Museo Pablo Gargallo de Zaragoza cuatro grandes esculturas del artista aragonés nos reciben desde la calle Alfonso para no perdernos ante un edificio emblemático de la historia zaragozana. Dentro, además de una excelente colección muy completa que ofrece un trabajo pedagógico excelente, un hermoso palacio aragonés y alguna gran exposición temporal generalmente de escultura pero también de pintura o dibujo.

Si vienes a visitar Zaragoza y te gusta el Arte tienes ocasión de visitar este Museo que aúna casi de forma callada toda una trayectoria de uno de nuestros mejores escultores españoles que trabajó en las primeras décadas del siglo XX y colaboró con todos los mejores de aquellas épocas doradas para el Arte Español.

Chuck Close y sus trabajos fotorrealistas en CMYK


Esta semana ha fallecido el pintor americano Charles Thomas Close al que conocíamos por Chuck Close y por sus trabajos mitad pintura mitad fotografía, pintor fotorrealista que desde 1988 y por un problema de salud tuvo que abandonar parte de sus trabajos tan detallistas que hacía en sus obras.

Sus técnicas de pintura se basaban en partir de una fotografía de retratos en primer plano que dividía en celdas con lineas en forma de maya y que después trasladaba en grande a sus cuadros, con mucho color y jugando con las técnicas pictóricas que a veces simulaban tramas.

Influenciado desde muy joven por la obra expresionista abstracto Jackson Pollock, no siguió sus modos pero si sus intentos de llenar los vacíos de los lienzos con pequeños retazos de líneas o manchas, no dejando que estas cobren tamaño. 

En la imagen podemos ver un autorretrato hecho en el año 1997 de sus series en CMYK cuando ya estaba muy impedido para poder trabajar. En el Metro de New York hay alguna obra suya en cerámica, colgada en sus pasillos.

Hay que mostrar basuras, las que nos quitamos de dentro


Dicen que comentó una vez Pablo Picasso.: El propósito del arte es lavar el polvo de la vida diaria de nuestras almas. Así que si hacemos caso a esta frase, todos deberíamos estar creando constantemente "algo" para ir limpiando nuestro interiores de polvo y paja. No solo nos basta con vaciar nuestros interiores, sino además debemos plasmarlos en "algo" para que se vean y sirven de comparación o de aprendizaje o de asco.

Sea teatro, literatura, dibujo, escultura, pintura, música o gritos contra las paredes con un spray en la mano. Cada tiempo tiene sus modos de lavar los polvos interiores. Ya no sirve solo con plasmar bellezas, también hay que mostrar basuras, las que nos quitamos de dentro pues nos estorban.

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They say that Pablo Picasso once commented: The purpose of art is to washing the dust of everyday life from our souls. So if we hear this phrase, we should all be constantly creating "something" to clean our insides of dust and chaff. Not only is it enough for us to empty our interiors, but we must also translate them into "something of ours" so that they can be seen and serve as a comparison or learning or dislike.

Be it theater, literature, drawing, sculpture, painting, music or screaming against the walls with a spray in hand. Each historical time has its ways of washing the inner powders. It no longer works only with the capture of beauties, we also have to show the garbage, which we remove from within because they hinder us. 

Reflexiones de Fernando Fernán Gómez, un artista


Hoy publica el diario El País un extracto de un diario que escribió en Roma durante el año 1952 el actor Fernando Fernán Gómez mientras estaba rodando allí la película "La Conciencia Acusa" en la que hacía de jesuita. 

Dejo abajo esta parte seleccionada de su diario pues me parece aclaradora de lo que nos sucede a veces a los que nos dedicamos a crear algo de Arte en algunos tiempos de nuestra vida. 

Dudamos, constantemente dudamos de lo que hacemos, pues crear es algo muy raro, no hay constancia clara de que sirva para algo, de que pueda gustar hasta pasado un buen tiempo, de que tenga sentido lo que hacemos.


7 de junio de 1952

Ya voy viendo en qué consiste el estado de ánimo de mi joven jesuita. Como siempre, le sucede lo mismo que a mí. El joven jesuita quiere abandonar el convento, pero no está muy seguro de quererlo. ¿No pienso yo lo mismo hace más de un año respecto a mi profesión y cada vez más intensamente? El joven jesuita no comprende claramente para qué sirve; sospecha que no sirve para nada. ¿Acaso no sospecho yo lo mismo cuando reflexiono sobre la estupidez de mi trabajo y la insulsez de mi vida cotidiana? ¿No he estado yo tentado, estos últimos meses, de abandonarlo todo, incluso mi trabajo y mi familia? El jesuita se siente incapacitado para el trabajo que de él se espera, exactamente como me siento incapacitado yo. Pero piensa si esto no será una disculpa que le presente al demonio para incitarle a satisfacer su ansia de mundo. Confunde el deseo con la disculpa. La disculpa con el deseo. Yo entiendo muy bien lo que es eso. Y uno, en esa crisis, está en el centro del miedo, y es miedo lo que se siente al aceptar un nuevo contrato que le liga a la estupidez por dos interminables meses y es miedo lo que se siente cuando se rechaza el contrato. Me he levantado y he ido de uno a otro de los dos turbios espejos: el del armario y el del lavabo. El jesuita joven, al atravesar su crisis, tendría así las cejas, angustiadamente caídas, y las vigilias le habrían sumido los ojos en las cuencas, como a mí, y tendría la mandíbula débil y afilada. Todo esto me pone muy contento. He escrito hoy el diario muy de prisa y ahora estoy sonriendo casi con picardía, con la picardía de quien ha descubierto el truco que estaba buscando. Me parece que voy a dormir de un tirón.

