Caminando por la vida, yo te vi

No siempre el caminar por la vida supone saber hacia dónde queremos ir - 2018

Bodegón digital prehistórico

Mis primera imágenes digitales las trabajé antes de 1990, es decir antes de que naciera Photoshop que enseguida se convirtió en el Rey de los programas para retocar o crear imágenes digitales. Comencé con plataformas carísimas y muy profesionales, en donde no se podía picar texto pues no reconocían más que píxeles y no elementos vectorizados. Hablo de Chromacom y escaner Hell y Chromagraph.

Poco antes del año 2000 compramos un Photoshop, en la versión 4, y aquello, siendo soportado en un ordenador pequeño que nada tenía que ver con los que yo utilizaba me pareció claramente el futuro por su versatilidad y facilidad de uso. 

Un mal futuro para mi oficio que veía pasar poco a poco de máquinas que costaban 30.000.000 de pesetas a 5.000 pesetas, y aunque la calidad no era la misma, poco a poco eran capaces las nuevas máquinas de ser suficientes para algunos trabajos sencillos.

Esta imagen que vemos arriba es una de las primeras que realicé de forma digital, simplemente para aprender jugando, un sencillo bodegón del año 2000 que en este proceso es la prehistoria. Unos procedimientos gráficos que todavía no eran capaces de trabajar por capas, pero que ya indicaban que se iban a comer todo lo anterior, como así fue. 

¿La vida nace por debajo? ¿Y por dónde se muere?

Era 1990 cuando comencé a explorar ideas surrealistas propias, a trabajar sobre conceptos de doble mirada, de dobles opciones en la vida y ante la vida. Y a jugar un poco con los conceptos antagónicos. Vida o muerte, guerra y paz, diálogo o pelea o ruptura, etc. 

Escondiendo uno y dando importancia al otro, pero manteniendo ambos en las mismas obras, casi en igualdad de opciones para que el espectador eligiera según el momento. ¿Dónde se escodne la vedad, arriba o abajo?

Este cuadro debe ser de los segundos o terceros intentos, pues empecé con obras que veremos en otros momentos, más imposibles todavía, mas surrealistas clásicas si cabe, espaciales o irreales. 

No realicé más de una decenas de estas obras, de las que guardo un cariñoso recuerdo por el tiempo en el que las hice, y también por lo convencido que me dejaron, abriendo una nueva etapa en la pintura, que llevaba unos años abandonada. 

La vorágine de mi trabajo ajeno a la pintura me llevó a abandonar estos experimentos iniciales, que se quedaron en eso, en muestras bocetadas, algunas con mejor tipo pero que todavía aguantan bien el paso del tiempo. 

Cuestión de sangre y de saber buscar las salidas

La sangre siempre sale por los agujeros.

                  Naturales o hechos para joder. 

Si no hay agujero, no sale sangre… hacia fuera.

No siempre que hay agujero sale sangre.

                    A veces lo peor es pensar que nos estamos desangrando, sin perder sangre.

En esos caso, lo mejor si se puede, es hacer Reset.                 

Una B o cinco B en seis espacios

Nos distribuimos como podemos, ocupando espacios en la vida que nos van dejando otros colegas de ocupación. No siempre el que finalmente tenemos que ocupar es el mejor, ni el que nos gustaría, pero debemos hacerlo nuestro y defenderlo. Si nos movemos de nuestro sitio, muchas veces lo que sucede es que otros vienen raudos y nos lo ocupan. 

La vida es como el juego de las sillas, en donde quedarte sin sitio no es quedarte de pie, sino quedarte al intemperie. Y hace frío, mucho frío.

Cuestión de mirar al suelo si comenzamos a andar

Como no sabemos lo que hay debajo de nosotros, no sabemos qué se nos comerá los tobillos.

Nos podemos caer en cualquier momento

Es peligroso buscar la salida mirando el teléfono, justo, al lado del precipicio - 2022

El tiempo es terrible para la conservación

 

Cuando ya no queda carne, pueden quedan líquenes - Anzánigo - 2020

La basura bien enmarcada, es menos basura

A veces guardar basura supone tenerla que enmarcar - 2021

No todas las manchas, dejan mancha

 

Hay manchas con forma y manchas deformes - 2021

Hay roturas que son más guapas sin resolver

 

Cuando algo se rompe cabe la posibilidad de no arreglarlo - 2022

No sé qué quiero decir, pero lo diré

 

Siempre nos quedamos a medio hablar - 2021

Intentar asomarnos es lo primero que debemos hacer

Intentó asomarse, pero enseguida cambiaron de página - 2021

Venimos de tiempos tapados ¿Hacia dónde vamos?

