29.5.23

Los edificios muy potentes, también desaparecen


Los grandes edificios también puedes pasar desapercibidos, ir desapareciendo en el tiempo al ir perdiendo color, al difuminarse sus formas. Siguen ocupando espacios, parecen tener utilidad, pero en realidad y sin que ellos mismos lo sepan, se van convirtiendo en un estorbo. Enseguida, cualquier tormenta un poco fuerte, los tumba. Y entonces en su solar se construye otro edificio nuevo.


28.5.23

Nos hicieron con los restos de la belleza


Una pequeña estrella de cinco puntos, natural y que solo nos muestra sus formas si nos acercamos a ella. Es como una flor que se ruboriza de ser bella, de tener formas tan bien construidas. Las personas, comparadas con las flores, somos terriblemente feos. Es normal, eso es cierto, llegamos según dicen, en el último día y ya debía estar cansada la fábrica.

27.5.23

Mirando círculos de recuerdos


Jugando con círculos de colores recogidos de las calles - New York. No sé si es mirar dentro, mirar desde fuera, o mirar por mirar.

25.5.23

Arquitectura enorme, para provocar


En arquitectura sobre todo, pero también en todas las Artes, se juega con intentar la grandeza para provocar, entusiasmar, incidir sobre el espectador, apabullarlo incluso. Y la grandeza no solo es como en el caso que vemos arriba, una diferencia descomunal de tamaños entre las personas y el continente. Puede ser mucho más.

Una sinfonía de Wagner puede ser tremenda aunque la escuchemos tumbados en nuestro sofá con unos cascos. La cabalgata de las valquirias es enorme a través de sus sonidos entrando al interior de nuestras sensaciones.

Un cuadro de Miró con unas figuras que no entendemos de forma sencilla pululando sobre un lienzo pueden resultar asombrosas. Un poema con pocas líneas nos puede entrar hasta rompernos.

Si nos fijamos en las pinturas de Altamira, los todos en relieve buscan estar encima del espectador, impresionarles y a su vez darles un respeto máximo. Seguimos pues en eso, haciendo Catedrales enormes, Musicales con decenas de actores, conciertos llenos de música, sonido y color. Los sentimientos interiores hay que provocarlos como sea.

23.5.23

Starry Night - Vincent van Gogh - La noche estrellada


El artista de Países Bajos, el pintor Vincent van Gogh pintó La noche estrellada en 1889 durante su estancia en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole, cerca de Saint-Rémy-de-Provence, un año antes de fallecer con 37 años.

Poco se puede hablar o explicar de esta obra, una de las más reconocidas del mundo artístico y que se conserva en el museo MET de New York

Observarla, disfrutarla, verla con calma, intentar entender la obra de una persona con serios problemas de salud mental, que al final y tras una gran obra pictórica a sus espaldas, ha marcado sin querer el Arte del siglo XX.


22.5.23

Búho artístico en vinilo por las calles de New York


Los vinilos han venido a facilitar la multiplicación del Arte, a lograr que por poco dinero se puedan multiplicar los colores, las formas, para decorar el urbanismo y para facilitar también el escaparatismo, el trabajo en Museos que todo hay que decirlo todavía no se quieren abrir a su uso, etc.

Este "Búho" es de un bajo de una calle de New York que los habitantes de este espacio han colocado para que no se vea desde la calle la vida interior. Elemental, fácil y eficaz. Una impresión al tamaño que se necesita y una decoración eficaz en una calle gris.

En cuanto a los Museos y al uso de los vinilos o de las impresiones digitales en general, sin duda a veces permitirían destacar detalles de algunas obras y así no sería tan imprescindible acercarse mucho a ellas. Y además harían un trabajo pedagógico interesante para alumnos de colegio, pues les podría mostrar el tipo de brochazo del artista, sus firmas, sus detalles.

21.5.23

Crear es vaciar para dejar espacio


El genial Quino lo supo decir con muy pocas palabras puestas en la voz de un niño. Efectivamente un lápiz, un tubo de pinturas, una pieza de barro están preparadas para lograr vida que no existía antes. Simplemente espera un papel un lienzo o unas manos. 

El Arte es crear desde la nada, llenar espacios de ideas nuevas y de elementos que antes no existían. Crear, llenar vacíos, provocar, hablar con distintas herramientas.

Todos podemos crear, aunque a veces en estos tiempos se nos quieran poner cortapisas a ese ejercicio fácil pero muy necesario. Y digo necesario, porque quien crea también se vacía, se desahoga, entrega, ofrece.

Muchas veces el artista no piensa en su espectador, sino en sí mismo en un ejercicio de egoísmo personal, pues necesita sacar fuera lo que tiene. Puede que no guste, incluso lo fácil es que no guste, pero la persona necesita sacarlo, vaciarse para dejar espacio a nuevas ideas.

20.5.23

Claes Oldenburg y sus esculturas fuera de tamaño


En el Arte el tamaño sí importa como elemento visual que provoca, que nos crea dudas y conflictos con la realidad que se nos muestra. Es un elemento, el tamaño, que ayuda a transmitir, y sobre todo a que como espectadores prestemos atención.

