Una dama francesa de Antonio Saura

En el año 1956, un Antonio Saura con 26 años pintó esta “Dama” al óleo sobre lienzo que hoy dejamos como despedida para un año 2011 que en ARTE nos ha dejado sus luces, demostrando que incluso con graves crisis económicas siempre habrá momento para disfrutar de aquello que nos gusta.

En aquellos años el pintos aragonés estaba trabajando en París pinturas de diseño orgánico y aleatorio sobre lienzo y sobre papel, mediante técnicas muy variadas. Realizó las series de los Fenómenos y de los Grattages y las primeras pinturas realizadas a partir de la estructura del cuerpo femenino como esta que os dejamos para despedir el año y que se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Cabezas y caretas, de José Gutiérrez Solana

Este óleo de José Gutiérrez Solana pintado en 1943 y titulado “Cabezas y caretas” siempre me ha provocado admiración en mis visitas al Museo Reina Sofía. No sabría bien explicarlo, es un cuadro que produce dolor, miedo, temor incluso en sus colores algo apagados y tenebrosos. Refleja una España rural seria y pesimista, un país de postguerra lúgubre y doloroso. Pero tal vez ese dolor se ve en sus cuadros, se traslada al espectador sin decirle claramente en qué momento está pintado aquello. Es miseria, es hambre, es sociología en unos años de censura. Es la España rural reflejada en un oleo que intenta despertar poco a poco, a través de su emigración en busca de otros colores, de otras visiones.

Liliana Porter nos presenta “Arruga, instalación, ambiente I”

Os dejo una instalación del Museo Reina Sofía de Madrid, de la artista argentina Liliana Porter, llamado “Arruga, instalación, ambiente I” compuestos de hojas de papel impreso en offset que cubren parcialmente una pared y que son arrugadas en sus extremos, tal y como indica el cartel explicativo.

Liliana Porter se forma en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, y en la Universidad Iberoamericana de México. En 1964 se traslada a Nueva York, donde reside en la actualidad. Emplea juguetes, muñecos, fotografías o papeles para de manera irónica crear desconcertantes diálogos con los espectadores, obligándoles a entrar dentro de sus obras, para que formen parte de la obra como un elemento más del conjunto.

Cómicos. Publicidad de Campofrío maravillosamente melancólica

El anuncio de Campofrío para esta Nochebuena, antes de las palabras del Rey en España, es una maravilla deliciosa y triste, a partes iguales. Un ejemplo enorme de que con la publicidad también se puede hacer ARTE y trasmitir historias. “Cómicos” en homenaje a Gila o a todos los que intentan hacernos reír. O incluso para todos los que tenemos que saber que de esta se sale con personalidad y ganas, sabiendo quien somos y hacia donde queremos ir, es un maravilloso ejemplo para hacernos pensar e incluso poner una gota de melancolía en nuestros corazones.

Jorobado se lo van a dejar al Rey esta noche.

Familia india en busca de su futuro, como caracoles plácidos

Esta imagen es de Sivaram V y servida por Reuters —desde donde la he obtenido desde www.boston.com— me sirve perfectamente para en estas fechas de balance por un 2011 complicado, y en donde son centenares las imágenes que nos pueden servir para señalarnos este año muy duro, con terribles momentos repartidos por todo el mundo, con fechas que pasarán a la historia mundial, como parte de un mal año, pero vivo y espeso. Es una imagen artísticamente perfecta, completa como si de un acto teatral se tratara, ensenándonos el dolor y la tranquilidad a partes iguales. Tal vez dolor para nosotros, pero no para ellos.

He preferido elegir esta imagen atemporal casi, de una familia de pescadores de India, que a la afueras de la ciudad de Kochi, van ganándose su vida atravesando el río Periyar en busca de pescado que poder luego vender en los mercados, sobre cualqueir otra representación fotográfica para reflejar el día a día actual de muchos millones de personas. Cargan con todos el hogar encima, con su hija que plácidamente duerme en espera de su futuro. Refleja la pobreza que no podemos erradicar. También el arte fotográfico que es capaz de apoderarse de todos los sentimientos.

El papel de los museos debe cambiar. El Reina Sofía, un museo imprescindible que hay que cuidar

En alguna ocasión lo he apuntado e insisto en ello: Los museos, sobre todo los importantes, no pueden ser meros contenedores de obras, sino también o sobre todo, lugares vivos, rompedores, y a su vez espacios pedagógicos.

Y me refiero sobre todo por mis numerosas visitas al Museo Reina Sofía de Madrid (hasta el año 2011, pues después ha mejorado bastante). 

Su orden no me gusta, no es fácil dejarse llevar sin que parezca un barullo sin orden clara, entre fondos fijos, fondos movibles según épocas y exposiciones temporales. Pero sobre todo no entiendo que sobre algunas exposiciones puntuales a veces tengamos dudas sobre su elección y sobre todo no estén acompañadas de más información sobre sus formas, lo que representaron, como evolucionaron, incluso sobre el contexto histórico y cultural sobre los que se edificaron.

Lo sé, mucha gente no lee los carteles informativos, pero hay más fórmulas, como pequeños catálogos en papel pero sobre todo más información en internet para que el visitante puede completar su visita desde casa, rellenando huecos, ampliando lo vista. O incluso llegando ya con unos conocimientos básicos, suficientes.

Descubramos Alemania de la mano de Colonia y el Rin

La arquitectura religiosa si además es gótica, impresiona. Pero pocas iglesias impresiona más que la Catedral de Colonia en Alemania. Por su color negro, por su tamaño y esplendor, por su posición junto al río Rin, por su interior con la presunta tumba de los Reyes Magos, por ser la segunda catedral gótica más grande del mundo tras la de Sevilla, por su gran plaza que la envuelve. Una catedral que tardó más de 600 años en terminarse; digo esto para los que se quejan de la enorme tardanza en la terminación de la Sagrada Familia de Barcelona.

Pero si nos acercamos a las tiendas de recuerdos que hay junto a la Catedral de Colonia, veremos que nos ofrecen imágenes y postales de cómo quedó la Catedral de Colonia tras la II Guerra Mundial y entonces sabremos que es casi milagroso que se hay podido conservar hasta estas fechas. Por cierto también nos venderán la famosa agua de colonia primitiva, la posiblemente auténtica colonia de Colonia, la primera colonia que se fabricó en el siglo XVIII.

Colonia es una ciudad para adentrarse en la vida alemana. No es posiblemente la mejor, pero sin duda es una ciudad que hay que conocer y saborear, con un tamaño muy idóneo para no perderse, que supera en poco el millón de habitantes pero posicionada y rodeada de otras grandes ciudades que también hay que visitar, como Düsseldorf, Bonn o Leverkusen. Ciudad por cierto, Colonia, hermanada con Barcelona.

Las torres con sus 157 metros de altura, fueron hasta 1884 el edificio más alto del mundo. Está advocada a San Pedro y Santa María y es el monumento más visitado de Alemania.

