Aprendamos a ver el arte, observando

El ARTE muchas veces es tan solo querer ver, observar lo que nos rodea y verlo. A veces incluso es simplemente atreverte a ver, a adivinar o a imaginarte lo que quieras imaginarte.

Tenemos que aprender a mirar mejor todo lo que nos rodea, para disfrutar de lo que nos envuelve, de nuestro entorno, observando de forma diferente.

Hay que mirar con más atención, con una cierta curiosidad de querer adivinar qué se nos quiere decir. Intentar dialogar con ella para saber qué nos quiere explicar, provocar, mostrar.

En la comunicación gráfica, no todo tienen que ser letras reconocibles, signos habituales, palabras que nos resultan fáciles de descifrar. 

Por eso hay que aprender a descifrar lo que nos revelan los signos artísticos que se crean para contemplarlos, pero también para comunicarnos sensaciones.

Veamos en cualquier obra extraña su forma, su color, su superficie o textura, su tamaño dentro del espacio, el lugar donde está colocado dentro de todo el lienzo, la apariencia que tiene en relación a lo que está a su alrededor.

El mismo signo nos puede provocar sensaciones diferentes según las personas que lo observamos. Pero curiosamente, también sensaciones distintas según el día que la misma persona observa el conjunto. 

No hay que buscar nada más en el ARTE, es tan simple como una forma de comunicar sensaciones, que a veces resultar agradables y otras violentas o feas. 

No siempre tenemos la obligación de entender lo que se intenta decir. Hay decenas de idiomas diferentes y tan solo entendemos algunos de ellos. 

Y es posible que una obra no quiera decir NADA de nada, que simplemente sea un elemento que intentó ser agradable y que ha llegado hasta nosotros.

Nota.: La obra que vemos es del artista Daniel Bagnos

La arteterapia para curar y es divertida

Quien nos intente convencer de que la arteterapia cura el alma o cura enfermedades del espíritu por sí misma, como si fuera una medicación sencilla, está de alguna manera ampliando sus beneficios reales, que aunque son muchos no son tantos, como también sucede con la música o la relajación, o a través de otros medios ajenos al arte de construir imágenes. 

Pero sí es cierto que el Arte en general ayuda a entender la vida de otra forma, pues amplía nuestras miradas hacia lo bello, incluso hacia lo feo, abstracto, duro, provocativo, pero sin duda obligándonos a mirar de otra forma lo que nos rodea, lo que nos convierte en más exigentes con todo (o al contrario) y en perder esa exigencia excesiva hacia nosotros mismos. 

Para desarrollar la Arteterapia solo se necesita comprar un instrumental básico y ponernos a dibujar o pintar. Yo recomendaría empezar por aquellos elementos que tienen además un componente de “tocar” el color, elementos lo más naturales posibles. Sin olvidarnos del papel del barro y le cerámica.

 

Hacerlo en una academia está muy bien. Ayudarse de una persona que haga terapia contigo, también funciona mejor. Eso lo debes elegir tú. Pero lo importante es la actividad del arte. De practicar y de ver, de observar y analizar. De tocar el color (la materia) con las manos o con los ojos.

Como en toda técnica de dibujo o pintura, el carboncillo es fabuloso para aprender a dibujar, a crear sombras y modular los volúmenes, y además nos encaja perfectamente en la Arteterapia, pues nos obliga a terminar difuminando con los dedos, a emplear las manos como herramientas, pues también llevamos el propio carboncillo entre las manos. Nos ayuda a mancharnos, lo cual es también un buen ejercicio.

Este “tocar” los elementos, nos ayudará a liberarnos del estrés, a notar un beneficio psicológico por la relajación que produce, pero simplemente por estar empleando elementos tan naturales como color y manos. 

Carbón en este caso. Estamos controlando nosotros la creación de luces y sombras, y lo hacemos con los dedos, con la vista, con la palma de la mano, con trapos. Con el barro es una sensación muy similar.

Parecido beneficio tendremos con las acuarelas, que nos obligan a “jugar” con el agua, a emplear un elemento tan simple, que al mezclarse con las anilinas o con los colores diversos, logramos diferentes tonalidades en basto, en bruto, con las que simplemente añadiremos manchas al papel. 

Estaremos desarrollando habilidades de nuestras propias manos, que además servirán para relacionarnos con los demás, a través de la contemplación o de la muestra.

Y si quieres implicarte en otra técnica, como apuntaba antes el modelado de barro es también fabuloso. Volvemos a las técnicas más naturales. Carbón, barro, agua, color, papel, madera. 

Son técnicas ancestrales, que ya empleaban los primitivos. Son técnicas además que siguen empleando con destreza los niños. 

Ensuciarse, manchar papeles, tirar y romper, seleccionar, elegir, conservar. Pegar trozos, hacer collage, adivinar qué es cada parte de un todo.

Simplemente estás “jugando” con tu mirada particular, con tu forma de ver los objetos, los colores, las formas, las sombras, los diversos puntos de vista de un mismo objeto. 

No te preocupes si piensas que eras adulto. Es solo por un tiempo. Luego dejarás de serlo, ya lo verás. Y volverás a ser aburrido.

Y recuerda que lo de menos es que quede bien, que además quedará bien. 

Lo demás es divertirse, tocar, mancharse, oler, convertirse en ese niño que a veces nos han prohibido con academicismos que coartan. El arte es precisamente eso, divertirse creando. Si un artista no se divierte con su obra, nunca la continúa.

