30.6.23

Joaquín Sorolla y su obra Dos de Mayo en Madrid


Joaquín Sorolla
pintó esta obra de casi seis metros de ancho retratando el 2 de mayo de 1808 en Madrid, cuando tenía solo 25 años de edad, era el año 1884. Son casi 24 metros cuadrados de pintura.

Representa la Defensa del Parque de Artillería de Monteleón, en Madrid, por las tropas al mando de Luís Daoiz (1767-1808) y Pedro Velarde (1779-1808), el 2 de mayo de 1808, contra los soldados franceses que atacaban la capital de España.

Esta obra está en depósito en Villanueva y Geltrú (Barcelona), en la Biblioteca Museo Víctor Balaguer.

Pero antes de realizar esta gran obra, fantástica podríamos decir y que es propiedad del Museo del Prado de Madrid, hizo bocetos en los que representar las escenas, los personajes, dividir los espacios, buscar volúmenes, etc. 

Y ese boceto general es el que podemos ver abajo, para ver los cambios y el trabajo de Joaquín Sorolla antes de construir la gran obra.



Arte Urbano monumental en Varsovia


El Arte Urbano lo hemos entendido casi siempre como unos modelos casi decorativos dentro del Art Street. Y en algunos casos lo son. Pero sobre todo son también modelos urbanos de Arte Reivindicativo, a veces incluso monumentales, de recuerdo, de alabanza.

El ejemplo de Banksy es uno de los más sencillos de entender su carácter de crítica, de reivindicación social. Pero hay muchos más.

Este ejemplo está en Varsovia, en Polonia, y es un reconocimiento a las mujeres científicas polacas. Es un modo escultórico de crear un monumento con pintura, con grafismos. Bello modelo de lograr humanizar una pared gris de cemento, y de reconocer el trabajo de las mujeres científicas en general.

La imagen es de nuestro corresponsal en Polonia (de forma temporal) Luis Iribarren.


29.6.23

Cerámica en un hospital de Zaragoza


Es una cerámica mural hecho en la localidad de Muel en Zaragoza para el Hospital de Nuestra Señora de Gracia de Zaragoza, para la zona interior del claustro. Este representa una farmacia, pero hay más de una decena de ellos con representaciones de distintas escenas sanitarias.

Madrid y El Quijote. Muy buena relación


Hay iniciativas en Madrid que realzan esa sensación de Capital del Arte, de ciudad que potencia el arte en todas sus expresiones, que deberían servir como ejemplo a copiar en otras ciudades, y me acuerdo ahora mismo de Zaragoza y su relación con Goya.

Esta imagen es de la estación del Metro de Plaza España, totalmente decorada como textos de El Quijote, para que los visitantes, españoles o extranjeros, no duden de que Cervantes era español y de que El Quijote una obra cumbre en castellano. 

Retrato de Madame Josette Gris de Juan Gris


Una obra de un joven y fallecido joven Juan Gris (José Victoriano González) titulada "Retrato de Madame Josette Gris", realizado en el año 1916 con 29 años al óleo sobre tabla, y en donde podemos ver sus influencias cubistas por sus años en París con relación con los artistas europeos de aquellos años tan fructíferos en el Arte Cubista como Pablo Picasso o Georges Braque.

28.6.23

Naturaleza Muerta de un joven Salvador Dalí


Esta obra es una "Naturaleza Muerta" de Salvador Dalí del año 1926, cuando tenía 22 años de edad, una obra de un Dalí joven al óleo sobre lienzo. Os dejo el texto que el Museo Reina Sofía de Madrid que es la propietaria, deja sobre esta obra.

La enriquecedora relación de amistad que mantuvieron Salvador Dalí y Federico García Lorca durante el período en que ambos permanecieron en la Residencia de Estudiantes dio como resultado varias obras realizadas por uno y otro. En esta naturaleza muerta, los ecos lorquianos están presentes en la mayor parte de los motivos incluidos: la guitarra, la luna que asoma en lo alto de la escena, y a la que glosaría Lorca en su Oda a Salvador Dalí –«La Noche, negra estatua de la prudencia, tiene el espejo redondo de la luna en su mano»– y, sobre todo, el busto que reposa sobre la mesa y que parece ser un retrato de Lorca.

La impronta de Picasso inspira también la factura de este lienzo, presencia reconocida por el propio Dalí: «Opuesta a la guitarra objeto seco, yo he pintado una guitarra blanda y viscosa como los peces. Este cuadro, influenciado directamente por Picasso, es ya la clara prefiguración de mis relojes blandos […]». Paloma Esteban Leal

Gustav Klimt y su "Dama con un abanico"


La pintura del pintor austriaco Gustav Klimt: "Dame mit Fächer" o "Dama con un abanico" se ha vendido por 85,3 millones de libras esterlinas (108 millones de dólares) en la sala de subastas Sotheby's, convirtiéndose en la obra de arte más valiosa jamás vendida en una subasta en Europa.