No olvide de visitar en colonia algunas de sus famosas cervecerías, alguna muy cerca de la misma catedral y en donde podrá disfrutar de bebida, comida y ambiente típicamente alemán de verdad.

Cristina Megía nos deja un cuadro titulado "Alicia"

La pintura puede intentar ocupar espacios que hoy la fotografía llena completamente, pero no será nunca un intento por copiar procesos sino por representar lo que se desea añadiendo su particular manera de entender el arte. Por ejemplo en pintura se puede jugar mucho mejor con la iluminación, con los encuadres, con el punto de vista. Pero en arte mejor casi siempre es “más complicado” y por eso cuando algo sale bien o muy bien, es más valioso. También en pintura se puede trabajar la instantánea.

Os dejo un cuadro al oleo de Cristina Megía Fernández, titulado “Alicia” de la exposición de Ibrcaja Joven 2011.

Naturaleza imperfecta de Alejandro Monge

Entre las obras seleccionadas en los Premios Ibercaja Joven 2011 está este cuadro al óleo —efectivamente no es fotografía y hay que mirar muy de cerca el original para asegurarlo— de Alejandro Monge. Es una obra de 200 por 200 milímetros; un cuadro grande y con todo lujo de detalle en piel y cabello. Una obra para disfrutar del trabajo pictórico realizado al máximo detalle que se llama "Naturaleza imperfecta".

En los barcos de guerra, también se puede jugar con música

Los barcos de guerra pueden ser también simpáticos, si están parados y no trabajan para lo que los han creado. Tenemos el ejemplo del “HMS Ocean” que tras su guerra en Libia han creado un vídeo muy simpático para felicitar las navidades a sus familiares. Ha estado más de 7 meses fuera de su tierra `pero el sentido del humor no lo han perdido. Una pena haya sido un trabajo bélico, pues la paz siempre es mucho mejor que la más venial de las guerras.

DALeast es un artista chino Street Art / DALeast is a Chinese artist Street Art

DALeast es un artista chino que nació en 1984 y que tras estudiar escultura en las Escuelas de Bellas Artes de su país comenzó a hacer de la calle un arte muy personal (Street Art ) en 2004 bajo el alias de DAL. Él se inspira en la forma en que el mundo material se mueve, cómo el mundo espiritual se despliega para convencer, reflejando las emociones de la vida y el espacio infinito que nos rodea a todos. 

DALeast usa diferentes medios pictóricos, métodos diversos, disciplinas y espacios públicos o privados para crear sus obras, dando vida a animales o criaturas muy personales que por su forma de mezclar la pintura desde la óptica de la escultura en su creación, resultan muy originales y novedosos. También hace pintura de estudio y vídeo. La imagen que dejo en la entrada es de París.

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DALeast is a Chinese artist who was born in 1984 and who after studying sculpture in the Art schools of his country began to do very personal art of the street (Street Art) in 2004 under DAL's alias. He inspires by the form by that the material world moves itself, how the spiritual world despliega to convince, reflecting the emotions of the life and the infinite space that us makes a detour to all. He uses different pictorial means, diverse methods, disciplines and spaces public or deprived to create his works, giving life to animals or very personal creatures that for his way of mixing the painting from the optics of the sculpture in his creation, turn out to be very original and new. Also it does painting of study and video. The image that I leave in the entry is from Paris.

IV Premio de Pintura Joven de Ibercaja para Alcoy Ferrán

El Museo Camón Aznar de Zaragoza (hoy Museo Goya), propiedad de Ibercaja, nos mostraba hasta finales de diciembre de 2011 la obras ganadoras y seleccionadas del IV Premio de Ibercaja de pintura joven.

La obra ganadora, de la que dejo una imagen fue “VIII Estudio de Color” del pintor de Alcoy Ferrán Gisbert, que en acrílico ha pintado unas barras difuminadas de gran calidad técnica pues los difuminados siempre son complejos y más cuando son el único elemento de la obra, que sorprender por su atrayente conjunto que casi embriaga al contemplarlo.

Pero debo decir que varias de las obras expuestas son realmente maravillosas y merecedoras de los mismos premios o selecciones para ser adquiridas. Y no siempre los gustos y la decisiones de adquisición por parte de Ibercaja encajan con los gustos míos, algo normal cuando la calidad en general es muy alta. 

Iremos dejando una selección de obras en este blog, para conocer mejor el arte nuevo de la joven gente que se ha presentado a este IV Premio de Pintura Joven de Ibercaja.

Madison Young, actriz porno muy polifacética y amante del arte

Madison Young, nacida Tina Butcher hace 31 años, es una actriz porno americana que a su vez es directora de cine, actriz de teatro, escritora, educadora sexual y fundadora de la Galería de Arte Femina Potens “La mujer también pude”, que desde San Francisco (California) y sin ánimo de lucro, intenta dar a conocer obras de arte contemporáneo con mayor o menor componente artístico y sexual en las obras presentadas. 

Aun siendo su trabajo más conocido el de actriz pornográfica, es una defensora feminista que intenta orientar su trabajo hacia el porno para mujeres.

Este verano la misma Madison Young presentó una colección de fotografías de ella misma amamantando a su hijo, como muestra una vez más de que la mujer además de trabajar en muy diversas actividades, es siempre entregada madre.

Edificios del futuro, por la masificación de los seres humanos

Destacado por la revista suiza de arquitectura Hochparterre, en su sección "Raumtraum" estas visualizaciones de futuras arquitecturas creadas informáticamente busca futuras formas de viviendas del futuro, creando nuevas posibilidades en el aire, una vez que todo esté ya ocupado.

Basado en formas de alojamiento icónicas, estos edificios fueron pensados como prototipos para la ocupación de masas de personas una vez el mundo estuviera lleno. Las casas se crean automáticamente, pero a los procesos de creación se les introduce unos errores matemáticos para que creen los edificios aleatoriamente, creando formas imposibles pero realmente muy artísticas.

Monográfica.org excelente revista digital para el diseño

Hay que felicitar y dar una palmadita de apoyo a todas las buenas ideas que buscan ampliar las posibilidades de la red, de internet, con buenos productos, con novedosas ventanas que trabajan por enseñar, por aprender, por mostrar y opinar con elegancia y mucho trabajo.

Monográfica.org es una revista digital, nueva y dedicada al diseño, muy bien desarrolla y con muchas ganas de abrirse un buen espacio en internet.

Sus más de 100.000 visitas en el primer mes de vida, avalan la idea y le entregan la plaza para abrirse un buen camino en la red. Es cuestión de que sigan trabajando con fuerza y dedicación.

El poeta chileno Nicanor Parra, Premio Cervantes 2011

El poeta chileno Nicanor Parra ha recibido hoy el Premio Cervantes 2011 por su trayectoria literaria, su influencia en otros escritores y como creador de la corriente llamada antipoesía. También ha realizado una gran obra de poesía visual. 