Nos tapamos la boca para no hablar. ¿Nos tapamos o nos la tapan? - Valencia - 2021

Dibujo para copiar, aprendiendo volúmenes, luz y sombras

En el siglo XVII y XVIII era muy habitual que en las academias de dibujo y pintura —bien fueran estas escuelas públicas o privadas de artistas reconocidos que buscaban a nuevos aprendices para que les ayudaran en sus trabajos—, tener dibujos de artistas más o menos reconocidos, para que sirvieran de ejemplo sobre los que copiar.

Copiar obras de otros artistas es una excelente forma de aprender, aunque suene antiguo. 

Copiar no supone quedarse con un método o un estilo ajeno, sino practicar y conocer procesos y formas. 

Dominar la mano y los volúmenes, dar luz y sombras a semejanza de obras de otros artistas, y comparar lo que se logra para saber en qué hay que trabajar más, y así lograr efectos parecidos o incluso mejores. 

Esta Cabeza de Niño, de artista Salimberri se empleó durante años en la Real Escuela de Arte de San Luis en Zaragoza, como un ejercicio sencillo pero complejo a la vez, pues trabajaba con dos colores y trataba de buscar volúmenes además de una mirada especial, donde los ojos, la nariz y la boca tienen mucha importancia. 

Cualquier mala copia supone un rostro diferente, con una mirada y una sensación del modelo, totalmente diferente.

Un juego de colores, de luces, de brillos, de sombras

Muchas veces es una simple luz la que nos lleva la mirada de un lugar a otro, provocando nuestro actor de mirar de forma instintiva pero provocada. 

No son volúmenes ni formas, solo es luz la que nos atrapa, la que nos llama desesperadamente. 

Huimos de lo gris, buscamos el color, pero sobre todo buscamos el color que contraste con su entorno, el color con luz. 

Que se unan colores complementarios… y que salga ganando el que mas nos atrape en ese momento. 

Si todo el entorno fuera cálido y brillante, unos toques de gris neutro y apagado en el centro serían los que nos obligarían a mirar.

El Arte Urbano se fabrica para ser efímero

Este mural se hizo para una jornada en el barrio de La Jota deZaragoza, sobre maderas, era una simple manifestación rápida que formaba parte de las fiestas del barrio. Duro pocas horas y me imagino que en su desaparición o desmontaje quedó el abandono y la pérdida. Arte Efímero, Arte Urbano. Va en el mismo precio, hacer y tirar. Creo.

El uso e incluso a veces el mal uso o el abuso del Arte Urbano desde las instituciones, es un mal ejemplo de lo que se debe hacer para poner en valor a los espectadores del día a día y a los propios artistas. Iremos aprendiendo. O no.

Paco Simón y sus respuestas imprescindibles

Al artista aragonés y genial Paco Simón lo conocí de adolescente, cuando él era ligeramente más mayor, en el mítico Luz y Arte zragozano que veía pasar a los mejores artistas aragoneses de aquellos años. Me sorprendió su exigencia y su entendimiento. Entendía lo que yo no entendía. Sin duda era imposible no saber que estabas delante de un Gran Artista. Siempre esperé de él, ese toque de suerte que a veces llega y a veces no llega.

Recuerdo que hablaba de irse a New York como como yo digo de irme a Madrid, con esa naturalidad de que allí estaba "lo diferente y lo necesario".

Hoy lo entrevistan en Heraldo y os dejo un par de respuestas que me parecen interesante que no se pierdan.

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P.: ¿Cuál es el lugar del pintor en esta sociedad en plena crisis y con una guerra incierta?

R.: El lugar del artista es complicado, más aún si su trabajo no se integra en el ‘mainstream’. El artista que es crítico con lo establecido y quiere romper moldes no lo tiene fácil pero es necesario para ayudar a que la sociedad no se convierta en un rebaño. Hay que intentar ver siempre las cosas desde diferentes ángulos y viajar es un buen ejemplo para ello. Conocer y respetar otras culturas y formas de vida te hace más humilde, y por supuesto más sabio. No soporto a la gente que critica y desprecia desde la ignorancia.