Salvador Dalí y Sigmund Freud. Unidos por su complejidad

Para Salvador Dalí, el médico neurólogo Sigmund Freud daba sentido y explicación a su propia personalidad compleja. A través de su forma de entender la psicología, Dalí comprende sus propias fantasías, miedos, deseos, frustraciones. 

Y Sigmund Freud lo anima a transformarlas en imágenes que han pasado a formar parte de nuestro patrimonio artístico, en casi una suma muy personal de personajes que mostrando sus fobias, miedos y traumas que se originan desde su infancia, construye un mundo paralelo y fabuloso.

Liberados de sus dudas sobre Dalí, los propios surrealistas franceses acogen al español en sus reuniones parisinas. Tiene un universo visual maduro, llena sus obras de paisajes con alucinaciones psicóticas y personajes con delirios poco normales, y además Dalí quiere desarrollar su propia teoría en torno al subconsciente.

Arriba vemos un dibujo de Dalí a Sigmund Freud y abajo la obra de Dalí: Metamorfosis de Narciso pintado en el año 1937 y con la que hizo entrada en Londres, para que la observara Freud.

Neocubismo de Salvador Dalí

El Salvador Dalí adentrándose en el surrealismo y tras un periodo de pintor figurativo fue trabajando el cubismo de aquellos años 20 del siglo XX, que crecía buscando nuevas formas de expresión. Un neocubismo que iniciaba entonces su andadura y que continua en el siglo XXI transformándose.

Esta obra la realizó Salvador Dalí en el año 1926, cuando tenía 22 años de edad. La tituló "Composición con tres figuras" y es un claro ejemplo de aquellos trabajos neocubista de la época. Un cuadro de dos metros de altura al óleo sobre lienzo.

Se encuentra en el excelente Museo del Monasterio de Monserrat. Hace dos años estivo expuesta en la ciudad de Viena en una exposición en donde trabajaban conjuntamente la visión o mirada de Salvador Dalí y de Sigmund Freud. O mejor explicado, la influencia de Freud en la obra de Dalí.

Arte Urbano y Publicidad para Kill Bill

La persona que se encargó de la campaña de marketing de las películas 'Kill Bill', sabía perfectamente lo que deseaba hacer, y su campaña de publicidad exterior que se usó para promocionar la película dirigida por Quentin Tarantino, supo plasmar sus características sangrientas y agresivas a través de vallas publicitarias en la calle, en ascensores y baños públicos.

La sangre del cartel no es real, lógico, y la escena tampoco pues los coches era parte del anuncio, y en este caso en la ciudad de Auckland en Nueva Zelanda no se manchó ninguno para la publicidad. Pero este anuncio para televisión impactó.

El Arte y sobre todo en Publicidad, juega con engañarnos como sucede en el cine o en la literatura. No se trata de que sea verdad, sino de que lo parezca y nos provoque. Hablamos de una obra de arte urbano de 2003.

Un Salvador Dalí diferente. Dibujo

Todos los que viajamos por estas páginas, por este pequeñito museo de arte, reconocemos la obra de Salvador Dalí. Sus obras conocidas o no tiene una personalidad muy propia, su surrealismo es diferente a otros surrealismos de las mismas fechas. 

Pero Salvador Dalí no siempre pintó con obras grandes surrealistas. Antes se adentró por la pintura y el dibujo figurativo, como en esta obra de muy joven.

Se pintó (dibujó) en el año 1923 con 19 años de edad, y la tituló "Pareja" en donde vemos un boceto de una pareja de dos figuras, femenina y masculina, sentados en un banco. Eran tiempos en los que las hojas de papel se utilizaban por las dos caras, a veces incluso se hacían varios bocetos en cada hoja, pues no había un exceso de posibilidades.

Si observamos las posiciones de las manos o incluso la mirada de la figura masculina, podremos intuir que ya en Dalí sus formas expresarse nos querían decir cosas.

La obra se encuentra en el Museo de Monserrat.

Esgrafiado artístico catalán en Barcelona

En las fachadas de los edificios también se puede intentar realizar Arte que convierta en diferente un edificio, y sin la ayuda de la Arquitectura Artística que puede resultar más cara, pues requiere de arquitectos consagrados. 

Son los llamados esgrafiados, grabados sobre el revoco de la fallado.

En Cataluña es muy habitual ver en sus comarcas más del norte e interiores, obras en las fachadas con este tipo de intervenciones, como grabados estucados en relieve con marcas o símbolos a veces familiares o simplemente para embellecer el edificio.

El esgrafiado tiene origen en los albores de la Civilización. Es un tipo de grabado decorativo que hoy se realiza sobre el revoco durante su inicio de fraguado. Se puede realizar a uno o varios colores y se proyectan los dibujos en el muro, mediante plantillas o estarcidos.

En España ha habido mucha tradición mudejar en los revestimientos de fachadas, si bien la tradición italiana es la que más ha influenciado en los esgrafiados de cal. Se realizan tradicionalmente con motivos geométricos o los florales. Pero muchas veces son también indicativos de la familia o de los oficios del lugar.

Barcelona tiene una fuerte tradición en la ejecución de técnicas de esgrafiado de más de dos siglos, y culmina con los diseños de la época Noucentista, que todavia adornan las fachadas por todos los edificios al L´Eixample.