Podemos hacer grande lo que vemos pequeño, o podemos hacer visible lo que normalmente no vemos por su pequeño tamaño. En ambos casos se juega con ese elemento visual que nos muestra de otra manera lo que existe pero no vemos de esa manera, con ese tamaño.

El tamaño es relativo. Nosotros mismos lo comparamos con nosotros. Pera un dinosaurio gigantesco ver una pelota de Bádminton de 3 metros de altura no le representaría un asombro, para una hormiga posiblemente ver de cerca un grano de arena tampoco. Pero para nosotros, por nuestro tamaño, ambas cosas nos parecen curiosas.

Los artistas a veces cambian el tamaño de lo que nos muestran, para expresarse con otras medidas, para resaltar las formas, los detalles, y sobre todo su relación con nosotros. 

En las imágenes podemos ver dos esculturas de Claes Oldenburg, el rey sueco de la escultura pop que de niño se trasladó a New York, representó desde principios de los años 60 del siglo XX un Arte Figurativo y Público de grandes dimensiones para jugar con los elementos, las formas pop y el urbanismo.

El aquellos años muchos de los artistas norteamericanos estuvieron de acuerdo en que el expresionismo abstracto estaba muerto, aunque nadie sabía lo que podría venir después, y experimentaron en multimedia y arte de performance. Sin dejar el Arte Pop empezaron a crear nuevas maneras de mostrar y ver, de jugar con el espectador y sus sensaciones.



Quality. Obra de Basquiat y Warhol de 1984


En octubre de 1983, una vieja gloria Andy Warhol, aunque muy atenta a conocer y beber de las nuevas tendencias artísticas, y el joven de moda que despegaba, Jean-Michel Basquiat coincidieron. Durante dos años, entre 1983 y 1985, crearon juntos unas 160 telas. De esta relación nació un tercer camino artístico entre ambos con obras que no eran ni de uno ni de otro, pero bebían de ambos.

Estas obras de fusión abrieron tendencias y hoy es imposible saber de aquellos cuadros qué hizo qué en cada una de ellas. Qué parte hizo cada uno de los dos artistas, de quien fue la idea primera, de quien las transformaciones finales. Aunque algunas partes se adivinan con más facilidad que otras.

Obras colectivas auspiciadas por una época claramente comercial, que continúa en este siglo XXI.

Dijo Basquiat de Warhol: “Él comenzaba la mayoría de las pinturas. Ponía en ellas algo muy concreto o muy reconocible, como una mancheta de diario o el logo de un producto, y después yo lo desfiguraba de alguna manera y después intentaba que él lo retrabajase un poco más sobre la obra, y después yo lo retrabajaba de nuevo”.

Andy Warhol en sus diarios escribió: “Yo creo que estos cuadros que hacemos juntos, Basquiat y yo, salen mejor cuando es imposible decir quién ha hecho qué”.

Hoy, 35 años después de la muerte del último de ellos, sin saber todavía si su Arte es bueno, interesante, o si tiene el valor que se paga, sí sabemos que abrieron un camino que todavía sigue en el mundo del Arte Pop, fácil, aunque ya por sus precios, de popular no tenga nada.

Arriba podemos ver la obra "Quality" un acrílico hecho por Basquiat y Warhol a cuatro manos en el año 1984.


19.5.23

El Reina Sofía, un museo imprescindible en España


En alguna ocasión lo he apuntado aquí e insisto en ello: Los museos, sobre todo los importantes, no pueden ser meros contenedores de obras, sino también o sobre todo, lugares vivos, rompedores, y a su vez espacios pedagógicos.

Y me refiero sobre todo por mis numerosas visitas al Museo Reina Sofía de Madrid (mis críticas van dirigidas hasta el año 2011, pues después ha mejorado mucho). 

Su orden en aquellos años no me gustaba, no era fácil dejarse llevar sin que pareciera un barullo sin orden clara, entre fondos fijos, fondos movibles según épocas y exposiciones temporales. En los últimos años era todo mucho más legible.

Pero sobre todo, el espectador no puede tener dudas sobre la elección de las obras que se hacen en las exposiciones temporales, y sobre todo que estas no estén acompañadas de más información sobre sus formas, lo que representaron, como evolucionaron, incluso sobre el contexto histórico y cultural sobre los que se edificaron las ideas y obras.

Lo sé, mucha gente no lee los carteles informativos, pero hay más fórmulas, como pequeños catálogos en papel o visuales, pero sobre todo más información en internet para que el visitante puede completar su visita desde casa, rellenando huecos, ampliando lo vista. O incluso llegando ya a la visita con unos conocimientos básicos que sean suficientes, si así lo desea.

Ahora en el año 2023 estamos en la tesitura del cambio de dirección en el Reina Sofía, y eso sin duda afecta a la calidad del Museo, de este y de todos. Quien sea elegido impondrá formas y modos, hará cambios. 

Son siempre las elegidas, personas de gran experiencia en Museos Internacionales, saben lo que se está haciendo en los mejores lugares, simplemente deseo que nunca piense que en España no merecemos algo más fácil o sencillo.