Imparte habitualmente talleres a los niños. ¿Qué les enseña y qué le enseñan?

Es fantástico trabajar con niños. Yo les enseño lo que sé aplicado a su edad desde la perspectiva del artista no de la del profesor del colegio. Intento estimular su imaginación y que creen en libertad a la vez que van aprendiendo las técnicas. Trabajar con niños te regenera, te transmiten la inocencia y la espontaneidad actitudes que a veces se van perdiendo con el tiempo.

¿Cómo diría que está la enseñanza de la pintura en un tiempo donde el arte es puro mestizaje?

No estoy al corriente pero tengo la sensación de que no está para tirar cohetes. El conocimiento de las artes y las humanidades es fundamental para desarrollar el intelecto y no molestar al mundo.

Durante años el arte era un termómetro de rebeldía, de denuncia, de crítica social. ¿Hemos perdido eso o solo es una apariencia?

Hemos perdido eso. Hay muy buenos artistas y mucha rebeldía pero hay que salir de los medios habituales para encontrarlos. Veo mucho artista adocenado, no hay más que ver las ferias de arte que cada vez se parecen más a la de los caballitos donde se busca el impacto inmediato y por consecuencia el rápido olvido; es un poco como el MP3 a la música, llega a todo el mundo pero de baja calidad. Añoro esos días donde el arte molestaba al sistema.

Esgrafiado catalán o italiano, grabado en el estuco de las fachadas

Alguna vez he hablado ya del esgrafiado de las fachadas de algunas localidades catalanas, de grandes casas por ejemplo como la que podemos ver arriba en la localidad de Martorell (Barcelona), de las que ya hablé aquí hace un tiempo, te ofrecen una mirada urbana de principios del siglo XX que logra hacernos entender mejor lo que eran las grandes familias y sus deseos de destacar sobre las demás.

Sobre las paredes y el estuco se crearon obras esgrafiadas de arte que han perdurado hasta nuestros días, con imágenes grabadas sobre las paredes representando las labores del campo, las fiestas típicas de la localidad o mostrando a los dueños de los edificios, fueran comerciantes, tejedores, vinateros o ganaderos.

Curiosidad y técnica de rascar las paredes para formar imágenes que imitaban grabados y que en realidad es una técnica antiquísima con miles de años de antigüedad. 

Hay ejemplos en antiguas casas romanas. Y son modos de una decoración de interior o de exterior que se siguen utilizando bastante en Italia, pero en España también en Castilla además de en Cataluña.

Nicolás Borrás Falcón y su Pentecostés del siglo XVI

Las obras de Arte religiosas, siempre de encargo como elementos explicativos para los feligreses en tiempos en los que no había suficientes libros y muy pocas personas que supieran leer, nos han ido dejando en la historia ejemplos de fábulas, milagros sobrenaturales, pero a su vez retratos de la sociedad, trajes y muebles.

Este cuadro del alicantino Nicolás Borrás Falcón de finales del siglo XVI es un Pentecostés en tabla pintado al óleo que procede del Monasterio de San Jerónimo de Cotalba en la localidad valenciana de Alfauir del que era monje jerónimo Nicolás Borrás Falcón.

Esta obra ingresó en el Museo de Bellas Artes de Valencia tras la desamortización de Mendizabal, procedente del aula capitular del monasterio de Cotalba, donde lo describe Orellana como la Venida del Espíritu Santo sobre el Colegio Apostólico en lo que se conoce como Fiesta del Pentecostés.

Presenta una escenografía sencilla con viva coloración esmaltada, y quiere explicar el inicio de la actividad apostólica de la Iglesia Cristiana con el descenso de las lenguas de fuego sobre los reunidos (Hechos de los Apóstoles 2, 1-4), situados alrededor de la Virgen y de tres santas mujeres, cuya presencia no se indica en el pasaje neotestamentario pero que se justifica por su consideración de reina y madre espiritual de los apóstoles.

Goya en la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid

Francisco de Goya dejó en la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid unas obras que son hoy un ejemplo del trabajo en fresco. A finales del año 1798 y en solo cuatro meses plasmó una decoración religiosa que en estos tiempos se ha detectado que corren riesgo de perderse al ir deteriorándose poco a poco. Necesitan con urgencia un trabajo de conservación ante la debilidad de la pintura en fresco que no siempre se comporta con el tiempo con seguridad.