David Bueno nos habla del Arte con propósito

¿Qué entiende por arte el profesor David Bueno?

Un acto creativo, simbólico y flexible, y con un propósito.

¿Qué propósito?

Contar, conmocionar, emocionar. Desde niños. Si el niño sube a los árboles y juega es Arte y Formación o Aprendizaje. ¡Está creando!, ¡Altamente formativo! La educación, hasta los ocho años, debiera primar juegos, motricidad, artes: música, dibujo, poesía… En el cerebro infantil las neuronas son más plásticas que nunca al establecer conexiones, de modo que los juegos, los movimientos y el arte intensifican esas conexiones para futuros aprendizajes. El niño que pinta o dibuja ganará facilidad para aprender cualquier cosa: sea matemáticas, lenguaje, empatía o habilidades sociales y comunicativas.

Hoy está preocupándonos mucho a todos la salud mental.

Un consejo: ¡ponte a crear! Crear lo que sea es lo que apuntala tu salud mental.

David Bueno. Catedrático de Neuroeducación, Premio Josep Pla 2025

Nota.: Entrevista en La Vanguardia mayo 2025

Goya y el IX Duque de Osuna, Pedro Téllez Girón

Francisco de Goya además de un tremendo artista y visionario de sus tiempos, fue un trabajador incansable en múltiples facetas artísticas a lo largo de su vida. No hay un Goya sino varios.

Hoy os dejo un retrato del Duque de Osuna, Pedro Téllez Girón, el IX Duque de Osuna a cuya familia le hizo varias obras por encargo, un Goya que en esos años se dedicaba precisamente a las obras particulares que eran en realidad trabajos como si de un estudio fotográfico se tratara.

Esta obra pintada sobre 1799 (hay dudas sobre la fecha pues en algunos casos incluso la colocan después de la muerte del retratado) y de algo más de un metro de altura, al óleo sobre lienzo, viene firmada en el papel que el protagonista sujeta en la mano. 

El Duque de Osuna era un hombre de gran influencia en aquel Madrid que se movía entre la incapacidad política y el crecimiento de las Artes.

Es una de las pocas obras de Goya en las que el retratado mira de perfil, no de frente, pero en la que se sigue trabajando esa facilidad que tenía Goya de presentarnos con su pintura los rasgos de la personalidad de sus clientes. 

En este caso ambos se conocían bien, era una relación amplia entre los dos pues el Duque le había encargado antes casi una treintena de obras diversas.

Es una obra para su uso particular y familiar (una de las grandes familias de la España del siglo XVIII), que representa lo que había sido la casa de Osuna desde tiempos pretéritos:una familia que representaba la seguridad, el mando y la decisión política. 

Por eso se refleja en el cuadro a Pedro Téllez como un hombre que tiene poder, con un bastón que lo simboliza y una mirada llena de seguridad en sí mismo.

Boceto para El Lotus Azul de Tintín, por Hergé

Este es uno de los bocetos que el dibujante e historietista belga Georges Remi (más conocido desde 1924 como Hergé) hizo como documentación para su libro "Le Lotus Blue" o El Loto Azul en castellano, una recopilación de historietas que fue publicando en el suplemento infantil Le Petit Vingtième desde el verano del año 1934. Las primeras aventuras de Tintín nacieron en el año 1929 cuando Hergé tenía 22 años.

Aquellas páginas, dos cada semana se volvieron a reimprimir con correcciones y a color, pues las primeras eran en blanco y negro, ya en el año 1946 por le Editorial Casteman. Con posterioridad la propia editorial ha realizado diversas reediciones incluyendo en algunas de ellas historias de otros personajes también creados por Hergé.

El álbum El Loto Azul, está considerado por los especialistas en su obra como un trabajo de transición entre el Tintín primitivo de las tres primeras historietas y el notable cambio que representará El Loto Azul y que mantuvo ya en los trabajos siguientes.

Hergé realizo un gran trabajo de documentación para toda la historia que refleja en este libro, acerca de aquella China de principios del siglo XX, con la intención de ambientar adecuadamente la continuación de la historia.

Intentó huir de la visión estereotipada de aquella China que intentaba crecer en todo los aspectos incluidos los religiosos, y muy poco conocida en Europa, para intentar reflejar más acertadamente lo que ya por entonces era un país que despertaba gran interés en todo el mundo occidental.

Cuando Hergé se disponía a recopilar documentación sobre China, contactó con él el padre Gosset, capellán de un grupo de estudiantes chinos de la Universidad Católica de Lovaina en Bélgica. 

El sacerdote, que había seguido la obra anterior del dibujante, le pidió que intentara describir de forma apropiada a China, que se documentara muy bien de la actual realidad para que sus estudiantes, grandes seguidores de Tintín, no se sintieran decepcionados por la repetición de la visión equivocada que desde Europa se tenía de China.

Hergé le hizo caso, habló con muy diversas personas que tenían relación con China, leyó obras de la época, hizo muchos bocetos para sin salirse de su estilo poder reflejar bien el país y que fuera fácilmente entendible por los niños belgas, y cambio sus formas de dibujar ganado todos una excelente saga de un personaje que se hizo famoso en todo el mundo.

La fragua de Francisco de Goya

Este cuadro lo pintó Francisco de Goya al óleo sobre lienzo entre los años 1815 y 1820, no hay seguridad en la fecha.  Es ya un Goya artista mayor, en sus últimos años de trabajo en pintura de gran tamaño, pues esta tiene 182 centímetros de altura.

