Un mural del siglo XXI en Madrid

Este es un mural de Madrid, creo que es muy bonito, hermoso, de una gran calidad para ser un mural de muchos metros de altura, del que sin duda si fuera contemplado por los muralistas del siglo XVIII o XIX que los había contratados por la iglesia, se sorprendería.

Podría irme a más siglos pasados, a Europa por poner otros ejemplos, a Monasterios del centro y este de Europa. Pero me quedo aquí, en los murales de arte contemporáneo que todavía se siguen haciendo en el mundo en este siglo XXI, en Zaragoza o en Madrid, en muchas localidades españolas.

Ninguno de estos grandes murales, obras de arte urbanas, llenará los museos del siglo XXII. Si acaso verán fotografías. Este Arte es efímero, pasará con el tiempo, se va destruyendo, cambiado por otro que se pinta encima. Como siempre ha sucedido entre los artistas que aprovechaban varias veces los mismos lienzos.

Mark Manders en New York

El Arte puede ser también algo desagradable como en este caso. La belleza se puede esconder dentro de lo extraño, de lo feo, de lo no habitual. Es una manera de provocar.

Esta escultura de Mark Manders, una destacado artista visual contemporáneo de Países Bajos y reconocido sobre todo por su proyecto continuo "Autorretrato como un Edificio" iniciado en 1986, que abarca escultura, instalación y dibujo, nos deja esta obra titulada "paisaje con Cabezas Pintadas" realizado en el año 2026 realizada con apoxy pintado, maderas y lienzo.

Está instalada en una amplia exposición de la sala Tanya Bonakdar Gallery de New York, donde presenta sus nuevas obras que van desde bustos monumentales de bronce hasta paisajes escultóricos abstractos y pinturas u obras discretas en papel.
Ensoñadoras y fragmentadas, estas nuevas piezas llenas la galería de New York como si fueran una serie de pensamientos a los que el artista dio forma y luego los congeló en el tiempo.

Experimentados juntos, las obras forman una especie de escenografía de la mente para que el visitante se mueva y habite rodeado de los pensamientos de artista.

El año del hambre en Madrid, de José Aparicio e Inglada

Esta obra pictórica es la más famosa y conocida de cuantos cuadros se pintaron durante el reinado de Fernando VII y el más difundido en su tiempo por todo el reino, debido a la carga adulatoriamente propagandística de su argumento tan propagandístico.

Pintado en el año 1818, más que un cuadro de historia, el lienzo de José Aparicio e Inglada representa en realidad una singular alegoría histórica, modalidad en la que este artista era verdadero especialista, sobre la dramática situación de hambre que hubo de soportar la ciudad de Madrid durante la ocupación napoleónica en los años 1811 y 1812.

Los ciudadanos rechazaron las ayudas que les ofrecían las tropas invasoras, lo que vino a producir un terrible hambre y enfermedades que se unían a las heridas de guerra y a la situación tan penosa de aquellos años.

En el cuadro vemos a un grupo de soldados franceses ofreciendo alimentos a un grupo de personajes madrileños, famélicos y harapientos, en los soportales de la Plaza Mayor de Madrid. Un anciano sostiene en su hombro a un muchacho mientas recoge en su regazo a una mujer ya muerta, junto a otro niño pequeño. Junto a la pilastra con la inscripción en letras doradas que proclama la fidelidad del pueblo madrileño a su rey, otros comen mondas y sobras, mientras detrás del grupo principal, un madrileño de anchas patillas y bicornio se abalanza con mala cara sobre los militares gabachos, retenido por su mujer, que lleva a su bebé en brazos.

Las figuras intentan provocar al espectador, no están claramente en posiciones muy reales, con gestos que de alguna manera buscan ridiculizar, caricaturizar el momento, de forma alegórica.

El lienzo desató las alabanzas más apasionadas durante el reinado de Fernando VII a modo de propaganda más que de crítica artística serena, pero el cuadro nos ha llegado en un desastroso estado de conservación, burdamente repintando en un porcentaje muy elevado de su superficie, afectando a figuras y zonas principales de la composición, razón por la cual no se había expuesto públicamente desde hace muchas décadas.

El Museo del Prado quiere ahora, en este 2026, que se redescubra una pintura que fue célebre hasta el exceso y que después quedó arrinconada por la política de cada tiempo, al ser considerada una obra excesiva, propagandística y de poco valor.

Y está bien esta relectura de la obra, admitiendo todos los que nos movemos cerca del Arte, que siempre ha sido un elemento, una herramienta de propaganda, posiblemente desde la prehistoria, cuando todos querían hablar e influir con sus pinturas en las cuevas, con sus decoraciones de sus palacios, con sus interpretaciones religiosas o las muestras de sus batallas ganadas.

Pintando al natural, es meterte en la escena

¿Has salido alguna vez a pintar del natural, con tus propios bártulos a la calle, a disfrutar de recoger la sensación y el sabor de la escena natural? 

Ya, no es sencillo en estos tiempos de urgencias y soledades.

Una fotografía de una escena podría competir con el lujo de salir a dibujar o pintar a la calle. Luego en tu casa, en tu estudio, con esa imagen digital o en papel, puedes realizar la obra, y al igual que desde el mismo lugar, puedes ir cambiando color, elementos, luces.

Pero pintar desde la calle, desde el paisaje, tiene otro sabor. No es sencillo, se te quedan mirando aunque casi nunca hablan u opinan. Pero eso también depende del carácter del artista y de sus deseos de compartir, de escuchar.