Natalia Lainez y su personal "25+25"


La artista zaragozana Natalia Lainez expone desde abril a junio 2023 en el Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (Plaza de San Felipe,3), su trabajo “25+25”, muestra dividida en tres zonas y que surge como un homenaje que quiere realizar a su hermana, fallecida hace 25 años, cuando la pintora tenía 25 años, de ahí el título de la muestra.

Para Natalia Lainez la exposición “25+25” es la suma de dos momentos vitales, es como un antes y un después”. 

Son un total de 70 obras realizadas desde el año 2016 hasta 2023 mostrando algunos cambios en sus diferentes etapas de estos año, donde muestra esa sensibilidad especial de la integración de la arquitectura en el Arte rodeada de sus vivencias, recuerdos, refugios.

Alterna su trabajo pictórico personal con la actividad docente de Dibujo y Pintura tanto en su taller privado como en la Escuela Massana de Barcelona.

La obra que vemos arriba la ha titulado "Soledad".

El 4 en grande, para que no haya dudas. New York en números


Uno de los detalles de algunas grandes ciudades de los EEUU es el culto urbano que le hacen a los números. 

Por la extensión de sus calles, que logran numeraciones en sus edificios muy poco habituales, como por el tamaño de los números identificativos de sus edificios, que los colocan como parte decorativa del urbanismo. 

Este edificio número 4 es de New York, un gran cuatro para que se vea desde lejos y no haya duda. 

Fotografía de agua, poco habitual


El agua tiene muchas maneras de presentarse ante nosotros como espectadores de sus movimientos. El agua es eso, movimiento y es complicado fotografiarla para que transmita, pues una fotografía no tiene sonido, ni es capaz de capturar el movimiento, ni de mostrarnos sus constantes cambios de forma.

Así que con el agua debemos jugar a que nos parezca "otra" cosa, a que la capemos con un punto de vista no habitual, distinto, a veces casi extraño. Y el agua entonces nos puede engañar momentáneamente. Sus cambios de formas, sus brillos, incluso con una luz mala, puede dejarnos puntos de vista en una fotografía, que resulten poco habituales.

La arquitectura nos puede ayudar, el punto de vista, pero sobre todo elegir el encuadre y las formas de esa agua que a veces podemos lograr que se parezca poco a una simple agua.

Un bebé cabreado en New York


Un bebé cabreado siempre impresiona. Un Arte Urbano mostrando a un bebé musculoso y con ganas de pelea es una manera de representar la sociedad de un barrio que se quiere defender. El Arte Urbano está para demostrarnos que en el siglo XXI tiene todavía muchas cosas que decirnos hsta posiblemente convertirse en una tendencia artística de estas décadas primeras del siglo XXI y últimas del siglo XX.

18.5.23

Nuevo autorretrato de Miguel Ángel en el Vaticano



Entre las grandes dudas visuales y sin resolver que tenemos en estos siglos que podemos llamar de la imagen, el XX y el XXI, está poder disponer de más información visual sobre las situaciones que la historia nos ha brindado. 

No conocemos con exactitud la imagen real de grandes figuras de la historia, tampoco podremos tener nunca imágenes de acontecimientos que marcaron nuestra civilización.

Por ello, el poder disponer de pistas reales sobre la imagen de genios históricos es una maravilla arqueológica. 

Un nuevo autorretrato del genio del Renacimiento, Miguel Ángel Buonarotti, se descubrió en el año 2009 en la restaurada Capilla Paulina en el Vaticano, lo que ha despertado el interés de críticos y estudiosos del maestro renacentista.

Según el jefe en aquel momento de los restauradores de los Museos Vaticanos, Maurizio De Luca, en uno de los dos frescos de la capilla, el de "La Crucifixión de San Pedro", aparece un "autoritario" Miguel Ángel con turbante azul como uno de los tres caballeros romanos que acompañan la crucifixión, a la izquierda de la escena.

En cuanto al turbante azul cielo con el que aparece tocado Miguel Ángel, se dice que "acostumbraba a protegerse del polvo con un turbante blanco cuando trabajaba", y el hecho de que se muestre a lomos de un caballo es normal porque "al artista Miguel Ángel le gustaba mucho cabalgar a lomos de sus caballos".




Pintura abstracta o de vanguardia. Primeros pasos



Si queremos crear una línea nueva y personal de Arte pictórico, un nuevo u original estilo o concepto en nuestra obra, si tenemos ideas nuevas que nos golpean y no sabemos bien cómo plasmarlas, si nos encanta experimentar y adentrarnos en nuevas expresiones artísticas aunque no tengamos claro si continuaremos cn los experimentos artísticos, vamos a dar algunos pequeños consejos.

 En la pintura abstracta el acrílico es más rápido, más fácil incluso (ojo, que el acrílico tiene sus propias reglas) y más puro de color si no hacemos mezclas. Hoy es más fácil experimentar con acrílico.

 Debemos madurar la idea, plasmarla en papel a modo de boceto, darle un par de vueltas para cambiar algunas cosas, incluso según cómo decidas crear, te puedes ayudar del ordenador para bocetar la idea y ver si funcionan los colores y las formas, los espacios vacíos, los blancos.