Es una escena de taller en la que vemos a tres hombres trabajando en la fragua, que da título a la obra como "La Forja" o "La Fragua". Están los personajes agrupados alrededor del lugar de trabajo para golpear el hierro candente. 

Uno de ellos queda de espaldas al espectador, con los brazos en alto blandiendo un martillo y dispuesto a golpear la chapa al rojo vivo sobre el yunque.

Hay un segundo hombre que está de frente con gesto de fuerza, y un tercero ya mayor que los otros dos y que casi no se ve, que parece realizar una labor que requiere menor esfuerzo físico, como sujetar algo. 

La pose de sus cuerpos en tensión y los movimientos violentos incluso de las ropas otorgan a la escena un gran realismo.

Existe un dibujo del Álbum F que repite la misma composición y que podría haber sido realizado como un apunte del natural. Los atuendos de los trabajadores contribuyen a aumentar el dramatismo dejando ver sus brazos musculosos y el pecho al descubierto, señal del calor asfixiante que conlleva este tipo de trabajo.

La paleta de tonos y colores que Goya empleó en esta obra es bastante oscura. El uso del color negro y de colores terrosos muy oscuros y posiblemente ya sacados directamente del recipiente y sin mezclar, adelanta ya el período artístico de los últimos años de Goya.

Es una obra que se encuentra en la The Frick Collection de Nueva York, recientemente abierta de nuevo al público.

Bebedores delante de la chimenea de 1660

Esta obra realizada sobre 1660 se tituló "Bebedores delante de la chimenea" y es atribuida al pintor alemán Hendrik van der Burgh.

Es un óleo sobre lienzo de78 centímetros de altura de la colección Frick que se encuentra en New York.

Sobre todo es una fotografía, una imagen de un tiempo, un retrato de un momento, con su ambiente, sus trajes, sus modos de estar.

Pintar acrílico sobre madera. Consejos sobre la madera como soporte del acrílico

El acrílico como medio o pintura, no es ni mucho menos lo mismo que el óleo en cuanto a técnica, y hay que aprender y sobre todo practicar. Es un aviso para quienes ya dominan el óleo y desean conocer nuevas técnicas. Cada modelo de pintura tiene sus ventajas y sus pequeños inconvenientes.

Las veladuras, las mezclas, los difuminados, la técnica en húmedo, son temas que hay que volver a dominar pues son formas y posibilidades muy diferentes en el acrílico.

Pero sobre todo —y si no se compran pinturas de calidad mucho más— el color cambia ligeramente al secarse y luego otra vez al barnizarse, más cambios de los que tenemos con las técnicas de óleo. Pero esto no nos debe hacer pensar nada en negativo.

El proveedor al que le compres los materiales te informará bien de todo esto y te aconsejará según para qué desees cada material. Y si no lo hace bien, cambia de proveedor. Pero normalmente en las Tiendas de Bellas Artes dominan muy bien los productos.

Si vamos a pintar sobre tablas, sobre maderas, el conglomerado es el material mejor para ello. E incluso en muchos casos el más barato y el que mejor se presta a tamaños muy diversos, a gusto del creador. El problemas podría ser la humedad, pero a cambio tiene la gran ventaja del precio.

Eso si, hay que tener en cuenta de darle una buena capa de imprimación (se comprar en la misma tienda que las pinturas y allí os darán a elegir varios tipos, según la técnica empleada) para que la pintura se asiente sobre una base de calidad.

Y además hay que dar imprimación o pintura de la que os sobre, tanto en todos los cantos de la madera como en su trasera, para evitar que la humedad pueda afectar con el paso del tiempo a la obra. 

No entrarán nunca bichos si es conglomerado, pero la humedad es un serio problema.

La madera (conglomerado) tiene sus ventajas sobre todo en cuadros de cierto peso o con una carga de pintura importante. 

Y sin duda, para obras en donde hagamos collage con otros materiales, pues una posibilidad del acrílico es poder añadir y pegar elementos (¿extraños?) a la obra, en su creación y terminación.

Nada como explorar y probar con nuevas bases, y sobre todo trabajar pensando en los años posteriores. El acrílico permite tonos brillantes, mates, pero también metalizados, que incluso mantienen ese metalizado tras ser mezclados ligeramente con otros colores para matizarlos.

Las obras tienen la obligación de durar. O no. Pero sobre todo deben conseguir que al finalizarlas nos gusten a nosotros.

Te añado algo más de información sobre la imprimación de la madera.

Para preparar una madera de conglomerado (como DM, aglomerado o contrachapado) y antes de pintar con acrílico, es fundamental aplicar una capa de imprimación adecuada que selle la superficie, mejore la adherencia y evite que la pintura sea absorbida de forma desigual. Es mucho más sencillo pintar sobre una base ya preparada, y además puede ser ya una base con algún tono según quieras empezar sobre una base blanca o de color.

PRIMERO:

Lijado y limpieza:

Lija suavemente la superficie para eliminar asperezas y limpia bien el polvo y la suciedad.

Imprimación acrílica o gesso:

Aplica una imprimación acrílica universal o, preferiblemente, gesso acrílico específico para bellas artes. El gesso es ideal porque sella el poro, proporciona una base blanca y mejora la adherencia y durabilidad de la pintura acrílica. Si la madera es muy absorbente, puedes dar primero una capa fina de aglutinante acrílico para cerrar el poro, y luego aplicar una o dos capas de gesso.