Poeta, cuentista y ensayista, nació en San Fabián de Alico, en 1914 y aunque perteneció a una sencilla familia campesina, hermano de la cantante Violeta Parra, heredó de sus padres una gran sensibilidad artística.

Después de sus estudios básicos, se recibió como profesor de Matemáticas en el Liceo de Chillán y en la Universidad de Chile, en 1938. Durante varios años estuvo viviendo en Estados Unidos e Inglaterra, gracias a becas otorgadas por institutos privados regresando a Chile en 1951.

Lo que yo necesito urgentemente

es una María Kodama

que se haga cargo de la biblioteca

alguien que quiera fotografiarse conmigo

para pasar a la posteridad

una mujer de sexo femenino

sueño dorado de todo gran creador

es decir una rubia despampanante

que no le tenga asco a las arrugas

en lo posible de primera mano

cero kilómetro para ser + preciso

o en su defecto una mulata de fuego

no sé si me explico:

honor y gloria a los veteranos del 69!

con una viuda joven en el horizonte

el tiempo no transcurre

¡se resolvieron todos los problemas!

el ataúd se ve color de rosa

hasta los dolores de guata

provocados x los académicos de Estocolmo

desaparecen como x encanto

Natalia Drepina, fotógrafa rusa muy joven

Natalia Drepina es una joven fotógrafa rusa de solo 22 años lo que nos da una muestra de hasta donde puede llegar si sigue trabajando serio en su forma d expresión fotográfica y que vive en Lipetsk, Rusia.

Estudia la psicología y trabaja como diseñadora gráfica, a la vez que escribe música y poesía. Esta mezcla compleja pero también muy completa se nota en sus imágenes en donde busca la expresión de sus modelos, queriendo decir algo más que una simple imagen, escondiendo detrás una pequeña historia que hay que adivinar.

Lleva cuatro años fotografiando con modelos la figura humana, a veces jugando con el desnudo como elemento que destapa lo accesorio y deja todo más limpio para trasmitir su pequeña historia, su idea artística.

“Somebody to love”, Freddy Mercury y la música clásica moderna

Hoy me apetecía escuchar un poco de Queen, del gran Freddy Mercury con esa grandiosa voz que encajó perfectamente en su rock, su música más rompedora y moderna. La vida es un pasar, es también un construir, un ir dejando posos para que se puedan revisar, escuchar o leer, observar o consumir. Un artista genial, considerado el artista mundial (sin olvidar su origen indio, asiático) que más influyó en la música moderna.

Os dejo “Somebody to love”

Paulina Rubia, Bravo! y Youtube

Nos cuenta Paulina Rubio, en la presentación de su nuevo disco, que las nuevas tecnologías, es lo que tienen, que ahora presentas antes en internet tu pequeña interpretación de promoción para Youtube y en menos de un mes ya te han visto dos millones de personas y que como les gusta la canción, te compran el disco.

Compungido este oscuro servidor, escuchando la escasa calidad de la cancioncita que nos presenta, acude raudo a Youtube a ver si realmente esos dos millones de visitas son ciertas o mentirosas.

Y me encuentro con la sorpresa que en este momento son ya 2.829.253 visitas las que ha tenido Paulina Rubio con la canción “Me gustas tanto” del disco “Brava!”. Para que luego digan que internet no ayuda a los músicos a darse a conocer y a vender sus creaciones. ¿Beneficios?, pues si, Youtube paga por la visión de los vídeos que se cuelgan, y sin tener que hacer un gran trabajo, pues el vídeo es el mismo que se emplea para la promoción. Y además ayuda a vender sus discos.

Juan José Vera Ayuso, Premio Aragón Goya 2011

El pintor y escultor Juan José Vera Ayuso, nacido en Guadalajara pero que vive en Zaragoza desde los 7 años de edad, y miembro fundador del Grupo Zaragoza, ha sido propuesto para el Premio Aragón Goya 2011 por su condición de "pionero" de la abstracción en la pintura aragonesa y artista de una "trayectoria sólida y coherente, con una radical fidelidad a sus presupuestos estéticos".

Vera Ayuso estudió primero en Zaragoza y Barcelona, y en 1976 finalizó sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid, donde obtuvo el premio de la Dirección General de Bellas Artes. En la década de los ochenta del siglo pasado estudió en Alemania y en Estados Unidos.

Los retratos, paisajes y autorretratos, entre 1942 y 1946, marcan una primera fase del artista, que dio paso a la obra abstracta, de 1947 a 1948. Tras una serie de collages y aguadas, entre 1956 y 1958, en 1961 sustituye la tela por la tabla como soporte, que mantiene hasta 1971, e incorpora hierros a partir de 1962. Retoma la escultura en 1986 para concluir, hasta el año 2000, un número considerable de obras en madera y hierro.

El Premio Aragón Goya 2011 tiene como objetivo reconocer una labor continuada o de especial notoriedad e importancia de personas, instituciones o entes aragoneses, en los ámbitos de la creación e investigación literarias. Se instituyó en el año 1996 con motivo del 250 aniversario del nacimiento de Francisco de Goya, figura universal y precursor de muchas de las corrientes del arte contemporáneo, con el ánimo de que su nombre figure unido al de Aragón. El premio tiene periodicidad anual y está destinado a reconocer públicamente la trayectoria de artistas destacados.

Arte fotográfico llevado al dolor inexistente

A veces una imagen nos lleva a imaginar mentiras simpáticas o crueles. 

Depende de la imaginación del autor, de lo que se intente mostrar con más o menos “arte” dirigido.

Lo curioso de la imagen es que parece no producir dolor ni tan siquiera un ligero reguero de sangre. 

Es como una simple paquete de salchichas ahumadas, ligeramente crudas.

Una fotografía que costó 3,2 millones de euros

Cuesta entender que una fotografía coste 3,2 millones de euros (4,3 de dólares). Que se pague por ella esa cantidad astronómica. El autor de la fotografía más cara hasta el momento es Andreas Gurksy de la escuela fotográfica de Düsseldorf y que parece que todo lo que dispara con su cámara fotográfica lo convierte en millones de euros.

Es un fotógrafo que gusta de jugar mucho con las líneas rectas, con las líneas convergentes, jugando con la arquitectura y los paisajes hasta encontrar formas que no todos somos capaces de ver antes de que nos las muestren encuadradas, recortadas.

Los precios de estas obras no tienen nada que ver con el valor del arte sino de la inversión y posiblemente con el dinero fácil de conseguir y de emplear en riesgos de inversión.

Guy Bourdin, un fotógrafo provocador, un artista de la moda

Guy Bourdin fue un fotógrafo de moda y publicidad que falleció hace 20 años a la edad de 62 años. Pero todavía son muy conocidas sus obras fotográficas provocativas, artísticamente muy modernas que han servido de inspiración y a veces de plagio por algunos fotógrafos que desean copiar formas de entender la moda y la figura humana totalmente embutida en trabajos artísticos.