Esta chica estaba en la Aljafería de Zaragoza captando los brillos de las fuentes árabes y con un fondo islámico enmarcando la escena. 

Literalmente, estaba dentro de la escena, formaba parte de ella, algo que si lo hacen en tu estudio, no sucede.

Niño vendiendo yogurt en las calles de Alepo

Mientras un niño intenta vender yogurt casero en un puesto callejero de la ciudad de Alepo en la Siria en guerra, una mujer pasa con su hijo en brazos. 

Era 2014, y se veía claramente las tremendas palizas contra una sociedad, un territorio, un país, son tan constantes, que ya nada sorprende.

Son las imágenes de un siglo XXI cuando menos extraño y amargo. 

Estaríamos hablando de un ciudad que tenía más de dos millones de habitantes antes de la guerra, hoy ciudad casi destrozada, con unos 4.000 años de antigüedad sobre su historia. 

Alepo, ciudad por cierto que tenía cuatro universidades, una pública y tres diferentes privadas más dos escuelas internacionales y un reconocido conservatorio más una famosa Escuela de Bellas Artes. 

Fotografía de Mahmoud Hebbo

¿Qué es el collage artístico y qué técnicas y materiales emplea?

El "collage" como técnica artística significa "pegar" sobre el lienzo o la página en blanco que puede ser incluso una partitura, "trozos" de otros elementos similares para crear algo nuevo, o cualquirr base que nos sirva como lienzo aunque no sea una tela. 

En los últimos tiempos y con una especie de resurgir de esta técnica que empezó casi con el siglo XX se emplean elementos y texturas mucho más complejas de mezclar, de pegar hasta lograr formar una obra nueva. 

Hoy es posible pegar fotografías, recortes de prensa como se hacía siempre, pero también músicas, vídeos o elementos de la vida cotidiana hasta formar nuevos puntos de vista, nuevas formas de intentar entender los momentos.

Repito: College es Pegar.

Podemos por ejemplo pegar maderas con cemento, ladrillos con telas, sacos con escayolas hasta formar collages que se convierten en esculturas planas, en mezclas en relieve donde la pintura ya desaparece para dejar paso a modos y formas totalmente distintos.

Pero a su vez también podemos explorar nuevos caminos, nuevos campos. Pegar y completar con pintura o dibujo. Pegar el conjunto pegarlo en una pared y luego todo eso fotografiarlo para mostrarlo o enmarcarlo.

Construir o crear con unos textos sacados desde distintas ideas, para configurar literatura aleatoria, surrealista, textos dentro de automatismos que pueden configurar nuevas ideas de locura creativa, de composiciones nuevas que quieran abrir nuevos caminos de expresión.

Esta obra que vemos arriba es de una estudiante de Arte zaragozana de nombre Carmen, realizado con simples recortes de revistas. 

Es tan sencillo o complejo como saber elegir los trozos de papel y utilizarlos simples pinceladas, las tijeras como pinceles, pero cuidado, eso que parece fácil es tremendamente complejo.

Primero tienes que saber qué quieres crear y luego saber elegir colores y formas de pequeños elementos hasta configurar —como si fuera un puzzle— toda una nueva obra que tienes en la cabeza y que deseas configurar con "trozos" pegados. 

En este caso es con recortes de papel, pero la evolución es clara, cuando se domina la técnica aparecen nuevas necesidades con nuevos materiales.

Una poesía puede ser considerada un collage si utiliza sensaciones y se pegan en un texto final que las reúne. Como podemos intuir, el collage tiene muchos fundamentos y opciones.

Nadie se quiso sentar nunca en estas sillas

¿Tu te sentarías en donde no quiere estar nadie?

¿Te preguntarías por qué nadie quiere estar en ese lugar?

¿Descansarías en un espacio que nadie utiliza para descansar?

¿Y si la vida fuera un lugar decorativo para ir pasando?

¿Y si lo de menos fuera el valor que simulan los objetos, y tuvieran mucha más importancia tus propias decisiones, siempre?

¿Se puede fotografiar el vacío, la nada, el silencio?

Laura Gracia Lalá, y un lugar encerrado

En el hermoso montaje expositivo que ha realizado Lalá, Laura Gracia Lalá para el Centro de Historias de Zaragoza, y titulado "Donde habita el olvido" podemos ver estas verjas que nos recuerdan que a veces lo mejor para algunas memorias, es encerrarlas.

Los ecos del pasado —no recuerda Laura— resuenan entre rosas paredes, amplificando incluso esos recuerdos que queremos conservar, pero que a veces duelen. 

Podemos restar trozos de nuestra memoria, pero no siempre, no solo los que elegimos, no de una forma fija y para siempre. 

A veces olvidamos de forma parcial, y nos obligamos a seguir viviendo en esos recuerdos, incluso sabiendo que ya tenemos olvidos, sensaciones mezcladas que se quieren apoderar de nosotros. 

Simplemente es el mundo interior. El nuestro.

Árbol de los Deseos, familiar y decorativo

No me quiero apartar mucho del punto de vista artístico al hablar de esto. Lo quiero plantear como un ejercicio personal en nuestra propia casa, en el hogar, para decorar un rincón.

¿Habéis pensado en montar un pequeños Árbol de los Deseos en vuestra vivienda familiar?

Os dejo un ejemplo montado con marcapáginas. Pero podría ser similar con pequeños papeles bien elegidos y en donde se reflejaran deseos, frases motivadoras, recuerdos, fotografías antiguas, metas, detalles que nos dijeran algo a la familia.