Aplicación:

Extiende el gesso o la imprimación con brocha, rodillo o espátula, en capas finas y uniformes. Deja secar cada capa y, si quieres una superficie más lisa, lija suavemente entre capa y capa. Aplica al menos dos capas para asegurar un buen sellado y superficie de trabajo. Una capa en cada dirección: horizontal y vertical.

Secado:

Deja secar completamente antes de empezar a pintar con acrílicos.

RESUMEN DEL PROCESO:

Producto recomendado: 

Gesso acrílico o imprimación acrílica universal para madera.

Capas: 

Al menos dos, dejando secar y lijando entre ellas si quieres una superficie lisa.

Objetivo: 

Sellar el poro y crear una base uniforme y adherente para la pintura acrílica.

Con este proceso, tu soporte de conglomerado estará perfectamente preparado para pintar en acrílico y garantizará la durabilidad y el buen acabado de tu obra, y además tus colores cambiarán menos de intensidad, brillo o tono.

Tú también eres creativo y lo sabes

"Descubre tu perfil creativo 

y comparte tus ideas 

sobre la creatividad"

Si estás aquí, leyendo esto, pero si además tienes inquietudes de cualquier tipo, eres o puedes ser un creativo.

Simplemente es sacar tus ganas de comunicar, o si no te atreves, es también observar lo que comunican otros y atreverte.

Las castas en la India viven y mueren entre basuras

El 55% de las personas que viven en la India lo hacen en barrios deprimidos como este de la imagen. 

Un país que está creciendo económicamente, pero que es incapaz de lograr repartir con justicia social esos cambios que se producen en las grandes ciudades, manteniendo castas de pobres obligados de nacimiento a vivir entre basuras.

Mientras que en el resto del mundo la media de la población urbana asentada en barrios marginales está en el 33%, en India alcanza el 55%; más de la mitad.

La imagen la publicó El País en el año 2015 y es de la fotógrafa Vanessa Escuer. Se ha mejorado algo, pero no lo suficiente para salir de estos barrios.

Cruz de Término en Aragón

Este es un fragmento de una Cruz de Término del siglo XV, realizada en arenisca tallada, una de esas cruces que se ponían en las entradas de las localidades para que los que entraban rezaran antes o incluso se confesaran y pudieran entrar limpios de pecados.

Se llamaban y se llaman Cruz de Término, Cruz de Humilladero, Peirones o Cruceros y a veces están rodeadas de algunas escalinatas a modo de grada, para poder rezar sentado. También es posible que sean la entrada a un clásico humilladero que es una pequeñita ermita o santuco en donde se ora a determinados patrones de la zona.

Suelen tener una Cruz, una Virgen, algunas imágenes de los santos de la localidad, en una cara, en dos caras o como muchos peirones de Aragón, en los cuatro lados de una columna.

Se ponían en camino para descansar rezando, en las zonas de entrada a monasterios o ermitas, en los finales de los caminos que conducían a localidades, etc.

También se utilizaban para invocar a Santos en fechas señaladas, para pedir rogativas diversas, como guías de los caminos indicando en los cruces hacia dónde había que ir, etc.

Grabado luterano del siglo XVI. Quemando a santos

Este que vemos arriba es un grabado luterano del siglo XVI que está en la Biblioteca de Artes Decorativas de París. Es una ilustración que nos muestra el Himno de Martín Lutero pidiendo la ayuda de Dios contra la obra mortífera del Papa católico.

El Arte lo hemos ido utilizando cuando no había otros medios de comunicación o de presión, o incuso de manipulación, para explicar ideas e ideologías. Fueran políticas o religiosas.

Los Principios del Luteranismo son:

 La Biblia es la única fuente de autoridad en asuntos de fe y doctrina, es el fundamento de la fe luterana, interpretada a través de principios bíblicos.

 La salvación se alcanza únicamente por la fe en Jesucristo, no por obras que se hacen en vida.

 La salvación es un regalo de Dios, una gracia inmerecida. Toda la gloria y el honor deben ser dados a Dios y no es algo que se pueda ganar o merecer. .

 Jesucristo es el único mediador entre Dios y la humanidad.

 Todos los creyentes son sacerdotes y tienen acceso directo a Dios.

Niega cualquier teoría católica, ortodoxa o copta respecto a los méritos personales de hombres y mujeres aplicables a la salvación, y rechazan completamente la mediación de los santos y la virgen María, además de la veneración de las imágenes. No admiten que existan demonios, santos ni vírgenes, y por eso en este grabado los agrupan y los queman.

En la religión, en las religiones de miles de millones de personas, son pocas las variables, pero son defendidas con tanto ardor que se vuelven enemigas entre ellas. El Islam cree en Jesucristo, los cristianos, todos, creen en Jesucristo.

Unos 2.700 millones de personas creen en este mundo en la figura de Jesucristo como Hijo de Dios. Pero las diferencias entre ellos los llevan a matarse. Se calcula que unos 4.700 millones de personas reconocen a Jesús como una figura importante, sea Hijo de Dios, Profeta, Maestro o Figura Espiritual histórica. 

