Un Buda Gupta del siglo IV

El Imperio Gupta fue para la India algo parecido a lo que el Imperio Romano fue para Europa, o la Atenas de Pericles para la antigua Grecia: una época de estabilidad, riqueza y enorme florecimiento cultural.

Se desarrolló aproximadamente entre los años 320 y 550 d. C., dominando gran parte del norte de la India. Aunque no fue el mayor imperio indio en extensión (el anterior Imperio Maurya había sido más grande), sí fue uno de los más influyentes desde el punto de vista cultural.

Imaginemos un país que durante siglos estuviera dividido en pequeños reinos, guerras e invasiones, y que de repente aparece una familia, los Gupta, que consigue unir buena parte del territorio. Con la paz llegan el comercio, la riqueza y el tiempo para dedicarse a la ciencia, el arte y la literatura. Eso fue, en esencia, el Imperio Gupta.

Muchos historiadores han llamado a este periodo la Edad de Oro de la India, aunque hoy algunos matizan esa expresión porque la prosperidad no fue igual para toda la población, algo habitual cuando un país o una civilización crece de forma rápida.

Fue sin duda una época extraordinaria por varios motivos. Estudios nuevo de las matemáticas, ingeniería, astronomía, del Arte, de la religión, la literatura, las normas sociales, etc.

La economía prosperaba gracias a la agricultura mejor planificada, al comercio interior, pero a su vez con las nuevas rutas comerciales con Asia. Se acuñaban monedas de oro de gran calidad, signo de una economía fuerte y muy comercial.

Muchas de las imágenes clásicas de Buda que hoy conocemos y se conservan, proceden precisamente de este periodo, aunque también florecieron la pintura mural y la arquitectura de templos.

Este Buda que vemos, del siglo IV es un ejemplo de esa nueva imagen que quisieron transmitir del Buda anterior, más clásico. Los Buda Gupta tienen el pelo separado en rizos pequeños, y los párpados caídos, y se convirtieron en el icono para las imágenes de Buda que se hicieron posteriormente.

"Una idea que se lleva a la práctica, es mucho más importante que una idea que solo existe como idea". Buda

El Discóbol de Mirón, no existe

Una de las obras más importantes del mundo clásico, El Lanzador de Disco o El Discóbolo, no existe. Solo vemos copias. La más famosa está en el Museo Nacional Romano y es una copia que no sabemos si es exacta y de la que hay varios ejemplares, incluso con ligeros movimientos diferentes en su cabeza o en su mano y dedos.

El Discóbolo (o Lanzador de disco) es una de las esculturas más famosas de toda la Antigüedad griega y una de las obras que mejor representan el ideal clásico de equilibrio entre movimiento, belleza y perfección física. No hay duda de eso ni de su valor artístico. Una escultura muy estudiada durante muchos siglos.

Hecha por Mirón, que fue un escultor griego activo en el siglo V a. C., originario de Eleuteras, en la frontera entre el Ática y Beocia, es esta su obra más reconocida y está considerado uno de los grandes maestros del período clásico temprano y un pionero en la representación naturalista del movimiento en la escultura.

Los autores antiguos admiraban especialmente su capacidad para representar el movimiento y la tensión física de los cuerpos. El Discóbolo fue realizado hacia el año 450 a. C. La escultura original era de bronce, como la mayoría de las grandes obras griegas de aquella época, pero el original se perdió hace muchos siglos. Lo que conocemos hoy son varias copias romanas realizadas en mármol entre los siglos I a. C. y II d. C.

La obra representa a un atleta masculino en el instante previo al lanzamiento del disco. Lo extraordinario es que Mirón eligió un momento muy breve y difícil de captar el cuerpo está completamente girado. Los músculos se encuentran tensos, el disco aún no ha sido lanzado, y toda la energía de la escena está acumulada, pues un segundo después, la postura sería completamente distinta.

Por primera vez en la historia de la escultura occidental, el artista logró congelar un instante de máxima tensión dinámica, como si fuera una instantánea fotográfica, mostrando el movimiento pero también el equilibrio, la fuerza, la tensión de los músculos y sobre todo la naturalidad de la persona.

Hoy sabemos que es complicado que el deportista lanzara realmente el disco de esa manera, pro damos por bueno que se buscaba sobre todo esa tensión del instante, del movimiento de los músculos, del cuerpo humano en tensión. 

