Cuentas personales, pero sin saldos reales

Las cuentas personales no siempre son números, incluso a veces no son ni personales sino una mochila que va aumentando y cada vez pesa más. 

Tampoco todas las cuentas personales tienen haber, ni debe. Son apuntes en el libro de la memoria personal. 

Pasamos, pasan, nos vemos, los vemos, nos ven. Y todos nos apuntamos en el libro de la memoria de todos nosotros. Unos en un espacio y otros en otro.

Hay saldos duraderos, saldos efímeros, saldos que pasan desapercibidos pero se quedan…, y hay saldos finales. 

La suma de todos ellos, somos nosotros, es la mochila. 

¿Y si los metemos en una bolsa de basura y los tiramos al cubo? ¿Por seguir jugando con los recuerdos o los no recuerdos?

Arte Moderno con plástico. Greedo como Arte

Esto es Arte, aunque a una parte de la sociedad le confunda esta adjudicación. Pero es Arte. El personajes de Greedo es conocido por su confrontación con Han Solo en la cantina de Mos Eisley en la película Star Wars. Sobre todo en el episodio IV: Una nueva esperanza. 

Lo acepto, si se han creado dos mil ejemplares, ya no es Arte sino artesanía.

Era un cazarrecompensas de poca monta que trabajaba para Jabba el Hutt en el planeta Tatooine. Greedo era de la especie Rodian, caracterizada por tener un hocico parecido al de un tapir, ojos saltones y piel verde azulado o azul cían.

El Arte hoy ocupa muchos espacios diferentes y amplios, como es lógico, y eso logra que se trabaje ya con muy diversos materiales, por ejemplo el plástico, a la hora de crear esculturas.

Pero cada vez más, veremos materiales menos nobles que el mármol, pues la tendencia es ir hacia un Arte efímero en el tiempo, con menos valor contable, y más valor de su tiempo. Si queremos que el Arte entre en las nuevas generaciones, hay que crear también con los idiomas de las nuevas generaciones. Y digo TAMBIÉN, nunca digo "solo".

Un caracol de Zaragoza en el Solar del Conejo

Vamos a ver un caracol de Zaragoza, un mural con varias obras del mismo autor o grupo de autores y entre ellas este caracol tan hogar, tan casa o vivienda.

Dentro del Festival Asalto 2025, el grupo de artista Alegría del Prado tuvo el honor de poder actuar o trabajar sobre un mural del inicio del Festival Asalto, casi histórico el muro, sobre el que se trabajó anteriormente y por decadencia de la zona, se perdió el trabajo realizado.

Ahora tenemos un nuevo conjunto en el llamado Solar del Conejo.

El columpio de Goya de 1787

La obra: El Columpio, de Francisco de Goya, y que vemos arriba como diversión campestre, ya fue tratado por el pintor aragonés en otra obra, un cartón para tapiz que realizó anteriormente a este, en el año 1779, para el ante dormitorio de los príncipes de Asturias en el palacio de El Pardo. 

En esta obra que vemos arriba, vuelve sobre el mismo tema desde otro punto de vista, prestando especial atención al entorno paisajístico, que domina el lienzo, reduciendo las figuras a un tamaño menor. 

Pintado en 1787 es de una colección particular, hasta que fue robado en el año 2001 y recuperado un año después. Tiene un metro de anchura y pintado al óleo sobre lienzo.

Goya dice de la obra: Columpiando á una jitana y otras dos sentadas mirando y tocando una guitarra, con su país correspondiente". 

Ese país del que habla Goya serían las inmediaciones de la finca "El Capricho", donde unos árboles sirven a estos personajes para amarrar las cuerdas del improvisado columpio sobre el que se balancea una bella muchacha. 

Alguien ha querido ver en esta joven el retrato de la misma duquesa de Osuna que fue quien encargó la obra. No es una gitana.

A menudo las gentes de clase alta gustaban vestirse con los trajes populares de majos y majas, y lo más probable es que eso sea lo que el pintor representó aquí. 

Es un ejemplo de las diversiones que los invitados de los Osuna podían disfrutar si visitaban la finca de estos nobles y mecenas de Goya llamada El Capricho.

Grafiti en Marruecos, mucho más que unas marcas

Si entendemos que el grafiti es una manera de escribir y hablar con Arte a través de los muros, de las paredes, este que os muestro sería un grafiti en Marruecos. Lo encontré en una pequeña localidad del sur de Marruecos avanzando hacia el desierto, y había varios edificios con marcas distintas. Me imaginé en ese momento que indicarían la pertenencia familiar de la vivienda,

Pero indagando más he descubierto que estas marcas muchos más, son son símbolos tradicionales bereberes (amazigh), y su función combina elementos protectores, identitarios y estéticos.  Los motivos grabados en el barro —rombos, cruces, triángulos, líneas y espirales— se consideran símbolos protectoresfrente al mal de ojo, los espíritus o la envidia.

