Grafiti en Pompeya. Casi 2.000 años de dibujo en muros

En las excavaciones que se están llevando a cabo en Pompeya, dentro de la conocida como casa del Cenacolo Colonnato, ubicada en la Vía de la Abundancia, una de las calles más importantes de la antigua Pompeya, se han encontrado un gran número de grafiti en las paredes, un ejemplo del uso enorme que se debió realizar en aquella época, escribiendo en las paredes.

Los arqueólogos descubrieron en el año 2024 una serie de grafitis y dibujos en uno de los patios de servicio que estaba en obras cuando la erupción del volcán.

El trazo fue realizado con un carboncillo, y dada la ingenuidad y simpleza de los trazos, los arqueólogos creen que pudieron haber sido realizados por niños. Las figuras con piernas brazos que salen directamente de la cabeza, caracterizan una forma de dibujar la figura humana que podemos encontrar en los niños actuales.

Las escenas muestran a dos posibles gladiadores que se enfrentaban a las fieras que podrían ser jabalíes, apuntando sus lanzas mientras otros dos gladiadores luchan entre sí. En este grafiti se ve la cabeza cortada de un ave en el suelo.

Además de esta escenas de combate, también se han documentado en la misma zona otros dibujos como varias manos, un ave, un jabalí estilizado, dos personajes jugando con una pelota y una escena de boxeo, en la que uno de los combatientes aparece tumbado en el suelo.

Vinagre Rock en Zaragoza

El Arte Urbano invade los locales que tienen buen gusto para disimular que detrás del Arte hay una persiana cerrada. Es la mejor manera de que no te ensucien la entrada a tu local.

Este ejemplo es de un bar de tapas de vinagrillo, de gildas y similares, en Zaragoza. Queda bonito cuando está cerrado, y muy útil cuando está abierto.

Esqueleto enamorado en Zaragoza

También los esqueletos se pueden enamorar, pues el estado en el que se encuentran es un misterio. Este esqueleto de Zaragoza, con una hermosa flor roja, creemos que se la está ofreciendo al monstruo del palo, pero tampoco estamos seguros.

Escritores o escribidores en el Grafiti

Los llamados “escritores” en el mundo del grafiti, tal vez mal llamados así pues debería ser más correcta la traducción hacia “escribidores”, empiezan dejando sus firmas en las paredes, para pasar en casi todos los casos a dejar pequeñas frases. 

En un principio histórico con spray y en los últimos tiempos con rotuladores especiales para grafiti por su grosor de escritura. 

Un escritor es alguien que escribe con unas connotaciones literarias o de publicación, alguien que escribe párrafos, páginas. Un escribidor es alguien que escribe, con independencia de cuanto escribe, para qué escribe.

Tras sus periodos de firmas,  a la vez que llegan los tiempos de pequeños textos, empiezan a surgir algunos sencillos grafismos, se adentran en decir más, en aprender a dibujar con spray o rotuladores en paredes libres, como un nuevo desafío en sus formas de interactuar con los lienzos urbanos.

Las líneas enmarcaban las formas de Ernst Young

El color y las formas de las líneas que configuraban el espacio me atraparon allí mismo. Mucho más en la pantalla del ordenador al observarlas. 

Muchas veces cuando viajas a lugares nuevos e importantes te tienes que dejar llevar por el instinto del fotógrafo que llevas dentro, pues no es posible encuadrar bien ni es posible esperar una mejor luz. 

Es llegar y cazar disparando. 

Un deporte maravilloso donde muy pocas veces hay segundas oportunidades. 

Si sale bien, muy bien. 

Y si no sale bien, simplemente lo recuerdas.

Pensé que los focos estorbaban, pero poco a poco me he dado cuenta que eran incluso parte importante del encuadre final. 

Parecen iluminar lo iluminable.

¿Qué son los Art Journal, los Diarios de Arte Visuales?

Llamamos Art Journal a un Diario de Arte, es decir a un clásico diario personal donde además de texto hemos ido añadiendo como si fuera un Libro de Artista, pequeñas obras de dibujos, pinturas, acuarelas, collages, que nos gustan, nos divierten incluso, nos acompañan al contenido de los textos para complementar lo que deseamos expresar. 

En realidad son Book de Artista, Diarios Visuales, Diarios Creativos que a veces llegan a tener un gran valor no solo testimonial sino artístico, que se comienzan casi como un juego personal y al final se van convirtiendo en obras de arte con todas las consecuencias. 

Hay que buscar mezclas de Poesía Visual, Arte y Diseño en dibujos y pinturas y sobre todo una marca personal, creativa y divertida. 

Los Art Journal tienen que representarnos, son parte de nuestras obras y aunque utilicemos técnicas distintas o incluso maneras expresivas diferentes a las que empleamos habitualmente, son parte de nuestra obra artística más personal.