 Cuando la idea está más clara, compra unas tablas de conglomerado de un tamaño pequeño, aproximado al 30 x 40. Te aconsejo que hagas 3 pruebas diferentes, sobre 3 soportes, para luego poder ver hasta donde da de sí lo que estás creando. Incluso pensar en distintas proporciones de la obra final, pero en pequeño. 
Serían pruebas rápidas pero finalizadas, cuidadas como si fueran las definitivas, pues nos debemos entregar hacia una idea acabada.

 Y como ya he apuntado antes, explora y crea tres cuadros con variaciones y procedimientos distintos, para luego analizarlos y ver por donde crees que puede ir mejor tu nueva idea. Piensa que en realidad no estás creando una obra nueva, sino un camino nuevo, un cambio de concepto artístico, una exploración.

 Déjalos un par de semanas reposar en un cajón, o en un lugar en donde no los estés viendo constantemente,  hasta casi olvidarlos, para volverlos a ver con otros ojos pasado ese tiempo, para poder discernir si realmente tienen algo de fuerza, si es eso lo que realmente querías hacer. A las tres semanas recoge las obras y ponlas otras dos semanas a la vista contante, la tuya y la de los que te acompañan. Y vuelve a revisar las otras con calma.

 Y a partir de aquí, decide, elige, modifica y crea al tamaño y proporción final la obra o incluso el nuevo camino de creación.

 Y recuerda que en la abstracción son las formas y colores los que enseñan. Nada debe ser real, no deben existir figuras con perspectiva, con sombras, con realidad natural. Tú creas algo nuevo, algo que no existe hasta ese momento. Y te lo tienes que creer, te debe gustar, debes sentir que es eso lo que realmente quieres explorar.

Ajovín

El empadronamiento en Belén, de los pintores Pieter Brueghel

El cuadro que vemos en la entrada, y en sus tres versiones se titula “Censo en Belén” o “El empadronamiento en Belén” obra el primero del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1566, y mide 115,3 cm de alto y 164,5 cm de ancho. 

Se exhibe actualmente en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica de Bruselas, Bélgica, aunque es de la colección de arte de Amalia Lacroze de Fortabat, Argentina

El tema del empadronamiento en Belén, derivado del censo decretado por el emperador Augusto, y descrito en el Evangelio según San Lucas, no es muy frecuente verlo representado en el arte. 

En este caso Pieter Brueghel el Viejo pinta un paisaje nevado, en el que las  figuras de los protagonistas son de pequeño tamaño y aparecen perdidos en el entorno nevado. 

No es una representación de la sociedad de aquellos tiempos, es más un divertimento donde vemos a la sociedad de los Países Bajos en los años en que fue pintado el cuadro, gobernados por España de una forma un tanto déspota y con graves problemas de convivencia y pobreza. 


Es de destacar la sencillez con la que retrata a José y María subidos en el burro y arrastrando una vaca en medio del cuadro. Como también la escena de la izquierda donde se agolpan decenas de viajeros en un intento por encontrar techo para dormir en ese día de desplazados.


Los otros dos cuadros son variaciones del primero, posteriores y realizados por Pieter Brueghel el Joven, el hijo primogénito del primero, y que gran parte de su obra está constituida por variaciones de cuadros realizados por su padre. 

El tratamiento es muy similar pero el detalle de las figuras y el color confieren a sus obras un pequeño toque naif, mucho más suave que su padre en las texturas de los elementos de las obras.

El artista simplemente transforma lo que ve y nos lo manda ya cambiado


Tenemos que insistir, los que estamos cerca del Arte, que simplemente todo lo que creamos es una manera de mirar, una forma de ver, que es algo distinta al resto de personas. 

El Arte no es solo algo que resulta totalmente transformador de las realidades, sino muchas veces se trata de que con unas formas de ver lo habitual, lo pasamos por nuestra particular experiencia y forma de ver y lo cocinamos mentalmente para luego entregarlo.

El artista simplemente transforma lo que ve, aquello que lo primero que hace es mirarlo y seleccionarlo, y tras pasarlo por su forma de entender los elementos, lo transforma en "otra" cosa que es lo que nos enseña a nosotros, los espectadores. Casi siempre es así de sencillo, aunque a veces sea duro para el artista.

¿En qué se fija un artista?

Un Artista mira por nosotros algo que de entrada es normal, simple; lo transfigura, lo cambia, y nos lo devuelve desde su punto de vista. Y eso puede ser un sentimiento, una acción, un paisaje, unas personas, una escena, un escrito, unos sonidos, unos movimientos.

Lo hacen los músicos con sus sensaciones que transmiten tras digerirlas, los pintores con sus interpretaciones de lo habitual, los fotógrafos seleccionando y recortando escenas, los escritores adornando historias con personajes y ambientes, los actores mintiéndonos con personajes que se los creen pero que no son ellos.

Todo existe ya, todo se puede mirar y ver desde cientos de ópticas, pero cada artista le añade o le resta su propio punto de vista mental, para entregarnos algo distorsionado. Posiblemente, maravillosamente distorsionado.

Por eso no es capaz de ver igual un artista africano del siglo XXI, que un europeo del siglo XIX o un americano del siglo XX. 

Les/nos afectan los tiempos, miramos y vemos con arreglo a lo que en esas épocas era/es lo habitual. 