No sabemos en realidad qué figuraba la escultura original, muy posiblemente al tener menos peso no necesitara tantos elementos sobre la base para estar sujeta, y por ello no sabemos cómo era en realidad. Solo podemos ver copias antiguas, es verdad, pero copias hechas en su momento posterior.

Esculturas religiosas de España hace 2.500 años

Lo que vemos arriba son unos exvotos masculinos y femeninos de hace entre 2.000 y 2.500 años, en bronce, de la cultura ibérica de entonces, encontrados en Jaén.

Eran figuras pequeñas de muy variada forma, y con distintas actitudes, y que todos servían para lo mismo. Para entregarlos a sus dioses como peticiones de algo.

Es decir, seguimos más o menos igual, adorando o utilizando imágenes que representan ideas religiosas, de vida y muerte, del más allá según sus apreciaciones, y que no difieren tanto de las actuales. Modelos de comunicación con nuestros Dioses.

Mujeres envueltas en mantos, oferentes que muestran las manos abiertas, soldados con armas, grupos de exvotos reunidos con las manos abiertas y extendidas hacia abajo, animales, partes del cuerpo humano, etc.

Un exvoto es en realidad una ofrenda votiva que se hacía "en cumplimiento de un voto" y en el que una persona depositaba ante una divinidad para pedirle algo o como promesa cumplida de ofrenda si la petición es concedida, y también después de haberlo recibido como agradecimiento.

Esta lógica de intercambio entre el devoto y la divinidad es universal y antiquísima, y en la Hispania prerromana los iberos la desarrollaron con una particularidad visual extraordinaria.

Los exvotos ibéricos más característicos son figurillas de bronce fundido, aunque también los hay de plomo, terracota y piedra. Las de bronce son las más abundantes y las mejor conservadas.

Los exvotos eran principalmente ofrendas individuales o familiares, no objetos domésticos permanentes que se tenían en el hogar. Se fabricaban o se compraban, se llevaban al santuario, se depositaban y se quedadan allí. No era una figura que uno tenía en casa como objeto de culto cotidiano, sino una ofrenda que se entregaba a la divinidad de forma definitiva.

Pero no sabemos con precisión a qué divinidades iban dedicados la mayoría de los exvotos ibéricos, porque la religión ibérica está muy poco documentada. Conocemos algunos nombres de divinidades por inscripciones, pero el modelo de religiosidad ibérico sigue siendo en gran medida opaco.

No sabemos si había rituales específicos de entrega y colocación, oraciones, gestos o fórmulas que acompañaran la entrega del exvoto. La arqueología recupera el objeto pero no el acto que lo llevó hasta ese lugar.

Y no sabemos con certeza si todos los santuarios tenían la misma función o si había especializaciones más complejas que las que podemos inferir por el tipo de exvotos encontrados.

Lo que sí sabemos es que nos dejan un testimonio directísimo y emocionante de lo que preocupaba a los iberos: la salud, la guerra, la fertilidad, los animales, la supervivencia. Las mismas cosas que han preocupado a los humanos en todas las culturas y en todos los tiempos.

No existe un modelo único de santuario ibérico. Esta es probablemente la conclusión más importante de la investigación arqueológica reciente. Los iberos no tenían una arquitectura religiosa estandarizada comparable a los templos griegos o romanos. La forma del espacio sagrado dependía del territorio, la comunidad, la divinidad venerada y el período histórico.

Posiblemente serían entregados en cuevas naturales, especialmente asociadas a manantiales o fuentes subterráneas. El agua que emerge de la tierra tenía una carga sagrada evidente — era la frontera entre el mundo subterráneo y el de los vivos. O en abrigos rocosos y formaciones geológicas singulares, o en grietas y fisuras en el terreno, asociadas a prácticas oraculares o de contacto con el inframundo.

Pero a su vez sabemos que también hacía edificios, espacios en el campo bien delimitados, en donde durante siglos se hicieron prácticas y rituales religiosos y de entrega de elementos diversos.

Un dato que la arqueología ha confirmado sin duda, es que en muchos santuarios ibéricos se realizaban banquetes rituales comunitarios, es decir, romerías. Los restos de cerámicas para beber y comer, huesos de animales sacrificados, y en algunos casos espacios diferenciados para el banquete dentro del recinto sagrado, indican que la comida colectiva era parte integrante del ritual.