Hoy ya, por poco precio se pueden comprar cuadernos en blanco, encuadernados, con papel de acuarela, que se prestan muy bien a este tipo de ejercicio casi de desahogo. 

En la Cadena Tiger se pueden encontrar en diversos tamaño y encuadernaciones, ejemplares en papel de pintura entre 3 y 4 euros. Un buen precio para empezar a practicar los Art Journal, ver hasta dónde somos capaces de darles sentido, y junto a unos rotuladores, unos lápices de colores, acuarelas, empezar a practicar estos Diarios de Arte. 

Serán libros, libretas, que llevarán mucho trote, que tendrán que aguantar mucha carga de pintura, así que sin duda y tras probar si nos atrevemos, tendremos que ir a mejores calidades y a precios más altos en las libretas. 

Si el papel es muy fino mi consejo es que no lo aproveches por la dos caras y solo trabajen en una de ellas para no forzar en exceso el papel. 

Y si en tu libreta vas realizando collages y por ello empiezan a resultar excesivamente gruesa, puedes cortar con una cuchilla hojas alternas dejando unos milímetros de la hoja en la zona de encuadernación, para que el grosor del papel más el de los elementos pegados no resulte excesivo. 

Y recuerda que en el Art Journal como en la mayoría de las técnicas artísticas NO HAY REGLAS establecidas y fijas, estos para cambiarlas y modificarlas a nuestro gusto y necesidad.

Regular e irregular, ordenado o desordenado

 

Regular e irregular, recto y curvo, ordenado o desordenado. 

Todo es posible a la hora de elegir con qué nos queremos quedar. 

Todo son caminos posibles, miradas imposibles incluso que no nos llevan a ningún lugar. 

El mecanismo por el que se han ido creando puede ser natural o incluso puede ser ligeramente artificial. 

Todo es posible a la hora de saber por qué. 

Pero en realidad nos importa muy poco eso, si acaso si nos parecen bellos o no. 

¿Se podría crear de nuevo algo tan perfectamente redondo?

¿Se podría crear artificialmente algo tan perfectamente redondo? 

Es posible que si, pero con tantos detalles en su interior ya es mucho más complicado. 

Imaginaros una máquina que fuera capaz de hacer flores blancas redondas con detalles. 

¿Sería capaz de construirlas para que fueran cambiando lentamente de tamaño? 

¿Y para que volaras sus partes cuando hubieran alcanzado su madurez, y así esparcirse por el mundo, transportando las semillas?

Pues curiosamente este pequeño milagro no tiene precio, incluso casi no tiene valor, no hacemos otra cosa que mirarlo casi con desprecio y desdén, relegándolo a la nada.

New York horizontal dentro de su verticalidad

Todas las ciudades tienen muchos puntos de vista, todas son conocidas por los lugares más fáciles, pero en todas ellas hay espacios y miradas que se salen ligeramente (o incluso profundamente) de lo habitual. 

Buscar o provocar estos puntos de vista es labor del fotógrafo que no siempre tiene que ser postalero en sus trabajos de mostrar lo que él ve. 

Un poco de composición, un punto de vista no habitual, ayudan a creer que siendo lo mismo, es algo diferente. 

A los que visitan New York, si tienen tiempo, les recomiendo visitar el Barrio Chino NO turístico, que está muy cerca del turístico pero no es el mismo. Y visitar salas de arte privadas si te gusta el Arte, pues descubrirás osadías tremendas. 

New York no es una ciudad, son muchas ciudades unidas en el mismo lugar. Para observarla, para conquistarla con tus fotografías, para disfrutarla con cuidado.

Ultras del Amor en Zaragoza

¿Se puede ser Ultras del Amor? Son algo más que un grupo de música, son también lo que ellos mismos dicen, unos enamorados del amor. ¿O solo unos que van más allá del amor, buscando otros conceptos?

Sergey Piskunov y sus óleos hiperrealistas

El artista ucraniano Sergey Piskunov (Lysychansk, 1989) que vive en la actualidad en Países Bajos es un pintor de hiperrealismo fotográfico, conocido por sus grandes retratos y escenas acuáticas de fuerte carga sensual y atmosférica.

Procede del mundo de la informática, y ha desarrollado una trayectoria internacional con exposiciones en Ucrania, Alemania, Reino Unido, Estados Unidos y Suiza. Lo que vemos arriba como uno de sus ejemplos, podría parecer una fotografía pero en cambio es un óleo de 160 centímetros de altura aunque pueda parecer lo contrario. Un trabajo realmente muy detallista e hiperrealista. 

Comienza a pintar de forma autodidacta en torno al tercer curso de la carrera de Ingeniería de sistemas informáticos, tras recibir como regalo pinceles y óleos, y compagina durante unos años la pintura con trabajos como tester y programador en empresas de software. Un ejemplo perfecto para entender que el Arte es una parte de la vida de muchas personas.

A principios de la década de 2010 realiza sus primeras exposiciones personales en Kiev (Art Hall, Museum of Hetmanate, New Gallery) y finalmente abandona el sector IT para dedicarse por completo al arte.

