30.12.25

Las líneas enmarcaban las formas de Ernst Young

El color y las formas de las líneas que configuraban el espacio me atraparon allí mismo. Mucho más en la pantalla del ordenador al observarlas. 

Muchas veces cuando viajas a lugares nuevos e importantes te tienes que dejar llevar por el instinto del fotógrafo que llevas dentro, pues no es posible encuadrar bien ni es posible esperar una mejor luz. 

Es llegar y cazar disparando. 

Un deporte maravilloso donde muy pocas veces hay segundas oportunidades. 

Si sale bien, muy bien. 

Y si no sale bien, simplemente lo recuerdas.

Pensé que los focos estorbaban, pero poco a poco me he dado cuenta que eran incluso parte importante del encuadre final. 

Parecen iluminar lo iluminable.

¿Qué son los Art Journal, los Diarios de Arte Visuales?


Llamamos Art Journal a un Diario de Arte, es decir a un clásico diario personal donde además de texto hemos ido añadiendo como si fuera un Libro de Artista, pequeñas obras de dibujos, pinturas, acuarelas, collages, que nos gustan, nos divierten incluso, nos acompañan al contenido de los textos para complementar lo que deseamos expresar. 

En realidad son Book de Artista, Diarios Visuales, Diarios Creativos que a veces llegan a tener un gran valor no solo testimonial sino artístico, que se comienzan casi como un juego personal y al final se van convirtiendo en obras de arte con todas las consecuencias. 

Hay que buscar mezclas de Poesía Visual, Arte y Diseño en dibujos y pinturas y sobre todo una marca personal, creativa y divertida. 

Los Art Journal tienen que representarnos, son parte de nuestras obras y aunque utilicemos técnicas distintas o incluso maneras expresivas diferentes a las que empleamos habitualmente, son parte de nuestra obra artística más personal.

Hoy ya, por poco precio se pueden comprar cuadernos en blanco, encuadernados, con papel de acuarela, que se prestan muy bien a este tipo de ejercicio casi de desahogo. 

En la Cadena Tiger se pueden encontrar en diversos tamaño y encuadernaciones, ejemplares en papel de pintura entre 3 y 4 euros. Un buen precio para empezar a practicar los Art Journal, ver hasta dónde somos capaces de darles sentido, y junto a unos rotuladores, unos lápices de colores, acuarelas, empezar a practicar estos Diarios de Arte. 

Serán libros, libretas, que llevarán mucho trote, que tendrán que aguantar mucha carga de pintura, así que sin duda y tras probar si nos atrevemos, tendremos que ir a mejores calidades y a precios más altos en las libretas. 

Si el papel es muy fino mi consejo es que no lo aproveches por la dos caras y solo trabajen en una de ellas para no forzar en exceso el papel. 

Y si en tu libreta vas realizando collages y por ello empiezan a resultar excesivamente gruesa, puedes cortar con una cuchilla hojas alternas dejando unos milímetros de la hoja en la zona de encuadernación, para que el grosor del papel más el de los elementos pegados no resulte excesivo. 

Y recuerda que en el Art Journal como en la mayoría de las técnicas artísticas NO HAY REGLAS establecidas y fijas, estos para cambiarlas y modificarlas a nuestro gusto y necesidad.




29.12.25

Regular e irregular, ordenado o desordenado

 

Regular e irregular, recto y curvo, ordenado o desordenado. 

Todo es posible a la hora de elegir con qué nos queremos quedar. 

Todo son caminos posibles, miradas imposibles incluso que no nos llevan a ningún lugar. 

El mecanismo por el que se han ido creando puede ser natural o incluso puede ser ligeramente artificial. 

Todo es posible a la hora de saber por qué. 

Pero en realidad nos importa muy poco eso, si acaso si nos parecen bellos o no. 


¿Se podría crear de nuevo algo tan perfectamente redondo?


¿Se podría crear artificialmente algo tan perfectamente redondo? 

Es posible que si, pero con tantos detalles en su interior ya es mucho más complicado. 

Imaginaros una máquina que fuera capaz de hacer flores blancas redondas con detalles. 

¿Sería capaz de construirlas para que fueran cambiando lentamente de tamaño? 

¿Y para que volaras sus partes cuando hubieran alcanzado su madurez, y así esparcirse por el mundo, transportando las semillas?

Pues curiosamente este pequeño milagro no tiene precio, incluso casi no tiene valor, no hacemos otra cosa que mirarlo casi con desprecio y desdén, relegándolo a la nada.

Un New York horizontal dentro de su verticalidad

Todas las ciudades tienen muchos puntos de vista, todas son conocidas por los más fáciles, pero en todas ellas hay espacios y miradas que se salen ligeramente (o incluso profundamente) de lo habitual. 

Buscar o provocar estos puntos de vista es labor del fotógrafo que no siempre tiene que ser postalero en sus trabajos de mostrar lo que él ve. 

Un poco de composición, un punto de vista no habitual, ayudan a creer que siendo es lo mismo, es algo diferente. 


Dibujo, pintura digital y fotografía, no agitados

Todo tiene su valor, incluso aunque solo sea estético. Elegir, seleccionar, construir con piezas un nuevo elemento es una forma simple de sentirte bien mientras lo vas creando. 

No se trata de inventar un nuevo submarino, sino de sentir que con tus manos puedes convertir un blanco en un espacio diferente, nuevo, lleno.

Aquí hay mezcla de dibujo, de pintura digital y de fotografía. Un poco de cada, una disciplina que se afianza en la otra, unos nuevos tiempos en donde todas las herramientas quedan diluidas entre ellas pues todas se pueden necesitar en un momento dado, sin que ninguna destaque sobre la otra.

