Libro de Artista y de Poesía, de Joan Miró

Esta es una doble página de un libro del propio Joan Miró, el artista catalán tan reconocido del que no cabe decir nada nuevo. Pero este ejemplo de Libro de Artista o Poesía visual, o Libro de Poesía Ilustrado, sería visto en su momento como un trabajo menor. 

Un libro. Un impreso. Unos dibujos para ser reproducidos junto a unos poemas.

Hoy sabemos y admitimos que una parte del Arte Contemporáneo se hace admitiendo de entrada que puede ser efímero desde su inicio. 

El Arte Urbano, muchos Libros de Artistas, los Fotolibros, no serían entendidos como Arte hace unos siglos. Puede incluso que no lo sean ni ahora para muchos espectadores.

Los manuscritos con ilustraciones o los llamados manuscritos iluminados, medievales en su concepción, son hoy ya sin duda unas auténticas obras de arte. Nadie lo discute. Bueno, nadie tampoco, eso es ya demasiado. Pero aquellos artesanos más que artistas en su momento, son hoy considerados auténticos artistas creadores.

Con este ejemplo de Joan Miró sucede algo similar. Pero adaptado a nuestro tiempo. 

Las obras de Arte deben democratizarse, este blog precisamente intenta eso mismo. 

Tener una copia digital de una obra de arte, NO ES COPIAR esa obra de Arte, aunque tenga unos derechos de copia. Es simplemente y si no hay beneficio para quien hace esa muestra, un ejercicio de multiplicación democrática para dar vida al Arte como concepto. Mostrar con unos pocos KB una imagen de una obra de Arte no es quitarle poder o valor a esa obra de Arte, sino si acaso, dárselo al publicitarlo.

Y eso a través de Libros de Autor, de Artista, logra que el Arte pueda entrar en muchas bibliotecas, en muchas maneras de ver el Arte como una parte más o menos necesaria para sentirnos algo mejor. Un mínimo mejor ya es suficiente

Rafal Milach y una imagen de su proyecto The Winners

El artista fotógrafo polaco Rafal Milach no deja una imagen curiosa por lo que representa como ejemplo que da la sensación de ser una imagen sin trabajar, mal elegida incluso, que cualquiera sin criterios podría hacer. No tiene nada que llame la atención… excepto que no parece una fotografía con arte, con capacidad de llamar la atención.

No es correcta esta apreciación precisamente por ser una imagen que refleja eso, el abandono, la anti estética, incluso la anti fotografía habitual. Parece hecha por un mal aficionado, y ese es su éxito de un artista con múltiples ejemplos de lo contrario.

En Madrid, dentro de la exposición "Refusal. Second Fractures" podemos ver muchas más obras de este autor dentro de PHotoESPAÑA en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Son pequeños ejemplos de imágenes hechas en Bielorrusia, que muestran su dura realidad, retratada por una persona que intenta transmitirnos un punto de vista real, matizado con ciertas dosis en los encuadres o en la elección del enfoque y del color.

“Trabajé un tiempo como fotógrafo oficial de prensa en Bielorrusia” —comenta Rafal Milach para El País—, como miembro de la agencia Magnum desde 2018 y activista. De ascendencia bielorrusa, viajó al país para conocer la localidad en la que habían vivido sus antepasados.

Esta imagen, dentro de su proyecto The Winners hecho entre los años 2011 y 2013, muestra precisamente ese punto de vista anquilosado, antiguo, congelado, casi esperpéntico de una sociedad que aparece sin proyecto por culpa de sus gobernantes.

David Hockney dejó de crear arte

Esta semana ha muerto el artista británico David Hockney que además de pintor, fue también impresor y fotógrafo además de escenógrafo. Hockney mantenía dos residencias en California donde vivió por temporadas durante treinta años: una en Nichols Canyon, Los Ángeles, y una oficina en Santa Monica Boulevard en West Hollywood, por lo que a veces se ha pensado que era más un artista norteamericano que de la zona de Londres.

Fue un importante artista del movimiento conocido como Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo xx.