Mantiene una fuerte presencia en redes (Instagram, Facebook, YouTube), donde comparte procesos de trabajo y vídeos didácticos sobre pintura hiperrealista, lo que refuerza su perfil de artista‑marca muy alineado con la cultura visual digital.

Su obra se puede leer como síntesis entre el hiperrealismo anglosajón (Close, Cotton) y una sensibilidad más abiertamente sensual, donde la piel, el brillo y el agua funcionan casi como metáforas de exposición y vulnerabilidad.

Una de las series más conocidas es “Golden Masks”, en la que modelos (como Dasha Astafieva) aparecen cubiertas de pan de oro o polvo brillante, en composiciones que alternan glamour, fetichismo y teatralidad barroca.

David Ostrowski y su Arte Diferente

El artista alemán David Ostrowski está siendo ahora más conocido en los medios de comunicación por el gusto de Ivanka Trump hacia sus obras, que por estos trabajos como creaciones minimalistas y diferentes. Obras rápidas, donde los elementos brillan precisamente por su ausencia. 

Cuanto menos mejor. 

Hace un trabajo al revés. 

En vez de borrar, simplemente selecciona y pinta lo mínimo, generalmente con aerosoles como si fuera Art Street, pero con muy pocas líneas, colores o elementos, y sobre lienzos.

Intenta pintar sin control, precisamente para encontrar el descontrol y la aleatoriedad relativa en sus obras. Para ello emplea la mano izquierda con el spray (es diestro) buscando que el resultado le sorprenda lo primero a él mismo. 

No busca lo que al final hace, sino crear casi aleatoriamente y sin control, buscando los errores de un trabajo ilógico que no emplea todas las posibilidades para crear un abstracto mal hecho, en un intento precisamente de olvidarse de la pintura como elemento vehicular del resultado final.

Cuanto menos y si aparece como un error, mucho mejor.

A veces nos podemos preguntar dónde se esconde lo bello. Es posible que en cualquier acto tonto, en cualquier movimiento ilógico podamos encontrar lo bello, lo curioso, lo diferente. Para ello es fundamental crear pocos elementos, para que el espectador no se distraiga con ellos. 

De esta forma deja de intentar entenderse la obra, pues no hay donde fijarse para buscar explicación. 

Un simple disparo de su mano equivocada, con un spray, y a esperar que aquella mancha nos motive. 

Así de sencillo. Un gesto espontáneo que al final crea elementos que cada uno de nosotros, como espectadores, podemos entender o abominar.

Nada es el principio del fin, sino al revés, todo es el comienzo de algo. 

Y esto es perfecto pues entenderlo ayuda a seguir creando posibilidades nuevas.

Chiamonwu Ifeyinwa y sus dibujos hiperrealistas

Cuando estás aprendiendo arte, que te hagan trabaja con lápices en blanco y negro, con carboncillos y difuminos, te cansa sobremanera. Pero estos dibujos hiperrealistas de la artista nigeriana Chiamonwu Ifeyinwa Joy que con 30 años están sorprendiendo por su calidad y sus encuadres y miradas de los personajes, que se inspiran en su cultura Igbo y en las tradiciones que forman parte de ella, están realizados con grafito y lápices de diferentes durezas.

"Para una gran obra de arte, me toma alrededor de un mes completarla. Para un lienzo mediano o pequeño, puede tomar hasta dos o tres semanas. Decido qué dibujar por cuánto me conmueve y me fascina el tema u objeto. Cuánto me habla a nivel personal, espiritual y creativo. Todas mis obras de arte cuentan una historia”.

Chiamonwu Ifeyinwa Joy no estudió arte, pero ahora dibuja profesionalmente y muestra sus obras impresionantes, que también vende ya a sus clientes en galerías importantes, además de moverse muy bien en redes sociales dando a conocer sus obras. 

Jaume Plensa: ¿Para qué sirve el Arte?

Os dejo una simple pregunta y respuesta de la revista ES+ al artista Jaume Plensa. Es aclaratoria, creo, sincera y que deberíamos leer un par de veces. La entrevista es del año 2025, pero la imagen superior titulada Caballo Negro, es del año 1986 en hierro colado.

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¿Para qué sirve el Arte?

Es una pregunta que todos los artistas nos hacemos permanentemente. No sabemos muy bien para qué sirve, pero sin arte la vida es insufrible, especialmente en momentos históricos como los que estamos viviendo El Mundo está muy polarizado y el arte hoy es más necesario que nunca.

Escena del interior de una taberna en Madrid

Esta obra del Museo del Prado que no se encuentra expuesta y que es anónima, nos muestra el interior de una taberna de Madrid, y así se titula el cuadro de 60 centímetros de anchura realizado en el siglo XVII al óleo sobre tabla.