Un Árbol de los Deseos que se podría ir transformando cada cierto tiempo con cambios, añadidos o retiradas de objetos ya sin sentido. Es decir, podría, debería estar vivo.

Es una herramienta de vosotros, para vosotros. pero también podría ser un elemento para vuestras amistades y familiares. 

Perfectamente podría ser un Árbol de los Árboles, en donde cada visitante a vuestra casa hiciera un dibujo de un árbol, que se iría colgando de sus ramas. 

En Bilbao se acuerdan de Granada, o de Graná

Una frase sobre tu ciudad anima a no sentiste tan solo, y eso debió de necesitar quien escribió esta frases sobre Granada, junto al Museo Guggenheim Bilbao. 

No es Arte, pero sí es urbano y en un grito de casi guerra con uno mismo.

Sentimientos mezclados con sensaciones, incluso estando rodeado de tanta belleza como en la zona del Guggenheim de Bilbao.

No estaba la frase muy a la vista, eso es cierto, sino debajo de unas escaleras de las que cruzan la ría. Podría ser incluso una frase de necesidad, un recuerdo, para días malos, si es que pasa mucho por la zona.

La verticalidad para acercarnos al cielo

La imagen que vemos se corresponde con el gran rosetón y al órgano de la Catedral de Santiago de Bilbao. La Catedral de Santiago es el templo más antiguo de Bilbao (siglo XIV, con reformas posteriores), pero muchos elementos visibles hoy —incluido el órgano actual— responden a intervenciones más modernas dentro de un marco neogótico.

Lo de menos es el lugar, sino la estética de esta intervención arquitectónica y sin duda artística, buscando impresionar a los fieles. No es un órgano viejo, la evolución de este órgano es moderna, desde su construcción en 1890 por el organero Richard Ibach hasta la restauración y electrificación que finaliza en 1964, por el órganero Juan Braun.

El Arte en este caso se utilizó como muchas otras veces para crear sensaciones. Sin duda, suena fabuloso el órgano, solo faltaría, el rosetón ayuda a que entre luz tamizada desde el exterior, pero su función es la de envolver al espectador, la de poner en valor la música y la iluminación como elementos que ayuden a entender el lugar y su mensaje.

La música se utiliza muchas veces para eso en muy diversos lugares en los que se reúne a la sociedad, sea en fiestas, en reuniones políticas o en ceremonias religiosas. Y para ello la estética o el Arte arquitectónico, también importa. Son miles de años haciendo lo mismo.

Esa simetría, esa verticalidad hacia el Cielo, esa geometría muy remarcada, ayudan a salirnos todos de la normalidad y a creer sin darnos cuenta, de que estamos en un lugar muy especial.

Alumnos de la Facultad de Bellas Artes EHU, Universidad del País Vasco

Esta es una obra colectiva de alumnos y alumnas de la Facultad de Bellas Artes EHU, Universidad del País Vasco en Bilbao. Una obra qu buscaba u sintiéramos una comparativa con lo que podría ser una clásica gominola enorme, que incluso se udiera tocar e imaginar tanto su olor como su sabor.

Es sin duda Arte Poveda, por el uso de materiales pobres o aparentemente sin valor, donde lo importante es la presencia física más que la forma “bella”. No tiene una forma clara, prima lo blando, lo instable, lo que no tiene una forma definida. Colores pasteles como una clásica gominola, da la sensación de ser algo mordible, blandito, dulce, casi infantil.

Sin duda es una clásica prueba pedagógica y experimental con materiales, de jugar con texturas creíbles, de crear algo ambiguo, como si fuera un experimento colectivo, en donde se acumulan texturas, sensaciones, colores suaves, exploraciones de materiales nuevos, sobre los que se puede jugar para seguir buscando nuevas formas casi sin identificar.

No se puede comer aunque simule una gominola, no sirve para olerlo, pero permite sumar gestos y decisiones de un colectivo de alumnos, que van acumulando decisiones y abren un nuevo espacio de exploración, que tal vez alguno, puede seguir explorando. Simplemente ahora es un objeto, una obra, para contemplar y disfrutar de las preguntas que nos hagamos.

El ilustrador David Menendez y sus opiniones

Esta es una obra del ilustrador bilbaíno David Menendez, con un dibujo preciosista de vivos colores, siguiendo su temática de mujeres idealizadas y monstruos ambientados en el cosmos o en entornos naturales. Un artista ya no tan joven que se niega a participar de los circuitos comerciales en pro de su propia libertad creativa.

En una entrevista que le hicieron en 2016, hace ya 10 años, respondió a su figura artística con un:

Estoy abierto a todo, me fijo en todo a mi alrededor. Nunca me ha dado por estudiar a otros artistas, ni Historia del Arte o Bellas Artes. A los 17 años, cuando comencé de nuevo a pintar, mi madre me apuntó a una academia de dibujo, pero allí no aprendí nada, así que seguí por mi cuenta. Respecto a mis referencias, de copiar como tal no tengo, pero sí influencias de HR Giger (creador de las figuras de Alien), Salvador Dalí y Gustave Klimt. Es con lo que más identificado me sentía cuando comencé a dibujar. Cuando empecé a dibujar, fue como una explosión, se me empezaron a ocurrir ideas de forma enfermiza. Cerraba los ojos y veía ideas constantemente, me levantaba de la cama, las apuntaba... Me podía tirar hasta 12 horas dibujando, y había días que no podía ni dormir. Ahora ya lo controlo más.