Uno de los iniciadores de las grandes obras con pintura acrílica, y se dedicó de manera directa o indirecta al retrato en diferentes periodos de su carrera. Desde 1968 pintó a sus amigos, amantes y parientes a partir de fotografías. La presencia de Hockney queda marcada en estos retratos, ya que las líneas de perspectiva convergen de una manera muy personal para mostrar el punto de vista del artista, sobre todo por el uso de la fotografía para ayudarse en estas obras.

A principios de 1980, Hockney comenzó a producir "joiners", que son collages hechos de fotografías, creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o fotografías únicas reveladas en papel y ordenadas de manera irregular.[ Con la suma de todas esas imágenes, creaba otra imagen

Con la suma de todas esas imágenes, creaba otra imagen muy personal. Se acercaba a los elementos parciales de la imagen, para luego montar con todos ellos un mural con las imágenes pegadas, que simulaba una fotografía desde lejos, pero el resultado de la suma de las partes era distinto desde el punto de vista óptica, al haber hecho las imágenes desde un primer plano.

Cartel publicitario de TWA en 1956 para promocionar New York

Este es un cartel turístico, para publicitar la compañía de aviación de TWA. El cartel que muestras es uno de los más famosos de la edad de oro de los carteles de viaje de la compañía TWA (Trans World Airlines) y su autor fue David Klein.

David Klein fue un ilustrador y diseñador gráfico estadounidense que alcanzó gran fama por los carteles que realizó para TWA durante los años cincuenta y primeros sesenta. Sus obras ayudaron a definir visualmente la llamada Jet Age (la era del transporte aéreo moderno).

El cartel fue tan importante que el propio Museum of Modern Art MoMA incorporó un ejemplar original de "New York Fly TWA" a su colección permanente de diseño gráfico. No es frecuente que un cartel publicitario de una aerolínea llegue a convertirse en una pieza de museo.

Mucha gente cree que este cartel es de los años sesenta porque recuerda al Pop Art y a la gráfica psicodélica posterior. Sin embargo fue realizado en el año 1956, varios años antes de que esas corrientes alcanzaran su máxima popularidad. Por ello muchos historiadores del diseño lo consideran una obra adelantada a su tiempo.

Como aficionados que somos al arte gráfico, probablemente nos interesará saber que este cartel está considerado por muchos especialistas como uno de los mejores carteles de viaje del siglo XX y una de las imágenes más emblemáticas jamás creadas para promocionar Nueva York.

Augusto De Luca y su proyecto ARMAGEDDÓN

El artista fotógrafo, Augusto De Luca nacido en Nápoles en 1955 y licenciado en derecho, se convirtió en un profesional de la imagen a mediados de los años setenta, cuando las manos te tenían que oler a revelador por obligación del oficio. Un olor por cierto, que tarda décadas en ser olvidado.

Su carrera se ha desarrollado entre las técnicas tradicionales y la continua experimentación con diferentes materiales e ideas o conceptos. Su estilo se distingue por el extremo cuidado de los encuadres y por un enfoque que combina tomas de un claro realismo con composiciones donde las formas evocan los principios de la pintura metafísica.

Autor de fama internacional, ha retratado a numerosas figuras célebres y expuesto sus trabajos en diversas galerías de todo el planeta. 

Hoy en día, sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan la Biblioteca Nacional de París, el Archivo Fotográfico Municipal de Roma, la Galería Nacional de Artes Estéticas de Pekín, el Archivo Fotográfico del Parque Arqueológico de Pompeya y el Museo de la Fotografía de Charleroi en Bélgica.

Dicen que está especializado en retratos, pero sus obras reflejan también esas enormes dudas sobre quienes somos, qué mostramos, o qué nos ven antes y después de ser retratados.

Muy activo, uno de sus últimos trabajo y sobre el que voy a dejar algunos ejemplos se titula «ARMAGEDDÓN» y es un nuevo trabajo, inspirado en los últimos conflictos mundiales catastróficos.


Os dejo a continuación unas palabras suyas sobre este momento tan complejo, tan duro, casi como un texto pedagógico para que las nuevas generaciones incluso, entiendan mejor qué es la fotografía, o al menos qué debería ser.