El cuadro "Dame mit Fächer" es el último retrato que Gustav Klimt hizo antes de su prematura muerte, cuando todavía estaba en su mejor momento artístico y produciendo algunas de sus obras más logradas y experimentales.

Es un retrato de una mujer sin nombre, que todavía estaba colocado sobre un caballete en el estudio de Klimt en el momento de la prematura muerte del artista en 1918, a los 55 años y refleja tanto la influencia de la tendencia del japonismo en el arte moderno como el estilo diferente de la pintura de Gustav Klimt.

Los coloridos pájaros y las flores de vid reflejan en la obra el uso característicamente exuberante del color y el adorno por parte del artista austriaco. El fondo también imita la impresión de bloques de madera japonesa con sus patrones de colores y formas vibrantes y estilizados. El vestido de la dama y el abanico que sostiene también tienen diseños ornamentados.

El espíritu alegre que el color y el adorno crean en "Lady with Fan" o "Dama con un abanico" es un entorno adecuado para la propia figura central. Su rostro brilla con belleza. La curva de su hombro desnudo hace un hermoso contraste con su vestido decorativo. Como resultado, la pintura celebra la belleza tanto en la forma humana como en el mundo que la rodea.



27.6.23

Haga muy mal en preguntarme cosas serias


No sé qué soy. Tú… tampoco. Pero sigue disimulando, yo también lo hago. 

Es posible que estemos de paso, o al menos eso es lo que hemos ido viendo en estas décadas pasadas. 

Un tiempo aquí, entre todos nosotros, los contemporáneos, pero sin saber bien ni para qué ni por qué.

No hay que preguntárselo mucho, no tenemos respuesta y no merece la ocasión insistir.

Hoy tengo un vino blanco un poquito especial. Para celebrar que no sé si soy un madero, un mendrugo o un trozo de carne bien diseñado. 

¿Una copita?


Johanna Montero Matamoros y su trabajo artístico desde Honduras


Ayer se inauguró en Madrid en el Instituto de las Mujeres la exposición "Crónicas del tiempo. Del dolor al arrullo" de la artista hondureña Johanna Montero Matamoros. Una artista comprometida con los problemas sociales, grafista y conocedora de los procedimientos de Artes Gráficas, de la que mostramos este grabado que ella titula "Corazón de Pueblo".

En Honduras la artista Johanna Montero Matamoros es una activista de los Derechos Humanos y Feminista comprometida con los derechos de las mujeres. En sus obras se recoge la resistencia cultural expresada hasta la elección de la presidenta Xiomara Castro en 2022.

Además, el trabajo artístico de Montero Matamoros aborda temas actualmente prohibidos en Honduras como es el aborto, denunciando los múltiples embarazos infantiles a causa de abusos sexuales y la imposibilidad de su interrupción.

Destaca también su defensa del territorio rural de Honduras, con obras que hablan de los procesos tradicionales de la agricultura de los pueblos asentados en sus territorios originarios y que las multinacionales destruyen en favor de sus propios beneficios.

España según el artista Julian Schnabel



El artista norteamericano Julian Schnabel creó esta obra en el año 1986 que es propiedad del Museo Guggenheim de Bilbao. Y la tituló "España" a la que conoce muy bien pues vive grandes temporadas en nuestro país.

Su forma creativa es una especie de collage de platos de cerámica rotos, pegados con masilla sobre una madera para formar figuras que luego pinta al óleo. La base no es un lienzo plano sino una amalgama de cerámicas destrozadas.

Julian Schnabel es pintor aunque en Europa es más conocido por su faceta de director de cine y por sus numerosos premios en esta actividad artística.

Fotografiar texturas es acercarse a la realidad


En las texturas encontraremos el detalle - 2023 - Zaragoza

26.6.23

Ejercicio de composición para adultos a partir de los 10 años


Estos que vemos son unos trazos simples, sencillos, básicos incluso. Un niño podria hacerlos. Pero no los hace así, no los termina o los presenta así. Y eso sin admitir que un niño suele ser siempre un gran artista. Pero vayamos al ejercicio.

Un niño también sabe escribir la A o la P, y según su edad puede incluso escribir COCHE o dibujar un árbol. Eso no exige que los adultos tengamos prohibido escribir COCHE o dibujar un árbol. Podemos seguir haciéndolo, pero se nos exigirá algo más.

Esta lámina es un grabado hecho a tres tintas. Un oro, un fondo marrón que bien podría ser negro y un gris suave. Al ser un grabado nos permite hacer varios ejemplares iguales. O incluso con distintos colores. 