El perfeccionamiento te lo da la práctica, cuando inviertes miles de horas. A base de trabajo, llegas. La diferencia entre un artista y otro es la cantidad de horas de trabajo. El trabajo es el 80 %, porque gente con talento hay a patadas. Hay tener disciplina para, en vez de ir a tomar unas cervezas, coger y pintar hora y media o dos horas todos los días, aunque esté reventado del trabajo. Eso es lo que da mejorar y perfeccionar. Como dice la frase, "casualidad que la inspiración siempre me pilla trabajando".

Real Academia de Bellas Artes de San Luis en Zaragoza

La Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País en Aragón fundó en Zaragoza una destacada y muy respetada Escuela de Dibujo, para enseñar a los jovenes artistas que iban a sus clases, para prepararlos como pintores, maestros de obras o ingenieros.

No eran solo artistas aragoneses pues acudían de toda España, y a veces se traían materiales o profesores desde Italia, para darle más valor a sus sistemas educativos.

Logró tanta fama e importancia que se transformó luego en la Real Academia de Bellas Artes de San Luis, logrando el apoyo de Francisco de Goya y de la familia Bayeu.

La Academia nace en 1792, en pleno ambiente de la Ilustración, y su creación responde a una idea muy concreta, ordenar, enseñar y dignificar las artes de aquellos años, para crear profesionales. Partía como he dicho antes de la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País que se había fundado en 1776, 16 años antes.

La Academia de Bellas Artes de San Luis, actúa como una escuela de dibujo, pero a su vez como centro de formación para artesanos y como un espacio de aprendizaje académico basándose en el modelo clásico. Todos los que hemos hecho enseñanzas de dibujo como el inicio a la pintura, sabemos lo duro que es tener que dibujar en blanco y negro durante excesivos meses, con carboncillo al principio, deseando abrazar el color cuanto antes.

Se enseñaba como he dicho dibujo, pero también anatomía artística, clases de perspectiva e iluminación y principios de arquitectura. Era el siglo XIX, viene la Guerra de la Independencia, las desamortizaciones, los cambios políticos, la falta de recursos públicos, y todo eso hace que sea complicado mantener las ideas, los trabajos buscando la excelencia.

Se van transformando este tipo de escuela y en toda España en Escuelas de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos, y se busca una función más intelectual, más útil incluso de cara a los nuevos oficios, y la que no cambia hacia esas nuevas formas, se convierten en foros artísticos, en lugares o espacios en donde con talleres se intenta crear organismos de consulta intelectual, de ciertos debates artísticos, que vayan conociendo y amplificando el mundo del Arte en aquellos años.

En aquella Real Academia de Bellas Artes de San Luis había profesores muy conocidos, alumnos que luego fueron importantes, pereo no todos ellos estaban matriculados de forma reglada, como sucede ahora. Muchos eran artistas vinculados con la entidad pero sin una matrícula o contrato formal.

Francisco de Goya o Francisco Bayeu fueron profesores, también fue profesor Bernardino Montañés o Mariano Pescador, Mariano Benlliure, Félix Lafuente, Francisco Marín Bagüés o José Camón Aznar. Pintores, arquitectos, escultores, historiadores, críticos, artistas muy diferentes a estos, que supieron mantener el espíritu inicial.

Lo que vemos en la imagen es uno de los muchos dibujos que se conservan de los alumnos de aquella época, realizados en la citada Real Academia de Bellas Artes de San Luis.

Dibujo Militar en el Caspe en guerra civil

Este dibujo, esta viñeta muy trabajada es una estampa militar y bélica se hizo en 1937 para el diario Nuevo Aragón que se publicaba en la ciudad de Caspe, en Aragón, en el bando republicano.

No solo de carteles se llenan con el Arte los frentes bélicos, sino también con viñetas, chistes, chascarrillos, pues había que mantener la moral alta, y la comunicación era ya en aquellos años un arma constante para lograrlo.

El autor firma como Souio o Sojo. Pero posiblemente sea un seudónimo, o un dibujo de otro autor que se recogió o se modificó. 

Un gato interesante en la ciudad de Teruel

Detalle de un posible gato, mirada, solo mirada y un entorno.

Las líneas verdes dan color a esa mirada sin continuidad. 

Todo parecía suave, pero enmarcado.

Es Teruel, donde dicen que no existen cosas interesantes.

Guercino y un San Juan Bautista de niño

El artista italiano Giovanni Francesco Barbieri, más conocido como Guercino, representa un artista del barroco italiano, que tenía estrabismo por lo que se le puso el mote de "Guercino" que es más o menos lo mismo que bizco.

Esta obra que vemos, titulada "San Juan Bautista de niño" es del siglo XVII sin poder aclarar el año, y pertenece a la colección de la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País. 

Un cuadro no muy grande, de unos 60 centímetros de altura, y que representa junto a otro titulado "Niño Jesús" una dupla que se harían por encargo para alguna iglesia, posiblemente. 

La melancolía contenida del niño San Juan Bautista es muy de las formas de crear de Guercino, unos volúmenes muy redondeados y un trabajo muy importante con las pieles y las texturas. 

Aunque es cierto que otros detalles nos llevan a pensar que podría haber sido de algún taller cercano al tipo de obra de Guercino, pero no tanto de él, por el trato de los pelos sobre todo y por el tratamiento de la luz, no tan dramático como solía utilizar Guercino.