Este en particular, con un rombo dividido por una cruz, puede representar la armonía entre los cuatro elementos (tierra, agua, aire y fuego) y los cuatro puntos cardinales. También puede interpretarse como un símbolo solar, de fertilidad y vida, ideas muy ligadas a la agricultura y a la continuidad de la familia.

Algunos artesanos locales lo describen como el "ojo que todo lo ve", un equivalente simbólico a los amuletos contra la desgracia. Los motivos grabados en el barro —rombos, cruces, triángulos, líneas y espirales— se consideran símbolos protectores frente al mal de ojo, los espíritus o la envidia.

En muchas aldeas bereberes, los símbolos en las paredes también servían para identificar a la familia o clan que habitaba esa vivienda. Cada tribu (Aït Atta, Aït Seddrat, Aït Ben Haddou, etc.) tenía variaciones propias de estos signos, algo así como escudos o marcas de linaje. En graneros colectivos, ayudaban a reconocer ante el resto de vecinos a qué familia pertenecía cada compartimento.

Mariano Salvador Maella, pintor y dibujante

Del pintor valenciano Mariano Salvador Maella Pérez os dejo una Inmaculada Concepción que sirvió como primer ejercicio abocetado para una obra final más grande. 

Podemos ver sus brochazos gruesos para bien dirigidos, que configuran las formas con una escuela muy similar a la de Francisco de Goya, con el que coincidió en el tiempo y como pintor de cámara en Madrid, pues era considerado el más claro competidor en calidad con Francisco Bayeu.

Y después vemos un dibujo hecho también por Mariano Salvador Maella, con pincel, pluma, tinta y aguadas grises, una Inmaculada Concepción sobre nubes, recibe de España, representada por una matrona coronada, el collar de la orden de Carlos hecho en 1973.

Persiana con un león gatuno

Un gato aleonado, o un león gatuno. Una persiana de Zaragoza que sabe que una vez pintada es más respetada de los vandalismos. Lo uno por lo otro. En este caso un local de copas, de relajarse y estr entre amistades.

Faltan palomas ibéricas

La denominada paloma común es cada día más complicada de ver por las ciudades. Ha sido sustituida por las palomas torcaces, las tórtolas turcas, pero ya no las palomas ibéricas. Los culpables somos los humanos que intentado combatir unas, se apoderan las otras del hábitat por vivir más en los árboles.

Así que finalmente, tiene que ser el grafiti o el Arte Urbano el que compense esa falta de la paloma ibérica de siempre. Hay que pintarlas en las paredes de nuestras ciudades, mientras que el resto de razas nos inundan a mierda en las primaveras sobre todo.

El uso de elementos urbanos ya pintados o existentes en los muros de las calles, para colocar allí diversos grafitis es un buen ejemplo de colaboración entre los solares y los muros, y los artistas del grafiti.

Wandjina. El Arte Rupestre de los Espíritus de la Lluvia en Australia

El arte rupestre de los Wandjina, originario de la región de Kimberley en Australia Occidental, es una de las tradiciones artísticas sagradas más antiguas y continuas del mundo. Con una antigüedad estimada de hasta 4.000 años, estas pinturas representan a los poderosos espíritus de la lluvia y las nubes, figuras centrales en la cosmología de los pueblos aborígenes de la zona. Su aparición coincide con el fin de una sequía milenaria, dando paso a un clima más húmedo regido por monzones regulares.

Significado y Poder Creador

Para las culturas locales, los Wandjina son mucho más que simples espíritus; son vistos como los auténticos creadores de la tierra, el paisaje y sus gentes. Representan un pilar fundamental de sus creencias religiosas y su conexión espiritual con el territorio. El espíritu de la Creación y la Lluvia del Wandjina está ampliamente documentado en los yacimientos de arte rupestre de Kimberley, considerados uno de los enclaves de arte rupestre más importantes del planeta.

Por sus formas gráficas, a veces se han querido entender como figuras que habían sido o llegado desde otros planetas, gentes representadas con signos extraterrestres cuando la explicación es mucho más sencilla. Son representaciones de seres espirituales, que incluso en algunos casos son similares en detalles, con figuras religiosas más actuales. Coronas, aureolas, mandorlas o nimbos en forma de rayos.

Iconografía: ¿Cómo se Representan los Wandjina?

Las pinturas de Wandjina poseen un estilo visual único e inconfundible. Aunque pueden representarse en solitario o en grupo, en posición vertical u horizontal según la forma de la roca, comparten una serie de características comunes:

Paleta de colores: Utilizan principalmente negro, rojo y amarillo sobre un impactante fondo blanco.

Figuras sin boca: El rasgo más distintivo es la ausencia de boca en sus grandes cabezas. Existen dos explicaciones para ello: se cree que son tan poderosos que no necesitan hablar y, por otro lado, que si tuvieran boca, la lluvia nunca cesaría de caer desde las nubes.

Grandes ojos y nariz: Sus rostros muestran siempre grandes ojos negros y una nariz, dominando la composición de la cabeza.

Aureola de poder: Alrededor de sus cabezas se dibujan líneas o bloques de color que simbolizan aureolas o halos de energía, representando relámpagos y poder espiritual.