Esto tiene implicaciones para entender cómo eran los santuarios: no eran simplemente lugares donde se depositaban objetos ante una imagen, sino espacios donde la comunidad se reunía, comía y bebía en honor a la divinidad. Eso requería espacio para personas, fuego, recipientes, y probablemente algún tipo de techado o protección.

Y a su vez, requería unas fechas bien señaladas para que todos acudieran al lugar por algún motivo, en ciertos momentos de la vida en comunidad.Y es posible que en esos lugares hubiera algún tipo de santuario en donde hubiera imágenes más grandes para ser adoradas, como la que vemos en terracota. Por ejemplo la Dama de Elche, la Dama de Baza, o similares.

Mario Merz y una obra de Arte Povera

De su exposición en el Museo Reina Sofía de Madrid, en el Palacio Velázquez, os dejo una imagen de las obras retrospectivas que se presentaron del artista italiano Mario Merz. En este caso una obra del año 1989 titulada: "Declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano". 

Es una mezcla de neón, periódicos, metales y lienzo, construyendo una especie de paisaje dentro de aquella exposición que se tituló: El tiempo es mudo. 

Arte Povera, materiales pobres, reciclados en algunos casos, industriales o de esa cultura del siglo XX, muy industrial, muy comunicativa con materiales efímeros muchas veces.

¿Qué somos? 

¿Qué queremos pensar? 

¿Qué nos quieren dirigir a pensar? 

¿Qué vemos de entre todo lo que miramos? 

¿Qué se esconde dentro de lo abultado de todo lo que nos llega? 

Estamos halando del año 2019, hoy ya en el 2026 todo vuelve a tener el mismo sentido de dudas, de manipulaciones, de el poco valor que le prestamos a lo que firmamos, a lo que creemos que es válido, y en realidad es siempre papel mojado.

Mark Manders en New York

El Arte puede ser también algo desagradable como en este caso. La belleza se puede esconder dentro de lo extraño, de lo feo, de lo no habitual. Es una manera de provocar.

Esta escultura de Mark Manders, una destacado artista visual contemporáneo de Países Bajos y reconocido sobre todo por su proyecto continuo "Autorretrato como un Edificio" iniciado en 1986, que abarca escultura, instalación y dibujo, nos deja esta obra titulada "paisaje con Cabezas Pintadas" realizado en el año 2026 realizada con apoxy pintado, maderas y lienzo.

Está instalada en una amplia exposición de la sala Tanya Bonakdar Gallery de New York, donde presenta sus nuevas obras que van desde bustos monumentales de bronce hasta paisajes escultóricos abstractos y pinturas u obras discretas en papel.
Ensoñadoras y fragmentadas, estas nuevas piezas llenas la galería de New York como si fueran una serie de pensamientos a los que el artista dio forma y luego los congeló en el tiempo.

Experimentados juntos, las obras forman una especie de escenografía de la mente para que el visitante se mueva y habite rodeado de los pensamientos de artista.

Laura Gracia Lalá, y un lugar encerrado

En el hermoso montaje expositivo que ha realizado Lalá, Laura Gracia Lalá para el Centro de Historias de Zaragoza, y titulado "Donde habita el olvido" podemos ver estas verjas que nos recuerdan que a veces lo mejor para algunas memorias, es encerrarlas.

Los ecos del pasado —no recuerda Laura— resuenan entre rosas paredes, amplificando incluso esos recuerdos que queremos conservar, pero que a veces duelen. 

Podemos restar trozos de nuestra memoria, pero no siempre, no solo los que elegimos, no de una forma fija y para siempre. 

A veces olvidamos de forma parcial, y nos obligamos a seguir viviendo en esos recuerdos, incluso sabiendo que ya tenemos olvidos, sensaciones mezcladas que se quieren apoderar de nosotros. 

Simplemente es el mundo interior. El nuestro.

Hace 2.000 años ya se necesitaba la fotografía

Hace miles de años, los poderosos del mundo de aquellos siglos ya demostraban que necesitaban inventar la fotografía, para poder trascender, para que sus rostros se les recordaran durante siglos. Bueno, no sabían contar siglos, pero se los imaginaban.

Hoy ya hemos admitido como real las imágenes de aquellos importantes personajes, y en las representaciones actuales de teatro o cine, nos basamos de aquellos dibujos, grabados o esculturas, que no difieren mucho entre ellos. Debieron ser bastantes similares a la realidad.