En la imagen vemos el Milagro de San Antonio de Padua, resucitando a un hombre fallecido con el que vemos hablar en el momento de volver a la vida por el milagro. Las obras de la ermita fueron casi seguro un encargo que partió de su amigo Gaspar Melchor de Jovellanos, entonces ministro del rey Carlos IV.

“A corto plazo no peligran las pinturas, pero hay que cuidarlas, además hay aprobado desde hace tiempo un plan de restauración de las cubiertas, por lo que instamos a ambas instituciones a que actúen lo antes posible” ha informado la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, realizando una urgente reparación de las cubiertas.

En su cúpula tiene la ermita una de las obras más reconocidas de Goya, con una barandilla fingida en la que se apoya una multitud de personajes, se observa el milagro de San Antonio de Padua, cuando el franciscano que se hallaba en Padua se enteró que a su padre le acusaban de un asesinato en Lisboa. Hasta esa ciudad se trasladó milagrosamente y pidió ver al difunto para que declarase si su padre era o no el asesino. 

Y en la obra vemos a San Antonio hablando con el asesinado, para que le explicara quién realmente le había atacado. Resucitado el joven asesinado, declaró ante los presentes que no habían sido los padres de San Antonio aunque lo habían enterrado en los jardines de su casa, por parte de un enemigo que tenía que a su vez eran parientes suyos.

Goya pintó como escena central, la que primero veían los fieles al acceder a la ermita por la entonces entrada principal, el momento en que el San Antonio de Padua, elevado sobre una roca, interroga al fallecido, que está desnudo y demacrado, con las manos juntas y sujeto por un hombre que es quien lo ha llevado a la presencia de San Antonio.

Los frescos en casi todos los casos se pintan como bocetos pues se van a ver a una distancia grande, desde el suelo. De cerca podemos ver brochazos y pocos detalles, todo parece abocetado, lo que desde abajo logra el efecto visual de tener casi relieve pues en realidad son manchas de luz y de color.

Torrellas: Sabotaje al montaje. Arte de Matías Mata

Hace años, cuando la explosión de grafiteros inundaba las calles de España, el comentario generalizado era definir a las pinturas como vandálicas, sucias y hechas por gamberros sin arte. Considero que hay arte en los graffitis, también es cierto que depende del talento del artista, de su contenido social, ubicación y, como ocurre con cualquier manifestación artística, de lo que conmueva al espectador. No siempre se reacciona igual y esa es la grandeza del arte.

Matías Mata tiene arte en sus graffitis. Firma sus obras con un contundente, Sabotaje al montaje. Reinvindica su origen canario y siento aprecio por él por quedarse en las islas frente al canto de sirenas de la capital madrileña. Así que me llevé una sorpresa cuando en una de mis salidas por tierras moncaínas me encontré con una obra suya. 

Torrellas, para quien no ha estado, tiene graffitis de variada temática y técnica. Ya había fichado a la mayoría, por eso mi sorpresa al ver a las afueras del pueblo en una nave este trabajo suyo. Porque hacía calor y no era cuestión de estar ahí parada, pero ver a esos dos bebés sonrientes me sacudió por dentro. Hay tanta vida, alegría en esas caras que contrasta con el secarral en donde está ubicado. Ese globo azul solitario, lejano es la representación, esto es cosecha mía claro, de la despoblación de unos pueblos que gracias a estos proyectos se posicionan hacia el exterior.

Porque como dice Matías Mata.: El graffiti no estropea nada, se pinta sobre lo que está estropeado: muros abandonados, casas antiguas... lo único que hace el graffiti es llamar la atención, decir: mira, esto aquí está abandonado. Vamos a mirarlo así. 

Para el artista hay cosas más vandálicas en la vida como los préstamos, los casinos en la calle al lado de los colegios...

Disponer en los espacios públicos abandonados de este arte debiera ser de obligado cumplimiento. La sociedad es un montaje que hay que sabotear y Matías Mata lo hace con cada pincelada que da.

Olga Neri

Dos Trinidades con casi dos siglos de distancia

Esta obra que vemos arriba, del valenciano Vicente Requena "El Joven" posiblemente de finales del siglo XVI representa La Trinidad en un óleo sobre tabla con una configuración de los tres personajes que respira tranquilidad y poder. Esta obra que estaba en el convento de Santo Domingo de Valencia permite explicar a los feligreses toda una iconografía religiosa compleja.