Estamos utilizando las mismas grafías que un niño, pero estamos distribuyendo sobre el espacio esos signos de diferente manera. Buscamos más un acorde, un equilibrio. Unos contrastes y tamaños. Una limpieza.

Esta lámina es un ejercicio muy sencillo para aprender a dibujar y a distribuir sobre el espacio los elementos que cada uno quiera, pero preparado no para niños sino para adultos a partir de los 10 años.

Y a partir de que quieras iniciar el ejercicio (dibujar sobre un papel blanco algo similar al ejemplo, pero diferente), debes ir creando variantes o variables del mismo hasta conformar una docena de ejemplos. 

Las diferencias entre ellos las eliges tú. Color, tamaño, fondos, formas, posición sobre el espacio, etc. 

Cuidado, no es tan sencillo. Es un trabajo para niños, pero es que ellos son muy imaginativos, muy listos para el Arte.


Joan Miró y una Mujer en la noche


Esta es una obra de Joan Miró, clásica y muy reconocible por sus trazos, sus dibujos y elementos gráficos. La pintó al óleo sobre lienzo en marzo de 1945 y la tituló "Mujer en la noche".

La obra de Miro puede gustarte o puede parecerte intrascendente. Infantil o naif. No es posible un término medio. O es muy complicado tenerlo con su obra más conocida. 

Joan Miró escribía con la pintura, nos hablaba o nos contaba mensajes cortos o largos con estos símbolos de sueño, surrealista abstracto. Y por eso es imposible defender su obra, tan imposible como atacarla.

Esta obra es del Museo Guggenhaim de New York.



Las cosas más habituales pueden parecer otra cosa


Las texturas naturales, lo que vemos pero no siempre asimilamos a la primera vista, es un tema recurrente en mi recorrido fotográfico. 

Las cosas existen pero no siempre detectamos que existen. O dicho de otra manera. Las cosas más habituales pueden parecer otra cosa.

Esta piel de melón, tan melón como yo, resulta bonita una vez que nos acercamos a ella. La vemos desde otra óptica y a poco que quisiéramos podría pasar por un paisaje extraño. Se trata de ponerle ilusión e imaginación. 

25.6.23

Carteles de actuaciones de Revista en los años 70


La cartelería era hace unas décadas la herramienta casi única para dar a conocer los eventos. Los carteles y la radio. Incluso los carteles tenían una difusión pequeña, cercana al lugar en donde se iba a producir el evento, por lo caros que resultaban en su impresión y en su colocación y retirada. 

Eran carteles en donde no se indicaba ni fechas ni lugares, pues servían para todas las ciudades, ya que le impresión era en suficiente número como para que resultara rentable crearlos e imprimirlos. 

A lo sumo se ponían fajas impresas en blanco y negro o añadidos a los carteles, pegados por encima, indicando la ciudad de la actuación y sus fechas y horarios. 

Este cartel es de una Revista de humor, que hoy sin duda no se podría soportar por los nuevos conceptos sociales que tenemos. Pero que en sus tiempos gozaban de muchas aceptación tanto entre hombre como entre mujeres, pues hacían guiños a las relaciones familiares de aquellos años. Hoy pasados totalmente de moda.

¿Quieres pintar de verde los campos y las ideas?


De cada planta, por diminuta que nos parezca, de cada idea por pequeña que creamos que es, salen nuevas iniciativas de vida, semillas que van volando a otras tierras en donde empezar a crecer.

Nada se pierde, incluso lo malo tiende a multiplicarse. las hierbas malas también tienen semillas. Y no hay otra, o se hace una poda, o se limpia el campo de hierbas inútiles, o se nos llenará poco a poco de esa incapacidad de lo que no sirve más que para pintar de verde los campos.

24.6.23

No tuve arrestos para preguntarles por lo mío


Me quedé con las ganas de saber qué era lo mío. Os lo juro, no me atreví a llamar a una puerta lateral que había en el local, no fueran a darme de verdad, lo mío. 

Leído así, de sopetón, parece algo sexualmente peligroso. ¿Cómo saben esta gente, qué necesito, qué es lo realmente mío? No tuve arrestos para preguntarles. Nos quedamos todos sin respuesta.



Foco de la mañana para iluminar miradas dormidas


Foco de la mañana, para iluminar las miradas todavía dormidas. Curiosamente da luz de ilusión y de ganas de ponernos a laborar. Es como si fuera una luz mágica que contagia ilusión por el nuevo día. Arte natural capaz de motivar.

Para días apáticos, dormidos, sin ganas…, la naturaleza nos despierta con sus formas y colores.

