Visita a Art Basel 2026 en Basilea

He estado visitando Art Basel 2026 en Basilea, las nuevas tecnologías tienes esas ventajas, no es necesario viajar mucho y caro, para sentirte (casi) dentro del gran almacén que supone Art Basel. Puedes buscar un vídeo de casi media hora con el título Art Basel 2026 Unlimited Rundgang in Basel, y disfrutar (o no) como he hecho yo.

Mis conclusiones son una mezcla de varias apreciaciones esperadas. Por una parte hay que señalar que Art Basel es una feria, un mercadillo, un espacio para galeristas con ganas de vender y para coleccionistas muy ricos, con algunas ganas de comprar. Efectivamente, un mercado de Arte revueto pues hay muchas galerías mezcladas.

Hay que tener muchos millones para comprar. Eso es así. Sobre todo porque las obras, la mayoría de ellas, son tremendas, muy voluminosas, y debes tener una vivienda muy grande para meterlas, o unas oficinas tremendas o un garaje de camiones. Si las pones en un despacho, no entras.

El tamaño de las obras en el Arte Contemporáneo es (o lo parece) un activo positivo. Parece ser que aunque sea mediocre, si es grande ganas muchas opciones. Y puede ser verdad, pues el Arte nos entra a todos por la vista, antes de entrarnos en el cerebro. Nos llama lo que se escapa de la normalidad. 

Hay obras buenas, incluso hay obras —para mi gusto— muy buenas. Pero entiendo que eso va en selecciones muy personales. Hay obras que se repiten (o casi) con arreglo a ideas incluso viejunas. Pero hay vueltas de tuerca sobre otros proyectos ya vistos, que mejoran lo anterior. 

Pero el Arte no debe convertirse en solo Arte Tremendo, en Arte muy Grande, pues entonces para mi, pierde el sentido. A veces parece verse una selección de Ninot, de grande monumentos falleros de la costa levantina española. Pero en caro. Y no tengo dura: el Arte Fallero valenciano o alicantino debería ser respetado mucho más, y a veces salvado del fuego. Pero estamos hablando de otros conceptos artísticos que nacen para venderse y no para ser quemados.

Interesante propuesta la de Art Basel 2026 en Basilea, pero hay que explorar cambios, por parte de los artistas sobre todo, para impresionar más, para cambiar el Arte de este Siglo XXI, y así lograr que no parezca Arte del Siglo XX.

Por cierto, esta feria está hecha para personas mayores de 40 años, o puede que no. Pero es muy complicado ver jovenes entre sus visitantes, y eso se lo deberían hacer mirar.

Julio Puente

La calma en el Arte Islámico

El Arte Islámico no intenta contar una historia con personas; intenta hacernos sentir que la belleza puede construirse con líneas, colores, ritmo y paciencia. Es un arte que convierte la geometría en poesía y las paredes de sus espacios, sean palacios, mezquitas o casas particulares, en un lugar donde la vista nunca deja de descubrir nuevos detalles.

Aunque hoy podemos hacer estos dibujos con un ordenador, hace casi mil años todo esto se realizaba a mano, pieza por pieza, con una precisión extraordinaria. Los artesanos tardaban meses e incluso años, en terminar la decoración de una sola sala.

Esta imagen muestra una parte de un edificio construido en España por artistas musulmanes hace muchos siglos. Este tipo de decoración pertenece al Arte Islámico, un arte que buscaba transmitir belleza, armonía y la grandeza de Dios sin necesidad de representar personas o animales. En muchos edificios religiosos del Islam se evitaba representar personas o animales para que la atención no se dirigiera hacia las imágenes, sino hacia Dios y hacia la belleza de la creación.

En su lugar vemos dibujos hechos con líneas, hojas, flores y formas geométricas que parecen repetirse una y otra vez. Los artistas musulmanes pensaban que el universo estaba lleno de orden y de belleza. Por eso decoraban las paredes con dibujos que parecían no terminar nunca. Era una forma de recordar que el mundo creado por Dios también es infinito y está lleno de equilibrio.

En sus obras destaca el azul y el blanco. El azul recuerda al cielo, al agua y a la tranquilidad. El blanco transmite limpieza, luz y pureza. Con muy pocos colores conseguían que los edificios parecieran elegantes y luminosos.