La escultura de David Shrigley, un dibujante provocador

David Shrigley es un mal dibujante pero un gran provocador, un artista que con pocos elementos plantea dudas y dramas, nos obliga a replantearnos la vida o a soñar con la nada y con el todo.

En su nuevo libro “¿Qué demonios estás haciendo?”, David Shrigley nos plantea sus dibujos más sencillos pero también más tiernos o duros, depende de cómo los veamos. Arriba os dejo una faceta menos conocida. La escultura en metal.

La musicalidad de las obras abstractas de Kandinsky

Wassily Vasílievich Kandinsky nació en Moscú en 1866 aunque gran parte de su obra la realiza en Alemania en donde introduce la pintura de vanguardia de Francia, para modernizar la concepción del arte europeo.

Ya maduro, en la cuarentena, Kandinsky influye claramente en el arte abstracto tanto en pintura como en explicaciones teóricas de lo que para él representa esta nueva línea artística, explicando sus ideas y concepciones de lo que plasma en sus obras. 

Se dedica también a la educación artística en centros rusos y alemanes, publicando algunos tratados de arte en donde mezcla lo espiritual, la filosofía, su pensamiento, su concepción del arte y las formas.

Mezcla en sus obras las formas geométricas claras y a veces contundentes, pero señalando sentidos en ellas, con colores que también valora según lo que pretende conseguir en el espectador de sus trabajos. 

El círculo es la perfección, el amarillo es la tierra y la firmeza, un círculo rojo no señala lo mismo que si este es azul o verde. Se trataría de intuir qué nos quiere trasmitir Kandinsky en sus obras. 

Es muy normal observar en sus obras una carta de colores y formas, en donde podemos revisar todos los colores que conforman su obra, como una pequeña partitura musical en donde nos muestras los compases. 

Sus obras son en realidad pequeñas sinfonías de colores y formas, obras musicales silenciosas.

Los desnudos amarillos que producen tristeza e incluso dolor

Me ha parecido unas imagen dura, artísticamente compleja, curiosa en sus encuadres y formas, con mucha vida aunque produzca cierto mensaje de dureza, de falta de libertad, de tristeza. Los ojos cerrados de los integrantes de la imagen demuestran que no nos quieren ver a nosotros, que aunque permanezcamos como espectadores ante sus posiciones, ellos no quieren vernos, pasan de todos nosotros.

El negocio del Arte Contemporáneo, con subastas imposibles de comprender

Que a veces estamos tontos, no hay duda. Que el Arte Contemporáneo a veces está sobrevalorado, también. El arte pop ha cautivado (o engañado) a los coleccionistas en una subasta millonaria en Nueva York en el año 2011, en la que el lienzo I can see the whole room and there's nobody in it!, de Roy Lichtenstein, ha sido vendido por 43,2 millones de dólares (31,2 millones de euros), y Silver Liz, de Andy Warhol, por 16,3 millones (11.7). 

"La obra de Roy Lichtenstein es una de las primeras pinturas en las que el autor se apropia de la estética de los cómics y marca lo que conocemos como pop art", ha dicho Koji Inoue, el responsable de arte de posguerra y contemporáneo de la casa de subastas Christie's en Nueva York, que ha organizado la puja.

Roy Lichtenstein (1923-1997) pintó este lienzo en 1961 y en él retrató a un hombre que mira a través de un hueco en una pared a la vez que pronuncia la frase que da título a la obra, y que se podría traducir por "Puedo ver la habitación entera, y ahí no hay nadie". 

"Se trata de un trabajo seminal y un contragolpe a lo que hacían en la época los expresionistas abstractos. Tomó la banalidad y la incorporó a sus obras", explica Inoue, que ha agregado que en la actualidad "la demanda de arte pop a ciertos niveles es insaciable".

Adquirir Arte Pop es sin duda una manera de invertir, totalmente alejada de lo que realmente es el Arte, y lo curioso es que es rentable pagar estas cantidades por un cuadro que aunque histórico por el momento en que se creó, no tiene nada de extraordinario visto desde la óptica artística de hoy. 

Incluso en su momento, crear obras de gran formato basándose en comic pequeños nunca debería haber tenido el éxito obtenido, pues hay trabajos de comic originales que son maravillosos y pasan por precios bajísimos.

Esta obra en concreto se vendió en 1988 por 2 millones de dólares, más de veinte veces menos que 23 años después. Sin duda es un gran negocio del Arte Contemporáneo, que nada tiene que ver con la calidad de la obra.

“Plaza Elíptica” del Capitán Torrezno, Premio Nacional de Cómic 2011

Santiago Valenzuela (San Sebastián, 1971) ha sido designado con el Premio Nacional de Cómic 2011 por el libro de cómic “Plaza Elíptica” del Capitán Torrezno. Formado en la obligada transición por el fanzinerismo que marcó la década de los año 1990, Valenzuela sorprendió a propios y extraños con la aparición en 2001 de Horizontes Lejanos, inicio de una de las series más sorprendentes que ha visto el tebeo español, las aventuras del Capitán Torrezno, que trasladaba las clásicas historias de fantasía inspiradas en Tolkyen a un perdido sótano de Madrid, donde el azar generaba un mundo en miniatura tan increíble como imposible, en el que una de las clásicas figuras que habitan los bares de arrabal, un torrezno, se convertiría en el paladín y defensor de este extraño mundo.

A lo largo de las seis primeras entregas de la saga, Valenzuela iría construyendo un microuniverso particular que es capaz de asimilar con tanto descaro como inteligencia influencias tan variadas como las surrealistas aventuras del Philemon de Fred -una de las obras maestras del cómic francés-, Los Viajes de Gulliver de Swift o el imaginario de Jorge Luis Borges, para reescribirlas en términos de una realidad más cercana y palpable, que transforma lo que podía haber sido una parodia al uso en una feroz y vitriólica perspectiva de lo cotidiano más próxima a Azcona y Berlanga que a los clásicos de la aventura fantástica.

Un nuevo género que Valenzuela se saca de la manga y que va alimentando en cada nuevo título, construyendo una visión del mundo real que toma como ladrillos elementos de la cultura popular; las páginas de esta inaudita serie van evolucionando para ir refinando la infinita capacidad del autor para la provocación intelectual, acompañando su grafismo de abigarrado horror con infinitos textos que componen páginas barrocas y sobrecargadas, que obligan al lector a detenerse tanto en la contemplación del minucioso trabajo de dibujo como en la asimilación del torrente de ideas que caracteriza la obra de Valenzuela.

Durante seis años, Torrezno no faltó a la cita con sus lectores: Escala real (2003), Limbo sin fin (2003), Extramuros (2004), Capital de provincias del dolor (2005) y Los años oscuros (2006) conformaron una de las obras más titánicas que ha dado el cómic europeo en el siglo XXI, pero dejaron a un autor exhausto, que dedicó los años siguientes a explorar otras opciones.