23.6.23

Flores de un arbusto que parecen un árbol


Un árbol de flores para que no tengan dudas los insectos a la hora de jugar con las flores. Tienen muchas para elegir, abiertas o cerradas, blancas o amarillas. Es la naturaleza plural y repetitiva.

Christina Quarles y sus obras personales


Desde Chicago la artista Christina Quarles nos habla de la belleza surrealista, de las culturas americanas y sus particulares maneras de expresarse con el Arte desde un crecimiento artístico que ya inunda toda América y Europa, que la está afianzando en su posición artística en claro crecimiento.

Sus obras con nuevos idiomas expresivos van siempre acompañados de títulos en jerga, guiños a lo que representan sus figuras distorsionadas, mostradas en fragmentos o sin acabar de completar sus espacios.

Busca expresar ideas, literaturas o miradas propias en una ligera mezcla entre la palabra y la composición artística. 

Expresarse y hablar con sus herramientas artísticas es el último fin de cualquier artista.



Basura plana para entender a las paredes en su sufrimiento


La basura puede ser plana, incluso cobrar vida a poco que te la creas y te quedes mirando fijamente pues terminan moviendo sus miradas. 

La basura es el ejemplo claro de que existimos como sociedad. Cuanta más sociedad hay, más basura generamos. 

E incluso se da la paradoja, de que si dejamos de existir, el mundo se va degradando poco a poco y se va llenando de basura sin haberla creado nosotros. O eso nos dicen las películas distópicas. 

¿Has probado a cambiar el tipo de iluminación de tu vida?


Las luces son las que dan los detalles. Pero a veces las luces van a su aire, se mueven de sitio, se quieren cambiar y entonces alumbran lo que ellas quieren.

Las luces nos dan los contrastes, pero también depende del tipo de emisor. No se ve el mismo detalle si iluminamos con un foco o lo hacemos con un reflector. 

Por eso a veces la vida la entendemos desenfocada, creemos que no tiene los contrastes felices que nos merecemos. ¿Has probado a cambiar el tipo de iluminación de tu vida?

22.6.23

El Madrid de las basuras, del culo de los edificios


El contraste urbano es múltiple, fabuloso, es un dibujo de nuestra sociedad, un elemento que nos ayuda a entender o a no entendernos. La fotografía urbana es una maravilla para retratarnos por dentro aunque sean fotografías por fuera. 

Esta calle no es una ciudad china, ni tampoco es una ciudad cochina de los EEUU. Es Madrid a las 11 de la mañana. No es tampoco de tarde, no está hecha en un horario de recogida de basuras.

Ante la elegancia del edificio cerrado, con verjas o vallas, sacamos a la calle lo que nos estorba, lo que no nos gusta. 

El contraste, la diferencia, el encerrarnos dentro de la limpieza y el sacar los desechos del culo a las puertas del cuerpo urbano.

Y lo curioso es lo bien que nos acostumbramos todos los demás a vivir entre las basuras de los demás, bebiendo o viviendo. Nos hemos acostumbrado a casi todo.

Dibujo boceto religioso de Tintoretto


Del siglo XVI vemos arriba un dibujo boceto del pintor veneciano Tintoretto (Jacobo Comín) preparatorio para una obra religiosa en donde podemos ver una entronización de algún santo o santa, con un Cristo que le pone la corona a la protagonista, mientras la escena es observada por el Dios Padre y por el Espíritu Santo. 

Al menos otros cinco personajes completan la escena para dar un sentido estético y envolvente a toda ella. Una de ellas está como distraída, mirando a otro lado, ajena al momento, como dando la sensación de instantánea, de fotografía al descuido pero siglos antes de inventarse las instantáneas fotográficas.

Su estilo inicialmente siguió al del pintor Tiziano, antecesor suyo. Evolucionó a partir de 1540, adquiriendo una tendencia manierista (buscando las "maneras" o los estilos de pintores como Miguel Ángel, Leonardo o Rafael) siendo más marcada que los otros dos grandes pintores de la escuela veneciana, Tiziano y Veronés.

Pintor sobre todo religioso, algunas de sus obras son auténticos paisajes interiores, escenas teatrales de momentos sagrados que nos muestran con todo detalle la forma de vida de aquellos siglos.

Ojos que no ven, bichos que viven en paz


Entre las luces de cualquier techo viven las arañas, las notemos o no las notemos. Ellas fabrican sus estancias entre nosotros y se vuelven tímidas pues saben que las odiamos. 

Hacen sus calles y caminos con baba y eso las delata. Por eso hacen fino el recorrido, muchas veces para poderse mover más rápido si tienen que huir.

Las arañas de nuestras viviendas se esconden de nosotros. Como las hormigas o las cucarachas. 