Hay varios tipos de dibujos, de figuras. Trabajaban los motivos vegetales, que parecen hojas, flores o ramas, aunque muchas veces son imaginarias, las formas geométricas, construidas con una precisión casi matemática, y a todo ello le añadían escritura árabe, que en muchos edificios también forma parte de la decoración, aunque en esta imagen apenas aparece, excepto en la zona alta. Todo está hecho con muchísimo cuidado. Cada pieza parece colocada exactamente en el lugar donde debe estar.

Si observas esta imagen durante un rato, probablemente notes que transmite calma. No hay nada que llame la atención de forma brusca. Todo parece estar en equilibrio, como si cada dibujo ayudara al siguiente. Es un arte que invita a mirar despacio.

Qué es el Artivismo? Existe o es un invento de locos?

El Artivismo podría parecer la multiplicación de los panes y los peces, empleando al Arte como herramienta de Activismo, algo que sin duda se ha utilizado durante siglos y que ahora nos parece nuevo moderno. 

¿Qué eran si no Artivismo, muchos de los trabajos de Goya? 

¿Qué fue el Guernica de Picasso? 

Y no quiero adentrarme más lejos para no entrar en opiniones contrarias sobre lo que supuso la religión cristiana en siglos viejos que también utilizó el Arte para hacer propaganda.

El Artivismo es un uso lógico del Arte pues el arte nace de personas implicadas en su momento y en su sociedad, y utiliza el arte para influir en la política, en las opiniones, en su sociedad.

El Artivismo es sobre todo Arte Urbano, es Cartelería, son Gritos y frases envueltos en arte bastante básico pero no por ello debe ser considerado arte menor. Eso depende de cada obra y de cada artista.

El Artivismo es arte efímero en muchos casos que simplemente aspira a darnos una buena bofetada para que despertemos del momento actual. Lo cual a veces es contraproducente pues el Arte debe ser nada violento, excepto cuando la violencia forma parte de la propia obra, lo que siempre se produce cuando se nos despierta de golpe con una frase o una muestra gráfica contundente.

En las últimas décadas la fotografía tiene mucho de Artivismo, pues no esconde la realidad brutal que es capaz el ser humano con tal de seguir demostrando que somos animales, a veces racionales. Pero solo a veces. 

Hay que informar con el arte, hay que posicionarse y comunicar. Y es aquí cuando entra a saco el surrealismo, el dadaísmo, el futurismo, los videoartes o el arte conceptual, utilizando los espacios públicos y no los privados.

El Arte sale de los salones privados a los grandes salones públicos de la plaza, la calle, el centro cultural. 

El Arte Artivista se enfrenta a lo establecido, grita contra el poder, se queja pero sobre todo simplemente demuestra, señala, se expresa con el “hoy”. Mezcla color, formas, textos, poesía visual y mensajes. 

Toma partido y causa por la sociedad débil y se convierte en una herramienta más para luchar contra las desigualdades o las libertades de unos contra otros.

La obra de arriba se titula “La patera de los ricos” y fue pintada por Manuel Alcorlo Barrero en el año 1935, mostrando con toda la ironía posible a unos ricos que vuelven en patera pero conservando sus elegantes trajes pero tal vez asustados al tener que luchar contra los elementos como cualquier emigrante que se juega la vida.

Pintando al natural, es meterte en la escena

¿Has salido alguna vez a pintar del natural, con tus propios bártulos a la calle, a disfrutar de recoger la sensación y el sabor de la escena natural? 

Ya, no es sencillo en estos tiempos de urgencias y soledades.

Una fotografía de una escena podría competir con el lujo de salir a dibujar o pintar a la calle. Luego en tu casa, en tu estudio, con esa imagen digital o en papel, puedes realizar la obra, y al igual que desde el mismo lugar, puedes ir cambiando color, elementos, luces.

Pero pintar desde la calle, desde el paisaje, tiene otro sabor. No es sencillo, se te quedan mirando aunque casi nunca hablan u opinan. Pero eso también depende del carácter del artista y de sus deseos de compartir, de escuchar.

Esta chica estaba en la Aljafería de Zaragoza captando los brillos de las fuentes árabes y con un fondo islámico enmarcando la escena. 

Literalmente, estaba dentro de la escena, formaba parte de ella, algo que si lo hacen en tu estudio, no sucede.