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«La fotografía siempre ha tenido el poder de capturar la esencia de la realidad, pero cuando se aventura en el terreno de lo metafísico y lo surrealista, se convierte en una herramienta para explorar dimensiones invisibles y simbolismos profundos. En un mundo marcado por las catástrofes de las guerras mundiales, la exploración fotográfica que entrelaza estos temas ofrece una mirada única a la historia humana, una narrativa visual capaz de provocar emociones y reflexiones. Mis últimas fotografías trascienden el simple acto de capturar imágenes; se trata de un viaje al alma de las personas, un intento de atrapar lo invisible que se esconde detrás de los eventos históricos. Las cicatrices dejadas por los conflictos globales son evidentes, pero también están las sombras y los silencios, las historias no contadas de quienes sufrieron y de quienes lucharon. A través de los filtros del arte, se explora la esencia de las emociones humanas, utilizando elementos surrealistas para resaltar el dolor y la esperanza. Cada imagen tomada en este contexto está cargada de símbolos. Estos símbolos no solo evocan la memoria colectiva de las guerras, sino que invitan también al espectador a confrontar su propia interpretación del sufrimiento y el renacer. La elección de las formas, la composición y la iluminación se vuelven herramientas para contar historias que van más allá de lo visible. El componente surrealista en mi búsqueda fotográfica entra en juego cuando la realidad se “distorsiona”, creando imágenes que parecen sacadas de un sueño. En este contexto, lo surrealista no busca negar el dolor, sino amplificarlo, llevando al espectador a una dimensión de comprensión más profunda, a escenarios oníricos, ricos en significados ocultos. Este enfoque desafía al observador a reflexionar sobre cuál es la frontera entre la realidad y la imaginación, entre lo que fue y lo que podría ser. Este trabajo fotográfico surrealista y simbólico sobre las catástrofes de las guerras mundiales no es solo un documento, sino una invitación a ver más allá de las imágenes superficiales. Es un llamado a explorar las emociones y las experiencias humanas, a enfrentarse al pasado y a encontrar un significado profundo en la belleza y en el dolor. A través del arte, las historias de millones de vidas perdidas y transformadas siguen viviendo, animándonos a mantener viva la memoria y a mirar hacia el futuro con nuevos ojos».

Qué es el Artivismo? Existe o es un invento de locos?

El Artivismo podría parecer la multiplicación de los panes y los peces, empleando al Arte como herramienta de Activismo, algo que sin duda se ha utilizado durante siglos y que ahora nos parece nuevo moderno. 

¿Qué eran si no Artivismo, muchos de los trabajos de Goya? 

¿Qué fue el Guernica de Picasso? 

Y no quiero adentrarme más lejos para no entrar en opiniones contrarias sobre lo que supuso la religión cristiana en siglos viejos que también utilizó el Arte para hacer propaganda.

El Artivismo es un uso lógico del Arte pues el arte nace de personas implicadas en su momento y en su sociedad, y utiliza el arte para influir en la política, en las opiniones, en su sociedad.

El Artivismo es sobre todo Arte Urbano, es Cartelería, son Gritos y frases envueltos en arte bastante básico pero no por ello debe ser considerado arte menor. Eso depende de cada obra y de cada artista.

El Artivismo es arte efímero en muchos casos que simplemente aspira a darnos una buena bofetada para que despertemos del momento actual. Lo cual a veces es contraproducente pues el Arte debe ser nada violento, excepto cuando la violencia forma parte de la propia obra, lo que siempre se produce cuando se nos despierta de golpe con una frase o una muestra gráfica contundente.

En las últimas décadas la fotografía tiene mucho de Artivismo, pues no esconde la realidad brutal que es capaz el ser humano con tal de seguir demostrando que somos animales, a veces racionales. Pero solo a veces. 

Hay que informar con el arte, hay que posicionarse y comunicar. Y es aquí cuando entra a saco el surrealismo, el dadaísmo, el futurismo, los videoartes o el arte conceptual, utilizando los espacios públicos y no los privados.

El Arte sale de los salones privados a los grandes salones públicos de la plaza, la calle, el centro cultural. 

El Arte Artivista se enfrenta a lo establecido, grita contra el poder, se queja pero sobre todo simplemente demuestra, señala, se expresa con el “hoy”. Mezcla color, formas, textos, poesía visual y mensajes. 