Son representaciones, como en este caso, una hermosa Cleopatra, con 2.000 años de antigüedad, y que pensamos que son "fotografías" muy aproximadas a la realidad.

Por cierto, esta Cleopatra, nacida en el año 69 a.C. tenía sus orígenes en Macedonia, era por tanto de ascendencia griega y alcanzó el trono a los 18 años junto con su hermano Ptolomeo XIII de 12 años, con quien se casaría según se ordenaba en el testamento del padre de ambos.

Este tipo de matrimonios era corriente en la época. También llegaría a casarse con su otro hermano menor Ptolomeo XIV.

Hoy todos tenemos la opción de retratar "todo" y eso es tan brutal, que casi nos da miedo si pensamos que cada día se hacen 5.300 millones de imágenes, unas 60.000 fotografías por segundo. Imaginarnos esto es brutal, así que antes de publicar la tuya y la mía, piensa si sirve para añadir algo al mundo, pues lo cierto es, que ya todo está fotografiado.

Jaume Plensa: ¿Para qué sirve el Arte?

Os dejo una simple pregunta y respuesta de la revista ES+ al artista Jaume Plensa. Es aclaratoria, creo, sincera y que deberíamos leer un par de veces. La entrevista es del año 2025, pero la imagen superior titulada Caballo Negro, es del año 1986 en hierro colado.

-------------

¿Para qué sirve el Arte?

Es una pregunta que todos los artistas nos hacemos permanentemente. No sabemos muy bien para qué sirve, pero sin arte la vida es insufrible, especialmente en momentos históricos como los que estamos viviendo El Mundo está muy polarizado y el arte hoy es más necesario que nunca.

Escultura de Jaime I en Salou

Esta escultura representa a Jaime I el Conquistador, Rey de la Corona de Aragón que nació en Francia. Lo vemos erguido en el paseo de la localidad de Salou en Tarragona.

Fue un Rey con una infancia tremenda y difícil. Su padre, Pedro II el Católico (jodo) acabaría repudiando a la reina, María de Montpellier, y solo llegó a concebirlo dejando embarazada a la Reina mediante engaño de algunos nobles y eclesiásticos que temían por la falta de un sucesor, y con la colaboración de la propia María, haciendo creer a Pedro que se acostaba con una de sus amantes.

Estas circunstancias produjeron el rechazo de Pedro II hacia el niño Jaime I, a quien no conoció sino a los dos años de su nacimiento. Sería Católico el padre, pero era un burro.

La belleza de este grupo escultórico en el paseo central de Salou, junto a la playa no deja dudas y es de gran reconocimiento.

Es obra del arquitecto Salvador Ripoll y del escultor Lluís Maria Saumells, el cual realizó la figura del rey en piedra y la cabeza del caballo en piedra y revestida de pan de oro. El monumento fue inaugurado el dia 28 de Noviembre de 1965.

Arte Moderno con plástico. Greedo como Arte

Esto es Arte, aunque a una parte de la sociedad le confunda esta adjudicación. Pero es Arte. El personajes de Greedo es conocido por su confrontación con Han Solo en la cantina de Mos Eisley en la película Star Wars. Sobre todo en el episodio IV: Una nueva esperanza. 

Lo acepto, si se han creado dos mil ejemplares, ya no es Arte sino artesanía.

Era un cazarrecompensas de poca monta que trabajaba para Jabba el Hutt en el planeta Tatooine. Greedo era de la especie Rodian, caracterizada por tener un hocico parecido al de un tapir, ojos saltones y piel verde azulado o azul cían.

El Arte hoy ocupa muchos espacios diferentes y amplios, como es lógico, y eso logra que se trabaje ya con muy diversos materiales, por ejemplo el plástico, a la hora de crear esculturas.

Pero cada vez más, veremos materiales menos nobles que el mármol, pues la tendencia es ir hacia un Arte efímero en el tiempo, con menos valor contable, y más valor de su tiempo. Si queremos que el Arte entre en las nuevas generaciones, hay que crear también con los idiomas de las nuevas generaciones. Y digo TAMBIÉN, nunca digo "solo".