Vemos a Dios con una vara de mando, a Jesucristo con la Cruz y al Espíritu Santo como una paloma que adelanta las patitas como para frenar ante la escena, para posarse. 

Dominan el Mundo o en realidad es como si dominaran "Los Mundos" mientras que la paloma viene desde el fondo, el todo, el Universo infinito, el Cielo, a una reunión de trabajo. Dios es un hombre mayor, Jesús es joven para marcar las distancias entre Padre e Hijo, y el Espíritu Santo es lo inmaterial, algo bueno que viene del aire, uno de los Tres dioses, o incluso según algunos "El único Dios".

Abajo podemos ver otra Trinidad, pero en esta caso está compuesta de tres personas iguales, tres dioses en igualdad de forma. Es la Santísima Trinidad del artista ruso Andrei Rubliov, de principios del siglo XV que algunos sin duda reconocen como la Trinidad y otros como los tres Ángeles que fueron a visitar a Abraham. 

La Trinidad, "Los Tres" o como seamos capaz de intentar entender o creer, son una constante a la hora de hacer milagros, de crear poder religioso o de gobierno, el mínimo número impar después de UNO. 

Censura en el Arte. "People’s Justice" de Taring Padi

La censura en el Arte es una constante que revaloriza al Arte. Volvemos a lo de siempre, no nos gusta lo que a veces se expresa con el Arte sin darnos cuenta de que es todo muy relativo, y que una de las funciones del Arte es provocar, no gustar, plantear alternativas a veces duras. Lo que no tendría cabida en una formalidad social, sí la tiene y la debe seguir teniendo en el Arte, como expresión máxima de la libertad.

El colectivo de Indonesia Taring Padi ha presentado en el Festival Documenta de Alemania una gran pancarta mural con el título "Justicia Popular" o "People’s Justice" en donde se critica a Israel con algunas viñetas de policías con cara de cerdo. Las críticas se centraron en la representación en la pancarta mural de un soldado con la cara de un cerdo y con un pañuelo al cuello con una Estrella de David y un casco inscrito con la palabra "Mossad", el nombre de la agencia de inteligencia de Israel. Los autores han dicha que es antimilitarismo y no crítica contra una nación, un Estado.

El Arte pictórico, como el humor o la literatura, están o deberían estar libres de censuras previas y tener mucho cuidado en las censuras posteriores. 

Eso no quiere decir que deba tener un descontrol total, sino que hay que respetarlo como lo que es, una expresión imaginaria que desde la perspectiva inventada intenta reinventar o provocar con soplos, y poco más.

Luego quedará el debate del uso que se puede hacer con el Arte, pues aquí ya sí podrían entrar censuras y prohibiciones, según países, momentos o tipo de usos.

Lo curioso en estos tiempos es que si se censura una obra se le da una publicidad que nunca hubiera tenido, es decir se logra lo contrario a lo que pretendían los censores.

Salvador Dalí era también un personaje icónico

Hay iconos imprescindibles. Nadie sabría qué figura tendría Dalí sin su bigote. Era parte de Dalí, posiblemente no tanto de Salvador. 

Esta es una pintura urbana, callejera, de ese icono, del Salvador Dalí que todos reconocemos. 

Enjuto y con un largo y fino bigote que se elevaba. Pero además en su figura había una mirada especial, una voz muy personal, unos movimientos casi de diseño, una boca única y angulosa que mercaba también su personalidad. 

Él mismo había creado su personaje y lo sabia mantener.

Cuando 12 son más que 1

Cuando el todo resulta sencillo, habitual, cuando ese todo no nos dice nada en un Arte selectivo, podemos trocear la mirada artística y crear diez o doce partes del todo, y enseñarlas a trozos. Es posible que se vea de otra manera.

El Mac y una obra en Amberes con líneas, de 2018

El artista californiano El Mac, crea retratos muy realistas y expresivos utilizando sólo líneas, algo también característico del barroco y de pintores como Rembrandt.

Su enorme mural realizado en Amberes en el año 2018 lo trabaja con líneas que se superponen con diferentes grados de luz y oscuridad, para lograr los difuminados si miramos las obras a una cierta distancia. Como sus murales son muy grandes, esto si hay espacio se logra sin problemas.