Toma partido y causa por la sociedad débil y se convierte en una herramienta más para luchar contra las desigualdades o las libertades de unos contra otros.

La obra de arriba se titula “La patera de los ricos” y fue pintada por Manuel Alcorlo Barrero en el año 1935, mostrando con toda la ironía posible a unos ricos que vuelven en patera pero conservando sus elegantes trajes pero tal vez asustados al tener que luchar contra los elementos como cualquier emigrante que se juega la vida.

Juan Devéscovi. Arte del Perú

El Arte Iberoamericano es en parte y excepto algunos ejemplos más reconocidos, una actividad muy interesante pero bastante desconocida fuera de su continente. Sobre todo en Europa. Hoy os dejo una obra del peruano Juan Devéscovi, pintor y dibujante, que fue una de las figuras más interesantes y (curiosamente) menos conocidas de la vanguardia artística peruana de la década de los años veinte del siglo XX. 

Ilustrador en diversas revistas limeñas dentro de la estilización modernista de la gráfica del momento. Hacia 1927, Devéscovi se trasladó a París en busca de mayores oportunidades laborales y estímulos artísticos, siguiendo la emigración de otros dibujantes del Perú como Julio Málaga Grenet, César Moro o Reynaldo Luza. 

Sus obras están relacionadas con el primitivismo deliberado de sus obras, con una esencia indígena latente, pero trabajando a su vez un cierto punto surrealista. 

En una carta personal, el propio Devéscovi tildó a sus dibujos de “porquerías hechas para llamar la atención” de la crítica de París. El Arte es también o sobre todo, provocar.

La obra que vemos arriba la tituló "Naturaleza Muerta" y es del año 1927, hecha con temperas y tinta sobre papel. Es propiedad del Museo de Arte de Lima.

Hildegarda von Bingen, creadora de Arte

El papel de la mujer en el campo del Arte ha pasado en los siglos muy desapercibido, incluso cuando fueron auténticas exploradoras de nuevas técnicas o de nuevos puntos de vista. Es el caso de la alemana Hildegarda von Bingen.

No fue una clásica artista, pues su papel dentro del mundo del Arte en el siglo XII fue más de iluminadora o de persona que indicaba a otros artistas a dibujar escenas que ella imaginaba. Podríamos incluso decir que fue una precursora del surrealismo, incluso de la abstracción.

Nacida en el año 1098 fue una abadesa benedictina que componía música (monofonía sacra) y escribía poesía, y a su vez una gran creadora en aquellos tiempos de un universo visual propio, dirigiendo la creación de imágenes que hoy sin duda, son Arte Visual.

Sus miniaturas iluminadas que acompañó en su creación con sus visiones, están recogidas en varios libros, y son narraciones tradicionales pero con imágenes simbólicas, abstractas para aquellos años y con una creación geométrica novedosa que acercaba el mundo espiritual a un mundo onírico.

Sus imágenes con son las tradicionales de esa época, son religiosas pero no ilustran pasajes de la Biblia, sino son narraciones simbólicas, son visiones circulares, en una distribución del espacio que intenta narrar una historia con significado teológico.

No pinta o dibuja en el sentido estricto de la significación, sino que ejerce como de directora artística, como autora de la idea para poder generar esas imágenes que ilustran sus libros teológicos. Es un Arte Simbólico, lleno de conceptos que casi son como el Arte Contemporáneo actual pero hace más de 900 años, creando estructuras que narran historias.

La imagen que vemos arriba la explica la propia Hildegarda von Bingen en su libro Scivias con estas palabras: «Este gran instrumento redondo y umbroso que ves, semejante a un huevo, estrecho por arriba, ancho en su mitad y algo más ceñido en la parte inferior, representa al Dios Todopoderoso según la fe»

Ana Juan y su Gabinete de Maravillas Wunderkammer

La artista ilustradora Ana Juan en su montaje "Wunderkammer" nos abre su mundo desde su propio "Gabinete de Maravillas o sueños", desde una serie de expresiones que nos llevan a sus sueños, a un mundo imaginario pero posiblemente real. Todo depende de nuestra capacidad de ver y descubrir lo que miramos.