Al final lo único que importa es el resultado final, como en cualquier empresa, en cualquier relación. 

Los caminos intermedios se disfrutan, pero no se pueden contemplar al quedar tapados por la finalidad, por la meta final.

26.12.25

Sergey Piskunov y sus óleos hiperrealistas


El artista ucraniano Sergey Piskunov (Lysychansk, 1989) que vive en la actualidad en Países Bajos es un pintor de hiperrealismo fotográfico, conocido por sus grandes retratos y escenas acuáticas de fuerte carga sensual y atmosférica.

Procede del mundo de la informática, y ha desarrollado una trayectoria internacional con exposiciones en Ucrania, Alemania, Reino Unido, Estados Unidos y Suiza. Lo que vemos arriba como uno de sus ejemplos, podría parecer una fotografía pero en cambio es un óleo de 160 centímetros de altura aunque pueda parecer lo contrario. Un trabajo realmente muy detallista e hiperrealista. 

Comienza a pintar de forma autodidacta en torno al tercer curso de la carrera de Ingeniería de sistemas informáticos, tras recibir como regalo pinceles y óleos, y compagina durante unos años la pintura con trabajos como tester y programador en empresas de software. Un ejemplo perfecto para entender que el Arte es una parte de la vida de muchas personas.

A principios de la década de 2010 realiza sus primeras exposiciones personales en Kiev (Art Hall, Museum of Hetmanate, New Gallery) y finalmente abandona el sector IT para dedicarse por completo al arte.

Mantiene una fuerte presencia en redes (Instagram, Facebook, YouTube), donde comparte procesos de trabajo y vídeos didácticos sobre pintura hiperrealista, lo que refuerza su perfil de artista‑marca muy alineado con la cultura visual digital.

Su obra se puede leer como síntesis entre el hiperrealismo anglosajón (Close, Cotton) y una sensibilidad más abiertamente sensual, donde la piel, el brillo y el agua funcionan casi como metáforas de exposición y vulnerabilidad.

Una de las series más conocidas es “Golden Masks”, en la que modelos (como Dasha Astafieva) aparecen cubiertas de pan de oro o polvo brillante, en composiciones que alternan glamour, fetichismo y teatralidad barroca.


David Ostrowski y su Arte Diferente


El artista alemán David Ostrowski
está siendo ahora más conocido en los medios de comunicación por el gusto de Ivanka Trump hacia sus obras, que por estos trabajos como creaciones minimalistas y diferentes. Obras rápidas, donde los elementos brillan precisamente por su ausencia. 

Cuanto menos mejor. 

Hace un trabajo al revés. 

En vez de borrar, simplemente selecciona y pinta lo mínimo, generalmente con aerosoles como si fuera Art Street, pero con muy pocas líneas, colores o elementos, y sobre lienzos.

Intenta pintar sin control, precisamente para encontrar el descontrol y la aleatoriedad relativa en sus obras. Para ello emplea la mano izquierda con el spray (es diestro) buscando que el resultado le sorprenda lo primero a él mismo. 

No busca lo que al final hace, sino crear casi aleatoriamente y sin control, buscando los errores de un trabajo ilógico que no emplea todas las posibilidades para crear un abstracto mal hecho, en un intento precisamente de olvidarse de la pintura como elemento vehicular del resultado final.

Cuanto menos y si aparece como un error, mucho mejor.

A veces nos podemos preguntar dónde se esconde lo bello. Es posible que en cualquier acto tonto, en cualquier movimiento ilógico podamos encontrar lo bello, lo curioso, lo diferente. Para ello es fundamental crear pocos elementos, para que el espectador no se distraiga con ellos. 

De esta forma deja de intentar entenderse la obra, pues no hay donde fijarse para buscar explicación. 

Un simple disparo de su mano equivocada, con un spray, y a esperar que aquella mancha nos motive. 

Así de sencillo. Un gesto espontáneo que al final crea elementos que cada uno de nosotros, como espectadores, podemos entender o abominar.

Nada es el principio del fin, sino al revés, todo es el comienzo de algo. 

Y esto es perfecto pues entenderlo ayuda a seguir creando posibilidades nuevas.

Chiamonwu Ifeyinwa y sus dibujos hiperrealistas


Cuando estás aprendiendo arte, que te hagan trabaja con lápices en blanco y negro, con carboncillos y difuminos, te cansa sobremanera. Pero estos dibujos hiperrealistas de la artista nigeriana Chiamonwu Ifeyinwa Joy que con 30 años están sorprendiendo por su calidad y sus encuadres y miradas de los personajes, que se inspiran en su cultura Igbo y en las tradiciones que forman parte de ella, están realizados con grafito y lápices de diferentes durezas.

"Para una gran obra de arte, me toma alrededor de un mes completarla. Para un lienzo mediano o pequeño, puede tomar hasta dos o tres semanas. Decido qué dibujar por cuánto me conmueve y me fascina el tema u objeto. Cuánto me habla a nivel personal, espiritual y creativo. Todas mis obras de arte cuentan una historia”.

Chiamonwu Ifeyinwa Joy no estudió arte, pero ahora dibuja profesionalmente y muestra sus obras impresionantes, que también vende ya a sus clientes en galerías importantes, además de moverse muy bien en redes sociales dando a conocer sus obras. 


24.12.25

Jaume Plensa: ¿Para qué sirve el Arte?


Os dejo una simple pregunta y respuesta de la revista ES+ al artista Jaume Plensa. Es aclaratoria, creo, sincera y que deberíamos leer un par de veces. La entrevista es del año 2025, pero la imagen superior titulada Caballo Negro, es del año 1986 en hierro colado.

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¿Para qué sirve el Arte?