El Refugio de Teruel, para leer y descansar

Un logotipo, una marca, el diseño de un nombre, puede ser Arte y además siempre como mínimo es Arte Gráfico. Es Diseño, que también es Arte. Aunque no todos los entiendan así.

Una marca bebe de una idea, de diversos conceptos, de un imaginario que quiere ser útil al negocio y a quien lo contempla. En todo logotipo suele existir detrás una historia que no siempre se sabe. Pero no suele ser por casualidad.

Los diseñadores antes de crear algo, preguntan, intentar saber qué se quiere decir con una marca, de qué manera se desea introducir en el mercado, hacia quien va dirigida, con qué motivos se crea el nombre o la marca.

Y la suma de todos esos conceptos, si el diseñador es bueno, intenta reflejarlos en ese logotipo, en lo que va a ser el icono que marcará el negocio con su nombre. 

Nadie podría valorar hoy el logotipo y marca de Apple, de BMW, de Audi, de la Editorial Planeta, cada una desde su tamaño y concepto de negocio.

Esta marca que vemos, "Refugio", es de una cafetería, bar, local de tomar unas copas, en la ciudad de Teruel. 

No conozco la historia que hay detrás del nombre, aunque sin duda al entrar ves claramente que estás en un "Refugio", ni tampoco conozco la manera en que se decidió por esa tipografía. Pero estoy seguro que existió una decisión detrás.

Crear un local bien decorado en un barrio de Teruel, que sirva de refugio a sus vecinos de la zona, es una buena idea. Un Refugio muy pacífico, en donde hay libros para poder leer mientras te tomas un gintonic de media tarde. 

Un gato DESDE Teruel, asomado a la calle

Un gatito en Teruel, un gato apoyado en su ventana, dispuesto a poner un toque diferente en una calle de Teruel. Nada más, pues ya es suficiente. Un gato que está contento y libre en Teruel. ¿Os parece poco?

Hildegarda von Bingen, creadora de Arte

El papel de la mujer en el campo del Arte ha pasado en los siglos muy desapercibido, incluso cuando fueron auténticas exploradoras de nuevas técnicas o de nuevos puntos de vista. Es el caso de la alemana Hildegarda von Bingen.

No fue una clásica artista, pues su papel dentro del mundo del Arte en el siglo XII fue más de iluminadora o de persona que indicaba a otros artistas a dibujar escenas que ella imaginaba. Podríamos incluso decir que fue una precursora del surrealismo, incluso de la abstracción.

Nacida en el año 1098 fue una abadesa benedictina que componía música (monofonía sacra) y escribía poesía, y a su vez una gran creadora en aquellos tiempos de un universo visual propio, dirigiendo la creación de imágenes que hoy sin duda, son Arte Visual.

Sus miniaturas iluminadas que acompañó en su creación con sus visiones, están recogidas en varios libros, y son narraciones tradicionales pero con imágenes simbólicas, abstractas para aquellos años y con una creación geométrica novedosa que acercaba el mundo espiritual a un mundo onírico.

Sus imágenes con son las tradicionales de esa época, son religiosas pero no ilustran pasajes de la Biblia, sino son narraciones simbólicas, son visiones circulares, en una distribución del espacio que intenta narrar una historia con significado teológico.

No pinta o dibuja en el sentido estricto de la significación, sino que ejerce como de directora artística, como autora de la idea para poder generar esas imágenes que ilustran sus libros teológicos. Es un Arte Simbólico, lleno de conceptos que casi son como el Arte Contemporáneo actual pero hace más de 900 años, creando estructuras que narran historias.

La imagen que vemos arriba la explica la propia Hildegarda von Bingen en su libro Scivias con estas palabras: «Este gran instrumento redondo y umbroso que ves, semejante a un huevo, estrecho por arriba, ancho en su mitad y algo más ceñido en la parte inferior, representa al Dios Todopoderoso según la fe»

La vaquilla del Ángel, en Teruel

Este óleo sobre lienzo pintado en el año 1885 nos muestra una corrida de toros, un lance con uno de ellos, en una plaza pública. En este caso en Teruel.

El cuadro lo tituló Salvador Gisbert, un pintor turolense, como: "La Vaquilla del Ángel" en honor a una fiesta muy popular en este ciudad. 

Nos muestra no ya solo una fiesta en Teruel, sino una costumbre de aquellas décadas, de practicar la tauromaquia en las plazas públicas de las localidades, a veces con muy poca seguridad para el público o como vemos en este cuadro imaginario, con casi ninguna forma de poderse defender ante el toro si este arrancaba hacia el público.

Las plazas principales de los pueblos y ciudades se utilizaban con cierres de madera o sin ellos, para esos espectáculos. Tenemos todavía ejemplos en Tarazona o incluso Madrid, pero también en la plaza del Pilar de Zaragoza.

La importancia de estar unidos en los años finales

De la mano. Caminando de la mano, para poderse apoyar con más seguridad. Caminando de la mano para escucharse mejor, cuando el oido ya empieza a fallar. 

Estar sujetos el uno con la otra, la otra con el uno, para estar más cerca, para sentirse aunque ya no se toquen tanto como antes.

Por encima de ellos, mientras sobrevuele la ilusión, habrá vida en común, tendrán seguridad compartida. Hay que estar unidos por algo, aunque ya no sea por lo mismo que antes. 

El mural está en Teruel, en esa España algo envejecida, aunque crecen y mucho las familias jóvenes con ganas de disfrutar de lo pequeño.

