28.12.09

Arte en papel recortado


Arte es todo lo que produce un movimiento en el cerebro que nos hace temblar un poquito al menos. Y estos recortes de papel son arte manual sin discusión, sencillo arte en papel, aunque posiblemente arte complicado de narices.
Si no tienen trampa las imágenes, es un trabajo escultórico en papel, digno de admiración.
Os deja la dirección aquí.

26.12.09

Chagall, la cigarra y la hormiga

Era un tesoro disperso, un bestiario colorista que estuvo perdido durante medio siglo. En los años veinte, mientras Bella Rosenfeld, la primera mujer de Marc Chagall, leía y releía en voz alta las fábulas de La Fontaine, el pintor ruso aprendía francés y, al tiempo, pintaba sus fantásticas visiones. 

"No sé de dónde saca semejantes imágenes, debe de tener un ángel en la cabeza", "¿De dónde saca esas imágenes? Debe de tener un ángel en la cabeza", dijo Picasso

Para muchos supuso la ruptura con las ilustraciones clásicas de Doré

El editor y galerista Ambroise Vollard le encargó que ilustrase esas fábulas, pero el proyecto nunca vio la luz. Ahora, la editorial italiana Donzelli acaba de publicar aquella obra oculta que mezcla el universo mágico del artista ruso con la sabiduría y el ingenio del poeta francés a lo largo de 43 textos en verso. Favole a colori (Fábulas en color) es, además, el resultado de la búsqueda de un pequeño editor.

La idea nació en el mes de marzo, cuando Carmine Donzelli descubrió "casi por azar" un catálogo de una exposición de Chagall. 

"Fue durante la última feria del libro de París", explica. "Entré por casualidad en el stand de la Reunión de los Museos Franceses". Allí descubrió los gouaches que Chagall había pintado para ilustrar las fábulas escritas por La Fontaine entre 1668 y 1694 y que durante generaciones han servido para mostrar el comportamiento humano a través de animales que encarnan vicios y virtudes. 

El descubrimiento le empujó a recuperar un viejo proyecto nacido en París en la segunda mitad de los años veinte. Por aquel entonces, Chagall (Vitebsk, Bielorrusia, 1887-Saint Paul de Vence, 1985) vivió su segundo periodo en la capital francesa, después de una primera estancia de cuatro años, entre 1910 y 1914, a la que le empujó su fascinación por Cézanne y Matisse.

El arte español del exilio, en 'Después de la alambrada'


El arte español del siglo XX quedó violentamente fracturado por el conflicto bélico de 1936 y su fatal desenlace, partiéndose en dos hemisferios cronológicos claramente diferenciados y separados por la Guerra Civil, unos efectos que se acrecentaron como consecuencia de la II Guerra Mundial. 

Tras la victoria de los sublevados, muchos españoles fieles a la República se vieron forzados a abandonar el territorio nacional, entre ellos un buen número de artistas que, por razones políticas o de asfixia cultural, debieron exiliarse y se dispersaron por varios rincones del planeta.

Sin embargo, gracias a la exposición 'Después de la alambrada. El arte español en el exilio 1939-1960, organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Universidad de Zaragoza para conmemorar el aniversario del comienzo del exilio, puede conocerse la aportación a las nuevas tierras de acogida de los artistas que emigraron y la importancia artística del exilio. 

La muestra reunió casi 200 piezas de medio centenar de artistas que ahondan también en las claves temáticas y formales del imaginario artístico del exilio así como en los elementos que asociaron o disociaron el arte producido antes y después de la contienda.

Todas las piezas han sido cedidas para la ocasión por más de 70 colecciones públicas y privadas de dentro y fuera de las fronteras españolas, aunque no sólo se exponen aquellas que realizaron durante su exilio sino también algunas otras que crearon durante el periodo republicano. 

Tanto es así que la exposición permite ver por vez primera en España algunas de las obras de Remedios Varo ('El Tiforal), Moreno Villa ('Nocturno'), Manuela Ballester ('Retrato de Totli') y Elvira Gascón ('Cristo').

16.12.09

Tesoros artísticos del Banco Santander en la Paraninfo de la Universidad de Zaragoza 2009


Un total de 62 pinturas y esculturas de Rubens, el Greco, Sorolla, Picasso o Chillida, entre otros, se podían ver hasta marzo de 2009 en una exposición que se inauguró en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza y que recorrió los lenguajes artísticos desde el siglo XVI hasta el XX.

Bajo el título, 'Selecta. Del Greco a Picasso', esta exposición mostró una selección de obras pertenecientes a cinco siglos distintos, que no se habían mostrado en Zaragoza y que componen una secuencia artística de "gran calidad".