Es una pregunta que todos los artistas nos hacemos permanentemente. No sabemos muy bien para qué sirve, pero sin arte la vida es insufrible, especialmente en momentos históricos como los que estamos viviendo El Mundo está muy polarizado y el arte hoy es más necesario que nunca.

Escena del interior de una taberna en Madrid


Esta obra del Museo del Prado que no se encuentra expuesta y que es anónima, nos muestra el interior de una taberna de Madrid, y así se titula el cuadro de 60 centímetros de anchura realizado en el siglo XVII al óleo sobre tabla.

Es una escena costumbrista que nos fotografía bastante bien lo que sería el interior de una taberna, de un bar de las clases bajas en donde se juntaban las gentes del barrio a tomarse algo, hablar e incluso discutir.

Vemos en el suelo una carta, posiblemente una pipa, mientras un niño parece acariciar a un perro pequeño. Los personajes son casi cómicos, disfrutando del momento, en lo que parece más un interior de un almacén convertido en taberna con ajos colgados alrededor de una chimenea que serviría de calefacción.

Abajo veremos un detalle de la obra para ver más de cerca los gestos de los personajes.




Philip Guston y su litografía Pile Up


Esta litografía del artista norteamericano Philip Guston realizada en el año 1980, e impresa en papel Barcham Green Crisbrook, con el sello de la propiedad del artista emitido, hizo una edición de 50 ejemplares (también había once pruebas del artista), y publicadas por Gemini G.E.L.

La litografía titulada 'Pile Up' fue una de las últimas obras de Guston antes de su muerte en ese mismo año. A menudo se sabía que Guston alternaba entre la abstracción y la figuración y este trabajo ejemplifica la fusión de estos dos movimientos.

Las influencias abstractas se sienten en la composición, pero los indicios de figuración emergen más claramente en la parte inferior izquierda, con la pieza con la herradura.

Esta litografía nos lleva al mundo de Guston dentro de un equilibrio entre la realidad tangible y el expresionismo abstracto místico por el que es famoso. Guston falleció durante la finalización de esta edición, lo que resultó en que Gemini G.E.L. tuvo que publicarla póstumamente en 1981.

La Tate Modern, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Filadelfia tienen una edición de 'Pile Up' en su colección permanente, anunciando la importancia de la obra de Guston en la historia del arte estadounidense y el movimiento expresionista abstracto.

Ernst Ludwig Kirchner y una xilografía


Esto que vemos arriba es una xilografía (grabado en madera) hecha en el año 1919 por el alemán Ernst Ludwig Kirchner. En ella representa a David Müller con su característico estilo expresionista, de líneas enérgicas y contrastes marcados. La estampa formó parte de una carpeta o portafolio de estampas, difundida bajo el sello editorial Bauhaus Drucke, que reunía obras gráficas de vanguardia en los primeros años del siglo XX.

En el año 1937, en plena ascensión del nazismo en Alemania, su obra se calificó en su país de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello, y falleció un año después, en 1938.

La obra es del Museo de Arte de Blanton de la Universidad de Texas.

23.12.25

Sin herramientas seríamos irracionales animales

Las herramientas son las extensiones de los brazos, las opciones que tenemos para sacar ideas y plasmarlas. Las inventamos para ser mejores, y quien avanzó en ellas, prosperó en sus culturas.

Sin herramientas seríamos monos irracionales que no habríamos avanzado casi nada. 

Lo primero que utilizan los niños son las herramientas, incluso para saciar sus dolores. 

En el Arte las herramientas son medios de expresión, lo que utilizamos para sacarnos desde dentro nuestros pensamientos, y convertirlos en objetos que podrían entender los que los observan. 

Y no siempre, hay que advertirlo, para tranquilizar.

21.12.25

José Orús y sus texturas con luz para mostrar otros mundos

El artista aragonés José Orús Fernández creó un mundo completo de sueños, lleno de otros mundos que iluminaban sensaciones y nos hacían imaginar que era posible escapar hacia otros lugares lejanos, sin estar seguros de que efectivamente podrían o no existir.

Esta obra que vemos arriba, de la década de los 70, se titula "Mundos paralelos" y se encuentra desde hace muchos años en el tanatorio de Zaragoza, dando el saludo a las familias y amigos que acuden a dar el último recuerdo a sus allegados.

Existe luz al final de los caminos. Y sobre todo existe espacio para estar contemplando.

Son obras que impresionan, todas ellas (casi) con un denominador común; la luz que surge a través de la oscuridad. 

19.12.25

La Escuela de Atenas de Rafael


En los Museo del Vaticano tenemos una obra de Arte muy conocida y valorada de Rafael que vamos aver hoy como un ejemplo de obras de Arte pedagógica que tanto ayudaron n sus tiempos a poder ampliar la formación y conocimiento, en tiempos sin las enormes facilidades actuales.

Es la obra: La Escuela de Atenas, pintada en Italia por Rafael Sanzio en los años 1509 a 1511. Habamos de una obra de casi ocho metros de anchura.

En ella vemos unas esculturas en la pared mostrando a Apolo y a Minerva. En el centro andando hacia el espectador vemos a Platón y Aristóteles. Platón (calvo) está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Debajo de ellos están "retratados" Heráclito y Diógenes sentados sobre las escaleras. Y a la izquierda nuestra mientras observamos la obra podemos ver desde Alejandro Magno a Epicuro, Zenón de Elea, Pitágoras, Telange, Hipatia, Jenofonto, Alcibíades, Sócrates con una túnica verde oliva, o Heráclito sentado y escribiendo.