¿Qué es el collage artístico y qué técnicas y materiales emplea?

El "collage" como técnica artística significa "pegar" sobre el lienzo o la página en blanco que puede ser incluso una partitura, "trozos" de otros elementos similares para crear algo nuevo, o cualquirr base que nos sirva como lienzo aunque no sea una tela. 

En los últimos tiempos y con una especie de resurgir de esta técnica que empezó casi con el siglo XX se emplean elementos y texturas mucho más complejas de mezclar, de pegar hasta lograr formar una obra nueva. 

Hoy es posible pegar fotografías, recortes de prensa como se hacía siempre, pero también músicas, vídeos o elementos de la vida cotidiana hasta formar nuevos puntos de vista, nuevas formas de intentar entender los momentos.

Repito: College es Pegar.

Podemos por ejemplo pegar maderas con cemento, ladrillos con telas, sacos con escayolas hasta formar collages que se convierten en esculturas planas, en mezclas en relieve donde la pintura ya desaparece para dejar paso a modos y formas totalmente distintos.

Pero a su vez también podemos explorar nuevos caminos, nuevos campos. Pegar y completar con pintura o dibujo. Pegar el conjunto pegarlo en una pared y luego todo eso fotografiarlo para mostrarlo o enmarcarlo.

Construir o crear con unos textos sacados desde distintas ideas, para configurar literatura aleatoria, surrealista, textos dentro de automatismos que pueden configurar nuevas ideas de locura creativa, de composiciones nuevas que quieran abrir nuevos caminos de expresión.

Esta obra que vemos arriba es de una estudiante de Arte zaragozana de nombre Carmen, realizado con simples recortes de revistas. 

Es tan sencillo o complejo como saber elegir los trozos de papel y utilizarlos simples pinceladas, las tijeras como pinceles, pero cuidado, eso que parece fácil es tremendamente complejo.

Primero tienes que saber qué quieres crear y luego saber elegir colores y formas de pequeños elementos hasta configurar —como si fuera un puzzle— toda una nueva obra que tienes en la cabeza y que deseas configurar con "trozos" pegados. 

En este caso es con recortes de papel, pero la evolución es clara, cuando se domina la técnica aparecen nuevas necesidades con nuevos materiales.

Una poesía puede ser considerada un collage si utiliza sensaciones y se pegan en un texto final que las reúne. Como podemos intuir, el collage tiene muchos fundamentos y opciones.

Detalle del Autorretrato de Vincent van Gogh

De esta obra de Vicent van Gogh, uno de sus autorretratos, quiero mostrar de cerca el tipo de brochazos que realizaba en sus obras, casi un puntillismo en este caso, en donde buscaba simplemente incluso con los colores que utilizaba, que se uniera en nuestra cerebro la mezcla de pinceladas y tonos, para que se produjera un determinado color y sensación. 

Este famoso "Autorretrato" de Vincent van Gogh, fue pintado en septiembre de 1889, durante su estancia en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, en Francia.

Destaca por sus intensas pinceladas ondulantes sobre todo en el fondo que crean un efecto de movimiento en ese fondo y ropa, contrastando con la mirada penetrante y tranquila del artista. De alguna manera parece buscar un efecto de relieve, de movimiento en su personaje.

Actualmente, esta obra forma parte de la colección del Museo de Orsay en París, una obra postimpresionista clara.

Los Cadáveres Exquisitos de Txuspo Poyo

Las técnicas surrealistas del ejercicio llamado "Cadáver Exquisito" es un modo de creación colectiva, popularizada por los surrealistas desde 1925, y que consiste en trabajar componiendo palabras o imágenes en grupo, entre varias personas.

Los participantes de estos ejercicios llamados "El Cadáver Exquisito" añaden partes individuales a una obra (escrita, dibujada, pintada, collage) doblando un papel para ocultar lo hecho anteriormente por los anteriores artistas que han ido creando antes en el mismo lienzo, permitiendo ver solo el último detalle para guiar la continuación de lo que hace el que interviene a continuación, resultando en creaciones automáticas, lúdicas e inesperadas.

Si es texto literario, se puede dejar un párrafo o una línea del anterior creador para que continúe el siguiente. Se va creando una suma de elementos de diferentes artistas, que sin conocer lo anterior o solo de forma leve, intentan completar algo, que no se sabe qué va a ser, no tiene un esquema, una idea o un boceto de creación.