Arte Urbano en el Mercado de Lorca

Esta imagen es del exterior del Mercado de Lorca, un clásico de Arte Urbano para anunciar un espacio público. Y logra su objetivo con éxito, por su ubicación pero también por el trazo de la obra de Arte. No solo en los Museos debe esconderse el Arte Moderno, sino aunque admitiendo que el Arte Urbano siempre es efímero, las calles son el objetivo a ocupar, a conseguir.

¿Qué es el Arte Contemporáneo o el Arte Moderno?

Los que disfrutamos del Arte, incluido el Arte Contemporáneo o el Arte Moderno, sabemos que a veces nos la están metiendo por los ojos sin un valor suficiente como para que sea sencillo considerar Arte aquello que estamos observando. 

Lo cierto es que nosotros como espectadores, no compramos las obras y por ello no nos debemos sentir muy engañados. Pero sí críticos con lo que observamos.

Porque sobre todo lo que no guarda muchas veces relación es la obra con su precio de venta.

Si entendemos que una obra de cualquier tipo debe tener un precio con arreglo a lo que cuesta hacerla, o a lo que cuesta pensarla, o a lo que ha costado saber hacerla, efectivamente el Arte Moderno o Contemporáneo a veces nos engaña. Pero no debe ser nunca el único factor. 

La originalidad o ser "El primero" también cuentan.

Si tenemos en cuenta factores tan curiosos como la posible revalorización, el factor inversión, el agrado de poseer, el de tener algo de autores muy bien tratados por críticos; entonces los valores y los precios cambian totalmente.

Vamos a ser amables. Hay muchas obras de Arte Moderno que NUNCA nos podríamos en nuestro salón o en nuestro WC. 

Incluso hay muchas obras de Arte Moderno o Contemporáneo que son muy fáciles de falsificar y de hacer/copiar nosotros mismos en nuestro taller de arte. 

Incluso vemos obras que algunos llaman de Arte Contemporáneo que simplemente son recortes, archivos, descartes, objetos que remarcamos o pulimos para ofrecer una visión simplemente algo diferente de algo muy común.

No estoy hablando de arte diferente, moderno por ser hecho ahora, sino de obras que una vez expuestas y si no se venden, simplemente se tiran o se guardan en un almacén lleno de trastos. 

El artista sabe que no debe conservar aquellas obras que no han gustado pues devalúan el resto de obras suyas. Se crea Arte en apariencia como una forma de vivir, de valorar mas lo que efectivamente se logra vender. 

Mercado, mercado, mercado.

Una obra de arte debe durar en el tiempo. 

Las que son efímeras también pueden ser obras de arte, sin duda, pero lo curioso es que muchas de las que presuntamente han venido para quedarse no lo deberían hacer. 

La pregunta sería: ¿Qué observarán nuestros tataranietos del Arte Moderno o Contemporáneo que se está haciendo hoy en día? 

Pues eso, lo que quede en la memoria colectiva, es realmente Arte. 

Lo demás es trabajo artístico en el mejor de los casos, arte decorativo para un momento de nuestra sociedad.

 

María Blanchard y su Bodegón con frutero, botella y vaso

De la artista cántabra María Blanchard un cuadro del año 1918 titulada.: "Bodegón con frutero, botella y vaso" de la Colección Serra que se puede ver en el Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca. Una clásica obra cubista de óleo y lápiz sobre lienzo, ejemplo de la pintura de aquel inicio del siglo XX.

Posiblemente la mejor pintora española del siglo XX, sin duda del cubismo, tuvo una vida corta llena de problemas que superaba con la pintura y el arte y sus amistades parisinas. Un talento no siempre bien reconocido, muy bien formado por compañeros artistas con los que convivió e influyeron, como ella les influyó a ellos.

Jonathan Meese y sus provocaciones pictóricas

El artista alemán Jonathan Meese nacido en Japón pinta, dibuja, hace instalaciones escultura, literatura, decorados para teatro, collages multimedia, fotografía o instalaciones casi escénicas, etc. Un auténtico artista contemporáneo que domina técnicas y habla de mitos, de héroes, de proyecciones hacia el exterior de elementos que están muy dentro de todos nosotros.