En la zona derecha según observamos se puede ver a Plotino, Homero, el propio Rafael mirándonos, Ptolomeo, ARquímedes y Estrabón. De algunos de ellos hay dudas sobre si son estos personajes u otros.
Es uno de los frescos más conocidos de la historia del arte y quizás la obra más ambiciosa de Rafael, que quiso representar nada menos que los orígenes del pensamiento occidental, filosofía, historia o geografía, matemática y astronomía, que como todos sabemos nació en la Antigua Grecia.

El artista pinta a los filósofos clásicos y lo hace poniéndoles rostros de artistas contemporáneos. En el centro vemos pues a Platón (pintado como Leonardo) y Aristóteles, las dos principales ramas de la filosofía. Después, están Heráclito (con los rasgos de Miguel Ángel), Euclides (como si fuera Bramante), Protógenes (retratado como su amigo El Sodoma), Hipatia (su novia Margherita) y Apeles (autorretrato del propio Rafael).

17.12.25

Jugar a soñar despierto es posible. Y no todos somos locos


Luces de conveniencia, cualidad de locura de un loco que ve al revés. Estructura ambigua de respeto, de miedo incluso. Simplemente colores y posicionamiento. Distribución del espacio entre elementos. Tontería para engañarme. De las tonterías propias no se vive, pero alimentan.

15.12.25

Aprender. Expresión. Dedicación, Amor, Profesión. Serenidad. Repartir. Humanismo

Aprender. Poesía. Expresión. Sentido. Dedicación. Amor. Profesión. Observación. Serenidad. Espíritu. Vocaciones. Repartir. Humanismo.


Decía Pablo Serrano en unas pocas líneas todo esto, y pone en ellas todas las palabras que deben motivar el Arte y la propia vida singular de cada uno de nosotros. Caminar y hacer el bien, simplemente. 

Es imposible quedarse con una de esas palabras. Todas son necesarias. Todas son energías de vida, para crear más vida, para empujar la que ya existe. 

Pablo Serrano. Antonio Machado. Miguel de Unamuno. Benito Pérez Galdós. Gregorio Marañón. 

No hay que ir muy lejos para encontrar a los sabios. Estos ya no están, pero sus enseñanzas sí, aunque sean diversas.



10.12.25

Marruecos tiene artistas contemporáneos que debemos conocer


Con Marruecos tenemos problemas de vecindad, de autoestima también, de relaciones mutuas separados por un poquito de mar, y tenemos también relaciones culturales que deberíamos potenciar. 

Por ejemplo en el año 2021 en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid había una exposición sobre Arte de Marruecos que yo recomendé pues creo que es uno de los mayores aciertos en arte contemporáneo de este raro 2021 en España.

Esta obra superior es del artista de la Escuela de Casablanca Mohamed Melehi fallecido hace menos de un año. Nació en el Marruecos español en 1936 y aunque recibió formación artística en España, Roma, Bruselas e incluso en los EEUU, se hizo profesor de Arte en Casablanca creando e impulsado el modernismo en Marruecos, enseñando pintura, fotografía y escultura desde el punto de vista libre de hacer lo que a cada artista le sale desde dentro.

Rompió con la obligación de que todo el arte en Marruecos fuera tradicional, sin que fuera una expresión de cada momento y se moviera como se mueven las sociedades libres.

29.11.25

El Nuevo Mundo de Dvorak visto de noche

Cuando entras en New York por mar, la sensación es la de llegar al Nuevo Mundo como le sucedió a Dvorak o a Lorca. No es mejor, es tan solo recibir la sensación de que llegas al corazón del mundo. 

A veces gripado, otras encantador, siempre diferente, lleno, ocupado y abierto. 

Nunca eres forastero en New York, eres como todos ellos, parte de una sopa de personas que se mueven en un caldo que te arropa. 

Seas migaja o carne, verdura troceada o tropezón de sabor. Si estás, eres.

26.11.25

Murales religiosos como libros abiertos



Lo que vemos en la imagen de arriba es el interior de un monasterio ortodoxo de Rumanía. Hay varios, excelentes todos ellos, y muy bien conservados. Lo de menos en este caso es señalar cual estamos viendo.

El Arte se utilizaba desde tiempos inmemoriales como elemento pedagógico, como herramienta para explicar a los analfabetos, que no sabían leer o no podían leer por no tener acceso a libros escasísimos y muy costosos, lo que se quería enseñar.

Estas paredes interiores de un buen números de iglesias rurales diseminadas por Europa, de las que en muchos países casi no se conserva ninguna, como en España, eran en su interior auténticos libros ilustrados en sus murales, en sus paredes, para poder explicar historias que en cada momento interesaba contar.

Se enseñaba lo que interesaba enseñar. No se conservan por poner ejemplo diferente, murales en donde se enseñara a ser agricultor o ganadero, o buen ciudadano. En cambio sí, ser un buen cristiano, una persona religiosa.

25.11.25

Qué es la Nueva Objetividad o la Escuela Düsseldorf en fotografía?

Vamos a imaginarnos un ejercicio práctico y fotográfico de sencilla explicación. Nos vamos a basar en la Nueva Objetividad, en fotografiar un objeto sencillo, simple, que todos vamos a reconocer enseguida. 

Puede ser el que queramos, aunque si el ejercicio fuera real el monitor nos indicaría qué debemos fotografiar. Por ejemplo unas piezas de tela al corte, como vemos en la imagen de arriba.

Volvemos con la imaginación a ver un puesto callejero en un rastro, donde se venden telas al por menor, al corte. Si estamos una docena de fotógrafos realizando el ejercicio con libertad de elección,y si solo podemos elegir una fotografía, saldrán 12 imágenes totalmente distintas. Los objetos serán los mismos, pero el punto de vista de cada fotógrafo habrá elegido un encuadre, una mirada diferente.

Eso que vemos arriba es simplemente el Arte Fotográfico. 