El artista navarro y vasco Txuspo Poyo ha presentado en Bilbao su exposición "Anónima" con una buena suma de sus diferentes obras y entre ellas hay una que agrupa a muchas de las creadas por él, que se compone de un buen número de estos "Cadáveres Exquisitos".

En páginas de periódicos impresos y adaptados a un tamaño idéntico en todos los casos, ha ido añadiendo elementos pictóricos sobre personas ya fallecidas, que reflejan a esos personajes famosos.

Estos obituarios recogidos y creados entre los años 2001 y 2025, son de alguna manera los testigos de personas o de situaciones que pasan en nuestro tiempo, utilizando la noticia del diario sobre los fallecimientos, y que son intervenidos para añadirles el punto de vista de Txuspo Poyo como homenaje al protagonista y creando un archivo visual, digital, que es el que vemos en la exposición.

Al final se crea un archivo de "Cadáver Exquisito" pues interviene lo creado por un medio de comunicación al que se ha añadido el punto de vista del artista Txuspo Poyo.

Impresión digital de José Antonio Azpilikueta

El artista vasco José Antonio Azpilikueta nos muestra en esta obra una impresión digital hecha en el año 2025 de un dibujo suyo.  Ha titulado este trabajo como: "Quiero ver tu sol".

Profesor nacido en Eibar, utiliza la impresión digital para poder tener una obra más acababa, y que puede servir a un precio mucho más justo y de esa forma multiplicar o democratizar el acceso a tener obra gráfica y artística en nuestras casas.

Tenemos que asumir con normalidad que ni las impresiones de obras de arte son algo nuevo en el mercado del Arte, ni vienen a restar valor a las obras, si se hacen bien. 

Y en una técnica artística, sea litografía, digital o serigrafía, que permite realizar cambios en las obras que den como resultado obras finales muy personalizadas y de gran calidad.

El mundo digital en el Arte hace décadas que ya vino para no marcharse, como ahora sucede con la IA. Todo depende del uso, de quien lo utiliza y para qué.

Cartel de la película Plácido de Berlanga

Vemos arriba una copia del cartel de la película Plácido, dirigida por Luis García Berlanga y estrenada en el año 1961, una obra de gran repercusión internacional en su momento y considerada hoy una de las mejores comedias de su director. La película fue candidata al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa —hoy denominada Película Internacional—, galardón que finalmente no obtuvo.

Durante años, la conservación del film fue problemática debido a la pérdida de materiales originales, pero en 2009 el IVAC (Filmoteca Valenciana) llevó a cabo un proceso de restauración que permitió recuperar y digitalizar la película, asegurando así su preservación y difusión para nuevas generaciones.

El argumento es de una acidez extraordinaria. En una pequeña ciudad española, un grupo de damas piadosas, entregadas a una caridad más aparente que real, organiza una campaña navideña bajo el lema “Siente usted un pobre a su mesa”. 

Bajo esta consigna, se pretende que las familias acomodadas inviten a personas sin recursos a compartir la cena de Nochebuena, en una operación tan bienintencionada como hipócrita.

Para dar mayor realce al evento, se busca el patrocinio de una marca de ollas y se invita a un grupo de artistas de segunda fila llegados expresamente desde la capital, y recibidos con entusiasmo en la estación. 

La jornada “benéfica” se completa con una vistosa cabalgata, una subasta pública de los propios pobres como convidados y una cuidada retransmisión radiofónica que amplifica el carácter propagandístico del acto.

Pero Berlanga —con la colaboración esencial del guionista Rafael Azcona— no se limita a la anécdota. A través de una narración coral y un ritmo frenético, construye un retrato implacable de la España de la época: una sociedad donde la caridad se convierte en espectáculo, la miseria en decorado y la buena conciencia en un ejercicio superficial.

Una obra de Arte, la película Plácido se inscribe así en la tradición del esperpento celtibérico, ofreciendo una visión deformada pero profundamente veraz de una realidad social que, bajo la apariencia de generosidad, esconde profundas contradicciones. Una película que provoca la risa, sí, pero también incomodidad, reflexión y, en más de un momento, una amarga sensación de reconocimiento.