Es una escena costumbrista que nos fotografía bastante bien lo que sería el interior de una taberna, de un bar de las clases bajas en donde se juntaban las gentes del barrio a tomarse algo, hablar e incluso discutir.

Vemos en el suelo una carta, posiblemente una pipa, mientras un niño parece acariciar a un perro pequeño. Los personajes son casi cómicos, disfrutando del momento, en lo que parece más un interior de un almacén convertido en taberna con ajos colgados alrededor de una chimenea que serviría de calefacción.

Abajo veremos un detalle de la obra para ver más de cerca los gestos de los personajes.

Philip Guston y su litografía Pile Up

Esta litografía del artista norteamericano Philip Guston realizada en el año 1980, e impresa en papel Barcham Green Crisbrook, con el sello de la propiedad del artista emitido, hizo una edición de 50 ejemplares (también había once pruebas del artista), y publicadas por Gemini G.E.L.

La litografía titulada 'Pile Up' fue una de las últimas obras de Guston antes de su muerte en ese mismo año. A menudo se sabía que Guston alternaba entre la abstracción y la figuración y este trabajo ejemplifica la fusión de estos dos movimientos.

Las influencias abstractas se sienten en la composición, pero los indicios de figuración emergen más claramente en la parte inferior izquierda, con la pieza con la herradura.

Esta litografía nos lleva al mundo de Guston dentro de un equilibrio entre la realidad tangible y el expresionismo abstracto místico por el que es famoso. Guston falleció durante la finalización de esta edición, lo que resultó en que Gemini G.E.L. tuvo que publicarla póstumamente en 1981.

La Tate Modern, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Filadelfia tienen una edición de 'Pile Up' en su colección permanente, anunciando la importancia de la obra de Guston en la historia del arte estadounidense y el movimiento expresionista abstracto.

Ernst Ludwig Kirchner y una xilografía

Esto que vemos arriba es una xilografía (grabado en madera) hecha en el año 1919 por el alemán Ernst Ludwig Kirchner. En ella representa a David Müller con su característico estilo expresionista, de líneas enérgicas y contrastes marcados. La estampa formó parte de una carpeta o portafolio de estampas, difundida bajo el sello editorial Bauhaus Drucke, que reunía obras gráficas de vanguardia en los primeros años del siglo XX.

En el año 1937, en plena ascensión del nazismo en Alemania, su obra se calificó en su país de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello, y falleció un año después, en 1938.

La obra es del Museo de Arte de Blanton de la Universidad de Texas.

Banksy vuelve a Londres con temas sociales

El muy desconocido artista callejero Banksy mostró en Londres esta semana dos murales idénticos que hay aparecieron pocos días antes de Navidad. Las obras estampadas representan a dos niños envueltos en abrigos de invierno, sombreros y botas de agua, tirados en el suelo, mientras uno apunta hacia el cielo.

La primera pieza fue vista el 20 de diciembre fuera de la torre Centre Point, cerca de Tottenham Court Road, mientras que la segunda apareció en una fila de garajes en Queen's Mews en Bayswater. 

Banksy reclamó oficialmente la versión de Bayswater a través de su Instagram el 22 de diciembre, mostrando la obra de arte junto a un salto desbordante, donde el dedo del niño se alinea con una luz roja en una grúa cercana para imitar la Estrella de Belén.

Los observadores y expertos en arte han interpretado estas últimas obras como un comentario conmovedor sobre los jóvenes sin hogar durante la temporada de vacaciones. 

La elección de la torre Centre Point es particularmente simbólica, ya que el rascacielos fue una vez un punto focal para las protestas por la vivienda y dio su nombre a la organización benéfica para personas sin hogar Centrepoint.

Esta serie de invierno sigue un año político muy cargado para el artista, incluyendo un controvertido mural de septiembre en los Tribunales Reales de Justicia. 

Esa pieza, que fue rápidamente retirada por las autoridades, mostraba a un juez golpeando a un manifestante con un martillo y fue ampliamente vista como una crítica a la represión del gobierno del Reino Unido contra los grupos de activistas. 

Por el contrario, estos murales más recientes de se ven como un retorno más silencioso y reflexivo a los temas humanos.

Sin herramientas seríamos irracionales animales

Las herramientas son las extensiones de los brazos, las opciones que tenemos para sacar ideas y plasmarlas. Las inventamos para ser mejores, y quien avanzó en ellas, prosperó en sus culturas.

Sin herramientas seríamos monos irracionales que no habríamos avanzado casi nada. 

Lo primero que utilizan los niños son las herramientas, incluso para saciar sus dolores. 

En el Arte las herramientas son medios de expresión, lo que utilizamos para sacarnos desde dentro nuestros pensamientos, y convertirlos en objetos que podrían entender los que los observan. 

Y no siempre, hay que advertirlo, para tranquilizar.