Figuras asociadas: A menudo se les representa junto a otras figuras importantes de su mitología, como la Serpiente Arco Iris o representaciones de ñames y otros elementos de la naturaleza.
Una Tradición Viva: El Repintado y la Continuidad Cultural

Lejos de ser una reliquia del pasado, el arte Wandjina es una tradición viva y activa. Se cree todavía que las pinturas conservan el poder de los espíritus y deben ser tratadas con el máximo respeto.

Los miembros de la comunidad aborigen de Mowanjum son los custodios de esta tradición. Periódicamente, vuelven a pintar las imágenes en lugares específicamente preparados para ello, con el fin de asegurar la continuidad de la presencia y el poder de Wandjina. Este ritual, que suele realizarse anualmente entre diciembre y enero, se considera fundamental para garantizar la llegada de las lluvias monzónicas.

Esta práctica de repintado ha sido tan constante a lo largo de los siglos que algunos yacimientos presentan capas de pintura de una enorme profundidad, con estudios que han llegado a identificar más de 40 capas superpuestas en un mismo lugar.

Banksy en Verín, Galicia

Esta obra en un muro es una copia fiel de una obra del genial Banksy, pero hecha en Verín, en la Galicia más española.  Banksy es posiblemente el artista urbano más icónico del mundo, sus obras se esperan, casi se necesitan para entender algunos gritos.

Es un artista implicado con la sociedad, con los momentos actuales, y sin duda es un gran responsable de que el grafiti se haya elevado al nivel de obras de Arte.

Este: Niño de la caja eléctrica, se realizó originalmente por Banksy en New York en el año 2006, en el barrio de Brooklyn. Una obra que se salía del muro, con el cable ya tirado por el suelo, en una originalidad inédita en aquellos años.

Os dejo a continuación una frase del propio Banksy.

"Los mayores crímenes del mundo no son cometidos por las personas que violan las reglas, sino por las personas que las siguen. Son los individuos que siguen órdenes, quienes sueltan las bombas y masacran aldeas".

Retrato de la marquesa de San Andrés de Parma, de Goya

Los historiadores de Arte de la Universidad de Zaragoza, Arturo Ansón y Javier Martínez Molina, han presentado un trabajo de investigación en donde muestran cuatro obras de Goya que son inéditas. Un cuadro y tres dibujos.

La pintura, que vemos arriba, muestra a María de la Josefa Pescatori y Díaz de Lavandero, y se tituló la obra: Retrato de la marquesa de San Andrés de Parma. Un cuadro que se encuentra en París, en manos de un particular y que se habría subastado en el año 1912.

La obra está firmada, parece hecha en 1790 y cuando se subastó ya se indicaba que era una obra de Francisco de Goya.

Huguette Caland y su: Una vida en pocas líneas

La artista libanesa Huguette Caland nació en Beirut, en el año 1931y fue una pintora, escultora y diseñadora libanesa, asentada en París 17 años y en Los Ángeles. Huguette Caland está considerada como una de las artistas más importantes del Oriente Medio contemporáneo.

A principios de 2025 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid organiza la primera gran retrospectiva de Huguette Caland en Europa, titulada: Una vida en pocas líneas, con cerca de 300 dibujos, pinturas, esculturas y trabajos en otros medios, de la que es la imagen que vemos arriba.

En su viaje por su mundo, Huguette Caland entró en contacto, por ejemplo, con las tensiones políticas de Beirut, el liberalismo utópico de París y con la decadencia bohemia de Venice Beach. Toda esa relación que existe entre la creación artística y el paisaje global y social en evolución que experimentan las personas que no tiene un lugar de asentamiento fijo, se observa en sus obras.

La exposición también destacó los lenguajes visuales y escritos de Caland, donde cuerpos, palabras y otras formas parecen dialogar y fusionarse para formar mensajes nuevos inaccesibles al idioma común. Se enriquece la comprensión de las conocidas pinturas y dibujos eróticos de Caland; sus trabajos dedicados a la exploración de la libertad, la conexión, la ruptura y la transformación a través de la mirada de la artista en su relación con sus ambientes, son sus personas.

Resulta fundamental no perder de vista este carácter mutante, híbrido y de frontera en sus trabajos, especialmente en un momento en que este parece haberse hecho legible para públicos e instituciones de todo el mundo.

Y si no va nadie a una guerra?

Cuando hablamos de gritos en las paredes, de frases que nadie publicaría en ningún sitio, pero que en las paredes y de forma temporal, encajan muy bien, hablamos de una actividad que lleva miles de años entre los humanos.

Esta persiana hecha de encargo, parece ser que hecha por alguien que se hace llamar: El Rey de la Ruina, nos deja dentro del corazón una frase tremenda.

¿Y si hay una guerra y no va nadie?

Hay artes efímeras en el grafiti, pero esta se lleva la palma. Se forró la persiana metálica de hojas de papel pegado, y luego se pintó encima toda la obra. Como si fuera un enorme cartel hecho a medida. 

Tiene sus ventajas el método.