Las imágenes son como ilustraciones de mundo imaginarios que todos podemos soñar si queremos, que todos nos podemos crear si lo necesitamos, para seguir siendo felices. Pueden ser horrorosas, pueden dar miedo, pueden ser incluso inexplicables, pero si hacen felices a alguien, tienen un sentido muy válido.

No siempre hay que saber encontrar explicaciones a lo que vemos, a veces con sentir que estamos delante de algo distinto, imaginario para nosotros, real para el artista, ya nos debería servir. 

Ana Juan es ilustradora de libros, es artista visual, es dibujante, pero es sobre todo inventora de pensamientos, de sueños, de sugerencias, de adivinanzas que debemos descubrir.

En CentroCentro de Madrid podemos descubrir sus sueños, los nuestros incluso si queremos imaginarnos lo mismo, podemos tener experiencias locas que se pueden convertir en realidad dentro de nuestra forma surrealista de imaginarnos el mundo.

¿No es irreal tanta violencia real que estamos viviendo en los últimos años?

Dibujo, pintura digital y fotografía, mezclados sin agitar

Todo en el Arte tiene su valor, incluso aunque solo sea estético. Elegir, seleccionar, construir con piezas un nuevo elemento es una forma simple de sentirte bien mientras lo vas creando. 

No se trata de inventar un nuevo submarino, sino de sentir que con tus manos puedes convertir un blanco en un espacio diferente, nuevo, lleno.

Aquí arriba hay mezcla de dibujo, de pintura digital y de fotografía. 

Un poco de cada, una disciplina que se afianza en la otra, unos nuevos tiempos en donde todas las herramientas quedan diluidas entre ellas pues todas se pueden necesitar en un momento dado, sin que ninguna destaque sobre la otra.

Al final lo único que importa es el resultado final, como en cualquier empresa, en cualquier relación. 

Los caminos intermedios se disfrutan, pero no se pueden contemplar al quedar tapados por la finalidad, por la meta final.

Regular e irregular, ordenado o desordenado

 

Regular e irregular, recto y curvo, ordenado o desordenado. 

Todo es posible a la hora de elegir con qué nos queremos quedar. 

Todo son caminos posibles, miradas imposibles incluso que no nos llevan a ningún lugar. 

El mecanismo por el que se han ido creando puede ser natural o incluso puede ser ligeramente artificial. 

Todo es posible a la hora de saber por qué. 

Pero en realidad nos importa muy poco eso, si acaso si nos parecen bellos o no. 

Philip Guston y su litografía Pile Up

Esta litografía del artista norteamericano Philip Guston realizada en el año 1980, e impresa en papel Barcham Green Crisbrook, con el sello de la propiedad del artista emitido, hizo una edición de 50 ejemplares (también había once pruebas del artista), y publicadas por Gemini G.E.L.

La litografía titulada 'Pile Up' fue una de las últimas obras de Guston antes de su muerte en ese mismo año. A menudo se sabía que Guston alternaba entre la abstracción y la figuración y este trabajo ejemplifica la fusión de estos dos movimientos.

Las influencias abstractas se sienten en la composición, pero los indicios de figuración emergen más claramente en la parte inferior izquierda, con la pieza con la herradura.

Esta litografía nos lleva al mundo de Guston dentro de un equilibrio entre la realidad tangible y el expresionismo abstracto místico por el que es famoso. Guston falleció durante la finalización de esta edición, lo que resultó en que Gemini G.E.L. tuvo que publicarla póstumamente en 1981.

La Tate Modern, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Filadelfia tienen una edición de 'Pile Up' en su colección permanente, anunciando la importancia de la obra de Guston en la historia del arte estadounidense y el movimiento expresionista abstracto.

Marruecos tiene artistas contemporáneos que debemos conocer

Con Marruecos tenemos problemas de vecindad, de autoestima también, de relaciones mutuas separados por un poquito de mar, y tenemos también relaciones culturales que deberíamos potenciar. 

Por ejemplo en el año 2021 en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid había una exposición sobre Arte de Marruecos que yo recomendé pues creo que es uno de los mayores aciertos en arte contemporáneo de este raro 2021 en España.