Estos grabados nos sirven para ver que desde hace siglos seguimos matando por lo mismo y con la misma vehemencia, e incluso tontería. ¿Qué pensaría el hombre Jesús si nos viera ahora matando por Él?

Cómo serán los Museos dentro de unos años?

Nos tenemos que preguntar todos qué hacemos con el Arte de cara a Museos o a Exposiciones, a ser conservado, pues estamos dentro de unos periodos de reflexión importante para escribir ese futuro expositivo del Arte Antiguo pero también ya del Arte Moderno.

Estamos asistiendo a Exposiciones sobre artistas muy conocidos, en España o en Europa, en los que sin obras originales o con mínimas obras originales, montan una exposición muy interesante, a veces incluso muy cara de visitar, en donde se busca la pedagogía, el disfrute de las obras de los autores desde otros puntos de vista, y con la utilización de nuevas tecnologías.

Y curiosamente el éxito de público es muy suficiente en estos proyectos privados que en realidad son negocios bien realizados.

Pero me quiero acercar más a otro asunto en paralelo. La seguridad de algunas obras debe estar por encima de toda demostración. 

Sé que los espectadores, todavía, de momento, solo somos capaces de disfrutar de algo si nos lo creemos. Y si lo que vemos, sabemos ya que no es el original, lo vemos cormo un juguete, como algo falso y sin valor.

Estos conceptos cambiarán en unos años por las ventajas de los otros modelos expositivos, y por las dificultades de mostrar los originales siempre y en todos los lugares. 

No se puede estar haciendo viajar algunas obras, sin tener problemas de seguridad y de durabilidad de las obras.

Todas las obras de Arte NO NOS PERTENECEN, no son de nadie de los que hoy estamos vivos. Y tenemos sistemas y procesos para lograr dos cosas fundamentales.

 Mostrar las obras con la misma calidad que los originales, y sin ser los originales.

 Garantizar que se pueden ver sin sufrir daño, aunque lo que se muestre sea algo tremendo de tamaño o de valor, y esté constantemente viajando.

Podemos poner varios ejemplos fáciles, sencillos.

La Venus de Milo. La Dama de Elche. La Maja Vestida. Las Meninas. El Guernica. La Piedra de Rosetta. Libro de Horas de los Zúñiga.

Son obras únicas que no deberían degradarse absolutamente nada. No deberían correr ningún riesgo. Y para ello debemos hacer un trato entre los países o Museos poseedores de estas obras al menos de forma temporal, y la sociedad en general que debe creerse que es la única manera de ver bien estas obras de tanto valor histórico. 

Todas estas obras se pueden fotografiar (por profesionales) para crear copias de altísima calidad que permiten ver todos los detalles con todos los contrastes y todos los matices de colores que es capaz de mostrar la obra ante el ojo humano.

Todas se puede reproducir en relieve, a tamaño natural, con todos los detalles de las obras originales. 

Todos admitimos que en el cine, la televisión o en las series que vemos desde el sofá, nada es real. Aquellas personas que vemos allí no existen, nunca han existido de verdad tal y como se nos muestran, todo es ficción y nos lo creemos. Incluso lo que es historia lo vemos desde el punto de vista de una serie de profesionales de la ficción fotográfica o de sonido o de vestuarios, por poner ejemplos.

Nadie exige ver en realidad a los personajes, nadie osa solicitar la escena del asesinato en formato real. No lo necesitamos. Y disfrutamos del todo, y nos lo creemos pues nunca hemos tenido otra cosa similar pero de forma real. 

En los Museos se debe acabar el concepto de "Almacenes" pues eso ya no puede funcionar muchos años más. Los Museos deben tener vida, moverse, cambiar, respirar. 

Y por otro lado deben explorar los conceptos de ser más pedagógicos sin ser pedantes, utilizando las nuevas tecnologías. Añadiendo conceptos de inmersión del visitante para que no se sienta aburrido, y sobre todo para que si quiere pueda ampliar las visitas. No todos los visitantes quieren ver la misma cantidad de información.

Podemos ver las Meninas originales en una gran sala, pero a su vez podemos tener una sala a su lado en donde se nos muestre toda la historia de los personajes. 

No es obligatorio entrar y permanecer. 

Y a su vez podemos ver los detalles de las pinceladas de Velázquez, podemos observar de cerca y ampliado el tejido de algunas ropas, podríamos intuir qué está pintando el propio Velazquez en ese gran cuadro y verlo de frente. 

Incluso imaginarnos los olores de la escena de Las Meninas, los sonidos, las voces de algunos de los personajes. Curiosamente todo esto ya se está haciendo en algunas exposiciones, pero sin las obras originales.

Y se paga un buen dinero por la entrada, aunque no lo consentiríamos en un Museo Público aunque la entrada fuera gratuita, pues diríamos que nos están engañando. 

Es verdad que están los derechos de imagen, el famoso Derecho de Copyright o de Autor. Que es además diferente entre países.

Actualmente, "Las Meninas" es una obra que se encuentra en el Museo del Prado en Madrid, y aunque el museo tiene derechos sobre las reproducciones específicas que ellos realizan (por ejemplo, fotografías de alta resolución que toman ellos mismos), no tienen el copyright sobre la obra de arte original de Velázquez. 

La obra en sí misma es de dominio público. 

Es decir, el problema es lograr que el Museo deje fotografiar con altísima resolución la obra, cualquier obra, una vez y para muchos años de no sufrir las visitas. 