José Orús y sus texturas con luz para mostrar otros mundos

El artista aragonés José Orús Fernández creó un mundo completo de sueños, lleno de otros mundos que iluminaban sensaciones y nos hacían imaginar que era posible escapar hacia otros lugares lejanos, sin estar seguros de que efectivamente podrían o no existir.

Esta obra que vemos arriba, de la década de los 70, se titula "Mundos paralelos" y se encuentra desde hace muchos años en el tanatorio de Zaragoza, dando el saludo a las familias y amigos que acuden a dar el último recuerdo a sus allegados.

Existe luz al final de los caminos. Y sobre todo existe espacio para estar contemplando.

Son obras que impresionan, todas ellas (casi) con un denominador común; la luz que surge a través de la oscuridad. 

El aragonés Baltasar Gracían nos advertía de errores

El casi filósofo aragón Baltasar Gracián decía que somos esclavos de nuestras palabras y dueños de nuestros silencios. Hoy la realidad ha cambiado un poco.

También somos esclavos de nuestras deudas y dueños de nuestros…, iba a decir ahorros pero me callo mejor.

"La hipoteca amansa al obrero" al más débil, al que cae en la trampa creada por el sistema de ser deudor con muchas horas de trabajo al que te tiene que pagar como él quiere, las horas que le dediques.

Antes de hipotecarte, antes de caer en la deuda, piensa que deberás no dinero, sino horas de trabajo.

Y si tienes dudas, recuerda que los avalistas son los peor considerados en las hipotecas, pues pueden perder todo sin disfrutar de nada.

Viva la locura positiva

 Ser normal es muy aburrido y sirve para muy poco. Seamos diferentes.

La Escuela de Atenas de Rafael

En los Museo del Vaticano tenemos una obra de Arte muy conocida y valorada de Rafael que vamos aver hoy como un ejemplo de obras de Arte pedagógica que tanto ayudaron n sus tiempos a poder ampliar la formación y conocimiento, en tiempos sin las enormes facilidades actuales.

Es la obra: La Escuela de Atenas, pintada en Italia por Rafael Sanzio en los años 1509 a 1511. Habamos de una obra de casi ocho metros de anchura.

En ella vemos unas esculturas en la pared mostrando a Apolo y a Minerva. En el centro andando hacia el espectador vemos a Platón y Aristóteles. Platón (calvo) está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Debajo de ellos están "retratados" Heráclito y Diógenes sentados sobre las escaleras. Y a la izquierda nuestra mientras observamos la obra podemos ver desde Alejandro Magno a Epicuro, Zenón de Elea, Pitágoras, Telange, Hipatia, Jenofonto, Alcibíades, Sócrates con una túnica verde oliva, o Heráclito sentado y escribiendo.

En la zona derecha según observamos se puede ver a Plotino, Homero, el propio Rafael mirándonos, Ptolomeo, ARquímedes y Estrabón. De algunos de ellos hay dudas sobre si son estos personajes u otros.
Es uno de los frescos más conocidos de la historia del arte y quizás la obra más ambiciosa de Rafael, que quiso representar nada menos que los orígenes del pensamiento occidental, filosofía, historia o geografía, matemática y astronomía, que como todos sabemos nació en la Antigua Grecia.

El artista pinta a los filósofos clásicos y lo hace poniéndoles rostros de artistas contemporáneos. En el centro vemos pues a Platón (pintado como Leonardo) y Aristóteles, las dos principales ramas de la filosofía. Después, están Heráclito (con los rasgos de Miguel Ángel), Euclides (como si fuera Bramante), Protógenes (retratado como su amigo El Sodoma), Hipatia (su novia Margherita) y Apeles (autorretrato del propio Rafael).

Jugar a soñar despierto es posible. Y no todos somos locos

Luces de conveniencia, cualidad de locura de un loco que ve al revés. Estructura ambigua de respeto, de miedo incluso. Simplemente colores y posicionamiento. Distribución del espacio entre elementos. Tontería para engañarme. De las tonterías propias no se vive, pero alimentan.

Aprender. Expresión. Dedicación, Amor, Profesión. Serenidad. Repartir. Humanismo

Aprender. Poesía. Expresión. Sentido. Dedicación. Amor. Profesión. Observación. Serenidad. Espíritu. Vocaciones. Repartir. Humanismo.

Decía Pablo Serrano en unas pocas líneas todo esto, y pone en ellas todas las palabras que deben motivar el Arte y la propia vida singular de cada uno de nosotros. Caminar y hacer el bien, simplemente. 

Es imposible quedarse con una de esas palabras. Todas son necesarias. Todas son energías de vida, para crear más vida, para empujar la que ya existe. 

Pablo Serrano. Antonio Machado. Miguel de Unamuno. Benito Pérez Galdós. Gregorio Marañón. 

No hay que ir muy lejos para encontrar a los sabios. Estos ya no están, pero sus enseñanzas sí, aunque sean diversas.