Maira Kalman en una portada de The New Yorker

Esta portada de la revista The New Yorker está realizada por la ilustradora Maira Kalman, artista, ilustradora de libros y diversos tipos de diseños, escritora y diseñadora estadounidense conocida por su pintura y escritura sobre la condición humana en general.

Maira Kalman nació en Tel Aviv, Israel. Su madre, Sara Berman, era originaria de Bielorrusia y se había mudado a Israel para escapar de los pogromos (ataques violentos contra los judíos que vivían en Rusia en aquellas décadas cercanas a las II Guerra Mundial).

A partir de mediados de la década de 1980, Kalman comenzó a publicar libros infantiles. Su primer libro infantil, Stay Up Late (1985), presentaba ilustraciones combinadas con letras del músico David Byrne. El libro contaba la historia de unos niños que evitan que su hermano pequeño se duerma.

Maira Kalman ha sido colaboradora de The New Yorker desde 1995 y ha producido muchas ilustraciones de portada, así como columnas ilustradas. 

El entorno urbano de la ciudad de Nueva York da vida a la creatividad de Kalman y también se ha inspirado en la geografía de la ciudad y en los puntos de referencia conocidos.

Calabuch, una de esas películas inolvidables

Muy pocas veces hablo en este lugar de Cine, del Arte que representa el Cine, literatura pura que no siempre valoramos bien. Excepto como objeto de entretenimiento.

De jovencito vi esta película de la que dejo el cartel: Calabuch, que es una película española dirigida por Luis García Berlanga y que fue estrenada el 1 de octubre de 1956. Casi hace ya 70 años.

El título de la película se refiere al nombre imaginario que recibe el pequeño pueblo en el que se desarrolla la historia de la película. Que en realidad es Peñíscola.

Con motivo del quincuagésimo aniversario del rodaje, en el año 2006, se celebró un homenaje al director y a la cinta en el marco del 18.º Festival de Cine de Comedia celebrado en Peñíscola.

El recuerdo de aquel viejo profesor joven que lograba motivar a las gentes de un pueblo me pareció precioso, lleno de energía positiva. Muy bien interpretado por el actor inglés Edmund Gwenn que murió tres años después de la película, siendo esta su última película.

Miquel Barceló y Un Fantasma

El artista Miquel Barceló me encanta, su forma de trabajar los materiales, su mezcla de surrealismo y arte brut, sus ideas e imaginaciones me llenan. Intento ver su obra siempre que puedo.

Este cuadrito pequeño lo tituló "El fantasma número 6" y lo hizo en el año 1990 con óleo y ácidos corrosivos sobre lienzo.

Este juego que hace de figuras, de convertir sus obras en objetos como de basura, corroídos o rotos, carcomidos y pasados por siglos de tiempo, convierten su obra en algo único y a la vez de original, muy actual.

Grabados de Luis Feito. Colección Peñalara

Esto que os muestro hoy es una serie de seis grabados de Luis Feito, que tituló "Peñalara" y hechos en el año 2000. Unos grabados al aguafuerte, aguatinta y punta seca sobre planchas de zinc, con plantillas de color y estampados sobre papel grueso.

Son unos grabados grandes, de 76 centímetros de altura, de los que se hicieron 75 ejemplares, estampados por Rafael de Rivera y editados por la Galería BAT de Alberto Cornejo.

Contemplar estas obras es un lujo. Tenerlas en propiedad es ya otro tipo de lujos por su precio, entre los 1.200 y los 1.500 euros cada copia, pero esa es otra. El grabado y sus impresiones, si están bien hechas, son un lujo y muchas veces una inversión y una manera de poder disponer de una colección de Arte, para disfrutar de él.

Tampoco hay que comenzar una colección de Arte con autores de gran prestigio, se puede comenzar con grabados menores, y poco a poco ir aumentando pues de lo que no hay duda, es de que el gusanillo por "tener" es contagioso y multiplicador.

¿Qué son los Art Journal, los Diarios de Arte Visuales?

Llamamos Art Journal a un Diario de Arte, es decir a un clásico diario personal donde además de texto hemos ido añadiendo como si fuera un Libro de Artista, pequeñas obras de dibujos, pinturas, acuarelas, collages, que nos gustan, nos divierten incluso, nos acompañan al contenido de los textos para complementar lo que deseamos expresar. 