La Semana Santa, estéticamente es un lujo

No parece existir dudas de que la Semana Santa en España, además de muchas maneras de entenderla y vivirla, tiene un componente estético y artístico indudable. A veces mayor que el religioso puro. 

Hay muchas maneras de entender la religión y no siempre acertamos con la mezcla. Tal vez la Semana Santa vaya camino de una desviación.

Sobre todo la Semana Santa en casi toda España, que año tras año va creciendo en ese componente de mejora continua, ese deseo de hacerla más grande y a ser posible mejor y más novedosa. Introduciendo música o ruido, sonido, iluminación y de alguna manera incluso espectáculo.

Fuera de esa consideración artística y estética, no quiero comentar nada más, pues este es un blog de Arte. 

Sí afirmar desde mi punto de vista, que se está convirtiendo en un periodo temporal (o no tan temporal) que ya es mayor a una simple semana cada año, en el que se trabaja muy bien todos los componentes artísticos en general. No sé si también los componentes religiosos. O si lo sé, incluso me lo callo.

Ya hay ciudades que no celebraban en la calle representaciones procesionales, y que las recuperan; y otras amplían las suyas o crean versiones diferentes con añadidos, que son partes de unas ceremonias realmente teatrales de alto nivel. 

¿Hasta dónde se mezcla turismo con religiosidad?

La Semana Santa es un periodo religioso de reflexión, de ensimismarse para recapacitar, o al menos eso es lo que debería ser. En tiempo raros y revueltos, debería servir para plantearnos las situaciones. 

Pero en cambio, no utilizamos (en muchos casos) esos tiempos para nada que no sea ganar a la cofradía rival y vecina. 

Un mal precedente, o al menos, una admisión de que vamos por el camino equivocado. Ojo, es mi pequeña opinión.

Kase O y SHO-HAI en los muros zaragozanos

Los ídolos locales son de los más fáciles para recrear paredes o lugares en donde se dejen carteles, sean muros u otros espacios. En este caso dos raperos zaragozanos, en concreto Kase O y SHO-HAI. 

Es una manera de darles un pequeño tributo en las calles, de donde vienes y a donde van a trabajar siempre que pueden, que no es muchas veces.

Detalle del Autorretrato de Vincent van Gogh

De esta obra de Vicent van Gogh, uno de sus autorretratos, quiero mostrar de cerca el tipo de brochazos que realizaba en sus obras, casi un puntillismo en este caso, en donde buscaba simplemente incluso con los colores que utilizaba, que se uniera en nuestra cerebro la mezcla de pinceladas y tonos, para que se produjera un determinado color y sensación. 

Este famoso "Autorretrato" de Vincent van Gogh, fue pintado en septiembre de 1889, durante su estancia en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, en Francia.

Destaca por sus intensas pinceladas ondulantes sobre todo en el fondo que crean un efecto de movimiento en ese fondo y ropa, contrastando con la mirada penetrante y tranquila del artista. De alguna manera parece buscar un efecto de relieve, de movimiento en su personaje.

Actualmente, esta obra forma parte de la colección del Museo de Orsay en París, una obra postimpresionista clara.

El artista esloveno Svetozár Ilavsky y uno de sus Pleonasmos

El reconocido pintor y músico electrónico de Eslovenia, Svetozár Ilavsky, nos presenta aquí una obra titulada “Pleonazmus 1” realizada en el año 2010, que se encuentra en una de las plantas del Parlamento Europeo de Bruselas. 

El título “Pleonasmo” en castellano, hace referencia a los repetitivo, a aquello que insiste en decir lo mismo varias veces en la misma obra.

Las heridas ilógicas, con la sangre ya seca

Cuanto más herido me siento, más débil noto las defensas. 

       Es como si fuera perdiendo la fuerza que sólo me sabía dar la energía de la juventud. 

Pero esos periodos nunca suceden, simplemente te atraviesan. 

Pasan por encima sin dejarte disfrutarlos con sabor. 

Cuando quieren saborear la juventud pausada, ya empiezan a notarse las arrugas de las heridas. 

La edad no tiene nada que ver con la juventud, es otro asunto.

Lo grave es ser un anciano de cabeza, y eso sucede cuando ya vas cansado por la vida.

Goya y sus obras de El Duque de Wellington

Voy a sacar en esta página otro Goya del cajón para seguir recordando al artista aragonés posiblemente más famoso, aunque somos tierra de muchos artistas fabulosos, algunos todavía no tan conocidos. Dos Goya poco conocidos, todo hay que decirlo.

Arriba un retrato del Duque de Wellington que podríamos ver en The National Gallery de Londres, y que se hizo sobre 1812, que nos muestra al primer Duque de Wellington tras derrotar este a las tropas de Napoleón en España, y entrar a un Madrid ya liberado.

Goya hizo tres trabajos sobre el mismo personaje histórico. Este cuadro a modo de retrato, un dibujo y otro gran cuadro mostrando al Duque de Wellington a caballo. Y que vemos abajo de esta entrada.

Esta obra superior sufrió diversos retoques desde el principio, posiblemente por el mismo Goya, para ir añadiendo medallas y condecoraciones en el pecho como el Toisón de Oro, según iba ascendiendo la importancia del personaje, que parece ser que para esta obra posó al natural.

Vemos a un hombre erguido, tal vez triste y cansado pues acababa de terminar una guerra, y aunque era —según comentan— un hombre de baja estatura, aquí aparece como un personaje potente, sereno y seguro.

