Ramón Acín y una obra de color y pinceladas pastosas

Este pequeño óleo de Ramón Acín pintado sobre 1909 y titulado "Calle con veladores" está pintado al óleo sobre tabla y nos muestra una sencilla escena callejera desde una perspectiva distinta a la habitual, con pinceladas que va mezclando entre las casi pequeñas para dar detalle en bruto, y las pastosas y grandes para dar color y formas. 

¿Creará la Inteligencia Artificial obras de Arte de gran valor?

Una vez que introducimos la Inteligencia Artificial en la creación de obras de arta abstracto, tras programarla con las posibilidades de que realice abstracción o retratos, paisajes o bodegones, y somos capaces de introducir en sus procesos creativos artificiales toda una enorme variedad de posibilidades, ya solo nos quedaría respetar esta forma de crear arte de forma artificial, y aplaudir sus creaciones.

Botto es un artista robot creado por el artista alemán Mario Klingemann que es capaz de crear varios cientos de obras a la semana, distintas y siguiendo los criterios que los usuarios de redes o del propio creador del proceso le va indicando. Inteligencia Artificial creada por un artista, por Mario Klingemann, capaz de crear oras que ya se están vendiendo por un millón de dólares.

Y nos dice en El País para remachar más todavía sus opciones.: “Botto es un niño al que todavía hay que llevar de la mano, a pesar de que sabe más de arte que, probablemente, lo que cualquier ser humano podría aprender a lo largo de toda su vida: su cerebro se alimenta de la información disponible en casi toda internet, alrededor de un 80% de los contenidos accesibles. Pero seguirá creciendo, evolucionando. Está por ver qué caminos toma".

A partir de palabras aleatorias, mágicas —como las define no sin cierta reticencia Klingemann para explicar la cración de su obra titulada Assymetrical Liberation y que vemos arriba— el modelo genera imágenes, así como los textos que las acompañan. Nos muestra el planeta del sistema Synedrion. […] Está lleno de gente atrapada en las cárceles que ellos mismos han creado: sus miedos, sus dudas, su incapacidad para ver el mundo tal como es".

¿Esto es Arte? De momento no, aunque lo parezca, y de momento tampoco Botto es un artista aunque parezca que hace obras de Arte. Pero la gran duda es otra. ¿Y dentro de una década? ¿Podrá una máquina programada para ello, continuar creando obras similares a Miró, a Picasso, a Basquiat o a Goya? 

¿Qué reconocimiento tendrán esas nuevas obras hechas como churros pero con la forma y la calidad de las grandes obras de los grandes artistas? Pasar de obras digitales a obras pintadas al óleo, al temple o a realizar grabados digitales, es simplemente un proceso mecánico.

El Greco y una 'Crucifixión' diferente

Doménikos Theotokópoulos 'El Greco' tiene varias obras con referencias a la 'Crucifixión' con distintas formas de presentar la escena. Este cuadro, recientemente adquirido por el Ministerio de Cultura para el Museo de El Greco en Toledo es posiblemente uno de los más diferentes, sobre todo por el detalle de la cartela encima de la cruz en hebreo en la línea superior que solo mantiene mínimos trazos, mientras que la segunda y la tercera repiten en griego y latín el nombre Nazarenus”.  

Pintada la obra sobre el año 1575 representa a un Cristo sobre un paisaje tremendo, una nubes impactantes y al fondo con leves trazos una ciudad que bien podría ser Toledo. 

No es una obra grande, tiene unos 62 centímetros de altura, pero es una gran obra por su forma de transmitir la soledad y el dolor dentro de un paisaje que envuelve perfectamente el momento.

La silla sobre la que se sentaba Vincent Van Gogh

 

Durante los dos meses que Vincent Van Gogh y Paul Gauguin estuvieron viviendo juntos como colaboradores artísticos, el pintor holandés hizo dos retratos simbólicos de ambos, utilizando únicamente unas sillas como referencia. Esta que vemos arriba es la silla que representaría al propio Van Gogh, sencilla y austera, como era él, y pintada con su color favorito, el amarillo, que simbolizaba el sol y la vida. Es exactamente igual que la silla que podemos ver en su dormitorio, en el famoso cuadro “La habitación de Van Gogh en Arlés”.

En la Silla de Vincent Van Gogh aparece sobre ella una pipa y un atado abierto de tabaco, de la que dejo un detalle abajo, sobre la Silla de Paul Gauguin pero pintada por Van Gogh aparece una vela encendida y unos libros, y es casi un sillón de apariencia más elegante y cómoda. Sin duda existe una explicación para todos estos elementos.

La noche del 23 de diciembre de 1888 Paul Gauguin y Vincent Van Gogh tuvieron una fuerte discusión tras dos meses de haber estado viviendo juntos. Aquella discusión termina cuando Vincent amenazó a Paul con un cuchillo. Gauguin decidió abandonar la la vivienda y alojarse en un hotel para regresar después a París. 