Nature morte à la guitare de Pablo Picasso

La obra de Pablo Picasso que se titula: Naturaleza muerta con guitarra, representa la historia misteriosa y absurda de robo de un cuadro que da para una película de éxito.

Finalmente tras unas semanas desaparecido, lo tenía envuelto y sin abrir una portera de un edificio cercano, pensando que era un espejo que lo habían abandonado.

La historia de este cuadro de Picasso, desaparecido en un traslado hacia una exposición y que mide sólo 10 cm de anchura es un ejemplo de cómo la ficción bebe de la realidad que hacemos todos sin darnos cuenta. Es un gouache con mina de plomo sobre papel de un tamaño un poco menor a un A6.

Esta obra, pintada en el año 1919 y de tamaño muy pequeño, es una obra cubista que iba a ser expuesta en Fundación CajaGranada. Un llamado Cubismo Sintético, un periodo en el que Picasso da más color y claridad a sus pinturas.

¿Su valor? ¿Su valor o su precio? Pues sin duda su precio si se vendiera, habrá subido bastante, incluso sabiendo que era hasta este momento, una obra bastante desconocida de Picasso.

Atrévete a soñar con quien quieras

Puedes soñar con quien quieras. 

Puedes soñar con un conejo si eso te produce amor. 

Puedes ser amiga de un conejo y soñar con él. 

Puedes ser quien quieras ser, sin tener que dar cuenta a nadie de tus sueños.

Mirando con todos los colores imposibles

Podemos mirar con brillos estridentes, pero eso no supone ver más ni mejor, si acaso que a la hora de mirar, seremos vistos.

Mirar desde el anonimato puede ser incluso una opción si nos ponemos unas gafas estridentes. 

Todos mirarán los colores y nadie nuestra cara para saber quien somos.

Desde Madrid, en uno de los barrios más reconocidos por muy diversos motivos, podemos mirar y sorprendernos, incluso para bien.

Qué es el llamado Arte Experimental y de qué manera se podría definir?

Llevo unas semanas presentando algunas obras en otro blog que tengo con fotografías o imágenes mías, a las que de alguna manera adjetivo como obras de Arte Experimental. Y en serio, tengo serias dudas sobre este apellido e incluso sobre ellas mismas.

El arte experimental puede definirse como una categoría de prácticas artísticas que buscan romper con los límites convencionales de la creación y la percepción del arte, explorando nuevas formas de expresión, materiales, técnicas y formatos que desafían el entendimiento tradicional de lo que el arte "debe ser".​ Diríamos que lo primero que nos preguntamos ante el Arte Experimental, que es muy amplio, sería: ¿Esto es Arte?

¿Qué es el llamado Arte Experimental y de qué manera se podría definir?. Veamos sus características Fundamentales.

El arte experimental se caracteriza por varios aspectos distintivos:

1. Ruptura con la tradición: Su esencia radica en cuestionar y superar las convenciones académicas establecidas, tanto en técnicas como en conceptos. No se conforma con seguir pautas preestablecidas, sino que se atreve a explorar opciones creativas radicales.​ Esto supone que la ruptura con lo establecido puede ser mucho o poco, total o sutil.

2. Proceso sobre objeto: A diferencia del arte tradicional, donde el valor reside en el objeto final (cuadro, escultura), el arte experimental enfatiza la experiencia, el proceso creativo y la idea por encima del soporte material. Su carácter "efímero" lo libera de atavismos capitalistas y académicos.​ No es un Arte para Vender, sino para disfrutar un tiempo.

3. Exploración de materiales y técnicas: Los artistas experimentales utilizan materiales poco convencionales —desde objetos del entorno (que no tienen valor y a veces pueden ser incluso basuras o desechos) hasta nuevas tecnologías y técnicas innovadoras. Pueden trabajar con materiales reciclados, luz, sonido, elementos orgánicos o incluso prescindiendo del objeto físico.​

4. Interactividad y participación: La obra experimental busca una relación dinámica con el espectador, cuya experiencia y participación activa son fundamentales para la realización de la obra. Desplaza el interés del objeto hacia la experiencia comunitaria.​ Esto sucede en casi todas las obras de Arte. Un Grito o una frase en una pared podría ser Arte Experimental.

5. Búsqueda constante: El arte experimental es un proceso de investigación permanente que no se estabiliza en convenciones o códigos visuales fijos. Cada propuesta es una indagación que abre nuevas posibilidades expresivas. No deja de experimental, no debe de avolucionar, de querer seguir siendo Arte Experimental.

Anónimo flamenco en La Seo de Zaragoza

En el ámbito cristiano se conoce Anunciación a la Santísima Virgen María, la Anunciación de Nuestra Señora o la Anunciación del Señor, a ese momento en el que el Ángel Gabriel le anuncia a María que va a ser la madre de Jesús.

Este episodio religioso ha sido profundamente tratado por pintores de casi toda la Historia del Arte, en obras que por encargo solicitaba la propia iglesia para decorar sus templos o para domicilios privados de familias adineradas.