Luego, cada artista, lo cocina en su cabeza y nos lo entregan. Pero todo está pegado y encerrado a un tiempo y a un artista original. 

Joan Miró no dibuja tonterías fáciles, reinterpreta distorsionado lo que se imagina. Construye escenas con su propio idioma visual, se las imagina y nos las entrega. A él muy posiblemente le importaría poco lo que opináramos un siglo después de haber terminado sus obras iniciales. Hacía lo que le salía desde dentro en aquellos tiempos. Y como él, todos los demás artistas. 

16.5.23

No tuve valor para jugar al ajedrez con este contrincante


En la vida hay que tener valor para todo, incluso para perder. No es fácil perder cuando de antemano se sabe que no se puede ganar. Y sobre todo que no te vas atrever a ganar. 

¿Quien cojones es capaz de comerle la Reina o hacer Jaque a un señor como este, ante un oponente con esos brazos? 

Nadie. Yo no, desde luego.

En las calles de New York se esconde el mundo


En las calles de New York se esconde el mundo y a veces se descalzan para sentir que los suelos son ya suyos. Eso es la seguridad necesaria para intentar ser felices. Se sientes seguros y eso está muy bien - 2017 - New York

La Fundación Francisco Godía de Barcelona y la obra de Zeng Fanzhi


No es muy habitual poder disfrutar de arte chino actual, de pintura de artistas chinos como en el caso que nos presentó la Fundación Godía de Barcelona mostrando la obra de Zeng Fanzhi.

Presentada por primera vez en España en el año 2009 la obra del artista chino Zeng Fanzhi, es considerado un de los valores más sólidos de la plástica china que en los últimos años ha dado el salto a las galerías más prestigiosas, a grandes exposiciones internacionales y a los museos. 

El arte de Zeng Fanzhi se caracteriza por un dominio extraordinario de la técnica pictórica que le permite sobreponer en una misma pieza elementos figurativos y abstractos. 

En la Fundación Francisco Godia, Zeng Fanzhi expuso obras de su colección particular: las más personales, las más privadas, las que no ha querido vender nunca. 

Con ésta exposición, la Fundación Francisco Godia abrió una nueva vía de colaboración con los artistas en activo e incorporó las últimas tendencias del arte contemporáneo.

Ablade Glover, un maduro profesor de la pintura africana

El Catedrático en Arte Ablade Glover es un artista nacido en 1934 y formado como artista en Ghana, el Reino Unido y los EE. UU.,  establecido y consagrado educador, que ha hecho una enorme contribución al arte mundial. 

Fundó la Galería Alianza de los Artistas (AAG), en Accra, Ghana, para mostrar lo mejor del arte africano contemporáneo. 

Es un alumno del Instituto Africano Americano en Nueva York, y miembro de la Sociedad Real de Artes en Londres. Actualmente es consultor de arte y el Director del AAG.

Os dejo dos de sus obras, para disfrutar un poquito con su ARTE pictórico, a veces duro. 
El estilo de Ablade Glover ha sido descrito como "un remolino entre la abstracción y el realismo" trabajando sobre todo los grandes espacios urbanos y naturales de su África natal.

15.5.23

Ángel Orensanz. Un artista oscense en Zaragoza


El artista multidisciplinar oscense Ángel Orensanz, uno de los mejores artistas escultores del mundo, tiene obra repartida por varios lugares públicos de Zaragoza. Desde hace casi 40 años en New York es un referente en la escultura actual aragonesa.

Este mural junto al estanque de la entrada al Campus Río Ebro de la Universidad de Zaragoza, junto al edificio Ada Byron, es una gran obra realizada en cemento y guijarros con algunos retoques de color. En la imagen vemos una parte de la escena central, que poco a poco y al estar al aire libre, va sufriendo el paso del tiempo.

En realidad son dos murales aledaños uno del otro, que posiblemente sin la lámina de agua de la fuente que hay a sus pies no resalten de la misma forma, pero que sin duda impresionan por sus formas y detalles. 

Unas figuras androides, fantasmagóricos y típicas de su obra, reflejando escenas imaginarias del Génesis y de la vida, en contraposición a la muerte, al final inevitable.


Una sala de universidad en Zaragoza. Arte amable


Son los pasillos de entrada de una facultad de la Universidad en Zaragoza. Nada como utilizar el Arte para crear espacios, sensaciones, ambientes. Lo de menos es que se vea, sea capaz de motivar o no la forma de crear ambientes, lo imprescindibles es que se debe hacer, pues tenemos la obligación de hacer amables los espacios.

13.5.23

Dibujo sencillo para decorar un espacio público


Este dibujo lo encontré en una cafetería, espacios que suelen decorar sus salas con diversas obras de artistas no siempre conocidos. Es un ejemplo de que un sencillo dibujo, unos trazos bien realizados pueden ser suficientes para retratar un espacio, un paisaje.

Saber dibujar es fundamental, pero no se trata siempre de saber dibujar tal y como todos vemos la realidad, pues para eso hoy ya tenemos muchas veces la fotografía, sino de saber sintetizar, simplificar con trazo de forma suficiente,  para que con pocos elementos podamos imaginarnos el escenario.