Vincent Van Gogh convencido de su culpabilidad y para intentar resolver el problema decidió arrancarse el lóbulo de una oreja y enviárselo a su amigo en señal de arrepentimiento. Gauguin abandonó definitivamente Arles y Vincent fue internado en un hospital local. Esta obra debió realizarse al poco tiempo de marcharse Gauguin.

Arte prohibido, para demostrar que tiene razón

Cuando sabemos que el Arte estorba, molesta, hasta límites de quedar prohibido, censurado, es que ese Arte tiene valor, sentido, mensaje, grito. Esta imagen está tomada en San Petersburgo en Rusia y unos funcionarios del Ayuntamiento proceden a borrar un mural en el que vemos al político opositor Alexéi Novalni. Está haciendo en peligrosísimo signo del corazón, del amor, con sus manos. 

El texto en ruso es todavía más peligroso pues dice.: "NUEVO HÉROE DE ESTE TIEMPO".

El Arte cuando es censurado es puesto en valor, efímero es cierto, pero demuestra que tiene razón y si no se hubiera borrado, posiblemente no hubiera tenido tanta publicidad. 

Edward Ruscha y una obra hecha con pólvora

El artista norteamericano Edward Ruscha uno de los pioneros del Pop Arte americano, ha trabajado el grabado, la fotografía y es considera un pionero del uso de la pólvora en sus obras pues obtenía unos tonos grises aleatorios aplicándolos sobre distintas capas de papel, un artista que posteriormente se mueve hacia el diseño gráfico, en este caso de murales. 

En esta imagen de una de sus obras hecha con pólvora en el año 1972 y titulada "Whiskers" o "Pelos de bigote" nos muestra un ejemplo de la suma de dibujos y plantillas sobre un papel al que añade pólvora. Abajo una respuesta suya en una entrevista, sobre su forma de entender su Arte.

Se ha definido como un fabricante de imágenes, ¿podría hablar de ello?

Ed Ruscha: Me encanta el expresionismo abstracto. Pero a diferencia de los artistas que lo cultivan, prefiero imaginarme las cosas con antelación y luego planificar cómo voy a pintarlas. Tengo una idea preconcebida de lo que quiero hacer. Esa es mi manera de proceder, y en muchos sentidos no pienso como un expresionista abstracto. Pienso como alguien que planifica el resultado. Soy más conceptual que emocional, aunque también puede intervenir la emoción. Me di cuenta de que pintar era como ponerle al lienzo algo así como una piel que lo recubría, y empecé a sentirme a disgusto con ello. Pensé que quizá la idea debería ser teñir algo penetrando bajo la superficie. Podía ver esas materias orgánicas y los materiales no convencionales –como la grasa Axle o cosas así, o como si coges flores y las frotas contra el lienzo– penetrar en el lienzo, no quedarse únicamente en la superficie. Crear imágenes a partir de algo que no era pintura se convirtió en algo muy sugerente e interesante para mí. Creo que me ofrecía otra oportunidad. Estaba cansado de pintar sobre una superficie. Ahora he vuelto a pintar superficies, como sabe. Pero en mi trabajo hay muchas cosas que no puedo explicar. Nunca me ha gustado el arte con aerógrafo, y, sin embargo, luego resultó que yo mismo lo practiqué. Y nunca me gustaron los lienzos con formas, pero ahora me encuentro a mí mismo haciéndolo.

Interiorismo, decoración con Arte de interiores en Martorell

El interiorismo, la decoración de interiores habitacionales o industriales incluso, es un pequeño Arte poco conocido y no siempre bien valorado. Pero volvemos a la pretensión de siempre. Sentirnos envueltos en algo bello es simplemente Arte. Esta es una pared de entrada a un hotel en Martorell. Podría ser una simple pared lisa y también podría ser un espacio con un cuadro o un mural. Se optó por esta decoración que ofrece acogimiento, naturalidad con elementos cálidos, y además es muy sencilla de reemplazar o modificar. No pasa desapercibida al entrar, pero si esto sucediera, casi mejor pues está para hacer ese espacio agradable y de calidad con un interiorismo que muchas veces busca la suavidad, el pasar desapercibido.

El interiorismo no es solo decoración, es también arquitectura de interiores, de espacios, de ambientes. Es crear una determinada vida en un espacio vacío o diferente a lo que se pretende. Y para ello hay que conocer bien los volúmenes, los espacios y vacíos, los colores, el relieve casi como un escultor, la distribución de elementos como hace un fotógrafo. Es un poco la mezcla de diversas artes para servir a la conversión de algo anodino en algo agradable y que hable.

Andy Warhol y una de sus Liz que regaló

Andy Warhol hizo esta litografía de Elizabeth Taylor en el año 1964, una clásica Liz en uno de los mejores tiempos de Andy Warhol pletórico de esa llamada democratización del Arte a base de un tremendo trabajo de impresiones de calidad firmadas que hoy valen un riñón. Esta imagen de Elizabeth Taylor es de la promoción de su película "Una mujer marcada" y Andy Warhol la utilizó para uno de sus trabajos más conocidos de los que imprimió unos 300 ejemplares para regalarlos durante una exposición de sus obras. Estaba regalando dinero, mucho dinero.