Y esos son los animales que vemos, luego hay otros, miles de otros mucho más diminutos, que como no los vemos, ni nos preocupan.

Ojos que no ven, bichos que viven en paz entre nosotros.

Fisgoneando por Madrid, para ver y copiar


Asomarse a los lugares nuevos es inevitable. Asomarse ante la novedad es el mínimo ejercicio humano que debemos hacer. 

Somos curiosos y eso nos sirve para avanzar, para conquistar nuevas ideas. 

Miremos, sin dudas, miremos y averigüemos qué se esconde detrás de todo lo que vemos. 

Pero si hacemos de cotillas, seamos amables, pongamos sonrisas y humanidad. Es el mínimo precio a pagar por ver, observar e incluso copiar.

Para el verde, lo mejor el morado suave


También las flores diminutas deben figurar en las colecciones de colores y formas. Por ser pequeñas no debemos discriminarlas. Ellas intentan hacer su trabajo…, el de dar contraste con el verde. 

Y qué mejor contraste que morado suave contra verde primavera. Como son pequeñas tienen que destacar con el color en su ambiente.

Para destacar, lo mejor, colores complementarios. Los que están enfrente los unos de los otros. Casi diríamos, que son los colores enemistados.

21.6.23

El teatro de los escenarios para motivar y ambientar


El ambiente de una mesa de un despacho habla por su responsable. Forma un espacio teatral que también envuelve a las personas y a sus trabajos. En este despacho se escribe de una manera diferente a otros despachos. El ambiente afecta, seguro.

Realmente es falso, o dicho mejor, es real pero montado para la ocasión, para simular un tiempo. Y esa manera de volver hacia atrás es también Arte, pues es una sensación, es un convertirnos a nosotros en espectadores que viajamos no tanto en la distancia como en el tiempo.

Pero lo cierto es que casi todo es real. Los libros, las pieles que servían de asiento sobre la mesa, la silla de piel, el candelabro, la pluma y el tintero. Parece una mesa dispuesta a recibir un poema o una sentencia, curiosamente ejercicios bien distantes el uno del otro.

Incluso la iluminación fría ayuda a imaginar un pasado solitario, vacío, lento, calmado y duro.

Pero…: ¿Qué pintan esas cuatro flores secas y rosas en las bocas del candelabro? Tal vez un exceso para dar color al escenario.

20.6.23

Un clásico bodegón del francés Bernard Buffet


Del artista francés Bernard Buffet pongo un bodegón de los muchos que hizo, realizado en el año 1951, en una tendencia común en aquellos años y que de alguna manera recuerda en sus técnicas pictóricas a las pinturas cubistas y expresionistas de Pablo Picasso.

Una manera muy personal de ver lo cotidiano, de reinterpretar en su pintura elementos muy comunes a los que les filtraba con su propia mirada.

19.6.23

El Arte como vehículo de gritos urbanos


No vamos a fijarnos tanto en el texto —pero si les apetece sin duda lo pueden hacer— como en el contexto urbano del Arte que se esconde detrás de un grito, de una frase de queja. 

El Arte se puede y se debe quejar con todas sus herramientas, pues de la queja siempre queda la posible intervención de mejora. 

Pero…: ¿Una frase de queja puede ser Arte si ha utilizado técnicas de Arte?

Los romanos y griegos hace ya unos miles de años, que se quejaban con frases escritas en las paredes. Nada nuevo pues. Casi diríamos que ahora es cuando menos quejas urbanas hay, pues disponemos de otros mecanismos de reclamación.

Pero veamos sus partes que se acercan a las técnicas artísticas.

Quien ha realizado esta intervención tiene que disponer de una plantilla recortada a mano desde posiblemente una impresión que se emplea como matriz. No es tan sencillo como se imagina. Y luego unos spray en una técnica similar a las que utilizan grandes artistas urbanos como Banksy. 

El resultado nos puede parecer suficiente o no, para mi hay fallos en su creación que se deberían evitar. Pero hablo desde el punto de vista artístico y técnico. 

Lo curioso es que todo este trabajo se destina a un Grito, no se ha querido investigar nada más, pues se podría hacer una intervención de queja con los mismos resultados, sin recurrir a lo que más parece un cartel de hace 50 años. Una simple frase es poco. Aprendamos de artistas urbanos y de sus intervenciones.


18.6.23

Lo importante no es el camino, sino la meta final


Si hubiera sido muy pequeño de estatura no se me hubiera visto entre tanta hierba alta que rodeaba aquel camino. Hubiera quedado atrapado entre los verdes.

Pero mi altura me delataba y sobresalí desde el camino buscando la salida, intentando simplemente salir de allí para buscar una dirección recta, un lugar en donde no tuviera que estar tan pendiente del camino y más de la meta.