Esta obra es de un pintor flamenco pero anónimo, pintada al óleo sobre cobre entre los años 1670 y 1680 y perteneces a la Catedral de El Salvador de Zaragoza, más conocida como La Seo de Zaragoza.

En Zaragoza, Arte con el tranvía

No es nada sencillo llevar a las personas a los museos, a ver exposiciones, a implicarse cn la cultura aunque sea desde el punto de vista de espectador. Es muy triste ver museos vacíos, si nos salimos de los más reconocidos, de los que salen en los Telediarios.

En todas las ciudades de España hay constantemente exposiciones interesantes, pero el número de visitantes es muy bajo. Y eso se debería analizar y reflexionar, para ver la manera de aumentar las visitas.

Cuando la sociedad no va a buscar el Arte o la Cultura, el Arte y la Cultura debe salir a la calle a buscar a los espectadores. Y eso es lo que a veces se hace con el Arte Público o el Arte Urbano.

Lo que vemos es una parada del tranvía de Zaragoza, con dos obras de arte digitales pegadas en las paredes. Los usuarios del tranvía, sin querer, quedan envueltos por dos obras de arte que tienen que contemplar.

El Arte está para impregnar, para poner belleza en las calles, cuando no se quiere ver en espacios cerrados. Puede gustar o no, esa es la maravilla del Arte, que siempre crea controversia. 

Virgen con niño del siglo XVI

Hay días en los que una obra de arte te llama tanto la atención, que para ese día ya tienes un cuadro de referencia, sea del siglo que sea, pues lo de menos es la obra o el autor, sino la suma de eso mismo, más tus sensaciones de ese día, que van llenos de mochilas propias.

La luz, los ropajes, las transparencias, la mirada del niño, te atrapan casi sin querer.

Esta Virgen con el niño no tiene un autor totalmente reconocido, es casi seguro que sea una obra de Guillaume Benson, un óleo sobre tabla entre 1545 y 1555.

Guillaume Benson se formó en el taller de su padre en Brujas, un artista más conocido que se le conoció como El Maestro de Segovia, llamado Ambrosius Benson.

Y el hijo trabajó en la repetición de composiciones y muchas de sus obras se encuentran en España, posiblemente debido a los vínculos comerciales entre Brujas y España.

Esta obra de La Virgen con niño, similar a otras de la época, estuvo en el Monasterio cisterciense de Santa María de Veruela y pertenece al Museo de Zaragoza.

El Arte desde la IA. Todos aprendemos de todos

La Inteligencia Artificial, mal llamada así, pero de momento lo consentimos como mal menor, ha entrado de lleno en el mundo del Arte. Y esto es así, nos guste o no.

Lleva unos años explorando el mundo del Arte. También esto es cierto, pero ahora ha entrada con imágenes creadas desde la nada, con vídeos totalmente artificiales, o hechos con la ayuda de máquinas.

Las máquinas no saben hacer Arte.

Las máquinas pueden imitar, y sobre todo saben obedecer órdenes. 

Las máquinas sí pueden hacernos Arte, si se lo sabemos pedir.

Esta diferencias hay que tenerlas claras. Utilizar una máquina para crear una idea es tanto como decir que un impreso de un grabado de Goya no vale nada, pues se utilizaron máquinas para hacerlos, o herramientas y químicos para hacer el grabado.

La IA sabe recibir órdenes, sabe interpretarlas, sabe aplicarles un tipo de gestión con arreglo a las órdenes recibidas que ahora hemos decidido llamarlas "Prompt" que es tanto como decir: "Quiero que me hagas esto, ahora mismo".

La traducción ya nos dice todo. La IA no sabe hacer nada, que no haya sido antes programada para que sepa hacer. Y eso, de momento al menos, solo lo saben hacer los humanos.

Esta imagen que vemos arriba está hecha por una máquina. Pero no es una casualidad, sino una causalidad. alguien le ha dicho qué quiere ver hecho. Si tú intentas que esa misma herramienta te hago lo mismo, es muy complejo lograrlo pues existe el libre albedrío que se basa en pequeños cambios en las órdenes. 

La máquina elige entre lo que tú le ordenas y lo que ya tiene programado que debe hacer. Y vas perfeccionando las órdenes y la IA va perfeccionando la forma que tiene de entenderte. por eso sabe guardar tus órdenes para pulirlas. 

La IA aprende de nosotros, con nosotros, e individualiza su respuesta según lo que nosotros le hemos ido dando antes. Aprende a obedecernos y ese es el gran futuro de la personalización de la IA también en el Arte. 

Zaragoza tiene grafiti en relieves grabados

No es sencillo colocar una línea divisoria sobre el Arte Urbano, sobre el grafiti. Y lo vemos con claridad en Zaragoza. Arriba vemos la tercera intervención mal atribuida al "Banksy zaragozano", pues siendo un atrevido artista escultórico, debería tener su propio nombre.

Esta abeja esculpida en piedra y colocada en un hueco roto de una de las paredes de El Pilar de Zaragoza es la tercera obra que coloca este artista en las iglesias de Zaragoza.