He puesto este ejemplo de Las Meninas como podría haber elegido cualquier otro. Pero para eso están los acuerdos, los intercambios, los apoyos hacia nuevas maneras de ser responsables, hacia obras únicas que no nos pertenecen a nadie y que ya son de Dominio Público. 

Somos solo los guardianes, pues necesitamos conservar todo lo que nos hemos encontrado, para que dentro de 1.000 años se siga disfrutando.

Los placeres y los días de Huguette Caland

El Museo Reina Sofía de Madrid trae para esta primavera y verano de 2025 la exposición "Los placeres y los días: Huguette Caland", una artista libanesa libre como todas las mujeres de su tiempo que saben que es la única manera de poder sobrevivir creando.

Grandes cuadros llenes de sensualidad, de color, de instantes libres, de juegos y risas, de provocación visual, se abren a un Arte muy personal que sin perder de vista el terrible mundo actual de sus tierras de nacimiento, sabe que el Arte debe sobrevivir, mostrar un optimismo a prueba de sufrimiento humano.

Goya y su obra de José de Toro-Zambrano y Ureta

El retrato de José de Toro-Zambrano y Ureta (Chile, 1727 - Madrid, 1796) fue la primera obra pintado por Goya para el Banco de San Carlos (luego Banco de España), que siguió a las resoluciones de su Junta de gobierno del 22 de diciembre de 1784 y del 30 del mismo mes y año.

Entre 1785 y 1788 el Banco de San Carlos (actual Banco de España), que había sido creado por Francisco Cabarrús en 1782 bajo el gobierno del conde de Floridablanca, encargó a Goya la realización de seis retratos oficiales. En la elección de Goya como pintor influyó Juan Agustín Ceán Bermúdez, por entonces primer oficial de la secretaría de la entidad.

La figura aparece recortada sobre fondo neutro siendo la cabeza la zona iluminada. De medio cuerpo y casi de frente, lleva peluca blanca, va vestido con casaca roja, chaleco del mismo color con botones dorados, camisa blanca con chorreras en el cuello y las mangas sobresalen por debajo de la casaca. La mano derecha descansa en el chaleco y la izquierda se apoya sobre lo que puede una ventana.

El primer restaurador del Museo Nacional del Prado, Amutio, hizo desaparecer una cruz de Carlos III que llevaba el retratado y repintada posteriormente a la ejecución del cuadro por Goya.

José de Toro-Zambrano fue uno de los tres primeros directores de la institución, nombrado en 1783 por su excelente trayectoria comercial y sus brillantes estrategias en la materia, sobre todo en las relaciones con América. Su actividad en el Banco de San Carlos determinó en 1784 su nombramiento como ministro honorario del Consejo Real de la Junta de Comercio y Moneda. El rey le concedió en noviembre de 1785 la Gran Cruz de la Real y Distinguida Orden de Carlos III; se sabe que Zambrano se había hecho una espectacular con más de trescientos brillantes y treinta y cuatro zafiros, todo montado en oro, que no luce aún en el retrato de Goya pero que pudo añadir más tarde, según muestran las primeras fotos del cuadro.

Goya siguió en el retrato de Zambrano hecho al óleo en 1785, la sencillez, claridad, precisión y estudio de la personalidad y del carácter del personaje. La sobriedad no es, sin embargo, un obstáculo para convertir el retrato en una obra de arte magnífica y nueva.

La técnica de Goya al óleo sobre lienzo, capta los aspectos externos de Zambrano, el color de su tez, la finura y elegancia de sus manos, el color profundo de su casaca, pero también la frialdad de sus ojos azules, el gesto seco y tenso de la boca o la firmeza de su puño sobre el antepecho que revela su carácter acostumbrado a imponer su opinión y a conseguir sus deseos.

Fernand Léger, cubista cilíndrico

Fernand Léger (1881-1955) fue uno de los artistas franceses más influyentes de la primera mitad del siglo XX, reconocido por su papel clave en el desarrollo del cubismo y por su personal interpretación de la modernidad

Léger nació en Argentan (Francia) y, tras una formación inicial en arquitectura, se trasladó a París, donde se integró en los círculos vanguardistas y estudió con maestros como Jean-Léon Gérôme y Gabriel Ferrier. 

Pronto se sintió atraído por el cubismo pictórico, exponiendo junto a Braque y Picasso, aunque desarrolló un enfoque propio: su cubismo se caracteriza por el uso de formas cilíndricas y tubulares, colores primarios vibrantes y una marcada tridimensionalidad, alejándose de la descomposición plana de otros cubistas.

La obra que vemos arriba la pintó en el año 1914 al óleo sobre lienzo y la tituló "Naturaleza muerta con lámpara".

Uno de los rasgos más distintivos de Fernand Léger fue su fascinación por la vida moderna, la máquina  que parecía adueñarse de todo en aquellos años de inicio del siglo XX y de la ciudad que crecía y ofrecía muchas opciones de crecimiento cultural y personal. 

Sus obras incorporan motivos industriales y mecánicos, como engranajes, andamios y figuras robotizadas, reflejando el impacto de la industrialización y el dinamismo urbano.

Tras su experiencia en la Primera Guerra Mundial, esta iconografía se intensificó, dando lugar a su llamado “Periodo Mecánico” al que se unieron diversos artistas y no todos pintores.