En realidad el camino era mucho más feo que las zonas laterales de verde en donde te podías encontrar de todo. pero el camino ofrecía seguridad y a veces somos tan tontos que preferimos ir por lo seguro.

No aprendemos de los animales que sí saben ir entre las hierbas.

La belleza de un verde en una ventana

Los colores son la gracia de la vida. Sin colores todo es menos ilusionante. Te podrías acostumbrar a los grises, pero te perderías muchos contrastes y sobre todo muchos matices pues nada es simplemente de un solo color.

Yo comencé a trabajar en serio rodeado de colores, en una máquina de impresión de una tinta, pero para impresiones a cuatro colores. La tercera pasada, generalmente la del magenta, era como un pequeño milagro sobre el papel. 

A la vida no le puede faltar una sola tinta, pues entonces no dice nada, todos necesitamos las cuatricromías al completo. Incluido el negro para terminar de dar los detalles.

Teatro de Calle. Una mentira fabulosa


El Arte del Teatro, de la representación, de explicarnos vidas y hechos falsos como si fueran reales, el arte de inventarse historias y representarlas para nosotros, es seguramente el más antiguo Arte de todos los que existen. Posiblemente más antiguo que la pintura.

Hacemos Arte cuando mentimos, hacemos Teatro cuando nos disfrazamos en la vida de lo que no somos, y aunque eso no está considerado como Teatro artístico, sin duda es Arte pues intentamos engañar, crear algo que es falso, pero de una manera tan real que el único objetivo es hacer creer a quien observa que en realidad somos así como se nos ve.

El Teatro de escenario, en escenario, es fabuloso, se envuelven los actores de un espacio que dominan. Pero el Teatro de Calle es profundamente más complejo y difícil, e incluso menos valorado.

En el Teatro de Calle los actores están desprotegidos. Solo les envuelve una cierta distancia a los espectadores y a veces ni eso. No hay nada que les proteja de su mentira mas que los propios espectadores que les respetan porque se los creen. Y sus disfraces de colores.

Llegamos a un acuerdo entre los actores y los espectadores. Vosotros me contáis mentiras y yo me las creo, disfruto con vuestras historias y os valoro por vuestro trabajo. Como espectador anónimo tampoco nunca me atrevería a realizar vuestro papel y por eso principalmente os valoro en vuestra labor.

Yo recomendaría hacer Teatro de mayores, no de niños que también es una Escuela fabulosa de fábulas. Es una sensación maravillosa pues te enfrentas a una historia que conviertes en tuya simplemente para convencer. 

Eres un personaje que nunca has sido con el único deseo de explicar una historia que te estás creyendo, con independencia de que incluso te de asco ese personaje que eres tú en ese momento. 

Dejas de ser tú, para ser "otro" y solo para convencer a los espectadores, que son lo único que merece el trabajo que estás realizando. Pero la única manera de convencerles es creerte tu propio personaje.



17.6.23

El NO Arte de un tonto con pinturas


Cuando a un tonto que se cree artista le das unos pinceles y un bote con pinturas, enseguida busca a otro artista que haya realizado una obra de Arte, pequeña o grande, de cualquier tipo de valor, para ponerse a pintar encima con rayas y letras.

El tonto que tiene pinturas nunca le da por comérselas. Por bebérselas al menos. Siempre tienda a pintarrajear obras de otros. No hay más.

Sobre una tapa gris metálica alguien había pintado un paisaje leve, y una frase.  

"COLORICOS pa la CITY. Por un Futuro menos Gris"

Pero enseguida perdieron los nervios al menos tres o cuatro tontos, con distintos colores o papeles, y decidieron añadir son tonterías encima para emborronar lo que se había hecho. Y eso que sobraban paredes vacías para aburrir. 

Pero es que lo que de verdad les pone… es joder lo anterior. Manchar lo ya hecho.


Fernando Arrabal nos habla del caos


Fernando Arrabal
es mucho más que un artista singular, es uno de los últimos ejemplos del surrealismo artístico plural que quedan en el mundo, y sin duda en España aunque viva en París. Todo él es surrealismo.

Escritor de teatro, de novelas, poesía y Libros de Artista con muy reconocidos artistas europeos como Dalí, Magritte o Saura en donde mezclaba poemas y obras pictóricas y dibujos. Cineasta, diseñador de escenarios, polemista e incluso mago, nunca ha sido entendido en España.

Artista que se ha movido dentro del dadaísmo, el surrealismo, la ciencia patafísica y el movimiento pánico, es casi imposible de calificar en la actualidad, y serán los años los que lo coloquen en su espacio real.