Hace algo más de un año se colocó en una pared de La Seo de Zaragoza una piedra tallada con una calavera, una cruz de Jerusalén y la leyenda ‘Memento amori".

Unas semanas después apareció otra piedra tallada en el exterior del Seminario de San Carlos de Zaragoza, también en el centro de la ciudad, en piedra arenisca de color claro y de casi un metro de altura, escrita en caracteres hebreos. La inscripción reproducía un texto de la Cábala en el que se cita a Satán.

De momento se sabe que esta abeja tallada en una piedra muy similar a la de la fachada de El Pilar, y que no se adivina bien qué podría representar. Pero la decisión de retirarla como con las anteriores piezas, ya está tomada.

Es muy posible que el autor de la obra tallada de la abeja, tuviera que ir necesariamente a las canteras de Fuendetodos a por un trozo de piedra del tamaño idóneo e idéntica a la que hay en El Pilar. Es un tipo de  piedra muy escasa y especial, llena de pequeñas caracolas fósiles.

Pero nadie sabe tampoco cuando tiempo lleva puesta esta abeja en el muro de una de las dos catedrales de Zaragoza. Se descubrió por casualidad hace unos días.

Es Arte Urbano, y de eso no hay duda. El autor se ha tomado serios cuidados para no romper nada de lo que ya existía, y de esa manera evitar un delito, aunque sea una falta lo que ha hecho. Creo. La ha colocado en una zona que ya estaba rota antes, como han demostrado algunos vídeos viejos.

No es tampoco algo que se puede hacer en segundos como se hace un grafiti con spray. Hay que tomar medidas y forma del hueco en donde colocar la escultura de la abeja, hay que limpiar la zona, hay que vigilar que no haya cámaras y luego hay que poner la obra en este caso parece que con cemento y eso lleva un tiempo. 

La decisión de quitarla es lógica, aunque en estos casos estamos hablando de obras con alguna significación, pues si se dejara no sería posible frenar estos usos en espacios públicos que se podrían desmandar o descontrolar. 

Pero como poco, es curioso tanto cuidado para hacer un grafiti en piedra tallada.

Abajo os dejo otra de las obras del mismo autor. Bueno, creemos que del mismo autor, pues es desconocido.

La East Side Gallery, posiblemente los muros más importantes del Arte Urbano

El East Side Gallery de Berlín es posiblemente el mural más importante del mundo, el East Side Gallery representa una parte de la historia, aunque es cierto que es enorme y se transforma con los años, cambia y es complicado verlo todo.

Los artistas comienzan en 1990, unos meses después de la apertura del Muro de Berlín a pintar la East Side Gallery y aunque en el año 1994 se intentó derribar todo el muro, se ha logrado conservar una parte como testigo de lo que fue y de lo que nunca se debería volver a construir.

Está compuesto por 101 murales, pintados por 118 artistas de 21 países. Muchos de los murales tienen mensajes políticos.

A pesar de su popularidad como atracción turística, la galería a menudo se ha enfrentado a serios problemas de supervivencia. Dado que bloquea la vista del río Spree, que transcurre a su orilla, han existido en el tiempo varios intentos de derribar el Muro de Berlín en esta zona, para construir apartamentos de lujo en una zona muy elegante e importante para Berlín.

El mantenimiento de los murales a veces ha sido ignorado. Hoy, sin embargo, ha logrado reconocimiento como un hito histórico, y los murales ahora se limpian y restauran periódicamente. Hoy en día, esta es la galería al aire libre más larga del mundo y atrae a más de tres millones de visitantes cada año.

Detalle del Tapiz de Bayeux de 70 metros de largo

El Tapiz de Bayeux es una de las obras más destacadas del arte medieval y una fuente histórica invaluable que documenta la Conquista normanda de Inglaterra en el año 1066. Se trata de una pieza bordada, de aproximadamente 70 metros de largo y 50 centímetros de alto, elaborado en el siglo XI, pocos años después de la batalla de Hatings.

Su extraordinaria combinación de arte, narración histórica y propaganda política lo convierte en una obra maestra de la Edad Media. Es un libro bordado, dibujado, que cuenta la historia de aquella batalla, pero con la decisión de que sea contada desde un solo punto de vista.

Hablamos de una obra del siglo XI, hecha entre los años 1064 y 1066 aunque algunos historiadores hablan de algunos años posteriores, y es un relato histórico de la victoria de Guillermo, duque de Normandía, contra Haroldo duque de Wessex, con una forma de explicar aquella historia que hoy se entiende muy manipulada, para ser simplemente propaganda del ganador.

Parece más un tebeo actual, de 70 metros de largo, en donde se explica todo lo acontecido, desde el punto de vista manipulado, para darle valor y sobre todo razones al ganador. No es un documento histórico, pero sí es una obra artística única.

Muestra las ropas de la época, sus formas de trabajar en agricultura y ganadería, sus armas, barcos y sus animales domésticos, incluso sus edificios y ajuares de hogar.