Para alegría de sus incondicionales fans, este periodo sabático del torreznismo le permitiría volver en 2010 a su personaje más carismático con fuerzas renovadas. Plaza Elíptica, más que una segunda parte, se configura como un punto de inflexión en la continuidad de su modo personal de crear cómic. El Premio Nacional supone un reconocimiento lógico a una de las obras más importantes que ha dado el cómic español en el siglo XXI.

¡Volumen! en el MACBA de Barcelona hasta abriil de 2012

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Ayer se presentó la muestra, ¡Volúmen!,  comisariada por el director del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), Bartomeu Marí, en colaboración con la Fundación La Caixa y que llena las tres plantas del blanco edificio de Richard Meyer y, como señala el título, quiere articularse en torno a la introducción del sonido en la práctica artística en el tránsito del siglo XX al XXI. Es, en realidad, la primera de una serie de tres exposiciones que servirán para mostrar la amplitud y profundidad de esta colección. 

En diciembre, CaixaFórum Madrid acogerá, bajo el título La persistencia de la geometría, la centrada en la escultura, y la tercera, El espejo invertido, recalará en el Guggenheim de Bilbao ya entrado 2012. También hay exposiciones previstas en el CaixaFórum de Palma de Mallorca y se trabaja en proyectos de itinerancia por Latinoamérica y Asia.

Para ¡Volúmen! Bartomeu Marí ha reunido 350 obras de 75 artistas. Hay piezas muy recientes adquiridas por el Macba, como la instalación Between the frames: The Forum (Barcelona), de Antoni Muntadas; el proyecto cinematográfico 1395 Days without Red, de Kameric y Sala o la sugerente Modernología, de Florian Pumhösl, que se sostienen holgadamente frente a la potencia de la exquisita selección de piezas de la década de 1980, el momento mágico de la colección LaCaixa, dirigida entonces por María Corral, que consiguió reunir un núcleo extraordinario de obras que hoy en día sería prácticamente imposible adquirir.

"Por primera vez la colección del Macba empieza a mirar a los ochenta, que ya son historia", admitió Bartomeu Marí; una década clave, recordó, en la que se deja atrás la producción pictórica abstracta, que ve la irrupción de la fotografía y en la que se produce "la domesticación de la noche". Un fenómeno, el de la aparición de los locales nocturnos identificados por su decoración, que hará escuela y creará el modelo del diseño barcelonés y del que ¡Volumen! incluye curiosos planos y fotografías de algunos de los bares de moda más célebres de aquellos años.

La muestra podrá verse en el MACBA, Barcelona, hasta el 23 de abril de 2012.

Santiago Auserón, Premio Nacional de Músicas Actuales 2011

El aragonés Santiago Auserón ha sido galardonado con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2011 que concede el Ministerio de Cultura. Esta es la tercera edición de esta distinción, con la que anteriormente fueron reconocidos Joan Manuel Serrat (2009) y Amaral (2010). En su fallo, el jurado ha destacado "la gran versatilidad del artista, que le ha permitido transitar desde el pop de vanguardia hasta el blues, pasando por el danzón y otros sones latinos". Además, ha subrayado especialmente "sus trabajos de investigación y la calidad poética de sus letras". El Ministerio de Cultura señala en su nota que "Radio Futura ha sido reconocido por diversas emisoras de radio y revistas especializadas como mejor grupo español de la década de los 80, y mejor grupo español de los últimos 25 años, según la votación de RNE, Radio 3, realizada en 2004".

Carteles socialistas por el cambio ilusionante de antaño

Vale, lo sé, son carteles prehistóricos de tiempos ajados y casi olvidados por los que tiene menos de 50 tacos. Pero os voy a confiar un secreto. Era un cartel ganador nada más salir por el lema, que hoy nos suena a manido y muy sobado. Bueno si, por el lema, por el líder, por el momento histórico, por… ojo que veníamos de un golpe de estado y el miedo entre los españoles ha sido unas constante hasta ese momento.

Luego vino el desencanto, la trampa estudiada, el hacer lo que se puede y no lo que se quiere. El pragmatismo. Treinta años atrás todos éramos más jóvenes. Incluso los que ahora seguimos siendo unos niños. Abajo os dejo uno anterior, de 1977, para que veamos como la ilustración se abrió camino en aquellos años viejos.

El ilustrador Emilio Urberuaga, Premio Nacional de Ilustración 2011

El diseñador e ilustrador Emilio Urberuaga (Madrid, 1954) ha sido galardonado con el Premio Nacional de Ilustración del año 2011 en España por el conjunto de su obra. "Me acabo de enterar, ha sido una sorpresa", dice Urberuaga al otro lado del teléfono. "Mi esposa me ha llamado al móvil de mi hija porque por suerte yo no tengo. He estado nominado en otras ocasiones y no me lo esperaba. Es muy bonito que los compañeros te premien".

Urberuaga comenzó su trayectoria como ilustrador en 1982 y ha trabajado en diferentes campos de las artes plásticas como el grafismo, el grabado o la estampación. Entre sus creaciones más populares está la imagen del personaje Manolito Gafotas de las novelas de la escritora Elvira Lindo. Emilio Urberuaga trabaja sobre todo para ilustrar trabajos dedicados al público infantil y prepara en la actualidad dos lanzamientos, Picolo y nuvola y Quién anda ahí. "Creo que este premio es un chispazo para que la gente se acuerde de que hay un mundo infantil que es prioritario, el futuro", afirma el autor. "El niño que ahora lee estos libros, en 15 años es un adulto que irá a comprar o descargarse otros. Hay que crear el hábito para que después lean. Trato que mi trabajo sirva para hacer mejores humanos, o lo intento por lo menos" "La ilustración infantil ha vivido en los últimos años un crecimiento importante, pero parece que en España cuesta más trabajo, aunque suene a lugar común", reclama Urberuaga. "Algunos ilustradores tenemos más proyección fuera de nuestro país, como me pasa en Japón".

Rafael Sanz Lobato gana el Premio Nacional de Fotografía 2011

Rafael Sanz Lobato gana el Premio Nacional de Fotografía 2011, que concede el Ministerio de Cultura de España. Según el acta del Jurado, que le ha concedido el premio por unanimidad, "su obra constituye un puente entre la nueva vanguardia neorrealista de la posguerra y los métodos de observación fotográfica posteriores al 68". Rafael Sanz Lobato (Sevilla, 1932) ingresó en 1964 en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Un año más tarde creó junto a diversos fotógrafos el grupo La Colmena. Tras la desaparición del grupo se involucró en la formación del Grupo 5.

Gervasio Sánches Premio Nacional de Fotografía en 2009 ha comentado: "Es muy importante que se vuelva a recordar a fotógrafos de una generación olvidada a la que pertenece Sanz Lobato o Forcano, que ahora ya rondan los 80 y que a nivel fotográfico ha sido muy olvidada por las instituciones que otorgan este premio". El fotógrafo Rafael Sanz Lobato representa a una generación puente entre los 50 y los 70 cuya visibilidad ha sido relativamente menor en la cultura fotográfica española, precisamente por coincidir con un cambio de época histórica y política.