Esa es en gran medida un ejemplo de la Nueva Objetividad o de la Escuela Düsseldorf de fotografía

¿Y en qué consiste esta Escuela o tendencia fotográfica contemporánea? Advertir de entrada que es ya vieja con sus casi 50 años de vida, para que no creamos que estamos hablando de algo muy novedoso.

Principalmente se basa en fotografías de objetos comunes, realizadas desde un punto de vista frontal, con mucho detalle y como si se lograra que el espectador estuviera viendo de frente lo mismo que decidió mirar el fotógrafo, con un encuadre que selecciona y enmarca el contenido para añadirle o restarle composición

El resultado es un objeto o paisaje simple, sencillo, casi minimalista, con pocos elementos y con espacios vacíos que parece querer decirnos algo más que lo que representa, ayudado por su encuadre y la posición de sus elementos.

Imágenes realistas, casi surrealistas pues llevan un componente diferente en su totalidad, buscando que los objetos hablen sin hablar. 

Imágenes de gran formato, que a veces parecen repetir elementos dispuestos de forma aleatoria, resultados limpios, suaves, que inspiran tranquilidad y que a veces parecen retratos industriales de una época pero que en las últimas décadas se han ido transformando en multitud de posibilidades que se mezclan con otras tendencias artísticas, donde a veces el surrealismo es una de las más claras.

Poner los pies a remojo en las aguas de un arroyo de montaña?

Las imágenes muchas veces vienen al encuentro de los espectadores, queriendo atraparte para que te fijes en ellas. Esta de arriba es una sección de un cartel japonés donde podemos ver a diversas personas de la sociedad antigua japonesa disfrutando de la calma de sus vidas. Un retrato social donde poner en valor simplemente la tranquilidad.

Vemos a un hombre con los pies metidos en un arroyo, mirando a sus contertulios pues nos queremos creer que en aquellos tiempos y momentos, se hablaba y mucho más que ahora. 

El valor de la obra de arte, incluso de la caza fotográfica de esa sección en concreto… radica en la tranquilidad que desarrolla, en la paz tan difícil de lograr ahora. 

¿Cuánto hace que no te pones los pies a remojo en las aguas de un arroyo de montaña o de valle?

18.11.25

El carboncillo es el enemigo de quien comienza en la Escuela de Arte?


Cuando entras por primera vez a una Escuela de Arte, tras las primeras jornadas de ilusión y en donde todo te parece hermoso y muy novedosa tu presencia, viene un periodo largo de dudas y aburrimiento. Y (casi) siempre por el mismo motivo.

Cuando uno entra en una Escuela de Arte, generalmente ya tiene una base mínima, y quiere aprender a una velocidad que no es la que te va a entregar esa Escuela, sea oficial, privada, de autor, especial, etc.

En casi todos los casos es imprescindible cansarte, aburrirte incluso, mientras trabajas en blanco y negro, con carboncillo o lápices, sin que en muchas ocasiones entiendas por qué ese uso que consideras excesivo, con el carboncillo.

En el Arte es fundamental conocer la luz y la sombra. Conocerla, distinguirla en todos sus grados, provocarla, construirla. Sin luz y sombra bien elegidos no hay contraste, volumen, color real.

Aunque luego te vuelvas un Miró.

Las texturas de los elementos que construimos se conforman con esa luz y sombra, y por eso si dominas con el carboncillo el construir decenas de tonos distintos de luces, decenas de graduación en las sombras para que puedan conservar los detalles, pero a su vez profundicen, tienes ya la mitad del camino recorrido.

En una Escuela de Artes empiezas entendiendo de luz y sombra. Y luego de opiniones ajenas.

Necesitas estar rodeados de otras personas que opinan, sean profesores o compañeros alumnos, y necesitas ver, comparar, aprender a base de entender qué hacen otros alumnos como tú.

Lo más sencillo es aprender a manejar herramientas, colores, soportes, técnicas. Lo complejo es perder ese exceso de seguridad con la que entras, para poder mejorar a base de ponerte en duda. Si quieres perfeccionarte, tienes que poner esfuerzo. Y eso casi siempre pasa por ponerte en duda, por dejarte llevar por los profesores que saben más que tú, y por recibir opiniones que irás puliendo.

12.11.25

El aquelarre o Sabbath de Brujas, de Goya


El Museo Lázaro Galdiano alberga el lienzo  "El aquelarre" de Francisco de Goya, pintado entre 1797 y 1798, el cual representa una escena de brujería como una reunión de hechiceras.  También es conocido con el nombre de Sabbath de Brujas. Este cuadro es uno de los seis que Goya pintó para los duques de Osuna, y fue adquirido posteriormente por José Lázaro Galdiano, según indica el catálogo del museo en donde permanece. 

Pintado entre los años  1797-1798. formaba parte de una serie de seis cuadros sobre brujería encargados por los ilustrados duques de Osuna para decorar su palacio de recreo en la Alameda de Osuna (hoy Parque del Capricho, en Madrid).​ Aunque el tema es oscuro, estos cuadros estaban pensados como piezas decorativas de "capricho" para una élite ilustrada que veía la brujería como una superstición popular digna de ser satirizada, no como una amenaza real.​ Hoy nos resulta imposible pensar en decorar nuestra vivienda de recreo con esta temática, pero eran otros siglos.

Esta primera versión es más narrativa y teatral. Luego hizo alguna obra similar para sus Pinturas negras. La composición es más clara y los elementos son más definidos: mostrando al Diablo como Macho Cabrío. En el centro, un gran macho cabrío negro, con cuernos imponentes adornados con hojas de vid (una alusión al dios Baco, el vicio y a lo dionisíaco), preside la ceremonia con ojos brillantes.