Fotografía escondida de una persona tapada


Hay muchas maneras de querer estar escondida, pero esta no os lo recomiendo. 

Se termina sin respirar y eso provoca cambio de color en la cara. 

Me la encontré expuesta en una joyería. 

Lo importante no era el rostro que escondía sino las joyas que pretendía vender. 

Una apuesta comercial que no sabría valorar.


Fotografía para aprender a mirar, a ver, a cazar

A la hora de aprender a fotografiar el urbanismo o cualquier otra técnica que elijamos, tenemos que hacer ejercicios, prácticas que nos enseñen a ver, a mirar buscando objetivos. 

Fotografiar es cazar imágenes.

Este grupo de fotografías pequeñas lo he encontrado en el diario italiano La República y muestra en varios ejemplos un montaje de alfabetos completos con edificios que simulan cada uno de ellos una letra. 

Los blancos o los espacios vacíos de cada fotografía en blanco y negro nos muestras esa letra, remarcada por los negros. 

Una forma también, de aprender a realizar Series de fotografías temáticas.

Lo importante aquí no es tanto el resultado, que también, como el ejercicio de saber buscar y encontrar esas miradas propias, que simulan letras y formas. Un gran trabajo visual del fotógrafo y de cualquiera que desea aprender a buscar objetivos determinados.

Este ejemplo nos enseña edificios "cazados" en la ciudad de Manchester. 

12.5.23

Vicente Almazán ha dejado de fotografiar miradas

Vicente Almazán, un fotógrafo zaragozano de lo más normal voló a otros lares en el año 2020, artista capaz de fotografiar lo más anormal o con el mayor de los cariños a todos los y las zaragozanas que se acercaban hacia el mundo que tenemos que retener. 

Amante del periodismo, del diseño gráfico, de la cultura, de las imprentas zaragozanas, se nos ha ido dejando un trazado maravilloso del que aprender. 

Seguiremos aprendiendo con sus obras.

¿Arte o Artesanía? Tengo dudas al respecto


La artesanía es también Arte e incluso tendríamos dudas de si admitirlo como mayor o menor. De acuerdo se fabrica en serie a través de una buena idea, es decir, más o menos como los grabados de grandes grabadores artistas de siglos pasados. O como las impresiones serigráficas o litográficas de artistas actuales.

¿Sólo debemos tener en cuenta para degradarlos a Artesanía el hecho de que se produce más de un ejemplar?

Os dejo una cabeza de gallo en metal. Y que cada uno reflexiones. Un libro es arte literario, un disco es arte musical, pero todos admitimos que están fabricados en serie. Así que una artesanía como este gallo podría tener dudas. ¿Arte o Artesanía?

5.5.23

Un dibujo sencillo del artista Paul Klee


El conocido artista suizo Paul Klee, un pintor modernista muy influyente en la primera mitad del siglo XX, combinó paneles de color translúcidos y perspectivas cubistas con un estilo casi infantil y falso.

Primero saltó a la fama como parte del grupo expresionista de vanguardia conocido como The Blue Rider junto a Wassily Kandinsky y Franz Marc, luego pasó a enseñar en la Bauhaus junto a Kandinsky. Las lecciones de Klee sobre estilos y teorías expresionistas inspiraron a legiones de artistas que pasaron por la academia.

Este dibujo realizado un ao antes de fallecer, en 1939, lo hizo con tiza sobre cartulina en tamaño A3 y lo tituló "Urchs de l'époque héroïque".

4.5.23

Virgen del Pilar con Santiago y un Obispo


No tengo el autor de esta obra religiosa fechada en el siglo XVIII, de una Virgen del Pilar con Santiago y un Obispo que en teoría será el que hubiera en Zaragoza en los años en los que se hizo este cuadro, que es propiedad de la Real Maestranza de Caballería de Zaragoza. Pocos datos, pero no tengo más para completa la mirada hacia esta obra no muy conocida.

Erik Witsoe y sus fotografías callejeras


El fotógrafo de calle social y urbanismo Erik Witsoe es un joven artista estadounidense que actualmente vive en Varsovia, Polonia, y que actualmente trabaja todo tipo de fotografías comerciales, artísticas, de moda, retratos en estudio, arte, gastronomía, etc.

Su enfoque de la fotografía está inspirado en gran medida en la mirada del cine, que se refleja en su portafolio, que asemeja más a un Directos de Fotografía en cinematografía que a un fotógrafo convencional. 

Su trabajo ha aparecido en las páginas de muchas revistas, libros y artículos, así como en el tema de exposiciones y obras impresas. Su libro de fotos "Okiem przybysza" ganó el tercer lugar en la Revisión Nacional de Libros de Polonia, en la categoría de libros sobre turismo".

La mejor manera de aprender fotografía es fijarnos en el trabajo de otros fotógrafos, aprender de ellos en cuanto al tratamiento de color, de luces y sombras, de encuadres, etc.

Fabricantes de historias teatrales que no escribimos


Las paredes de las viviendas arropan infinidad de historias. También violentas, agrias, aburridas, perezosas, sin sentido, asquerosas.