Esta obra superior es del artista de la Escuela de Casablanca Mohamed Melehi fallecido hace menos de un año. Nació en el Marruecos español en 1936 y aunque recibió formación artística en España, Roma, Bruselas e incluso en los EEUU, se hizo profesor de Arte en Casablanca creando e impulsado el modernismo en Marruecos, enseñando pintura, fotografía y escultura desde el punto de vista libre de hacer lo que a cada artista le sale desde dentro.

Rompió con la obligación de que todo el arte en Marruecos fuera tradicional, sin que fuera una expresión de cada momento y se moviera como se mueven las sociedades libres.

Recordando a Salvador Dalí.

Una cabeza catalana diseñada en papel para estar en un mural. Una abstracción surrealista en una pared de Barcelona. Es como recordar a Salvador Dalí en un trabajo que explora sus sueños, sus idas y venidas.

Grafiti en Zaragoza, que enmarca manchas, estilo Chillida

Tal vez queriendo imitar a Chillida u Oteiza, alguien ha utilizado las manchas de la pared producto de viejos grafiti ya tapados, con una silueta que en realidad crea una obra nueva, y que puede pasar más desapercibida para los que borran esos grafitis urbanos que efectivamente, muchas veces son solo basura.

Encaja la silueta de la línea negra, perfectamente con las manchas aleatorias de la pared y logra un ejemplo artístico distinto e interesante. 

Sigue siendo un grafiti, pero tiene muchas otras formas de comprenderlo, por la utilidad visual de las manchas.

Arte Moderno con plástico. Greedo como Arte

Esto es Arte, aunque a una parte de la sociedad le confunda esta adjudicación. Pero es Arte. El personajes de Greedo es conocido por su confrontación con Han Solo en la cantina de Mos Eisley en la película Star Wars. Sobre todo en el episodio IV: Una nueva esperanza. 

Lo acepto, si se han creado dos mil ejemplares, ya no es Arte sino artesanía.

Era un cazarrecompensas de poca monta que trabajaba para Jabba el Hutt en el planeta Tatooine. Greedo era de la especie Rodian, caracterizada por tener un hocico parecido al de un tapir, ojos saltones y piel verde azulado o azul cían.

El Arte hoy ocupa muchos espacios diferentes y amplios, como es lógico, y eso logra que se trabaje ya con muy diversos materiales, por ejemplo el plástico, a la hora de crear esculturas.

Pero cada vez más, veremos materiales menos nobles que el mármol, pues la tendencia es ir hacia un Arte efímero en el tiempo, con menos valor contable, y más valor de su tiempo. Si queremos que el Arte entre en las nuevas generaciones, hay que crear también con los idiomas de las nuevas generaciones. Y digo TAMBIÉN, nunca digo "solo".

Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú

Hay muchas maneras de vernos, de contemplarnos, de intentar observarnos como tal vez nos miran y nos ven los demás. 

No sabemos bien cómo somos, como tampoco saben como somos los que nos observan y creen adivinarnos. 

Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú. 

Dos ventajas en una.

La Fluidez de las Categorías en el Arte Urbano

No existe una línea divisoria clara entre el valor artístico del Arte Urbano y el Arte Figurativo o Abstracto o Contemporáneo. Y como no existe ese punto crucial y claro, muchas veces debatido en el mundo del arte entre la fluidez y la porosidad de las diferentes categorías artísticas, es imposible empaquetar ninguna representación artística por ello. 

Todo es Arte. O nada es Arte. O unas cosas son Arte y otras Basura. 

La Esencia del Arte: Más Allá de las Etiquetas Rígidas

En el vasto y dinámico panorama de la creación humana, a menudo intentamos categorizar las expresiones artísticas para su estudio o comprensión. Sin embargo, es fundamental reconocer que no existe una línea divisoria nítida entre lo que tradicionalmente hemos llamado Arte Urbano, Arte Figurativo, Arte Abstracto o Arte Contemporáneo. 

Este intento de "empaquetar" las manifestaciones artísticas son, en última instancia, una simplificación que no hace justicia a la complejidad y la interconexión de toda la práctica artística. En esencia, todo es arte, o nada lo es; la calificación reside más en la intención, el contexto y la recepción que en una etiqueta preestablecida.