Esta obra del año 2002 se titula.: "Graneros de la policía, tu leche esta caliente" y sus trabajos se encuentran diseminados por muchos museos europeos. Es provocador, es un Jean Michel Basquiat europeo (con perdón para ambos), capaz de provocar al que se le ponga delante a contemplar su obra, con unos textos, unos gestos o unas pinturas que parecen salidas del Arte Urbano. 

Desde Gerona, volando gaviotas desde lo feo

Las pequeñas muestras urbanas de arte se pueden encontrar en cualquier espacio adusto, soso, feo. En esta columna debajo de una autovía de entrada a la ciudad podemos encontrar estas gaviotas sobrevolando por encima de los coches. 

Una manera de alegrar una zona oscura, horrorosa por lógica, pero que gana un punto de vista original y artístico. La ciudad es Gerona.

La mesa judía en la cena de Pascua, de la Hagadá de Sarajevo

Vemos aquí una ilustración de la Hagadá de Sarajevo, un libro de relatos o discursos que instruyen tras haberse recogido de la tradición oral hebrea. Un libro de Dichos que recogen las narraciones y plegarias o incluso historias de lugares, de personajes, de textos bíblicos.

Esta ilustración de la Hagadá de Sarajevo realizada en Barcelona en el año 1350, muestra la mesa judía durante la cena de Pascua o Séder de Péssah.

La Hagadá de Sarajevo es una obra maestra del arte sefardí. Se trata de un manuscrito sobre pergamino blanqueado e iluminado con cobre y oro. Contiene 34 páginas de ilustraciones de escenas claves de la Biblia.

Una marina muy sencilla para aprender técnicas

Esta obra es una marina de un artista que firma como Zacchi pero del que no tengo más referencias claras. Pero no lo traigo aquí como una obra de un artista en concreto, sino como una técnica muy efectiva para crear y pintar. Si observamos la obra vemos que son simples brochazos posiblemente ayudados por espátula, para crear unas sensaciones que funcionan muy bien. 

Pocos colores o tonos del mismo color, excelente trazo tanto de los brochazos difusos del cielo como del agua de la marina, logrando que sin ser real, parezca un paisaje real. La sensación es de estar contemplando un cielo y el mar, en una mañana algo nebulosa. 

Una gama de azules que junto al blanco sirven para crear una atmósfera dentro de un trabajo rápido, pues e requiera hacerlo rápido pero sabiendo muy bien qué se quiere dibujar con las manchas de color, y muy poco más.

El resto lo ponemos todos los espectadores, imaginar que es el mar, contemplar unas aguas que se pelean entre ellas debajo de un cielo posiblemente tormentoso.

No pienses en la muerte, piensa en este mismo día y aprovéchalo

En esos urbanismos trabajadores para revitalizar paredes viejas, nos podemos encontrar bellas ideas de ilusión y colores, o potentes expresiones de contundentes realidades ficticias. 

La muerte es un caballo que nos quiere devorar, y al final, siempre nos gana el camino. Verla en fríos colores no ayuda a sonreír, pero tal vez un poco a vivir mejor este día, sí que puede ayudar, para que no lo malgastemos.

Esta pared estaba en Gerona.

Goya y su: "El apóstol Santiago y discípulos adorando Virgen del Pilar"

Entre los años 1775 y 1780, Francisco de Goya pintó esta obra titulada "El apóstol Santiago y discípulos adorando Virgen del Pilar" que en unos días saldrá a subasta, tras unos años moviéndose de espacios y de incluso estar un tiempo en el Museo de Bellas Artes de Zaragoza. Es de propiedad particular y no se puede exportar fuera de España.

Una obra de Goya joven, de algo más de un metro de altura y posiblemente pintada en Zaragoza, en los tiempos en los que intentó importante contratos para la basílica de El Pilar, cuando la temática religiosa en Goya era su forma de expresión.

Cartel de la Semana Vasca de 1928 en San Sebastián

La cartelería como único elemento publicitario era fundamental a principios del siglo XX para dar a conocer eventos y fiestas, pues no había —como ahora— tantos medios de comunicación ni estos llegaban a tantos segmentos de la población. Imprimir carteles bien diseñados y ponerlos en la calle era la única manera de dar a conocer todo tipo de actividades o producto.