A su alrededor, un grupo en círculo de brujas de todas las edades (ancianas y jóvenes) le rinden culto. Su actitud es de devoción y miedo reverencial.​ El tema central es el sacrificio infantil. Una bruja ofrece a un niño vivo al diablo, mientras que otra sostiene a un bebé esquelético, ya "chupado". En el suelo yace otro niño muerto. Esto refleja la superstición popular de que las brujas se alimentaban de niños para crear sus ungüentos mágicos.​

La escena transcurre de noche, bajo una luna creciente que ilumina parcialmente la escena, creando un ambiente de misterio y ocultismo.​ Esta obra, como los grabados de Los Caprichos que Goya, estaba creando en la misma época, y es una sátira contra la ignorancia y las supersticiones populares que los ilustrados como Goya y sus mecenas criticaban. 

No es una celebración de la brujería, sino una denuncia de la credulidad.​ Aunque aún conserva ciertos elementos compositivos del rococó, el dramatismo, el uso del claroscuro y la temática macabra, anuncian ya el Romanticismo. La pincelada es más suelta y expresiva.

10.11.25

La chaqueta amarilla de Pablo Picasso


Pablo Picasso hizo varias obras similares que se podrían llamar deforma muy similar. Este versión también mencionada en el contexto de su relación con Dora Maar, a veces les conocida como "La chaqueta amarilla" otra veces como "La blusa amarilla" y la pintó en el año 1939. Se distingue por el uso de este vibrante color en la vestimenta de la retratada.

Es un oleo sobre lienzo, y se caracteriza por el uso de la línea en forma de "telaraña" que entrelaza objetos y personajes, aunque en esta obra la técnica se limita a la chaqueta amarilla, mientras que el resto del cuadro se enfoca en los contornos nítidos y los campos de color.
Forma parte de la colección de Berggruen, actualmente en depósito en la National Gallery de Londres.

7.11.25

Dibujos de Pablo Picasso.


Vamos a ver arriba una obra del año 1920, de Pablo Picasso, que titulada "La violación" es un dibujo a la tempera y pintado sobre madera. Es de un tamaño algo superior a un A4 y pertenece a la Colección Goodwin. Vemos cuatro figuras bien diferenciadas, contando una historia al completo.

Os los traigo para plantear como Arte Mayor el dibujo o la pintura con materiales que muchas veces asemejamos más con los bocetos, pero que bien trabajados logran unos resultados espectaculares. O al menos os los dejo para reflexionar sobre hasta dónde puede llegar el dibujo con sus trabajos.

Abajo vemos otra obra del mismo artista, con el mismo título "La Violación" y similar modo de tratar el tema que Picasso trabajó en varias de sus obras, y como podemos ver, la forma es totalmente diferente. Esta obra de abajo es del año 1931, posterior a la primera.




2.11.25

Puerta de una vivienda de Uzbekistán


Es una puerta uzbeka, claramente con una decoración islámica y por ello muy antigua aunque sobreviva en la actualidad en el país de Uzbekistán. Esta puerta, totalmente artística sin duda, tendría un precio muy especial en occidente pero allí está simplemente cerrando una casa de adobe. 

El Arte no está siempre, bien distribuido, pero a su vez, es una puerta de ellos y tienen todo el derecho para ahcer lo que les de la gana, pues sigue siendo útil para su vivienda.

30.10.25

Cuentas personales, pero sin saldos reales

Las cuentas personales no siempre son números, incluso a veces no son ni personales sino una mochila que va aumentando y cada vez pesa más. 

Tampoco todas las cuentas personales tienen haber, ni debe. Son apuntes en el libro de la memoria personal. 

Pasamos, pasan, nos vemos, los vemos, nos ven. Y todos nos apuntamos en el libro de la memoria de todos nosotros. Unos en un espacio y otros en otro.

Hay saldos duraderos, saldos efímeros, saldos que pasan desapercibidos pero se quedan…, y hay saldos finales. 

La suma de todos ellos, somos nosotros, es la mochila. 

¿Y si los metemos en una bolsa de basura y los tiramos al cubo? ¿Por seguir jugando con los recuerdos o los no recuerdos?

Arte Moderno con plástico. Greedo como Arte


Esto es Arte, aunque a una parte de la sociedad le confunda esta adjudicación. Pero es Arte. El personajes de Greedo es conocido por su confrontación con Han Solo en la cantina de Mos Eisley en la película Star Wars. Sobre todo en el episodio IV: Una nueva esperanza. 

Lo acepto, si se han creado dos mil ejemplares, ya no es Arte sino artesanía.

Era un cazarrecompensas de poca monta que trabajaba para Jabba el Hutt en el planeta Tatooine. Greedo era de la especie Rodian, caracterizada por tener un hocico parecido al de un tapir, ojos saltones y piel verde azulado o azul cían.

El Arte hoy ocupa muchos espacios diferentes y amplios, como es lógico, y eso logra que se trabaje ya con muy diversos materiales, por ejemplo el plástico, a la hora de crear esculturas.

Pero cada vez más, veremos materiales menos nobles que el mármol, pues la tendencia es ir hacia un Arte efímero en el tiempo, con menos valor contable, y más valor de su tiempo. Si queremos que el Arte entre en las nuevas generaciones, hay que crear también con los idiomas de las nuevas generaciones. Y digo TAMBIÉN, nunca digo "solo".

28.10.25

El columpio de Goya de 1787


La obra: El Columpio, de Francisco de Goya, y que vemos arriba como diversión campestre, ya fue tratado por el pintor aragonés en otra obra, un cartón para tapiz que realizó anteriormente a este, en el año 1779, para el ante dormitorio de los príncipes de Asturias en el palacio de El Pardo. 