¿Y si el Arte Contemporáneo es simplemente esto, Arte Efímero?


En Zaragoza no tenemos la suerte de tener a Banksy, ni de tener un exceso número de grandes murales aunque las funciones del Festival Asalto son un gran acierto. Pero sí teneos desperdigados por la ciudad multitud de bichos, de pequeños monstruos miedosas que solo aparentan. Es el urbanismo lleno de arte efímero repartido por toda Zaragoza con bellos colores. Con el tiempo es posible que reconozcan ya otras generaciones, que estos periodos de Arte Urbano son un sello del Arte Contemporáneo al que no supimos prestarle la suficiente atención.

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In Zaragoza we are not lucky enough to have Banksy, or to have an excess number of large murals, although the Asalto Festival functions are a great success. But you do have a multitude of bugs scattered around the city, of scary little monsters that only pretend. It is urbanism full of ephemeral art spread throughout Zaragoza with beautiful colors. Over time it is possible that other generations will recognize that these periods of Urban Art are a hallmark of Contemporary Art to which we did not know how to pay enough attention.

Salvador Dalí y una sección de su obra "Idilio atómico y uránico melancólico"


A veces una sola obra de Arte contiene muchas obras de Arte. Hay pintores como Dalí que en una sola de sus obras esconden, queriendo o sin querer, varias obras de arte que se pueden contemplar como secciones del todo de la obra. Salvador Dalí es uno de ellos. Sus obras son historias compuestas de varias escenas. El surrealismo es uno de las disciplinas que mejor permite esto, contar historias completas a través de diversas escenas que se unen en un lienzo, como si fuera una obra de teatro donde se pudieran contemplar diversas escena e ir pasando de una a otra según cambias tu punto de vista.

Estos procedimientos tienen una curiosidad añadida para el espectador. Según el día, el tiempo en el que contemplas una escena, te atrapa una u otra. El Jardín de las Delicias de El Bosco sería otro de esos ejemplos de historias en una sola obra, que según el día, el tiempo, te atrapa o te fijas en una parte o en otra.

Esta obra que vemos arriba es una sección del cuadro "Idilio atómico y uránico melancólico" pintado por Salvador Dalí en el año 1945, en los mejores años 40 del artista de Figueras. En esta obra hay al menos seis secciones diferentes en donde poner la mirada. Según de qué forma estés en el momento de la visita se te irá la mirada hacia una zona o hacia otra de esta obra de Dalí. 

En el Arte tiene que haber evolución y un camino similar que te identifique


La suma de obras de Arte similares forma un conjunto que amplía el valor de cada uno de sus elementos. Un conjunto, una serie similar es imprescindible para poner en valor tu marca. Si simplemente picoteas diversos modos, distintas temáticas, distintos modos de Arte, aunque seas muy bueno, no lograrás destacar pues se requiere una continuidad, una exploración, un trabajo de reflexión y de evolución. 

¿Hacia dónde nos lleva lo que estamos haciendo? 

¿Somos capaces de con la misma idea sacar distintos ejemplos de trabajo, distintos pero similares?

Cualquier trabajo artístico necesita una firma reconocible en sus modos, en sus temáticas, en sus formas de trabajar las ideas y los fondos. Todo debe poseer un pequeño conjunto que suponega una firma reconocible de trabajar y de evolucionar.

Eso no quiere decir que la propia evolución no te vaya llevando hacia caminos distintos, no te vaya transformando en alguien que va creando desde un principio, obras diferentes y que evolucionan, se mueven y te mueven como artista hacia otros derroteros, hacia otras formas de expresión. pero se tiene que ver el camino.

Si miramos el trabajo de Miró, Picasso, Goya o Banksy por poner unos ejemplos aleatorios, veremos que sus obras se identifican con las formas y con el tiempo. Van evolucionando, Goya por ejemplo no es igual en los cuadros religiosos que en la Pinturas Negras o en Tauromaquia. Pero se puede seguir su transformación en el tiempo. Sabemos que es él, simplemente a veces porque hace lo que esperamos que haga como es el caso de Banksy o de Manuel Millares o de Antoni Tapies.

Nota.: La obra que vemos arriba del año 1950 es del pintor inglés Tony Stubbing, que empezó a ser artista en España en los años 40 del siglo XX.