La Ferias, las Fiestas patronales, los grandes eventos culturales o comerciales se anunciaban con vistosos carteles que reflejaban los actos, indicaban las fechas y los lugares e informaban de lo que se iban a realizar en aquellas fechas.

Esta cartel es de la ciudad de San Sebastián, anunciando una Gran Semana Vasca en julio del año 1928, e indicando que habría actos referentes a las bellas artes, deportes, teatro y danzas, todo envuelto en un bello cartel que ayudaba a comprender mejor lo que se iba a representar en estas fiestas.

Cartel del Concurso de Cante Jondo del año 1922

Mi admiración por la cartelería viene de lejos, de toda una vida laboral viviendo de las Artes Gráficas y de un Primer Premio a un cartel de tres personas entre las que estaba yo, que ganó el Cartel de Fiestas del Pilar en el año 1991. Pero además es que creo que los carteles son el ejemplo más sencillo de entender el abrazo entre el Diseño Gráfico y el Arte. 

En diseño gráfico se trabaja mucho ese componente artístico de la creación, y casi nunca se valor y casi menos se conserva. Han pasado por mis manos miles de diseños de anuncios, de portadas, de tarjetones, que deberían permanecer como ejemplos de construcción artística, y se han ido perdiendo en el momento en que deja el producto y el servicio de ser actual. 

Este cartel lo deja hoy El País en su suplemento Babelia, para hablar de un Concurso de Cante Jondo del año 1922 en Granada. Hace justo un siglo. Hoy la tipografía no sería la misma, el concepto de la obra y la distribución de sus elementos sería totalmente distinto, pero la ilustración podría seguir sirviendo para un diseño actual. El Diseño Gráfico además de ser arte es también reflejo de su tiempo, es parte de su historia temporal.

Escuela Aragonesa del siglo XVIII Aparición de la Virgen del Pilar

Esta obra de la Escuela Aragonesa de pintura del siglo XVIII pero sin autor conocido, y titulada Aparición de la Virgen del Pilar a Santiago se subastó en Alcalá Subastas hace unos meses por 4.500 euros. Es un óleo sobre lienzo de 63 x 42 cm.

Lleva una etiqueta en el reverso inscrita a tinta con el siguiente texto: "Concedo 40 días de indulgencia a todas las personas que rezaren una salve ante esta imagen de Nuestra Señora del Pilar. Madrid, 25 de marzo de 1852. Miguel Salva Munar, Obispo de Mallorca durante los años 1871 y 1873".

Desde el punto de vista compositivo y estilistico la obra se puede relacionar con “La Venida de la Virgen del Pilar a Zaragoza", pintada por José Luzán en 1765 conservada en Museo Goya. Colección Ibercaja-Museo Camón Aznar.

Art Déco francés en el exterior de una piscina pública

Esto es un detalle de cerámica Art Déco francés, en los años en los que se cumplen el siglo del nacimiento de este Arte Decorativo que surge tras la I Guerra Mundial, un poco para compensar la tristeza, el dolor y el hambre, a base de una cierta alegría, una demostración de opulencia y riqueza que no siempre era real, y en donde se mezclan un poco de todas las escuelas artísticas que en aquella década de los años 20 del siglo XX van influyendo en la vida cultural y artística. hablamos del constructivismo, cubismo, futurismo, art nouveau y el racionalismo de la escuela Bauhaus, incluso ya el incipiente surrealismo.

El Art Déco ha llegado a nosotros y a ser tan popular por que influyó en todas las artes decorativas de esos años, como la arquitectura, el diseño interior, diseño gráfico e industrial, así como las artes visuales, la moda, la pintura, grabado, escultura y cinematografía. Era una nueva manera, agrupadas todas las otras escuelas que se repartían por Europa, de decirnos y decirse, que unos nuevos tiempos habían llegado.

Nace en París en 1925 pero enseguida se expande por el resto de Europa, gracias a la popularidad que obtuvo durante la Exposición de Artes Decorativas de París en 1925, convirtiéndose en un fenómeno de masas que enseguida se extiende por los EEUU, a la moda, a los complementos y a todo lo que tenía que ver con la decoración de interiores o de arquitectura de gran tamaño.

La imagen que vemos arriba es una cerámica exterior decorativa de una piscina pública francesa, como ejemplo de esa deseada opulencia, ya no solo era necesario construir una gran piscina para todos, sino además era necesario que el edificio fuera grande y su exterior ampliamente decorado.