Desde sus comienzos, Rafael Sanz Lobato desarrolló una fotografía centrada en escenas costumbristas del campo, las ciudades de las provincias, las tradiciones festivas y el retrato. En 2003 recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes por el conjunto de su obra documental antropológica. Su tema es la transformación del mundo rural tradicional y las culturas populares, que enlaza con el problema del neorrealismo, pero en una época en que su trabajo se despliega como la memoria de un mundo que desaparece. "Su trabajo adopta un método de observación antropológica que tendrá múltiples consecuencias", justifica el jurado. "Asimismo su enfoque documental actualiza el lenguaje fotográfico e influye en el fotoperiodismo contemporáneo". "Sanz Lobato se ha mantenido fiel a un método de trabajo a lo largo de su trayectoria de más de treinta años y el conjunto de su trabajo mantiene una gran coherencia y solidez. Su trabajo no ha tenido aún el reconocimiento que merece", ha valorado el jurado.

La colección de Arte Contemporáneo de Pilar Citoler, busca novio

Pilar Citoler es una odontóloga zaragozana con una colección de Arte Contemporáneo de más de 1.300 obras que ha ido adquiriendo en más de 4 décadas de dedicarse a disfrutar y recopilar cuento Arte Contemporáneo le gustaba para su colección, desde los más variados mercados de Arte de todo el mundo.

Obras de más de 500 artistas diferentes que van Eduardo Arroyo, Pablo Picasso, Joan Miró o Antoni Tapies; de artistas europeos como Dubuffet, Le Corbusier, Léger o Michaux, y de americanos como Warhol y Lichtenstein, configuran una colección de pintura, escultura, gravado, fotografía o vídeo que desearían poder tener en su seno cualquier ciudad que desee construir un Museo de Arte Contemporáneo con el que edificar un nuevo camino en el Arte expositivo.

Curiosamente esta colección se ha ido ofreciendo a algunas ciudades españolas, y como no, también a Zaragoza como ciudad de referencia junto a Madrid de Pilar Citoler; y en Zaragoza fue desestimado su ofrecimiento por el gobierno del PSOE en la DGA, recayendo al final un protocolo firmado de acogida en la ciudad de Córdoba, basado sobre todo en que esta ciudad sería elegida Capital Europea de la Cultura 2016. A la que por cierto también accedía Zaragoza, como recordamos con tristeza.

Ahora parece ser que el nuevo gobierno del PP en la DGA ha cambiado sus ojos hacia esta colección de Arte Contemporáneo, posiblemente de los más importantes en España, para poder ser cedidos a organismos públicos, como es lógico con unas compensaciones económicas que hay que estudiar y negociar. La valoración de esta obra puede estimarse en unos 10 millones de euros, lo que la convierte en admirable pero a la vez muy complicada de ponerla encima de una mesa de negociación pública. Córdoba mientras tanto se enfría en sus protocolos firmados pero no cumplidos todavía. ¿Interesa a Aragón una colección de Arte Contemporáneo como este, tan completo para iniciar un Museo pero posiblemente tan caro?, una buena pregunta con difícil respuesta.

Colores de África, en Zaragoza hasta diciembre

Hasta el 11 de diciembre tenemos en Zaragoza, en el Centro de Historias, la exposición “Colores de África” en donde podemos conocer un repaso del arte africano desde el más antiguo al más contemporáneo, viendo el gran cambio que las sociedades africanas han realizado en su particular manera de entender el arte, con unos contenidos muy expresionistas, vivos de colores, llenos de una vida que impresiona por su peculiar manera de llenar los espacios con multitud de personajes llenos de vida.

Una exposición que no deben perderse, al menos para conocer qué se está realizando en África hoy, desde la visión que llega hasta el arte más contemporáneo.

Premio Nacional de Artes Plásticas en España, al Arte Conceptual de Elena Asins

La artista Elena Asins ha ganado el Premio Nacional de Artes Plásticas por ser una de las precursoras del arte conceptual en España. Sus creaciones son un mundo de objetos que se mueven entre el documento y la poesía con una entrega total a las matemáticas. Considerada como una precursora de la investigación sobre computación en el arte, el Museo Reina Sofía le dedica desde junio una muestra antológica con más de un centenar de obras, que Elena Asins define como fragmentos de su memoria.

El jurado ha concedido este premio "por la coherencia de su trayectoria y la vitalidad, complejidad y variedad de un trabajo vinculado con la tradición constructiva de la vanguardia. Una labor caracterizada por una resolución formal, depurada y abierta a un amplio abanico de lenguajes y formatos —poesía concreta, dibujo, libro, escultura o video—, así como a ámbitos próximos a la música o la arquitectura. El empleo de la teoría de cálculo y los algoritmos para sus realizaciones artísticas hacen de Elena Asins una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España". El galardón que concede el Ministerio de Cultura está dotado con 30.000 euros.

Asins es artista, escritora, conferenciante y crítica de arte. Se formó en distintas universidades de París, Stuttgart, Madrid o Nueva York, entre otras. Ha realizado más de 40 exposiciones individuales en distintos países, como la exposición Fragmentos de la Memoria, actualmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha escrito y publicado ensayos sobre estética y poemas de poesía experimental en publicaciones especializadas en arte y estética tanto en España como Francia, Alemania o Estados Unidos. Pionera desde 1967 en el arte asistido por ordenador, su obra puede encontrarse en colecciones de destacados museos e instituciones como las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) o el Spanish Institute de Nueva York, entre otras. Ha recibido numerosas becas y premios como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2006.

El mejor y más completo Joan Miró, en “Miró. La escalera de la evasión” hasta marzo de 2012

El pintor Joan Miró fue un artista comprometido con su tiempo y sobre todo, con Cataluña y esa lealtad a su país está presente en toda su trayectoria vital. Y esta faceta que explica su posición dentro del mundo y la época que le tocó vivir —una trayectoria de 90 años durante los cuales se sucedieron dos dictaduras, una república y una guerra civil y dos guerras mundiales— es lo que explora la exposición “Miró. La escalera de la evasión”, en la Fundació Miró de Barcelona hasta el 18 de marzo de 2012.

Se trata de la exposición más ambiciosa e importante que acoge Barcelona y España acerca del pintor Joan Miró desde que en 1993 se celebró la retrospectiva de su centenario. Una exposición organizada conjuntamente con la Tate Modern de Londres y la National Gallery of Art de Washington y reúne más de 170 obras procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Se muestran obras que difícilmente volverán a verse en España como el caso de La masía, Naturaleza muerta del zapato viejo, La tierra labrada, y el tríptico Azul, por citar solo algunos ejemplos.

La escalera de la evasión puede leerse también como una retrospectiva, no en vano abarca siete décadas de producción del que "fue uno de los grandes maestros del siglo XX", que se organizan cronológicamente y se agrupan en los tres momentos en que el compromiso de Miró fluye con más intensidad: la etapa temprana y su vínculo con la catalanidad que nunca abandonará, los años de la guerra civil y el nacimiento del nuevo lenguaje del artista y, por último, la dictadura franquista y las pinturas monumentales. 