Somos fabricantes de historias que no escribimos, de escenas teatrales que no queremos conservar.

Y un día nos vamos del lugar, dejamos las paredes en silencio y vacías de personas, abandonamos los espacios. Y quedan nuestros fantasmas.

No son fáciles de ver, pero nuestros fantasmas existen. Siguen hablando por nosotros, huelen a nosotros, tienen nuestra voz. Gesticulan como lo hacíamos nosotros. Cuando estábamos cabreados o cuando hacíamos sexo, cuando gritábamos o cuando susurrábamos al oido.

Esos fantasmas se van perdiendo, caen al suelo como caen las paredes viejas.A trozos, desmigados, sin opción a recuperar su recuerdo.

Y aquellas paredes desaparecen a la vez que los fantasmas y sus colores. Por fin, definitivamente ya, dejamos de existir en los espacios en donde habíamos dejado huella. Y se van llenando esos lugares de basuras amontonadas hasta que alguien las limpia y edifica otros espacios vacíos, dispuestos a seguir admitiendo a nuevos fantasmas.

Una vivienda nueva es una vivienda vacía.

Una vivienda vieja es una vivienda habitada por los recuerdos y los fantasmas, que se aparecen cuando se aburren y te hablan para contarte sus historias.

Una vivienda vieja es como un libro en donde no saben bien, tras cada página, qué nueva historia te vas a encontrar. Muchas veces incluso cuando has terminado el libro siguen apareciendo escenas y personajes de la obra, que ni te los habías imaginado. Esa es la diferencia entre una buena historia y una escena mediocre.

Murcia, Salzillo y su museo de Semana Santa


Entre los años 1776 y 1777 el escultor murciano Francisco Salzillo hizo este último paso para la Cofradía de Jesús llamado "Los Azotes" y que está considerado como el conjunto más flojo artísticamente realizado, en este periodo por un Salzillo de unos 70 años de edad, tal vez incluso cansado. 

Y hay que tener en cuenta que todas estas esculturas y grupos escultóricos para la Semana Santa murciana, se fueron realizando durante un periodo de 25 años, y esta es la última obra para este encargo, entre 1752 y 1777.

El conjunto, la escena tiene una gran carga dramática, pero tal vez la figura de Cristo, serena y algo gris en sus expresiones, contrasta con lo que siempre ha realizado Salzillo, rostros muy expresivos, que en el caso de Cristo aunque intentando que fuera el gesto de un inocente, resulta excesivamente anodino, resignado mirando al suelo, pero sin un solo rictus de sufrimiento humano.

Estas figuras están en el Museo Salzillo de Murcia.

3.5.23

Paño de la Verónica, del artista murciano Pedro Cano


El artista murciano Pedro Cano presenció la salida de la procesión del Viernes Santo de 2000 en Murcia, desde dentro de la privativa iglesia de los Nazarenos. Se quedó prendido de la belleza incomparable de las tallas salzillescas y comprobó el esfuerzo estraordinario de los estantes para sacar los pasos por la estrechez de la puerta. 

Le deslumbró la belleza clásica de la Verónica de Salzillo y en su mente comenzó a fraguarse cómo sería ese paño que la piadosa llevaría en sus manos un año después, pues cuando procesiona lo hace con un paño elegido entre los que tiene la cofradía, generalmente los más modernos pues los antiguos no pueden soportar el sol y mucho menos las inclemencias del tiempo.

Pedro Cano estuvo horas y días de visita unos meses después, en la soledad de la iglesia museo, tomando apuntes en su cuaderno de campo. Bocetos inspirados siempre en los rostros de Cristo que esculpiera Salzillo.

Después y ya en su estudio de Blanca (Murcia), Pedro Cano, trabajó sobre el lino auténtico que había buscado para ser el soporte de su pintura. Siempre lo tuvo claro el artista, tenía que ser un trozo de lino, desnudo, sin puntillas ni aderezos, un trozo de paño como el que llevara aquella mujer en la amarga mañana del Calvario cuando salió al encuentro del Nazareno, un paño que, a buen seguro, llevaría en sus manos para las faenas del hogar.

Y el artista Pedro Cano supo esculpir con pintura sobre tela la figura de un Cristo doliente, lleno de marcas de sangre, dolorido y sereno, en acrílico sobre la tela de lino. Paño que efectivamente, procesionó el año 2001 y el año 2013.

Goya y un hombre pájaro en Los Caprichos


Volvamos a Goya y a su capacidad para retratar imaginarios seres en sus Caprichos, dibujos luego convertidos en grabados en donde hay decenas de personajes de todo tipo que reflejan el enorme mundo de un Goya que imaginaba surrealismo antes de que este naciera.

Este es un "Hombre Pájaro" un bicho con pico que quiere mandar en la escena. Podría ser simplemente un hombre muy feo, distorsionado para imponer con su nariz las decisiones que le salgan, pero es como poco curioso. Y el ojo acompaña muy bien la distorsión de la boca.


¿Cómo se diseña una gaviota desde el principio?


La blanca belleza de las gaviotas jóvenes radica en sus contrastes, en su suave plumaje blanco que más parece una piel que la suma de miles de plumas inmaculadas y diminutas.