 

Marruecos tiene artistas contemporáneos que debemos conocer

Con Marruecos tenemos problemas de vecindad, de autoestima también, de relaciones mutuas separados por un poquito de mar, y tenemos también relaciones culturales que deberíamos potenciar. 

Por ejemplo en el año 2021 en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid había una exposición sobre Arte de Marruecos que yo recomendé pues creo que es uno de los mayores aciertos en arte contemporáneo de este raro 2021 en España.

Esta obra superior es del artista de la Escuela de Casablanca Mohamed Melehi fallecido hace menos de un año. Nació en el Marruecos español en 1936 y aunque recibió formación artística en España, Roma, Bruselas e incluso en los EEUU, se hizo profesor de Arte en Casablanca creando e impulsado el modernismo en Marruecos, enseñando pintura, fotografía y escultura desde el punto de vista libre de hacer lo que a cada artista le sale desde dentro.

Rompió con la obligación de que todo el arte en Marruecos fuera tradicional, sin que fuera una expresión de cada momento y se moviera como se mueven las sociedades libres.

Recordando a Salvador Dalí.

Una cabeza catalana diseñada en papel para estar en un mural. Una abstracción surrealista en una pared de Barcelona. Es como recordar a Salvador Dalí en un trabajo que explora sus sueños, sus idas y venidas.

El Nuevo Mundo de Dvorak visto de noche

Cuando entras en New York por mar, la sensación es la de llegar al Nuevo Mundo como le sucedió a Dvorak o a Lorca. No es mejor, es tan solo recibir la sensación de que llegas al corazón del mundo. 

A veces gripado, otras encantador, siempre diferente, lleno, ocupado y abierto. 

Nunca eres forastero en New York, eres como todos ellos, parte de una sopa de personas que se mueven en un caldo que te arropa. 

Seas migaja o carne, verdura troceada o tropezón de sabor. Si estás, eres.

Grafiti en piedra arenisca en Monasterio de Rueda

Estas marcas en piedra arenisca del Monasterio de Rueda nos indican qué cantero las hizo, y sobre todo cuantas hizo para luego poder cobrar por su trabajo. Eran las marcas del cantero para saber a modo de albarán de entrega, qué cantidad de piedras habían hecho en su taller.

Una forma de hacer grafiti muy antiguo y del siglo XIII.

El monarca aragonés Alfonso II, en el año 1182, otorga la villa y el castillo de Escatrón al Císter, de forma que los monjes pronto comienzan la construcción del monasterio hoy llamado de Rueda (que no se refiera a una noria en forma de rueda, sino a las palabras árabes que significan mausoleo, tumba ornada) y que se encuentra en tierras de Sástago, siendo en el año 1202 cuando se inician oficialmente las obras y 1238 el la consagración del templo.

Las obras se alargan hasta el Siglo XIV, cuando se concluye la fábrica medieval del conjunto y se eleva su esbelta torre mudéjar.

Escultura de Jaime I en Salou

Esta escultura representa a Jaime I el Conquistador, Rey de la Corona de Aragón que nació en Francia. Lo vemos erguido en el paseo de la localidad de Salou en Tarragona.

Fue un Rey con una infancia tremenda y difícil. Su padre, Pedro II el Católico (jodo) acabaría repudiando a la reina, María de Montpellier, y solo llegó a concebirlo dejando embarazada a la Reina mediante engaño de algunos nobles y eclesiásticos que temían por la falta de un sucesor, y con la colaboración de la propia María, haciendo creer a Pedro que se acostaba con una de sus amantes.

Estas circunstancias produjeron el rechazo de Pedro II hacia el niño Jaime I, a quien no conoció sino a los dos años de su nacimiento. Sería Católico el padre, pero era un burro.

La belleza de este grupo escultórico en el paseo central de Salou, junto a la playa no deja dudas y es de gran reconocimiento.

Es obra del arquitecto Salvador Ripoll y del escultor Lluís Maria Saumells, el cual realizó la figura del rey en piedra y la cabeza del caballo en piedra y revestida de pan de oro. El monumento fue inaugurado el dia 28 de Noviembre de 1965.

Murales religiosos como libros abiertos

Lo que vemos en la imagen de arriba es el interior de un monasterio ortodoxo de Rumanía. Hay varios, excelentes todos ellos, y muy bien conservados. Lo de menos en este caso es señalar cual estamos viendo.

El Arte se utilizaba desde tiempos inmemoriales como elemento pedagógico, como herramienta para explicar a los analfabetos, que no sabían leer o no podían leer por no tener acceso a libros escasísimos y muy costosos, lo que se quería enseñar.

Estas paredes interiores de un buen números de iglesias rurales diseminadas por Europa, de las que en muchos países casi no se conserva ninguna, como en España, eran en su interior auténticos libros ilustrados en sus murales, en sus paredes, para poder explicar historias que en cada momento interesaba contar.

Se enseñaba lo que interesaba enseñar. No se conservan por poner ejemplo diferente, murales en donde se enseñara a ser agricultor o ganadero, o buen ciudadano. En cambio sí, ser un buen cristiano, una persona religiosa.