La idea era que este tapiz fuera colocado en la catedral consagrada en el año 1077, y se cree que fue realizada por costureras anglosajonas por encargo del obispo de Bayeux llamado Odón de Conteville. El bordado se realizó con dos técnicas, pespunte para los contornos lineares de las figuras y «punto de couchage» para su relleno. 

El tapiz no es una tela tejida, sino un bordado en lana sobre lino. Su diseño está compuesto por más de 50 escenas diferente a modo de páginas de un libro, en las que aparecen alrededor de 626 personajes, 202 caballos y mulas, 55 perros, 505 animales y bestias, 37 fortalezas y edificios y 41 navíos y embarcaciones, realizado en tres líneas que recorren toda la obra, con una línea central importante y dos arriba y abajo con detalles y figuras.

Murales que se pierden, que no están en los museos

Estamos acostumbrados a ver el grafiti, el Arte Urbano, diseminado por los muros de nuestras ciudades. Es su sitio natural, para el que nació y ha ido creciendo como disciplina artística de calidad.

Pero sabemos que su durabilidad está tasada en el tiempo. Es muy posible que nuestros nietos, y sobre todo las generaciones futuras, no podrán ver y disfrutar de los ejemplos de esta disciplina artística hechos en el siglo XX y XXI, pues ya no existirá.

Verán fotografías de los mismos, a lo sumo, pero no verán las obras originales. 

Es como si no pudiéramos ver las obras murales de la Edad Media que se hicieron en las paredes de las iglesias, en los Monasterios de media Europa, pues unos hubieran ido borrando a los otros.

Podemos solo imaginarnos obras de Arte Urbano en los Museos, pero nada más, hay muy poco conservado, y a veces más por el nombre del artista que por la importancia de su obra, pues efectivamente, los grandes murales de edificios enteros, es casi imposible conservarlos, excepto con la ayuda de la fotografía.

De verdad las arrugas pueden ser bellas?

Nos vamos arrugando como pieles viejas de paredes sin cuidados. No hay que mirarse, pero quien nos ve observa nuestro cambio. 

Todas las pieles fueron en algún momento tersas y lisas, brillantes y agradables. 

¿Quién dijo que una arruga puede ser bella? ¿Domínguez? 

Tal vez este de arriba sea un mal ejemplo de su idea en el diseño.

Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú

Hay muchas maneras de vernos, de contemplarnos, de intentar observarnos como tal vez nos miran y nos ven los demás. 

No sabemos bien cómo somos, como tampoco saben como somos los que nos observan y creen adivinarnos. 

Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú. 

Dos ventajas en una.

La Fluidez de las Categorías en el Arte Urbano

No existe una línea divisoria clara entre el valor artístico del Arte Urbano y el Arte Figurativo o Abstracto o Contemporáneo. Y como no existe ese punto crucial y claro, muchas veces debatido en el mundo del arte entre la fluidez y la porosidad de las diferentes categorías artísticas, es imposible empaquetar ninguna representación artística por ello. 

Todo es Arte. O nada es Arte. O unas cosas son Arte y otras Basura. 

La Esencia del Arte: Más Allá de las Etiquetas Rígidas

En el vasto y dinámico panorama de la creación humana, a menudo intentamos categorizar las expresiones artísticas para su estudio o comprensión. Sin embargo, es fundamental reconocer que no existe una línea divisoria nítida entre lo que tradicionalmente hemos llamado Arte Urbano, Arte Figurativo, Arte Abstracto o Arte Contemporáneo. 

Este intento de "empaquetar" las manifestaciones artísticas son, en última instancia, una simplificación que no hace justicia a la complejidad y la interconexión de toda la práctica artística. En esencia, todo es arte, o nada lo es; la calificación reside más en la intención, el contexto y la recepción que en una etiqueta preestablecida.

El Arte Urbano: Un Crisol Contemporáneo en el Espacio Público

Tomemos el ejemplo del Arte Urbano. Una obra como esta sección de un mural en Barcelona no es solo una expresión callejera; es, intrínsecamente, Arte Contemporáneo. Su naturaleza dialoga con las estéticas y técnicas de nuestro tiempo. 

La distinción entre conceptos o tipos de arte, a menudo, reside más en el lugar de exhibición o creación que en la cualidad intrínseca de la obra misma. 

Un lienzo colgado en una galería se acepta como arte contemporáneo; ¿por qué no una pieza mural de igual o mayor complejidad visual y conceptual ejecutada en la fachada de un edificio?

Lo Efímero como Atributo del Arte

Insisto en la trascendencia de comprender que el Arte Urbano, o el comúnmente denominado Graffiti, cuando se ejecuta con maestría y visión, no solo es Arte Contemporáneo, sino que a menudo incorpora una dimensión adicional: la de Arte Efímero. 

Su génesis en el muro de la calle implica una temporalidad inherente; nace con la conciencia de su eventual desaparición. Esta cualidad de ser efímero por nacimiento, no le resta valor, sino que le otorga una potencia singular. 