En realidad son Book de Artista, Diarios Visuales, Diarios Creativos que a veces llegan a tener un gran valor no solo testimonial sino artístico, que se comienzan casi como un juego personal y al final se van convirtiendo en obras de arte con todas las consecuencias. 

Hay que buscar mezclas de Poesía Visual, Arte y Diseño en dibujos y pinturas y sobre todo una marca personal, creativa y divertida. 

Los Art Journal tienen que representarnos, son parte de nuestras obras y aunque utilicemos técnicas distintas o incluso maneras expresivas diferentes a las que empleamos habitualmente, son parte de nuestra obra artística más personal.

Hoy ya, por poco precio se pueden comprar cuadernos en blanco, encuadernados, con papel de acuarela, que se prestan muy bien a este tipo de ejercicio casi de desahogo. 

En la Cadena Tiger se pueden encontrar en diversos tamaño y encuadernaciones, ejemplares en papel de pintura entre 3 y 4 euros. Un buen precio para empezar a practicar los Art Journal, ver hasta dónde somos capaces de darles sentido, y junto a unos rotuladores, unos lápices de colores, acuarelas, empezar a practicar estos Diarios de Arte. 

Serán libros, libretas, que llevarán mucho trote, que tendrán que aguantar mucha carga de pintura, así que sin duda y tras probar si nos atrevemos, tendremos que ir a mejores calidades y a precios más altos en las libretas. 

Si el papel es muy fino mi consejo es que no lo aproveches por la dos caras y solo trabajen en una de ellas para no forzar en exceso el papel. 

Y si en tu libreta vas realizando collages y por ello empiezan a resultar excesivamente gruesa, puedes cortar con una cuchilla hojas alternas dejando unos milímetros de la hoja en la zona de encuadernación, para que el grosor del papel más el de los elementos pegados no resulte excesivo. 

Y recuerda que en el Art Journal como en la mayoría de las técnicas artísticas NO HAY REGLAS establecidas y fijas, estos para cambiarlas y modificarlas a nuestro gusto y necesidad.

Sergey Piskunov y sus óleos hiperrealistas

El artista ucraniano Sergey Piskunov (Lysychansk, 1989) que vive en la actualidad en Países Bajos es un pintor de hiperrealismo fotográfico, conocido por sus grandes retratos y escenas acuáticas de fuerte carga sensual y atmosférica.

Procede del mundo de la informática, y ha desarrollado una trayectoria internacional con exposiciones en Ucrania, Alemania, Reino Unido, Estados Unidos y Suiza. Lo que vemos arriba como uno de sus ejemplos, podría parecer una fotografía pero en cambio es un óleo de 160 centímetros de altura aunque pueda parecer lo contrario. Un trabajo realmente muy detallista e hiperrealista. 

Comienza a pintar de forma autodidacta en torno al tercer curso de la carrera de Ingeniería de sistemas informáticos, tras recibir como regalo pinceles y óleos, y compagina durante unos años la pintura con trabajos como tester y programador en empresas de software. Un ejemplo perfecto para entender que el Arte es una parte de la vida de muchas personas.

A principios de la década de 2010 realiza sus primeras exposiciones personales en Kiev (Art Hall, Museum of Hetmanate, New Gallery) y finalmente abandona el sector IT para dedicarse por completo al arte.

Mantiene una fuerte presencia en redes (Instagram, Facebook, YouTube), donde comparte procesos de trabajo y vídeos didácticos sobre pintura hiperrealista, lo que refuerza su perfil de artista‑marca muy alineado con la cultura visual digital.

Su obra se puede leer como síntesis entre el hiperrealismo anglosajón (Close, Cotton) y una sensibilidad más abiertamente sensual, donde la piel, el brillo y el agua funcionan casi como metáforas de exposición y vulnerabilidad.

Una de las series más conocidas es “Golden Masks”, en la que modelos (como Dasha Astafieva) aparecen cubiertas de pan de oro o polvo brillante, en composiciones que alternan glamour, fetichismo y teatralidad barroca.

Chiamonwu Ifeyinwa y sus dibujos hiperrealistas

Cuando estás aprendiendo arte, que te hagan trabaja con lápices en blanco y negro, con carboncillos y difuminos, te cansa sobremanera. Pero estos dibujos hiperrealistas de la artista nigeriana Chiamonwu Ifeyinwa Joy que con 30 años están sorprendiendo por su calidad y sus encuadres y miradas de los personajes, que se inspiran en su cultura Igbo y en las tradiciones que forman parte de ella, están realizados con grafito y lápices de diferentes durezas.