Qué es la Nueva Objetividad o la Escuela Düsseldorf en fotografía?

Vamos a imaginarnos un ejercicio práctico y fotográfico de sencilla explicación. Nos vamos a basar en la Nueva Objetividad, en fotografiar un objeto sencillo, simple, que todos vamos a reconocer enseguida. 

Puede ser el que queramos, aunque si el ejercicio fuera real el monitor nos indicaría qué debemos fotografiar. Por ejemplo unas piezas de tela al corte, como vemos en la imagen de arriba.

Volvemos con la imaginación a ver un puesto callejero en un rastro, donde se venden telas al por menor, al corte. Si estamos una docena de fotógrafos realizando el ejercicio con libertad de elección,y si solo podemos elegir una fotografía, saldrán 12 imágenes totalmente distintas. Los objetos serán los mismos, pero el punto de vista de cada fotógrafo habrá elegido un encuadre, una mirada diferente.

Eso que vemos arriba es simplemente el Arte Fotográfico. 

Esa es en gran medida un ejemplo de la Nueva Objetividad o de la Escuela Düsseldorf de fotografía. 

¿Y en qué consiste esta Escuela o tendencia fotográfica contemporánea? Advertir de entrada que es ya vieja con sus casi 50 años de vida, para que no creamos que estamos hablando de algo muy novedoso.

Principalmente se basa en fotografías de objetos comunes, realizadas desde un punto de vista frontal, con mucho detalle y como si se lograra que el espectador estuviera viendo de frente lo mismo que decidió mirar el fotógrafo, con un encuadre que selecciona y enmarca el contenido para añadirle o restarle composición. 

El resultado es un objeto o paisaje simple, sencillo, casi minimalista, con pocos elementos y con espacios vacíos que parece querer decirnos algo más que lo que representa, ayudado por su encuadre y la posición de sus elementos.

Imágenes realistas, casi surrealistas pues llevan un componente diferente en su totalidad, buscando que los objetos hablen sin hablar. 

Imágenes de gran formato, que a veces parecen repetir elementos dispuestos de forma aleatoria, resultados limpios, suaves, que inspiran tranquilidad y que a veces parecen retratos industriales de una época pero que en las últimas décadas se han ido transformando en multitud de posibilidades que se mezclan con otras tendencias artísticas, donde a veces el surrealismo es una de las más claras.

Poner los pies a remojo en las aguas de un arroyo de montaña?

Las imágenes muchas veces vienen al encuentro de los espectadores, queriendo atraparte para que te fijes en ellas. Esta de arriba es una sección de un cartel japonés donde podemos ver a diversas personas de la sociedad antigua japonesa disfrutando de la calma de sus vidas. Un retrato social donde poner en valor simplemente la tranquilidad.

Vemos a un hombre con los pies metidos en un arroyo, mirando a sus contertulios pues nos queremos creer que en aquellos tiempos y momentos, se hablaba y mucho más que ahora. 

El valor de la obra de arte, incluso de la caza fotográfica de esa sección en concreto… radica en la tranquilidad que desarrolla, en la paz tan difícil de lograr ahora. 

¿Cuánto hace que no te pones los pies a remojo en las aguas de un arroyo de montaña o de valle?

El carboncillo es el enemigo de quien comienza en la Escuela de Arte?

Cuando entras por primera vez a una Escuela de Arte, tras las primeras jornadas de ilusión y en donde todo te parece hermoso y muy novedosa tu presencia, viene un periodo largo de dudas y aburrimiento. Y (casi) siempre por el mismo motivo.

Cuando uno entra en una Escuela de Arte, generalmente ya tiene una base mínima, y quiere aprender a una velocidad que no es la que te va a entregar esa Escuela, sea oficial, privada, de autor, especial, etc.

En casi todos los casos es imprescindible cansarte, aburrirte incluso, mientras trabajas en blanco y negro, con carboncillo o lápices, sin que en muchas ocasiones entiendas por qué ese uso que consideras excesivo, con el carboncillo.

En el Arte es fundamental conocer la luz y la sombra. Conocerla, distinguirla en todos sus grados, provocarla, construirla. Sin luz y sombra bien elegidos no hay contraste, volumen, color real.

Aunque luego te vuelvas un Miró.

Las texturas de los elementos que construimos se conforman con esa luz y sombra, y por eso si dominas con el carboncillo el construir decenas de tonos distintos de luces, decenas de graduación en las sombras para que puedan conservar los detalles, pero a su vez profundicen, tienes ya la mitad del camino recorrido.

En una Escuela de Artes empiezas entendiendo de luz y sombra. Y luego de opiniones ajenas.

Necesitas estar rodeados de otras personas que opinan, sean profesores o compañeros alumnos, y necesitas ver, comparar, aprender a base de entender qué hacen otros alumnos como tú.