En esta obra que vemos arriba, vuelve sobre el mismo tema desde otro punto de vista, prestando especial atención al entorno paisajístico, que domina el lienzo, reduciendo las figuras a un tamaño menor. 

Pintado en 1787 es de una colección particular, hasta que fue robado en el año 2001 y recuperado un año después. Tiene un metro de anchura y pintado al óleo sobre lienzo.

Goya dice de la obra: Columpiando á una jitana y otras dos sentadas mirando y tocando una guitarra, con su país correspondiente"

Ese país del que habla Goya serían las inmediaciones de la finca "El Capricho", donde unos árboles sirven a estos personajes para amarrar las cuerdas del improvisado columpio sobre el que se balancea una bella muchacha. 

Alguien ha querido ver en esta joven el retrato de la misma duquesa de Osuna que fue quien encargó la obra. No es una gitana.

A menudo las gentes de clase alta gustaban vestirse con los trajes populares de majos y majas, y lo más probable es que eso sea lo que el pintor representó aquí. 

Es un ejemplo de las diversiones que los invitados de los Osuna podían disfrutar si visitaban la finca de estos nobles y mecenas de Goya llamada El Capricho.


27.10.25

Mariano Salvador Maella, pintor y dibujante


Del pintor valenciano Mariano Salvador Maella Pérez os dejo una Inmaculada Concepción que sirvió como primer ejercicio abocetado para una obra final más grande. 

Podemos ver sus brochazos gruesos para bien dirigidos, que configuran las formas con una escuela muy similar a la de Francisco de Goya, con el que coincidió en el tiempo y como pintor de cámara en Madrid, pues era considerado el más claro competidor en calidad con Francisco Bayeu.

Y después vemos un dibujo hecho también por 
Mariano Salvador Maella, con pincel, pluma, tinta y aguadas grises, una Inmaculada Concepción sobre nubes, recibe de España, representada por una matrona coronada, el collar de la orden de Carlos hecho en 1973.



22.10.25

Wandjina. El Arte Rupestre de los Espíritus de la Lluvia en Australia


El arte rupestre de los Wandjina, originario de la región de Kimberley en Australia Occidental, es una de las tradiciones artísticas sagradas más antiguas y continuas del mundo. Con una antigüedad estimada de hasta 4.000 años, estas pinturas representan a los poderosos espíritus de la lluvia y las nubes, figuras centrales en la cosmología de los pueblos aborígenes de la zona. Su aparición coincide con el fin de una sequía milenaria, dando paso a un clima más húmedo regido por monzones regulares.

Significado y Poder Creador

Para las culturas locales, los Wandjina son mucho más que simples espíritus; son vistos como los auténticos creadores de la tierra, el paisaje y sus gentes. Representan un pilar fundamental de sus creencias religiosas y su conexión espiritual con el territorio. El espíritu de la Creación y la Lluvia del Wandjina está ampliamente documentado en los yacimientos de arte rupestre de Kimberley, considerados uno de los enclaves de arte rupestre más importantes del planeta.

Por sus formas gráficas, a veces se han querido entender como figuras que habían sido o llegado desde otros planetas, gentes representadas con signos extraterrestres cuando la explicación es mucho más sencilla. Son representaciones de seres espirituales, que incluso en algunos casos son similares en detalles, con figuras religiosas más actuales. Coronas, aureolas, mandorlas o nimbos en forma de rayos.

Iconografía: ¿Cómo se Representan los Wandjina?

Las pinturas de Wandjina poseen un estilo visual único e inconfundible. Aunque pueden representarse en solitario o en grupo, en posición vertical u horizontal según la forma de la roca, comparten una serie de características comunes:

Paleta de colores: Utilizan principalmente negro, rojo y amarillo sobre un impactante fondo blanco.

Figuras sin boca: El rasgo más distintivo es la ausencia de boca en sus grandes cabezas. Existen dos explicaciones para ello: se cree que son tan poderosos que no necesitan hablar y, por otro lado, que si tuvieran boca, la lluvia nunca cesaría de caer desde las nubes.

Grandes ojos y nariz: Sus rostros muestran siempre grandes ojos negros y una nariz, dominando la composición de la cabeza.

Aureola de poder: Alrededor de sus cabezas se dibujan líneas o bloques de color que simbolizan aureolas o halos de energía, representando relámpagos y poder espiritual.

Figuras asociadas: A menudo se les representa junto a otras figuras importantes de su mitología, como la Serpiente Arco Iris o representaciones de ñames y otros elementos de la naturaleza.
Una Tradición Viva: El Repintado y la Continuidad Cultural

Lejos de ser una reliquia del pasado, el arte Wandjina es una tradición viva y activa. Se cree todavía que las pinturas conservan el poder de los espíritus y deben ser tratadas con el máximo respeto.

Los miembros de la comunidad aborigen de Mowanjum son los custodios de esta tradición. Periódicamente, vuelven a pintar las imágenes en lugares específicamente preparados para ello, con el fin de asegurar la continuidad de la presencia y el poder de Wandjina. Este ritual, que suele realizarse anualmente entre diciembre y enero, se considera fundamental para garantizar la llegada de las lluvias monzónicas.

Esta práctica de repintado ha sido tan constante a lo largo de los siglos que algunos yacimientos presentan capas de pintura de una enorme profundidad, con estudios que han llegado a identificar más de 40 capas superpuestas en un mismo lugar.

19.10.25

Retrato de la marquesa de San Andrés de Parma, de Goya


Los historiadores de Arte de la Universidad de Zaragoza, Arturo Ansón y Javier Martínez Molina, han presentado un trabajo de investigación en donde muestran cuatro obras de Goya que son inéditas. Un cuadro y tres dibujos.