El hecho de que esté destinado a ser cubierto, borrado por el tiempo, el clima o la intervención humana, resalta su vitalidad y su conexión con el momento presente. 

Es una expresión que se vive en el ahora, un diálogo con la ciudad que muta, que se resiste a ser encapsulada en la permanencia de un museo, pero que deja una huella indeleble en la memoria colectiva.

La fotografía en ayuda de las pintadas o gritos políticos

Una colección interesante sería poder disponer de pintadas de la época de la Transición en España. Hubo muchas, pero ni teníamos cámaras fotográficas como ahora, ni dineros de sobra para poder gastar en fotografía de entonces que era cara, pues a los que nos gustaban esos mensajes lo que nos faltaban eran economías.

Esta es mucho más reciente. Pero es de las típicas. Gritos de advertencia, de casi filosofía política y social, que salen desde dentro.

Como las pintadas son muy efímeras pues enseguida se borran, solo nos queda la fotografía como elemento que las puede mantener vivas y en el recuerdo. Lo fotografía es el recopilatorio de esas realidades a veces atrevidas y osadas, que se van perdiendo pues muchas veces molestan.

Finsta, Finn Hallin y uno de sus arañazos

El artista independiente Finsta (Finn Hallin) de Suecia, obtuvo su maestría en Diseño Gráfico e Ilustración de Konstfack, Universidad de Artes, Oficios y Diseño en Estocolmo entre 1999 y 2004, creciendo como pionero en la escena del grafiti europeo a principios de la década de 2000, su estilo más ilustrativo dejó una marca clara y personal, inspirando a generaciones posteriores de artistas.

Trabajando entre empresas comerciales y proyectos independientes, Finsta demuestra gran variedad de trabajo en varios campos y medios, todo mientras mantiene su distintivo estilo característico y sus icónicos arañazos. 

Su influencia se extiende a nivel mundial, mostrada a través de exposiciones en galerías y museos, pinturas murales y colaboraciones con clientes de todas las escalas.

Es un artista que desde el trabajo urbano ha ido evolucionando hacia trabajos comerciales y pinturas clásicas dentro de su trabajo muy personal y original. Se mueve entre la pintura, el diseño, la música y la animación. 

Su amor por la cultura popular y el entorno urbano, combinado con el deseo de ser reconocido y producir obras accesibles a un público amplio, lo han convertido en un pionero de una nueva ola de artistas pop.

PHASE 2: El Genio del 'Bubble Writing' que redefinió el Arte Callejero

Michael Lawrence Marrow, más conocido por su icónica firma PHASE 2, es una figura fundamental en la historia del arte urbano. Su legado, forjado en los rompedores años 70 de Nueva York, lo consagra como uno de los pioneros más influyentes del grafiti y un innovador que cambió las reglas del juego para siempre. Su creación más célebre, el estilo de letras conocido como "Bubble Writing" o "Softies", marcó un antes y un después en la evolución del aerosol art.

El Origen del modelo 'Bubble Writing'

En una época en que el grafiti apenas comenzaba a explorar su potencial, PHASE 2 emergió como un visionario. Contemporáneos como Coco 144 lo describían como "una persona de otra dimensión", un genio que se atrevió a deconstruir y reconstruir la letra con una creatividad sin precedentes. El "Bubble Writing" de PHASE 2 transformó las simples firmas o tags en composiciones complejas y estilizadas, con letras infladas y redondeadas que parecían cobrar vida propia. Una nueva tipografía que daba personalidad a su autor.

Este nuevo lenguaje visual, caracterizado por su tridimensionalidad y dinamismo, fue adoptado y adaptado por innumerables artistas, convirtiéndose en una de las piedras angulares del style writing. PHASE 2 no solo creó un estilo, sino que lo expandió con variantes como el "phasemagorical phantastic" (letras de burbuja con estrellas) y fue pionero en el uso de flechas, elementos que hoy son omnipresentes en el grafiti.

Impacto y Legado de PHASE 2

La audacia de PHASE 2 no se limitaba a su técnica, sino también a su filosofía. Para él, y para muchos jóvenes desfavorecidos de aquella época, el grafiti era "el único vehículo significativo para mostrar su existencia", una forma de dejar su huella en el mundo y reclamar el espacio público. 

Los vagones del metro de Nueva York se convirtieron en sus lienzos móviles, llevando su "expresionismo de impacto" por toda la ciudad y desafiando la noción de qué lugares eran sagrados o intocables.

Su influencia trascendió el arte callejero. Como miembro fundador del colectivo United Graffiti Artists (UGA), contribuyó a llevar el grafiti de los muros a las galerías. Además, fue una pieza clave en la naciente cultura hip hop, diseñando flyers icónicos para leyendas como Kool Herc y Grandmaster Flash, y siendo el primero en usar el término "hip hop" en material promocional.

La obra de PHASE 2 sigue siendo una referencia ineludible para cualquier artista urbano. Su capacidad para transformar la tipografía en una forma de expresión personal y rebelde demuestra por qué es considerado no solo un grafitero, sino un verdadero maestro del diseño y un pilar de la cultura contemporánea.