Lo más sencillo es aprender a manejar herramientas, colores, soportes, técnicas. Lo complejo es perder ese exceso de seguridad con la que entras, para poder mejorar a base de ponerte en duda. Si quieres perfeccionarte, tienes que poner esfuerzo. Y eso casi siempre pasa por ponerte en duda, por dejarte llevar por los profesores que saben más que tú, y por recibir opiniones que irás puliendo.

No es lo mismo dentro, que fuera

¿Tomando un vino en la calle? 

¿Apurando las amistades del aire libre y la voz profunda?

Estar en las puertas de un bar en vez de dentro es una elección. Ni mejor ni peor. Diferente.

Todos los locales, aunque a veces molestan e incluso mucho, tienen dos espacio bien diferentes.

Dentro y Fuera.

Y eso va con el ser humano y sus necesidades de ocupar diferentes motivaciones y espacios para cada actividad.

No se dicen las mismas palabras dentro, que fuera.

Un corazón de lo más normal

Un corazón ardiendo es posible. 

Un corazón cerrado con llave, también es habitual, más en estos tiempos de sumos cuidados por comprometernos.

Tenemos derecho de hacer con nuestro propio corazón lo que nos venga.

Y cambiar varias veces al días de promesas que muchas veces no valen nada de nada.

Un corazón lleno de espinas tiene motivos, aunque no los reconozcamos.

Pero si está con espinas, y arde mientras permanece cerrado, algo me dice que tienes algo de responsabilidad.

Háztelo mirar, para intentar curarlo.

Y así te sentirás mejor.

El aquelarre o Sabbath de Brujas, de Goya

El Museo Lázaro Galdiano alberga el lienzo  "El aquelarre" de Francisco de Goya, pintado entre 1797 y 1798, el cual representa una escena de brujería como una reunión de hechiceras.  También es conocido con el nombre de Sabbath de Brujas. Este cuadro es uno de los seis que Goya pintó para los duques de Osuna, y fue adquirido posteriormente por José Lázaro Galdiano, según indica el catálogo del museo en donde permanece. 

Pintado entre los años  1797-1798. formaba parte de una serie de seis cuadros sobre brujería encargados por los ilustrados duques de Osuna para decorar su palacio de recreo en la Alameda de Osuna (hoy Parque del Capricho, en Madrid).​ Aunque el tema es oscuro, estos cuadros estaban pensados como piezas decorativas de "capricho" para una élite ilustrada que veía la brujería como una superstición popular digna de ser satirizada, no como una amenaza real.​ Hoy nos resulta imposible pensar en decorar nuestra vivienda de recreo con esta temática, pero eran otros siglos.

Esta primera versión es más narrativa y teatral. Luego hizo alguna obra similar para sus Pinturas negras. La composición es más clara y los elementos son más definidos: mostrando al Diablo como Macho Cabrío. En el centro, un gran macho cabrío negro, con cuernos imponentes adornados con hojas de vid (una alusión al dios Baco, el vicio y a lo dionisíaco), preside la ceremonia con ojos brillantes.​

A su alrededor, un grupo en círculo de brujas de todas las edades (ancianas y jóvenes) le rinden culto. Su actitud es de devoción y miedo reverencial.​ El tema central es el sacrificio infantil. Una bruja ofrece a un niño vivo al diablo, mientras que otra sostiene a un bebé esquelético, ya "chupado". En el suelo yace otro niño muerto. Esto refleja la superstición popular de que las brujas se alimentaban de niños para crear sus ungüentos mágicos.​​

La escena transcurre de noche, bajo una luna creciente que ilumina parcialmente la escena, creando un ambiente de misterio y ocultismo.​ Esta obra, como los grabados de Los Caprichos que Goya, estaba creando en la misma época, y es una sátira contra la ignorancia y las supersticiones populares que los ilustrados como Goya y sus mecenas criticaban. 

No es una celebración de la brujería, sino una denuncia de la credulidad.​ Aunque aún conserva ciertos elementos compositivos del rococó, el dramatismo, el uso del claroscuro y la temática macabra, anuncian ya el Romanticismo. La pincelada es más suelta y expresiva.

La chaqueta amarilla de Pablo Picasso

Pablo Picasso hizo varias obras similares que se podrían llamar deforma muy similar. Este versión también mencionada en el contexto de su relación con Dora Maar, a veces les conocida como "La chaqueta amarilla" otra veces como "La blusa amarilla" y la pintó en el año 1939. Se distingue por el uso de este vibrante color en la vestimenta de la retratada.

Es un oleo sobre lienzo, y se caracteriza por el uso de la línea en forma de "telaraña" que entrelaza objetos y personajes, aunque en esta obra la técnica se limita a la chaqueta amarilla, mientras que el resto del cuadro se enfoca en los contornos nítidos y los campos de color.
Forma parte de la colección de Berggruen, actualmente en depósito en la National Gallery de Londres.