Las primeras salas exploran los vínculos con su Cataluña natal, en especial con la masía familiar de Mont-Roig, así como la inflexión que supuso su estancia en París y la liberación creativa del surrealismo; de este periodo son La masía (1921-1922) y la secuencia Cabeza de payés catalán (1924-1925). En la sección central se repasa el drama de la Guerra Civil, con protestas explícitas del artista en obras como la serie de Pinturas salvajes (1924-1936) o la Naturaleza muerta del zapato viejo (1937), y también se incluyen las piezas que pintó por encargó del Gobierno de la República para el pabellón español de la Exposición Internacional de París, donde convivieron con el Guernica de Picasso.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial provocó respuestas más íntimas, como las célebres Constelaciones, serie desarrollada entre 1940 y 1941, y otras más perturbadoras como la serie 'Barcelona' (1944), el comentario plástico de Miró a la Guerra Civil. Durante el régimen franquista, Miró trabajó en una especie de exilio interior, pero su compromiso queda patente cuando decidió oscurecer o incluso quemar sus trabajos, como hizo en la serie Telas quemadas (1974), en la que captó la atmósfera de rebelión y ganas de cambio de los años 70. La idea de la exposición surgió hace dos años de una conversación entre la directora de la Fundació Miró, Rosa Maria Malet, y el entonces director de la Tate Modern de Londres, Vicent Todolí, y ha sido comisariada por Matthew Gale y Marko Daniel, en colaboración con la conservadora de la Fundació Joan Miró, Teresa Montaner.

Gráfika. 30 artistas de la España joven; en el Intituto Cervantes de Madrid

En el Instituto Cervantes de Madrid, en la calle Alcalá y dentro del edificio del antiguo Banco Central se puede ver un grafiti en el suelo o una fuente con forma de mano erigida sobre la 'M' de McDonalds que sangra por una pequeña herida.

Son sólo unas pequeñas muestras de 'Gráfika. 30 artistas de la España joven', la nueva exposición que alberga el Instituto Cervantes hasta el 15 de enero del 2012. Se han reunido casi 100 obras de arte urbano, "un arte que era marginal y por fin está aceptado", afirma Carmen Caffarel.

Participan artistas como El Niño de las pinturas, uno de los grafiteros de renombre en España, o se exponen dibujos más clásicos como los de SAN (Daniel Muñoz). Entre sus obras hay collages, escultura, tablas de skate pintadas e incluso vídeos. "Somos menos puros y más todoterreno", define Fernando Elvira (uno de los participantes). Mario Martín, comisario de la exposición, dice de ellos que "devuelven el arte de otra manera. Son un 'virus' que estamos orgullosos de introducir".

Aunque Gráfika se ha celebrado en más ciudades, como Burdeos, las obras que se presentan en Madrid están concebidas sólo para la capital. Se podrán descubrir conceptos como el 'postgrafiti' de Sixeart, ver a El Tono completar una de sus obras con la colaboración de los transeúntes de la calle o versiones de obras emblemáticas como el 'Guernica love song' de Sergio Mora, en el que ha querido trasladar "un icono de arte bélico a una imagen de paz, con perros y gatos conviviendo, en esta época que todo parece ser tan radical". 

Pero de una forma u otra, el arte sigue siendo arte y, como cuenta Mario Martín, estos autores hablan de "los problemas globales que nos preocupan a todos". Hay una fotografía de SpY en la que se ve la palabra 'amor' dibujada en una pared en letras enormes. La dibujó en México, precisamente por ser un país donde predomina la violencia. 

O la escultura 'Equilibrio cósmico', de Sergio Mora, tres figuras (un corazón, un cerebro y un pene) cogidas de la mano que, según el autor, son "los puntos que rigen nuestras decisiones y no suelen estar de acuerdo". Lo más innovador es presentar estas obras a través de un canal artístico que no las había albergado nunca antes: una galería expositiva. 

Es el contraste de ver mensajes pintados con spray o grafitis de autores que han tenido problemas con la policía en una fundación como el Instituto Cervantes.

Joan Miró también se enamoraba de los cuadros sin nacer

“Esta semana espero poder acabar dos paisajes. Como ves, trabajo con mucha lentitud. Cuando pinto un lienzo me enamoro de él; un amor que nace de la lenta comprensión. Comprensión lenta de la extraordinaria riqueza de matices que produce el sol. Gozo al aprender a comprender una brizna de hierba en el paisaje. ¿Por qué empequeñecerla? Exceptuando a los primitivos y a los japoneses, casi nadie se fija en esas menudencias, que son tan divinas. Todo el mundo admira y pinta solamente la gran masa de los árboles o de las montañas, sin sentir la música de las hierbas y las florecillas, y sin hacer caso de las pequeñas piedras de un barranco”. Joan Miró – 1918

Cuadro de la imagen: “El vuelo de la libélula, enfrente de la del sol”

Esther Ferrer en Artium de Vitoria hasta enero de 2012

Ahora y hasta el 8 de enero de 2012, en el Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Artium) de Vitoria se ha organizado una retrospectiva sobre una de las artistas españolas más internacionales y que, sin embargo, es menos reconocida en los museos españoles. El Premio Nacional de Artes Plásticas que recibió en 2008 la transformó, según resume ella con sentido del humor, "de invisible en opaca" para los museos nacionales. 

La artista Esther Ferrer decidió hacer una pregunta a todo aquella persona que se cruzaba por su vida: ¿Qué es para ti el infinito? La artista, pionera en España de la performance, cuenta que la mayor parte de los encuestados respondían que situaban el infinito en un lugar cercano a la infancia y los sueños. El tiempo, la repetición y ese infinito que tanto le sigue obsesionando, son los temas sobre los que gravita la obra de Esther Ferrer. 

Cuando crees Arte no te preocupes del qué dirán, sino del qué dirás tú

Es posible que nunca te hayas decidido a crear Arte, que incluso nunca te lo hayas ni planteado. Crear Arte, sí, edificar, construir, hacer algo nuevo desde la nada.

El trabajo creativo es muy beneficioso para todas las personas que se adentran en el mundo del Arte; pero no te olvides algo fundamental, también para los demás, que simplemente lo contemplan, son espectadores de tu obra. 

Recuerda los trabajos de genios de la pintura, de la música, de la escultura, de la literatura, del teatro o el cine. Han creado obras que luego observan otras personas y disfrutan con ellas, riendo o llorando, transformando por unos instantes o minutos sus pensamientos e incluso sus vidas ante la contemplación de lo que otros han creado.

Yo te entiendo, tú crees que eres incapaz de crear algo. Perdona, pero eso mismo debió pensar Goya cuando pintaba sus primeros cuadros o ese amigo tuyo poeta que ahora que por fin ha visto parte de su obra publicada. 

Muchos escritores que no han logrado publicar, al menos sus obras las leerán sus nietos y bisnietos cuando ya no estén entre ellos.