La pintura, que vemos arriba, muestra a María de la Josefa Pescatori y Díaz de Lavandero, y se tituló la obra: Retrato de la marquesa de San Andrés de Parma. Un cuadro que se encuentra en París, en manos de un particular y que se habría subastado en el año 1912.

La obra está firmada, parece hecha en 1790 y cuando se subastó ya se indicaba que era una obra de Francisco de Goya.

18.10.25

Huguette Caland y su: Una vida en pocas líneas


La artista libanesa Huguette Caland nació en Beirut, en el año 1931y fue una pintora, escultora y diseñadora libanesa, asentada en París 17 años y en Los Ángeles. Huguette Caland está considerada como una de las artistas más importantes del Oriente Medio contemporáneo.

A principios de 2025 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid organiza la primera gran retrospectiva de Huguette Caland en Europa, titulada: Una vida en pocas líneas, con cerca de 300 dibujos, pinturas, esculturas y trabajos en otros medios, de la que es la imagen que vemos arriba.

En su viaje por su mundo, Huguette Caland entró en contacto, por ejemplo, con las tensiones políticas de Beirut, el liberalismo utópico de París y con la decadencia bohemia de Venice Beach. Toda esa relación que existe entre la creación artística y el paisaje global y social en evolución que experimentan las personas que no tiene un lugar de asentamiento fijo, se observa en sus obras.

La exposición también destacó los lenguajes visuales y escritos de Caland, donde cuerpos, palabras y otras formas parecen dialogar y fusionarse para formar mensajes nuevos inaccesibles al idioma común. Se enriquece la comprensión de las conocidas pinturas y dibujos eróticos de Caland; sus trabajos dedicados a la exploración de la libertad, la conexión, la ruptura y la transformación a través de la mirada de la artista en su relación con sus ambientes, son sus personas.

Resulta fundamental no perder de vista este carácter mutante, híbrido y de frontera en sus trabajos, especialmente en un momento en que este parece haberse hecho legible para públicos e instituciones de todo el mundo.

17.10.25

Nature morte à la guitare de Pablo Picasso


La obra de Pablo Picasso que se titula: Naturaleza muerta con guitarra, representa la historia misteriosa y absurda de robo de un cuadro que da para una película de éxito.

Finalmente tras unas semanas desaparecido, lo tenía envuelto y sin abrir una portera de un edificio cercano, pensando que era un espejo que lo habían abandonado.

La historia de este cuadro de Picasso, desaparecido en un traslado hacia una exposición y que mide sólo 10 cm de anchura es un ejemplo de cómo la ficción bebe de la realidad que hacemos todos sin darnos cuenta. Es un gouache con mina de plomo sobre papel de un tamaño un poco menor a un A6.

Esta obra, pintada en el año 1919 y de tamaño muy pequeño, es una obra cubista que iba a ser expuesta en Fundación CajaGranada. Un llamado Cubismo Sintético, un periodo en el que Picasso da más color y claridad a sus pinturas.

¿Su valor? ¿Su valor o su precio? Pues sin duda su precio si se vendiera, habrá subido bastante, incluso sabiendo que era hasta este momento, una obra bastante desconocida de Picasso.



16.10.25

Qué es el llamado Arte Experimental y de qué manera se podría definir?


Llevo unas semanas presentando algunas obras en otro blog que tengo con fotografías o imágenes mías, a las que de alguna manera adjetivo como obras de Arte Experimental. Y en serio, tengo serias dudas sobre este apellido e incluso sobre ellas mismas.

El arte experimental puede definirse como una categoría de prácticas artísticas que buscan romper con los límites convencionales de la creación y la percepción del arte, explorando nuevas formas de expresión, materiales, técnicas y formatos que desafían el entendimiento tradicional de lo que el arte "debe ser".​ Diríamos que lo primero que nos preguntamos ante el Arte Experimental, que es muy amplio, sería: ¿Esto es Arte?

¿Qué es el llamado Arte Experimental y de qué manera se podría definir?. Veamos sus características Fundamentales.

El arte experimental se caracteriza por varios aspectos distintivos:

1. Ruptura con la tradición: Su esencia radica en cuestionar y superar las convenciones académicas establecidas, tanto en técnicas como en conceptos. No se conforma con seguir pautas preestablecidas, sino que se atreve a explorar opciones creativas radicales.​ Esto supone que la ruptura con lo establecido puede ser mucho o poco, total o sutil.

2. Proceso sobre objeto: A diferencia del arte tradicional, donde el valor reside en el objeto final (cuadro, escultura), el arte experimental enfatiza la experiencia, el proceso creativo y la idea por encima del soporte material. Su carácter "efímero" lo libera de atavismos capitalistas y académicos.​ No es un Arte para Vender, sino para disfrutar un tiempo.

3. Exploración de materiales y técnicas: Los artistas experimentales utilizan materiales poco convencionales —desde objetos del entorno (que no tienen valor y a veces pueden ser incluso basuras o desechos) hasta nuevas tecnologías y técnicas innovadoras. Pueden trabajar con materiales reciclados, luz, sonido, elementos orgánicos o incluso prescindiendo del objeto físico.

4. Interactividad y participación: La obra experimental busca una relación dinámica con el espectador, cuya experiencia y participación activa son fundamentales para la realización de la obra. Desplaza el interés del objeto hacia la experiencia comunitaria.​ Esto sucede en casi todas las obras de Arte. Un Grito o una frase en una pared podría ser Arte Experimental.

5. Búsqueda constante: El arte experimental es un proceso de investigación permanente que no se estabiliza en convenciones o códigos visuales fijos. Cada propuesta es una indagación que abre nuevas posibilidades expresivas. No deja de experimental, no debe de avolucionar, de querer seguir siendo Arte Experimental.