El cuadro tiene 64 centímetros de altura, y fue una obra que se hizo como retrato privado, y sirvió el rostro de modelo para el gran cuadro a caballo que se encuentra en la Apsley House de Londres.

Abajo os dejo la otra obra de Goya, en la que vemos al Duque a caballo, pero de la que se cree que el aragonés solo hizo el rostro del cuadro, sobre un fondo creado por otros artistas. 

Fashion Arte en el mundo del Arte

El Pais hoy, marzo de 2026 pero también en otras ocasiones, ha metido el dedo en el ojo del Arte en los Museos, con esta viñeta de El Roto, sin dar explicaciones pues no las tiene, o al menos es muy complicado dárselas. Cada uno de nosotros debemos reflexionar sobre esto. Si queremos, claro.

Es verdad que el Arte Contemporáneo que consideramos de élite, el que está en las alturas, lo estamos convirtiendo en una Moda Temporal, que depende de los vaivenes del Mercado, y que se mueve desde esas alturas, por efectos ajenos al propio Arte.

Pero sigue siendo Arte, son creaciones de artistas, y de lo único sobre lo que podemos tener dudas es sobre el puesto que le vamos colocando a cada demostración, a cada tipo de obras, con respecto a otras. 

El Arte tiene que ser rompedor, provocador, constantemente novedoso, y con una cierta distancia de lo habitual. Y si no es así, no cumple su función de una evolución constante y una exploración para buscar nuevos lenguajes.

Luego, será el tiempo es el que dictará sentencia y alabará o hará desaparecer aquellas manifestaciones que no soportan el paso de los años. Que en realidad es otra forma de Moda temporal, pero más lenta. 

Soy de los convencidos de que el Arte de estas décadas finales del siglo XX y principio del Siglo XXI, es muy efímero. 

Es muy de murales, de fotografía, de trabajos digitales no pesados ni impertinentes, es muy de cine, también de experimentación y de un surrealismo nuevo o al menos diferente y más explorador y abstracto. Muy de impulsos que surgen tras una buen periodo de estudio y experimentación con el Arte propio.

Pero los Museos deben entender también estos tiempos, deben ser muy abiertos y movibles para ser ágiles y no meros almacenes, y deben formar parte constante del día a día. Y para ello hay que abaratar los costes de las exposiciones temporales, para convertir a los Museos en unos entes vivos.

La Venida de la Virgen a Zaragoza

Dejo hoy una obra posiblemente menor, sin autor claro, del barroco tardío de final del siglo XVIII, posiblemente hecho en un taller de algún artista aragonés, pues da la sensación de que han intervenido diversos artistas con diversa calidad en sus trabajos, con unos rostros de ángeles que se repiten lo que nos indica que es una obra menor, de encargo, con un tema muy clásico en Aragón por aquellas décadas.

Muestra la Venida de la Virgen del Pilar a Zaragoza, desde otro punto de vista, la Virgen se aparece sentada y unos ángeles traen el Pilar para dejarlo en la ciudad, mientras que aquellos primeros cristianos que acompañaban a Santiago están sorprendidos (o dormidos) mientras parece verse a lo lejos la ciudad.

No es un Bayeu o un Luzán, NO es un Goya, pero podría ser un trabajo de sus talleres o de otros, para alguna devoción privada o algún encargo institucional pero no de una gran iglesia o convento.

Incluso en el fondo de la obra volvemos a ver repetida la imagen de la Virgen del Pilar, con la iconografía que actualmente la vemos en su iglesia. Parece la suma de la venida de la Virgen y la llegada de sus atributos que todavía sirven para representar este hecho o tradición.

La caída de los gigantes, de Francisco Bayeu

Esta imagen que te dejo, nos muestra una sección del cuadro de Francisco Bayeu y Subías, del año 1764, titulado "La caída de los gigantes". ¿Qué nos muestra, qué nos quiere decir? Y aviso, no es la imagen completa.

En este fragmento se ve el momento posterior a la derrota de los gigantes. Sus cuerpos aparecen tumbados, débiles y desordenados, mientras el mundo de los dioses queda por encima, tranquilo y triunfante. 

La pintura transmite la idea de castigo, caída y poder venciendo al desorden. Pero en esta sección no vemos violencia, como si la podemos observar en otras partes de la obra.

Esta parte del cuadro muestra a los gigantes vencidos, ya caídos entre las nubes, mientras dos figuras divinas dominan la escena desde arriba. Los cuerpos están recostados sobre una masa de nubes, en una composición muy teatral, mientras arriba aparece la autoridad celestial, mostrando abajo, la derrota y asombro de algunos de los rebeldes.

Lo que aparece aquí pues son gigantes derrotados, figuras de gran tamaño y fuerza que, según la mitología clásica, se rebelaron contra los dioses. Incluso algo deformes con unas orejas en punta, fuertes pero muy saturados de color.

Pero ya no están luchando. Están cayendo, están vencidos. Sus cuerpos están inclinados o tumbados. Sus gestos muestran sorpresa, dolor o desconcierto. Miran hacia arriba, como si aún no comprendieran del todo su derrota.

Esto transmite una idea muy antigua, el poder humano (o titánico) tiene sus límites. Esta imagen no trata solo de mitología. Habla de algo universal, la ambición, el desafío al poder y las consecuencias de ir demasiado lejos.