Quien diseñó a las gaviotas en sus inicios, pensó en varios colores, pero la mezcla de blanco, amarillo Kodak y rojo sangre fue una buena decisión. 

El Gabinete de Diseño de aquel día estaba sobrado de acierto. Algún error sí tuvieron, pero es diminuto y hay que perdonarlo. Debió ser el éxtasis final al ver la obra terminada. Os explico.

Esa pequeña, diminuta protuberancia por debajo de la zona roja del pico, no sé, a mi no me gusta. Es posible que allí hayan tenido que alojar la pila alcalina para que funcione, o la antena wifi, o el botón de reset. No lo sé, pero me sobra. En cambio el hueco de ventilación en horizontal es moderno.

A cambio el detalle del enmarcado rojo alrededor del ojo es de premio al diseño natural, Y la ligera línea del mismo color al final del pico para separarlo mejor de la zona de las plumas es un detalle que solo se ve de cerca, pero muy necesario para el contraste.

Entiendo que una vez acabada la gaviota, el diseño quiero decir, se dieron cuenta que había excesivo blanco por mucho que en las patitas también añadieron color.

Y fue en ese instante cuando a un joven diseñador del Gabinete de Dios se le ocurrió ponerle gris en la zona de las alas, que no molesta, quiso dar importancia al brillo del blanco, para terminar de remarcar más la cabeza.

Como en todas las empresas siempre hay un tonto impertinente que les dijo aquello de que: si el novato pide poner gris plata en las alas, él pedía poner gris marengo en las plumas de la cola.

Y como Dios aquel día estaba con pocas ganas de pelearse con nadie accedió a dar un toque oscuro en la cola. Ya digo que siempre hay tontos en todas las empresas, que incluso se conforman con añadir negro.

2.5.23

Seis imágenes de Barcelona, brillando


En Barcelona hay maravillas para observar con calma. Se puede decir de la Sagrada Familia, pero también de otra docena de espacios singulares. 

Es el modernismo, es los colores y las formas vegetales, es la piedra y la luz. 

No es casualidad que Barcelona fuera la ciudad del diseño, de las artes gráficas, del Arte en general. 

Hoy tiene algunas heridas que sanarán, pero sigue siendo una ciudad espléndida para perderse.

Quise poner cinco, y puse cinco


Quise poner cinco en la misma pared. No…, no sé bien el motivo. Tal vez me gustó el número. Es posible que pensara que cuatro eran pocos y seis me parecían excesivamente estáticos y poco estéticos. Cinco es un buen número para no poner nada. Incluso para eso.

Cuaderno Italiano del artista Ángel Jové


De la obra de Ángel Jové realizado entre 1976 y 1981 y titulado "Cuaderno Italiano" se pueden ver 18 páginas de un total de 43 que conforman un Libro de Artista que contiene frases en italiano que forman una especie de Salmo discontinuo. 

Palabras escritas a mano en un juego gráfico, poético, pictórico, mostrando un mundo solitario, sucio, duro y triste, a veces casi vacío, en donde quiere mezclar como en una poesía visual, una parte de literatura y una parte de trabajo gráfico.

Trabaja a veces en un palimpsesto o pentimento, borrando y volviendo a reescribir, tachando, remarcando, en una superposición de textos que muestran esa necesidad que parece demostrar el artista Ángel Jové de querer decir todo y nada, de dudar y de dar opciones.

Àngel Jové y Jové nació en 1940 en Lleida, ciudad donde inició estudios de arquitectura y donde, en 1964, formó el Grupo Cogul, reivindicador primero del informalismo y después del arte pop. 

A mediados de los años sesenta, Jové introdujo el Arte Pobre en Cataluña trabajando con materiales cotidianos y poco convencionales. 

En esa época participó también en muchos de los eventos pioneros del Arte Conceptual en el país. Su obra, muy experimental, indagaba en la construcción de volúmenes con materiales básicos como la cartulina, entre otros. 

En los años setenta del siglo XX investigó las distintas posibilidades de la fotografía. A lo largo de su trayectoria, Jové ha transitado por la pintura, el cine, la fotografía, las instalaciones y el diseño.

1.5.23

Robert Frank y la sociedad americana


Hablar de la historia de la fotografía es imposible sin nombrar a Robert Frank, un artista suizo que es más conocido por sus fotografías de la sociedad americana en un viaje que hizo por todo EEUU (vivía llí en aquellos años) y en donde llegó a disparar hasta 28.000 fotografías analógicas, como era inevitable en aquellos años. 

Con todas ellas seleccionó 83 para su libro "Los Americanos", una de sus obras literarias y gráficas más conocidas. 




El Niño Jesús jugando con la corona de la Virgen


Del artista de Manresa o que trabajaba en esta ciudad catalana y llamado Berenguer Ferrer podemos ver una figura de la Virgen con el Niño de la mitad del siglo XIV en alabastro, que aunque ahora vemos en sus tonos de la piedra, en un principio estaba pintada, toda ella coloreada.

Vemos al Niño Jesús llevando un pájaro en la mano, generalmente representada en una paloma, pero a su vez lo vemos jugando con la Corona de su madre, un gesto poco común en estas representaciones religiosas.