Esta fotografía de la artista Léa Crespi para El País refleja claramente su espíritu trasgresor, su imagen con 90 años de un artista del color, del sueño, de la 
polémica, del pensamiento diferente al establecido.

“Creo que donde no hay confusión, no hay vida. Por qué denigrar la confusión; si algo no es confuso, no hay sueño, y sin sueño no hay teatro ni poesía. Los copistas de la Biblia no supieron traducir tohu bohu y se sacaron de la manga lo de caos. Si cambiamos las vocales, es un caso”
.

16.6.23

Una flor que se está haciendo vieja


No todas las flores son hermosas o no totalmente hermosas siempre. Como nosotros, van pasando los días y la belleza se va agostando. En ellas es cuestión de días, en nosotros de años. 

Las flores conservan esa originalidad que sorprende y gran parte del color, pasa el tiempo y se arrugan, también como nosotros, pero ellas tampoco quieren y cada día se extienden para disimular como si el tiempo no pasara.

La gran diferencia es que ellas no saben de qué manera van a acabar en breve. Nosotros sí lo sabemos. Esa capacidad es humana, los animales no saben que van a morir. Las plantas todavía menos.

Shirley Jaffe y su Arte Geométrico abstracto


La pintora abstracta norteamericana Shirley Jaffe empezó siendo expresionista y empezó siendo diseñadora gráfica de moda hasta que en 1949 se marchó desde New York a París en donde empezó a tomar contactos con los artistas europeos y americanos que vivían en Europa en esas fechas tan importantes para el Arte.

"Mi estilo de pintura cambió cuando fui a Berlín en 1963 cuando recibí la Beca de la Fundación Ford. Sentí que mis cuadros se interpretaban como paisajes, lo que no era mi intención. Sentí que tenía que limpiar el bosque, y cambié mis modos, mi estilo como un nuevo desarrollo artístico y personal".

Considerada como una artista norteamericana en Europa, en Francia y Alemania, se convierte en una pintura emblemática de la nueva abstracción europea. 

Su arte geométrico es ordenado, aparentemente aleatorio, pero escrupulosamente escrito sobre los espacios totales, como ciertas composiciones musicales de sus artistas contemporáneos.

Todo el Arte es una mentira. A veces agradable


Hay veces en las que la realidad que vemos nunca existió como tal. El Arte habla con asuntos nunca reales, todo es creación, puede que mentira, siempre inventado en la cabeza del autor.

El teatro engaña con historias muy reales al igual que el cine. la fotografía selecciona qué nos quiere mostrar y lo embellece para conseguir nuestra atención. La pintura no es en estos tiempos real, ni la que aparenta ser real. En la literatura las historias y los personajes los creamos nosotros al leer.

El Arte nos puede gustar o no, pero sabemos que en cualquiera de sus disciplinas, todo se basa en inventarse historias, miradas, formas, mentiras.

15.6.23

Bernard Buffet y su Arte Pop y Expresionista


Este óleo de arriba del año 1959 es del artista Bernard Buffet y se titula "Annabel" que era su esposa, cantante y escritora Annabel Schowb. El de abajo es un clásico retrato pintado por él en el año 1958.

Bernard Buffet fue un artista francés del siglo XX que sobre todo trabajó la moda reflejando modelos de Balenciaga o de Yves Saint Laurent. Está considerado uno de los más importantes pintores franceses del siglo XX, tanto en sus obras realistas y de figuración como expresionistas y de abstracción. Retratos, bodegones, composiciones, etc. eran sus temáticas preferidas.

Sus obras están en los mejores museos del mundo. Bernard Buffet fue uno de los primeros artistas pop europeos que capturó la atención de un gran público gracias al reconocimiento de la personalidad de sus cuadros, de su trabajo mostrando un Arte Pop que triunfó en los primeros años y que luego fue criticado por los mismos que lo habían levantado.



Gloria Fuertes y Juana Francés se hablan entre ellas


La literatura, la poesía y el arte pictórico se hablan entre ellos. Pintar es escribir con colores, y la poesía no hace sino fotografiar escenas poco habituales. Las Artes se mezclan como en este poema que le dedica la poetisa Gloria Fuertes a la pintora Juana Francés por "sus milagros".

El Arte solo lo crean los humanos, con su mirada


El Arte existe porque nosotros queremos
, o dicho de otro modo, el Arte SIEMPRE lo creamos los humanos. A veces hablo aquí del Arte Natural, de lo maravilloso que son algunas representaciones vegetales, pero en realidad lo que es hermoso es la manera de mostrarlo, de verlo, de seleccionarlo. No yo, no, sino tú a la hora de elegir qué ver, qué poner en valor.