El autor de esta obra, Francisco Bayeu y Subías (1734-1795) fue un destacado pintor español, conocido principalmente por su trabajo al fresco sobre grandes superficies, y por su influencia en la pintura neoclásica en España. Entre sus obras más conocidas se encuentran los frescos en el Palacio Real de Madrid y en la Basílica del Pilar en Zaragoza. 

Fue de alguna manera profesor de Francisco de Goya, que fue su cuñado. Y si vemos o comparamos los trazos de Bayeu y muchas de las obras de Goya en fresco, podemos observar que se parecen en esa manera de pintar bocetando, pensando en los muchos metros a los que los espectaodores observarán la obra.

Era un orden casi militar

Orden casi militar. Son otros tiempos. Todo tiene que estar en orden. Pero en "su" orden y concierto, marcando los espacios y despacio, marcando los sonidos, sus sonidos.

Todo parece artificial. Todos es artificial. Todos somos seres dirigidos para estar en orden. Perfectamente uniformados y listos para dejar que se nos sienten encima.

Sí, es una fotografía, una imagen… tratada con herramientas. La fotografía siempre ha utilizado herramientas. Físicas y químicas. Ópticas y de sensaciones.

Los Cadáveres Exquisitos de Txuspo Poyo

Las técnicas surrealistas del ejercicio llamado "Cadáver Exquisito" es un modo de creación colectiva, popularizada por los surrealistas desde 1925, y que consiste en trabajar componiendo palabras o imágenes en grupo, entre varias personas.

Los participantes de estos ejercicios llamados "El Cadáver Exquisito" añaden partes individuales a una obra (escrita, dibujada, pintada, collage) doblando un papel para ocultar lo hecho anteriormente por los anteriores artistas que han ido creando antes en el mismo lienzo, permitiendo ver solo el último detalle para guiar la continuación de lo que hace el que interviene a continuación, resultando en creaciones automáticas, lúdicas e inesperadas.

Si es texto literario, se puede dejar un párrafo o una línea del anterior creador para que continúe el siguiente. Se va creando una suma de elementos de diferentes artistas, que sin conocer lo anterior o solo de forma leve, intentan completar algo, que no se sabe qué va a ser, no tiene un esquema, una idea o un boceto de creación.

El artista navarro y vasco Txuspo Poyo ha presentado en Bilbao su exposición "Anónima" con una buena suma de sus diferentes obras y entre ellas hay una que agrupa a muchas de las creadas por él, que se compone de un buen número de estos "Cadáveres Exquisitos".

En páginas de periódicos impresos y adaptados a un tamaño idéntico en todos los casos, ha ido añadiendo elementos pictóricos sobre personas ya fallecidas, que reflejan a esos personajes famosos.

Estos obituarios recogidos y creados entre los años 2001 y 2025, son de alguna manera los testigos de personas o de situaciones que pasan en nuestro tiempo, utilizando la noticia del diario sobre los fallecimientos, y que son intervenidos para añadirles el punto de vista de Txuspo Poyo como homenaje al protagonista y creando un archivo visual, digital, que es el que vemos en la exposición.

Al final se crea un archivo de "Cadáver Exquisito" pues interviene lo creado por un medio de comunicación al que se ha añadido el punto de vista del artista Txuspo Poyo.

La ¿auténtica? imagen de la Virgen María

Es cierto que tiendo a poner en este blog muchas imágenes religiosas, y lo es por ser una constante en al Arte de muchos siglos. En realidad el Arte ha tenido siempre un precio alto, pues hablamos de muchas horas de trabajo y de una sensibilidad importante, y eso en siglos viejos lo podían pagar las instituciones con dinero y las grandes familias religiosas.

Dicho esto, como a modo de explicación o incluso como justificación, os paso a dejar dos imágenes que son casi la misma.

No existe constancia de cómo era el rostro de la Virgen María, la madre de Jesús (Yeshua bar Yoseph o Jesús, hijo de José). Muy pocos detalles, uno de ellos que fue madre muy joven y era dulce, candorosa, con la boca pequeña, labios finos, y no muy alta, etc. Pero nada más y ni eso lo sabemos con seguridad. En cambio y de siempre, se ha intentado plasmar a la Virgen en numerosos retratos o esculturas, para ser rezada, y por ello inventándosela los artistas.

La tradición de la vida de San Lucas Evangelista nos habla de este evangelista como el primer pintor que la retrató del natural. Aunque las primeras imágenes conocidas datan del siglo III (Catacumbas de Priscila donde existen detalles borrosos en alguna catacumba, de una mujer con un niño, que se asocian a la Virgen María.), el deseo de un retrato auténtico ha impulsado la creación de iconos y representaciones físicas durante toda la historia de la Iglesia.

A veces confundiendo lo que se llamó "Verónica" ( En la tradición cristiana, la palabra Verónica no es solo un nombre propio, sino que se entiende comúnmente como un derivado de la expresión latina vera icona, que se traduce como "imagen verdadera" o "ícono verdadero") entre la mujer que pudo tomar el rostro de Jesús y la auténtica imagen de la cara de la Virgen.

Os dejo dos representaciones de las que fueron adoradas como las verdaderas imágenes iconoclastas de la Virgen, sin que existe garantía de ello. La tradición eclesiástica sostiene que Lucas (que además de apóstol y médico, era pintor), al conocer a la Virgen, la pintó en vida. Y del el año 1100, existe un supuesto "icono original" también de San Lucas en Turín, lo que refuerza la creencia en un rostro auténtico pintado al natural.