Zaragoza tiene grafiti en relieves grabados

No es sencillo colocar una línea divisoria sobre el Arte Urbano, sobre el grafiti. Y lo vemos con claridad en Zaragoza. Arriba vemos la tercera intervención mal atribuida al "Banksy zaragozano", pues siendo un atrevido artista escultórico, debería tener su propio nombre.

Esta abeja esculpida en piedra y colocada en un hueco roto de una de las paredes de El Pilar de Zaragoza es la tercera obra que coloca este artista en las iglesias de Zaragoza.

Hace algo más de un año se colocó en una pared de La Seo de Zaragoza una piedra tallada con una calavera, una cruz de Jerusalén y la leyenda ‘Memento amori".

Unas semanas después apareció otra piedra tallada en el exterior del Seminario de San Carlos de Zaragoza, también en el centro de la ciudad, en piedra arenisca de color claro y de casi un metro de altura, escrita en caracteres hebreos. La inscripción reproducía un texto de la Cábala en el que se cita a Satán.

De momento se sabe que esta abeja tallada en una piedra muy similar a la de la fachada de El Pilar, y que no se adivina bien qué podría representar. Pero la decisión de retirarla como con las anteriores piezas, ya está tomada.

Es muy posible que el autor de la obra tallada de la abeja, tuviera que ir necesariamente a las canteras de Fuendetodos a por un trozo de piedra del tamaño idóneo e idéntica a la que hay en El Pilar. Es un tipo de  piedra muy escasa y especial, llena de pequeñas caracolas fósiles.

Pero nadie sabe tampoco cuando tiempo lleva puesta esta abeja en el muro de una de las dos catedrales de Zaragoza. Se descubrió por casualidad hace unos días.

Es Arte Urbano, y de eso no hay duda. El autor se ha tomado serios cuidados para no romper nada de lo que ya existía, y de esa manera evitar un delito, aunque sea una falta lo que ha hecho. Creo. La ha colocado en una zona que ya estaba rota antes, como han demostrado algunos vídeos viejos.

No es tampoco algo que se puede hacer en segundos como se hace un grafiti con spray. Hay que tomar medidas y forma del hueco en donde colocar la escultura de la abeja, hay que limpiar la zona, hay que vigilar que no haya cámaras y luego hay que poner la obra en este caso parece que con cemento y eso lleva un tiempo. 

La decisión de quitarla es lógica, aunque en estos casos estamos hablando de obras con alguna significación, pues si se dejara no sería posible frenar estos usos en espacios públicos que se podrían desmandar o descontrolar. 

Pero como poco, es curioso tanto cuidado para hacer un grafiti en piedra tallada.

Abajo os dejo otra de las obras del mismo autor. Bueno, creemos que del mismo autor, pues es desconocido.

Pablo Gargallo y su Faunesa con pendientes

Aragón es tierra de muy grandes artistas plásticos y escultóricos, históricos y contemporáneos. El escultor Pablo Gargallo es ya de las dos categorías.

Del año 1915 podemos ver aquí esta máscara hecha en cobre y titulada "Faunesa con pendientes"de sus años más potentes de trabajo. Excesivamente joven nos dejó sin saber de qué manera podría haber evolucionado su Arte.

Mensajes embotellados, como idea para recoger gritos

Vemos un detalle de una persona que quiso sacar a la calle un contenedor para recoger deseos. 

Que le dejaran metidos en una botella, mensajes al aire. Mensajes embotellados que fueran gritos al aire. 

No sabemos si aquello tuvo éxito, si recibió la botella de secano algunos mensajes embotellados. 

Pero la idea es original e interesante si supiéramos hacer uso de la libertad de ir dejando esos gritos que nos sobran.

Retablo Mayor de la Catedral de Teruel

El retablo mayor de la Catedral de Teruel es obra del escultor francés Gabriel Joly, y dedicado a Nuestra Señora de Asunción, una obra muy hermosa realizada entre los años 1532 y 1536 en madera de pino. Gabriel Joly, escultor de origen francés afincado en Aragón y discípulo de Damián Forment, dedicó los últimos años de su vida a este encargo, falleciendo en Teruel en 1538, poco después de su finalización. El aprecio por su trabajo fue tal que el cabildo de la catedral decidió darle sepultura a la entrada del coro del templo.

Fue una obra que quedó sin policromar, nunca se pintó, lo que permite ver con todo lujo de detalle las escenas en la madera que se talló sin añadidos ni colores que distraigan, aunque es lógico suponer que hoy estarían perdidos.