El Arte es muy subjetivo, por eso otras veces hablo de Arte Basura, pues aunque sigue siendo basura, en realidad en una fotografía no estás observando la basura, sino esa fotografía. Un poco como la famosa obra de Magritte y su pipa. 

La basura que vemos en una fotografía ya no es basura. La hemos convertido todos nosotros en arte menor, tú a través de tu mirada y yo  través de su selección.

Esta imagen que ves arriba está hecha en una ciudad turística y en realidad es casi una macro fotografía. Era una barandilla oxidada y podrida por la humedad.

Recuerdo que cuando estuve fotografiando esta serie de imágenes la gente se me quedaba mirando como lo que realmente soy, un loco algo más alto que la media. ¿Qué hace un tipo que aparenta seriedad, fotografiando tan de cerca lo que simplemente es basura?

No fotografiaba la barandilla oxidada, o sí, sino las formas, los colores, las texturas. 

Para muchas personas aquello que yo tenía a escasos centímetros de distancia era una vergüenza en una zona turística. Para mi eran formas que me permitían dejarse cazar para ver qué era luego de ser capaz de hacer con ellas.

El Arte lo creamos nosotros con nuestra mirada. Desde hace miles de años. Cuando los o las prehistóricas creaban bisontes o gacelas en las cuevas aquello no valía para nada, excepto que lo contemplaran el resto de personas de la tribu y creyeran que efectivamente aquello era algo distinto a un bisonte o una gacela.

Julio Puente

14.6.23

La Basura en el Arte. El Arte de la Basura


Soy de los que creen que la Basura no es solo basura, que en su interior se contienen muchas posibilidades. Y no creo que sea Diógenes que ya me está atacando. O sí. Y tampoco creo que la Basura deba tener una segunda vida, sino una primera vista desde otro punto de vista.

Las segundas vidas siempre son interpretaciones y no quiero eso para la basura en sí, sino una reinterpretación. Todos seremos basura, nos utilizarán como basura, y nunca llegaremos a ser Basura. Aunque nos convirtamos en polvo o en mierda, una vez que ya eres admitido como basura, es imposible levantarte.

Pero en cambio los objetos sí pueden, pues depende de nosotros. Y a veces una basura bien elegida es una Basura.

Por ejemplo, de la imagen de arriba se podrían sacar diversos objetos que podrían dejar de ser basura. No se convertirían en un Goya ni en un Warhol, pero podrían convertirse en Basura, que no es poco.

Cerámica por La Paz, en Cambrils, Tarragona


Esta cerámica instalada en el paseo marítimo de Cambrils en Tarragona recuerda al atentado terrorista que sufrió Cataluña por parte de unos imbéciles, y que terminó en Cambrils con el asesinato de una zaragozana, Ana María Suárez, en el año 2017.

Es una representación de la clásica Paloma de la Paz que se puso en el centro de Cambrils en el verano del 2018, coincidiendo con el primer aniversario, poniendo un Memorial por la Paz, que es un mosaico de diferentes baldosas geométricas que forman la figura de una paloma como símbolo de la paz, con la inscripción 'Cambrils por la paz' y las fechas de los atentados de Barcelona y Cambrils.

Muchas veces un clásico habla muchas veces con pocos cambios, con pocas variables. La Paz se encaja enseguida —en creación artísticas— con una paloma, como con ciertas músicas que cambian según países y sociedades. Se habla con el Arte, con los símbolos.

Cazando frutos diferente para una fotografía


De la familia de las chumberas, de las opuntias, esta planta o este fruto me lo puso muy sencillo para reflejar algo distinto, poco habitual. 

Las formas, los colores incluso, en el mundo natural y sobre todo en el mundo vegetal, te sorprende constantemente con formas que no esperabas. 

Y eso en fotografía es muy de agradecer pues te simplifica el agradable ejercicio de cazar algo diferente.


Desde Huesca a New York. Juan Pareja y su Bautismo de Cristo


Uno de los mejores cuadros que había en el Museo de Huesca, prestado por el Museo del Prado desde hacía 100 años, se marchó a New York a una exposición antológica sobre el pintor Juan de Pareja en el Metropolitan Museum of Art (MET).

El bautismo de Cristo de Juan de Pareja, un artista que durante casi dos décadas ejerció de pintor esclavo en el taller de Velázquez siempre ha sido considerado un pintor de segundo nivel hasta que nos lo descubren los americanos posiblemente por su origen africano aunque nacido en España.

El cuadro del año 1667 tiene 3,5 metros de anchura, es una gran obra que contiene numerosas escenas, dignas todas ellas de ser un cuadro independiente. 

Ya no lo podremos ver en Huesca, ahora lo veremos cuando vuelva de New York previsiblemente en el Museo del Prado, con la etiqueta de que ha formado parte de una exposición importante en el New York de moda.