Sus innovaciones y aportes artísticos los podemos definir como:

Contraste de formas: Léger desarrolló una teoría artística basada en la yuxtaposición de formas orgánicas y mecánicas, explorando la tensión entre naturaleza y tecnología.

Color y volumen: Utilizó colores puros y delimitados, y una estructura compositiva que resalta el volumen y la monumentalidad de las figuras protagonistas de cada obra.

Arte multidisciplinar: Además de la pintura, incursionó en la escultura, el cine, la cerámica, el diseño escenográfico y las vidrieras, colaborando con cineastas y arquitectos como Le Corbusier.

Compromiso social: Su obra refleja inquietudes sociales y políticas, defendiendo una visión humanista de la modernidad y participando activamente en debates culturales y educativos. 

Fernand Léger fue maestro de numerosos artistas internacionales y su influencia se extendió al constructivismo o hacia el futurismo, el art déco y el pop art. 

Tras la Segunda Guerra Mundial, se afilió al Partido Comunista y realizó importantes encargos públicos, como murales y vidrieras para edificios y templos. 

Su museo principal se encuentra en Biot, Francia. En suma, Fernand Léger es recordado como el “pintor de las máquinas”, un innovador que supo unir arte y tecnología, y cuya obra celebra la energía, el color y el ritmo de la vida moderna

Gallery Goodman con frases de luz y sombras

Un lamento, un dolor. Un dolor, una revolución.

La Gallery Goodman nos presentó en el Reina Sofía de Madrid este montaje de neones titulado "Sonidos de agua" en el año 2023, mezclando frases con espacios y sonidos que inundaban el paseo de observación. Grises, luces, sombras y reflexiones.

Goodman Gallery es una de las galerías de arte contemporáneo internacional más distinguidas y más antiguas del mundo. Establecida en Johannesburgo en 1966, la galería trabaja con artistas que son contemporáneos, influyentes y se esfuerzan por cambiar de perspectiva y generar una transformación social. Fundada durante la era del apartheid, Goodman Gallery ofrecía un espacio no discriminatorio cuando los museos servían a la agenda del gobierno autocrático.

Un dibujo de una niña siria

Este dibujo es de una niña siria, hoy refugiada en la ciudad de Gaziantep en Turquía. Es un dibujo infantil realizado en un taller del programa "ColoFull Syria" que llevan a cabo desde la ONG Solinfo con personas turcas que atiende a estos niños.

Está realizado en el año 2014, ya hace un tiempo. Hoy la niña ya no es una niña sino una joven, que yo no sé en donde se encuentra, pero sí sé los sufrimientos que lleva incrustado dentro de ella.

Es Arte Infantil, al que solo le quiero añadir levemente un pequeño detalle. El rojo de las ventanas podría se fuego. La casa su vivienda. Se llama Ayah.

El maravilloso paisaje de las ciudades dormitorio

Podría ser cualquier ciudad del sur de Europa, es una mañana de Belgrado en Serbia. 

Es un barrio de los llamados dormitorios, que sacan sus trapos nocturnos a orear, a limpiarse de brujas nocturnas, de malas vibraciones de la noche oscura. 

Es sobre todo una estampa que de ser horrorosa se ha ido convirtiendo en típica y estética, incluso maravillosamente artística en sus formas y distribuciones aleatorias. 

Cada día es un paisaje diferente.

Lleno de colores distintos, cambiantes.

El caos tiene sus reglas de informalidad. En Valencia también

El caos tiene sus reglas; no es fácil lograrlo con pocos elementos y lo sabe él mismo. 

Si intentas crear caos con una o dos formas horrorosas es complicado lograrlo pues resulta insuficiente. 

Pero a veces se puede. 

Un poco de dejadez, de polvo de viejo, de abandono disfrazado de tiempo muerto. 

Si le añades el absurdo, lo curioso, lo inútil e incapaz de servir para algo, puedes lograr un pequeño museo al caos local. 

Esta terraza valenciana es un ejemplo de ello. 

No sabemos qué piensan los muñecos, qué piensa la dueña de estos elementos (sí, es dueña), pero sabemos que eso es el caos. 

Su propio caos que ella no considera caos.

Puede que incluso un maravilloso caos desorientado e informal.

Bien, podrímos estar de acuerdo. Todo es una mierda

Bien, podríamos estar de acuerdo. 

Todo es una mierda, lo asumimos. 

Y a partir de esto ¿qué debemos hacer? 

¿Para qué sirve asumir que todo es una mierda? 

¿Para cabrearnos más? 

¿Y si no hiciéramos caso a nada y nos comportáramos como si nada de todo esto estuviera sucediendo?

¿Qué parte de todo esto es culpa nuestra?

¿Qué hemos hecho hoy por mejorar algo de lo que nos rodea y que así deje de ser esa mierda que nos creemos?

Pelusa blanca, dispuesta a volar para esparcirse

Una simple pelusa blanca es en realidad de lo más etéreo que existe en el mundo. 

Nace y crece hasta convertirse en esa bola blanca que vemos,  dispuesta para volar en cuanto el viento sople con ganas. 

Su única misión es precisamente volar, que las semillas caigan lo más lejos posible de la planta madre. 

Son semillas diminutas, sin peso, pero son vida nueva, con arquitecturas naturales que sorprende como todo lo natural. 

Bellezas en forma de pequeños paraguas dispuestos a volar en busca de nuevas tierras.

El aire traslada la vida entre los campos.