La enorme obra hecha por el taller de Gabriel Joly no fue ya montada en la catedral de Teruel por él, sino que lo hizo el llamado Maestro Jerónimo. El retablo evidencia el conocimiento de los modelos del Renacimiento italiano. En una de las figuras de los apóstoles, Joly reproduce la cabeza del Padre Eterno que Miguel Ángel pintó en la Creación de Adán de la Capilla Sixtina.

En sus seis alturas y sus tres calles principales que legan a convertirse en 12 en la parte baja sin perder la idea de tres calles principales, se ven un alarde de escenas religiosas maravillosas, y tremendamente bien conservadas.

La escena principal es la Asunción de Nuestra Señora, titular del retablo y de la catedral, que ocupa la hornacina central. Rodeando la escena principal se encuentran relieves que narran misterios de la vida de Cristo y de la Virgen, como la Anunciación, la Adoración de los pastores, la Adoración de los Magos, la Resurrección y Pentecostés.

En el banco (parte inferior) se representan cuatro escenas de la Pasión de Cristo, mientras que el ático (remate superior) está coronado por un Calvario.

El retablo fue concebido como un retablo-custodia, con un espacio para exponer el Santísimo Sacramento. Esta característica es propia de las catedrales aragonesas, gracias a un privilegio otorgado por el Papa Luna (Benedicto XIII).

El óculo o hueco circular que hoy se ve sobre la escena principal de la Asunción no es un elemento original del retablo. En su lugar hubo un fondo escultórico con la Sagrada Familia que actualmente se conserva en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Escultura urbana del aragonés Pedro Ania

Esta obra del escultor de Calatorao, Pedro Ania titulada "Arte y Geometría" está colocada en una zona de relajación artística en los exteriores del Tanatorio del Cementerio de Zaragoza, una zona poco cuidada que representó una buena idea que no se está tratando bien.

Es una talla directa en la piedra de Villamayor de Armuña colocada temporalmente en la Plaza de los Olivos de dicho cementerio.

Francí Gomar y un retablo aragonés del siglo XV

Esta estructura en alabastro rosa, que se extiende a través de cinco partes en horizontal y en dos niveles en vertical, fue encargada por don Dalmau de Mur y Cervelló, arzobispo de Zaragoza de 1434 a 1458, para un altar en la capilla del palacio arzobispal. 

El nivel superior (destinado como base para soportar el retablo o retablo) contiene cinco escenas: San Martín o Tours dividiendo su capa con un mendigo, y Cristo apareciendo a él en un sueño (paneles izquierdos); el descenso del Espíritu Santo (panel central); y Santa Tecla escuchando la predicación de Pablo (panel del lado más a la derecha), y después de su conversión, siendo salvado por la intervención divina del fuego ardiente (segundo panel desde la derecha). 

Este retablo es el que veremos más abajo.

Cada uno de los dos paneles exteriores en la parte inferior izquierda (o pedestal) muestra una figura barbuda que lleva el escudo de armas del arzobispo. El escudo central del altar reconstruido, adornado contra una cruz, representa el Arma Christi (los instrumentos asociados con la Crucifixión).

La estructura está hecha de alabastro, una piedra suave pero compacta con un brillo translúcido. La facilidad para trabajar este material permitió al escultor, Francí Gomar, crear muchos detalles exquisitos. 

Solo quedan unos pocos rastros de la pintura original y el dorado, que cubría todo e conjunto. Según un contrato de 1458, el pintor Tomás Giner (activo en 1458-80) recibió el encargo de pintar y dorar paneles destinados a colocarse por encima de la predella. 

La inusual combinación de retablos pintados con una base de alabastro puede haber sido una medida necesaria para acelerar la finalización del conjunto antes de la muerte del arzobispo. Todo el conjunto se hizo en Zaragoza y mide algo más de 4,5 metros de anchura.

Motivos vegetales en capiteles de la catedral de Zaragoza

El uso de motivos florales en las decoraciones religiosas, algo tan bien asumido en la Sagrada Familia de Barcelona, donde al entrar no hay duda, estás entro de un gran bosque de columnas y palmeras, era una constante en los siglos anteriores.