Crear es muy fácil. Crear una obra genial no es nada fácil, pero ese no es el objetivo primero de nadie. Pero crear algo de la nada es muy sencillo. Eso si, requiere sobre todo algo fundamental que debes hacer tú solo. Debes querer crear, desear hacer algo por ti mismo y proponérselo como una actividad placentera y en donde vas a intentar mejorar y aprender mientras la realizas.

Crear es trasmitir felicidad o conocimientos, es lograr que algunas personas vean lo que hemos dejado tras nuestro paso por este mundo. No se trata de que te admiren miles de personas, simplemente se trata de que te admiren muy pocas personas pero importantes para ti. Mi mayor gratificación es que me leas tú —pero también y te voy a ser sincero—, es que me lean mis hijos y mis amigos. 

Eso si que lo puedes lograr tú, creando lo que te de la real gana. Depende de ti mismo.

Antón Castro entrevistando a Félix Romeo, como un pequeño homenaje a su figura

Antón Castro entrevistando a Félix Romeo en presentación de su libro "Amarillo". Tal vez la mejor manera de recordar a un agitador cultural aragonés sea enseñando su imagen y sus palabras. Su inesperada muerte deja un vacío en el panorama cultural aragonés pero también español, que habrá que cubrir de alguna menra con más trabajo de sus mucho amigos que como él, movían los hilos y las cuerdas de la cultura, desde los sótanos de esfuerzo personal.

Steve Jobs se ha quedado soñando nuevas tecnologías imposibles

Ha muerto un soñador, un Steve Jobs que ayudaba a soñar, a ilusionarse por la tecnología, a lograr que creyéramos que el futuro se escribía a golpes de nuevos sueños imposibles.

Ha muerto un joven hombre de negocios que adivinó el futuro, lo construyó para nosotros y lo supo vender como nadie. 

Hoy la manzana de Apple tiene dos mordiscos.

Los iconos como elementos que nos acompañan en nuestra vida

Los iconos son aquellas formas, imágenes, signos, frases, espíritus, que se nos quedan clavados dentro, formando parte de nuestra forma de vida, de nuestro ciclo vital por generación o por cultura. 

No son solo lo que enseñan sino lo que nos hacen imaginar. No forman parte de una realidad sino de una manera de ser o pensar. De un momento que se ha quedado clavado como un símbolo.

Os dejo el icono de The Beatles en Abbey Road, como un pequeño ejemplo de lo que es algo más que unos cantantes cruzando un paso de cebra, con Paul McCartney descalzo tal vez queriendo decir algo que yo desconozco.

Maleta imposible de Yayoi Kusama, para no viajar

Viajar requiere una escenificación personal, un mobiliario pequeño que nos acompaña como parte del hogar, al no tenerlo envolviendo nuestra vida. Elegimos lo más elemental para que nos acompañe; una parte del todo, como si fuera lo que nos va a convencer de que seguimos trasladándonos con el calor de la cueva encima, para personalizar —allá donde vayamos— nuestra estancia personal.

La maleta de la artista japonesa Yayoi Kusama es imposible, un objeto imposible para un viaje imposible. 

Es tal vez la impresión en sus paredes de los deseos contenidos de llevarse sabores, de impregnar su viaje de recuerdos de infancia. Pero es solo un tal vez, lanzado a la nada del viento que no devuelve respuestas.

Canción amarga. Luis García Montero. Simplemente una poesía

Me apetece dejaros hoy un poema de Luis García Montero, ese pequeño genio de la poesía al que adora Sabina que se convierte en el mejor embajador de su obra, cuando declara que lo lee y disfruta de sus claras palabras.

Canción Amarga 

En la cara lleva

tres años perdidos

y el frío de las seis de la mañana.

Van a partirte el corazón.

De pronto

la luz apagada,

los pasillos turbios,

la puerta que clava su ruido en la espalda.

Van a partirle el corazón.

Y arrastra

una cadena oscura

de pasiones heladas,

ese frío que cabe solamente

detrás de una palabra.

Y yo la veo caminar,

despacio,

perderse en lo que anda,

fugitiva tristeza que va y viene

de la sombra a la puerta de mi casa.

La luz artificial deja en la calle

el temblor silencioso

de tres barcas ancladas.

cuando ella cruza por mi lado siento

como un golpe de remos

y un murmullo de agua.

Carla Nicolás en el 4º Espacio Cultural de Zaragoza

En la Sala de exposiciones del 4º Espacio Cultural de la Diputación Provincial de Zaragoza (DPZ) de la Plaza España de Zaragoza se inaugura este jueves, 29 de septiembre, la exposición 'Mutaciones Gráficas', de la joven artista zaragozana Carla Nicolás. La exposición, organizada por el Área de Cultura y Patrimonio de la DPZ, permanecerá abierta hasta el próximo 27 de noviembre.

'Mutaciones gráficas' recoge los trabajos que la artista zaragozana Carla Nicolás ha realizado durante los años 2010-2011, fruto de su estancia artística en Estados Unidos al ser premiada en el Concurso de Proyectos de Ampliación y Perfeccionamiento de Estudios Artísticos del año 2010 que organiza anualmente el Área de Cultura y Patrimonio de la DPZ. La relación de la artista con Diputación Provincial de Zaragoza ha continuado este año, al ser seleccionada para la exposición del XXV Premio de Arte 'Santa Isabel de Aragón, Reina de Portugal', en la especialidad de fotografía, infografía y grabado.

La exposición que ahora se presenta es una fusión artística que aglutina grabado y libros de artista para hacer un recorrido que va desde el arte multiejemplar al libro único, "libro que puede y debe ser algo más que un instrumento de lectura y que en su forma debe transmitir múltiples manifestaciones artísticas", destaca la DPZ en un comunicado.

'Mutaciones gráficas' presenta múltiples ejemplos, desde calcografías con refinadas mutaciones geométricas, como la serie 'Disyunciones de un cuadrado', hasta objetos que llevan complementos textuales para explicitar sus significados. "Este universo calidoscópico pone de manifiesto la prolífica imaginación de Carla Nicolás y el elegante rigor constructivo con el que materializa sus ideas", resalta la institución.

La joven artista zaragozana Carla Nicolás (1981) finalizó sus estudios de grabado y estampación en la Escuela de Arte de Zaragoza en 2009 y los perfeccionó en diversos centros simultáneamente, como la Fundación CIEC de Betanzos (La Coruña), Alchemy Prints (Asturias) o el centro Edinburgh Printmakers de Escocia. En 2010, completó su formación en la Escuela Massana de Barcelona y ese mismo año viajó a Estados Unidos, tras recibir la beca de Ampliación y Perfeccionamiento de Estudios Artísticos en el Extranjero por la Diputación Provincial de Zaragoza. En la actualidad trabaja como promotora de El Calotipo, un centro de Artes del Libro y Diseño ubicado en la calle Las Armas de Zaragoza que abrirá sus puertas en los próximos meses.