"Para una gran obra de arte, me toma alrededor de un mes completarla. Para un lienzo mediano o pequeño, puede tomar hasta dos o tres semanas. Decido qué dibujar por cuánto me conmueve y me fascina el tema u objeto. Cuánto me habla a nivel personal, espiritual y creativo. Todas mis obras de arte cuentan una historia”.

Chiamonwu Ifeyinwa Joy no estudió arte, pero ahora dibuja profesionalmente y muestra sus obras impresionantes, que también vende ya a sus clientes en galerías importantes, además de moverse muy bien en redes sociales dando a conocer sus obras. 

Philip Guston y su litografía Pile Up

Esta litografía del artista norteamericano Philip Guston realizada en el año 1980, e impresa en papel Barcham Green Crisbrook, con el sello de la propiedad del artista emitido, hizo una edición de 50 ejemplares (también había once pruebas del artista), y publicadas por Gemini G.E.L.

La litografía titulada 'Pile Up' fue una de las últimas obras de Guston antes de su muerte en ese mismo año. A menudo se sabía que Guston alternaba entre la abstracción y la figuración y este trabajo ejemplifica la fusión de estos dos movimientos.

Las influencias abstractas se sienten en la composición, pero los indicios de figuración emergen más claramente en la parte inferior izquierda, con la pieza con la herradura.

Esta litografía nos lleva al mundo de Guston dentro de un equilibrio entre la realidad tangible y el expresionismo abstracto místico por el que es famoso. Guston falleció durante la finalización de esta edición, lo que resultó en que Gemini G.E.L. tuvo que publicarla póstumamente en 1981.

La Tate Modern, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Filadelfia tienen una edición de 'Pile Up' en su colección permanente, anunciando la importancia de la obra de Guston en la historia del arte estadounidense y el movimiento expresionista abstracto.

Ernst Ludwig Kirchner y una xilografía

Esto que vemos arriba es una xilografía (grabado en madera) hecha en el año 1919 por el alemán Ernst Ludwig Kirchner. En ella representa a David Müller con su característico estilo expresionista, de líneas enérgicas y contrastes marcados. La estampa formó parte de una carpeta o portafolio de estampas, difundida bajo el sello editorial Bauhaus Drucke, que reunía obras gráficas de vanguardia en los primeros años del siglo XX.

En el año 1937, en plena ascensión del nazismo en Alemania, su obra se calificó en su país de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello, y falleció un año después, en 1938.

La obra es del Museo de Arte de Blanton de la Universidad de Texas.

José Orús y sus texturas con luz para mostrar otros mundos

El artista aragonés José Orús Fernández creó un mundo completo de sueños, lleno de otros mundos que iluminaban sensaciones y nos hacían imaginar que era posible escapar hacia otros lugares lejanos, sin estar seguros de que efectivamente podrían o no existir.

Esta obra que vemos arriba, de la década de los 70, se titula "Mundos paralelos" y se encuentra desde hace muchos años en el tanatorio de Zaragoza, dando el saludo a las familias y amigos que acuden a dar el último recuerdo a sus allegados.

Existe luz al final de los caminos. Y sobre todo existe espacio para estar contemplando.

Son obras que impresionan, todas ellas (casi) con un denominador común; la luz que surge a través de la oscuridad. 

La chaqueta amarilla de Pablo Picasso

Pablo Picasso hizo varias obras similares que se podrían llamar deforma muy similar. Este versión también mencionada en el contexto de su relación con Dora Maar, a veces les conocida como "La chaqueta amarilla" otra veces como "La blusa amarilla" y la pintó en el año 1939. Se distingue por el uso de este vibrante color en la vestimenta de la retratada.

Es un oleo sobre lienzo, y se caracteriza por el uso de la línea en forma de "telaraña" que entrelaza objetos y personajes, aunque en esta obra la técnica se limita a la chaqueta amarilla, mientras que el resto del cuadro se enfoca en los contornos nítidos y los campos de color.
Forma parte de la colección de Berggruen, actualmente en depósito en la National Gallery de Londres.