Los grandes capiteles de columnas han tenido muchos ejemplos de utilización de motivos florales, arbustos, hierbas medicinales, y en Zaragoza tenemos el ejemplo de La Seo de San Salvador.

En sus columnas como vemos aquí, pero sobre todo en su colección de tapices que son un auténtico catálogo de plantas de todo tipo, muy bien repartidas por todos ellos. 

Se han escrito varios libros sobre esta peculiaridad plasmada en los tapices que se conservan en el Museo de Tapices de Zaragoza, dentro de la Seo de El Salvador.

Son recomendables los libros: Flora y vegetación en los tapices de La Seo, y Los tapices de la Seo de Zaragoza, ambos de los años 80 y publicados por la CAI (Caja de Ahorros de la Inmaculada)

Sepulcro zaragozano del siglo XIV en la Seo de Zaragoza

La Catedral de La Seo de Zaragoza (ya, sí, dos veces catedral) es una maravilla no siempre bien conocida. En su exterior, junto a la puerta de entrada está la parroquia, de entrada gratuita y dentro de ella un sepulcro maravilloso.

El sepulcro presenta una estatua yacente de Don Lope Fernández de Luna en la cubierta que es quien está dentro del sepulcro en alabastro, y una serie de “plorantes” o llorones encapuchados, bajo arcos claustrales en los tres lados visibles del sarcófago, y una representación de la ceremonia fúnebre del entierro en el fondo del nicho.

Todo el conjunto estuvo dorado y policromado y ahora solo quedan restos, con los fondos de las arquitecturas cubiertos de pasta vítrea de color azul, como en los sepulcros reales del Monasterio de Poblet.

Su autor fue el imaginero y orfebre y escultor barcelonés Pedro (Pere) Moragues, de quien se conoce documentalmente que durante los años de su estancia en Zaragoza trabajando en el sepulcro (1376-1379) recibió la cantidad de doscientos florines de oro de Aragón cada año, sin contar en el precio el gasto de material ni su alojamiento.

Por cierto en la misma parroquieta hay una techumbre mudejar maravillosa, de la que hablaré otro día, digna de ser visitada y admirada.

Una tarde que se acababa lentamente

Aquí hablamos de Arte Urbano, y nos imaginamos que solo vamos a comentar obras de Arte hecha por personas o en todo caso y si ampliamos algo la temática, obras de la naturaleza en estado puro.

Así que sí, entrarían esos paisajes de la naturaleza que son verdaderas obras de Arte y si están dentro de las ciudades, son Arte Urbano.

Este es un cielo desde Zaragoza, una de esas tardes que amenazan aire, que el cielo parece explotar de colores, y que finalmente y en este caso en concreto, ni agua ni mucho más de 5 minutos de tormenta de aire.

Los cielos son esos pequeños detalles naturales que nos alegran las tardes acabadas que quieren entrar en la noche todavía vacía.

Sancho Panza y su relación con Aragón

Hoy os traigo una escultura muy curiosa obra de Carlos Pérez de Albéniz realizada en el año 1989. En ella vemos a Sancho Panza reflexionando sobre su Ínsula Barataria.

Esta imagen es de cuando estaba en su primitivo emplazamiento junto a la orilla del Ebro en la localidad de Alcalá de Ebro. Ahora está unos metros distanciado, pocos, pues las avenidas del río hacían peligrar su presencia tan cerca de sus pensamientos hacia el Ebro.

Cuentan los estudiosos de su obra El Quijote, que Miguel de Cervantes situó la ínsula Barataria en esta población aragonesa y es por ello que tiene sentido la representación en este lugar de un meditabundo Sancho pensando, quizá, en la "ínsula" prometida por su amo. En ella había una plaza que decía: "Hoy día a tantos de tal mes y de tal año, tomó la posesión desta ínsula el señor Don Sancho Panza, que muchos años la goce". Cervantes

En la localidad de alcalé de Ebro nos encontraríamos con los dominios de Sancho Panza; la Ínsula Barataria, una isla natural creada por las constantes crecidas del río Ebro. 

Cervantes pudo ver esta peculiaridad del terreno, tras estar de visita por esta zona en Pedrola, en donde se hospedó Cervantes durante un viaje que realizó acompañando a Monseñor Aquaviva en 1562, y que serviría de inspiración para la definición y localización de las tierras que se entregaron a su icónico personaje, una isla denominada “Barataria” por lo barato que resultó el trato.