El Arte Urbano: Un Crisol Contemporáneo en el Espacio Público

Tomemos el ejemplo del Arte Urbano. Una obra como esta sección de un mural en Barcelona no es solo una expresión callejera; es, intrínsecamente, Arte Contemporáneo. Su naturaleza dialoga con las estéticas y técnicas de nuestro tiempo. 

La distinción entre conceptos o tipos de arte, a menudo, reside más en el lugar de exhibición o creación que en la cualidad intrínseca de la obra misma. 

Un lienzo colgado en una galería se acepta como arte contemporáneo; ¿por qué no una pieza mural de igual o mayor complejidad visual y conceptual ejecutada en la fachada de un edificio?

Lo Efímero como Atributo del Arte

Insisto en la trascendencia de comprender que el Arte Urbano, o el comúnmente denominado Graffiti, cuando se ejecuta con maestría y visión, no solo es Arte Contemporáneo, sino que a menudo incorpora una dimensión adicional: la de Arte Efímero. 

Su génesis en el muro de la calle implica una temporalidad inherente; nace con la conciencia de su eventual desaparición. Esta cualidad de ser efímero por nacimiento, no le resta valor, sino que le otorga una potencia singular. 

El hecho de que esté destinado a ser cubierto, borrado por el tiempo, el clima o la intervención humana, resalta su vitalidad y su conexión con el momento presente. 

Es una expresión que se vive en el ahora, un diálogo con la ciudad que muta, que se resiste a ser encapsulada en la permanencia de un museo, pero que deja una huella indeleble en la memoria colectiva.

La Madonna de Portlligat de Salvador Dalí

Salvador Dalí definió La Madonna de Portlligat como uno de sus manifiestos vitales. No era solo una pintura monumental, sino el epicentro de una nueva mística nuclear destinada a reconciliar ciencia y religión, pasado y futuro, cuerpo y espíritu. Una obra al óleo de casi metro y medio de altura, realizado sobre lienzo en el año 1950.

En 1949 Dalí pinta una primera versión reducida de la Madonna, que presenta al papa Pío XII con el objetivo de obtener la bendición para casarse con Gala por la Iglesia. En el verano de 1950 realiza en Portlligat una segunda versión monumental, marcada por la fascinación por la física nuclear tras Hiroshima y Nagasaki.

Salvador Dalí representa a Gala como la "madre" en un sentido muy religioso y, sobre ella, un pequeño niño. Ambos contienen dos ventanas que se abren hacia el infinito; la del niño sostiene el pan de la vida. Estas dos ventanas tienen un doble significado. Por un lado, simboliza el nacimiento de la madre y, por otro, el nacimiento en espíritu. Por este motivo la espalda de Gala está bañada por las aguas primigenias del mar como el origen de la tierra. 

El niño sostiene además la bola del mundo y el libro del conocimiento que, junto a la posición de sus piernas, si nos fijamos bien, forma una cruz y el número cuatro como símbolo de la materia, la duración del tiempo.

La obra, rodeada de elementos flotantes que simbolizan la descomposición de la materia, dialoga con el clasicismo renacentista y proyecta a Gala en el papel central de Virgen. Dalí escribiría en sus memorias: “Gala, tú eres la realidad”.

En noviembre de 1950 se presentó en la Carstairs Gallery de Nueva York en una instalación casi teatral: el lienzo, demasiado grande para entrar por el ascensor, fue izado con cuerdas desde la calle hasta la sala, bajo la supervisión del propio Dalí.

Zaragoza y una moda muy surrealista

Hablamos poco de moda en este blog, cuando la moda es un Arte más, una forma de expresión que se acompaña de los cuerpos que la llevan. No todas las prendas sirven para todas las personas, y no depende tanto de la figura como de la personalidad de quien porta la prenda.

Esta chaqueta hoy me ha sorprendido en Zaragoza. No tengo ni idea de si la comprará alguien, sería lo de menos. Lo de más es el originalidad y el detalle, la construcción artística de la prenda.

Atreverse a fabricarla no hay duda. Ya está. Atreverse a llevarla es otro cantar, pero es muy original y simpática, en una mezcla de surrealismo en moda y de expresionismo para estos tiempo de mierda.

En realidad, si nos fijamos bien, más que una chaqueta es una escultura. Arte en relieve, y no lo digo en broma.