'La predicación de San Juan Bautista' de Lucas Cranach 'el Viejo', el 'Ecce Homo' de Luis de Morales o el 'Cristo Agonizante' del Greco son algunas de las obras renacentistas que se pudieron observar en la primera parte de la exposición, junto a las pinturas barrocas 'La educación de la Virgen', de Alonso Cano de la que podemos ver una copia arriba del todo y pintada en el año 1644, y 'La Virgen niña dormida', de Zurbarán.

El retrato también estuvo presente en la sala con la presencia del 'Michael Ophovius' de Rubens y 'Don Diego de Mexía', de Antón Van Dyck, al igual que los bodegones de Juan de Arellano o Mareius.

La muestra se adentraba en el siglo XIX con obras modernas de Antonio María Esquivel, Martín Rico, Genaro Pérez e Ignacio Pinazo y continúa con dos grandes retratos de Joaquín Sorolla, Ramón Casas, y Santiago Rusiñol, de finales del XIX y principios del XX. Por último, Antoni Clavé inauguraba la última parte de la exposición, situada ya en la planta sótano, que mostraba la producción artística más contemporánea dedicada a la vanguardia de los años 60.

Así, se pudieron ver obras de José Guerrero, Antoni Tápies, Pablo Palazuelo, Luis Feito o Manolo Millares y del aragonés Antonio Saura, cuya obra 'Dama en la habitación' cerraba este capítulo pictórico. 

La muestra finalizaba con seis esculturas de la primera mitad del siglo XX entre las que se podían ver el 'Pájaro bebiendo agua', de Alberto Sánchez, el 'Hombre con puerta', de Pablo Serrano, o 'Toki', de Eduardo Chillida, obras que hasta ese momento no se habían visto en Zaragoza.

4.12.09

Templo para las artes en el Design District de Miami

Un nuevo concepto de Museo de lugar para atraer a nuevos visitantes de Arte. El museo privado de la Cruz Collection Contemporary Art Space abrió en 2009 en el Design District de Miami ante una multitud muy bien impresionada con las nítidas líneas arquitectónicas del edificio, tan parecido a un museo, con tres pisos repletos de arte contemporáneo internacional elegantemente instalado.

"Es de primera clase, como todo lo que hace Rosa'', comentó el urbanista y coleccionista de arte Craig Robins. "Esto es muy bueno para el distrito'', señaló. Rosa de la Cruz, quien todos los años tiene un desayuno en los jardines de su casa en Key Biscayne para personalidades de Art Basel ansiosas de ver su mundialmente renombrada colección, recibió a los visitantes en el nuevo espacio de 30.000 pies cuadrados, en el 23 NE 41 Street.

Todo el mundo fue bienvenido en el nuevo espacio (‘‘una extensión de mi casa'', según ella) sin necesidad de credenciales. Se mantendrá abierto al público gratis.

Rosa de la Cruz se sintió visiblemente conmovida por las reacciones de algunos visitantes a ver la lista de artistas de primera clase polacos, alemanes, británicos y norteamericanos exhibidos juntos a los cubano americanos Ana Mendieta y Félix González-Torres, que crearon obras conceptuales originales antes de morir.

"He trabajado mucho, y esto ha tardado mucho en hacerse'', declaró De la Cruz. "La gente me pregunta cómo lo hago. Pues bien, me paro en una estancia durante una hora y estudio y pienso en el arte y en el artista. Y mi propósito cuando exhibo, es respetar la obra''. 

De la Cruz trajo al artista neoyorquino Jim Hodges para mezclar sus obras con las de González-Torres, quien murió en 1996 y estuvo representando póstumamente a EEUU en la Bienal de Venecia hace dos años.

La gente se estaba retratando frente a la hermosa cortina de flores del techo al piso de Jim Hodges, y aquellos familiarizados con la obra de González Torres se llevaron muestras de caramelos blancos de menta de la legendaria instalación del fallecido artista Untitled (Portrait of Dad)

Wendy Cromwell, una asesora de arte de Manhattan, estaba frente a dos montones muy bien arreglados de papel blanco, uno titulado Nowhere better than this place (Ningún lugar mejor que este) y el otro Somewhwere better than this place (Algún lugar mejor que este), otra instalación de González-Torres. 

"Me gustó muchísimo'', declaró Cromwell. "Me encanta el gusto de Rosa. Tiene un gran entendimiento de su propio arte y de cómo debe verse''.

El papel, de hojas grandes como afiches, también podía llevárselo el público. González-Torres siempre insistió en que el público interactuara con sus obras y nombró los materiales de esa pieza ‘‘copias sin fin''. 

Pero los momentos más conmovedores del día de apertura ocurrieron en una habitación solitaria del tercer piso dedicada a las emblemáticas obras de Ana Mendieta. Hay un video y fotos que rodean la escultura Sandwoman (Mujer de arena) que estaba sobre una plataforma. "Es como una capilla'', señaló el coleccionista Peter Menéndez, quien al igual que otros cubanoamericanos que conocieron a Mendieta y lloraron su trágica muerte a los 36 años en 1985, tuvieron que contener las lágrimas.