En el Arte no es lo mismo el precio que el valor. Mark Rothko

En una subasta de la Casa Sotheby’s en Nueva York de esta semana ha salido la obra del artista Mark Rothko titulada "Nº 7" por el precio de 82,5 millones de dólares. Un lienzo de 240 cm. de alto, pintado en el año 1951 con franjas verde manzana, carmesí y lavanda, se remató por 82,5 millones de dólares (casi 73 millones de euros), dentro del rango de evaluación previsto entre 70 y 90 millones. Es el segundo récord del artista Mark Rothko, tras la venta del cuadro titulado "Naranja, rojo, amarillo" en el año 2012 por 86,9 millones (76,7 millones de euros), subastado por la Casa Christie’s.

Por su coloración vibrante, aura trascendente y fecha de ejecución, el No. 7 se encuentra entre las mejores obras maestras de la incomparable obra pictórica de Mark Rothko. 

Pintado en 1951, en los primeros años del artista, dentro de sus tendencias anni mirabilis de la carrera de Rothko, la obra No. 7 se remonta al momento crítico de principios de la década de 1950 durante el cual Rothko desarrolló su estilo característico de abstracción y su modo maduro de expresión artística. Compuesto por tres bandas de color luminosas y distintas, la coloración vibrante y la profundidad atmosférica del No. 7 reflejan el dominio de este período transformador.

La escala imponente del No. 7 envuelve al espectador en proporciones que reflejan el cuerpo humano, fomentando la contemplación profunda y la experiencia óptica profunda que Rothko pretendía provocar. Expuesto por primera vez en la Betty Parsons Gallery de Nueva York en el año de ejecución, el No. 7 se ha incluido desde entonces en varias exposiciones importantes de la obra de Rothko.

Etel Adnan se escapó, pero nos dejó su obra abstracta sencilla

Los artistas dejan de estar con nosotros con la misma naturalidad de todas las personas, muchas veces en silencio pues la edad o la enfermedad les va alejando poco a poco del mundo del Arte. Este es el caso de la libanesa Etel Adnan, una maestra en la abstracción más sencilla. No era Joan Miró pero a veces jugaba con formas similares, con colores puros y simplemente sensaciones.

Poeta, pintora, periodista, escritora representa uno de esos casos de reconocimiento tardía, como profesional del Arte de la Abstracción que sobre todo le vino en el año 2021 con 87 años de edad.

Luz, color, formas sencillas, espacios y buena distribución de los pocos elementos que configuraban sus obras, han sido suficientes para que sus obras sean casi gestos de momentos, paisajes vivos hechos desde la sencilla mezcla de pocos elementos para no distraerse.

Árabe convencida de que viajar enseña a crear, fue activista contra las guerras, y se movió en los EEUU, en Europa, en sus tierras de nacimiento, en la Francia que le enseñaba o en la Turquía de su madre griega pues nació en Esmirna siendo de Grecia.

En la última década de su vida, octogenaria, expuso en el Whitney de Nueva York, en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts, en las Serpentine Galleries de Londres o en el Museo Guggenheim de New York.

¿Con qué palabras termina El Quijote de la Mancha?

"Y con esto cumplirás con tu cristiana profesión, aconsejando bien a quien mal te quiere,  yo quedaré satisfecho y ufano de haber sido el primero que gozó el fruto de sus escritos enteramente, como deseaba, pues no ha sido otro mi deseo que poner en aborrecimiento de los hombres las fingidas y disparatadas historias de los libros de caballerías, que por las de mi verdadero dos Quijote van ya tropezando, y han de caer del todo sin duda alguna" Vale.

Todos conocemos como empieza El Quijote, con qué texto se inicia el Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha, pero muy pocos conocen como termina. Con qué palabras Miguel de Cervantes quiso terminar su Quijote. Su Segunda Parte actual de su Don Quijote de la Mancha. 

Si la Primera Parte acaba en un italiano de la época (latín diría) con la frase: Tal vez otros canten con una mejor elección. En su Segunda Parte termina totalmente su obra con el texto que hemos leído arriba.

El dibujo es de una edición de 1971, del dibujante e ilustrador Jorge Carreras.

Dalí y El rostro de la guerra de 1940. The Face of War

Abajo se puede ver a Salvador Dalí, pintor surrealista del siglo XX, muy ocupado en su pintura titulada "The Face of War" o "El rostro de la guerra" y fue tomada en el año 1941 un tiempo después de que acabara la obra que vemos arriba en el año 1940.

The Face of War es el intento del artista español Salvador Dalí de hacerse pasar por la guerra misma. Se representa aterrador, desagradable y la obra la pintó justo después del final de la Guerra Civil Española y antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

El rostro está desmembrado de su cuerpo y se ha marchitado hasta la muerte. Sin embargo, hay expresiones en él. Expresiones que se quedan en la cara de un hombre muerto. Es conmoción y miseria. La cara está asombrada por los acontecimientos de una guerra. En ambos lados, está cubierto de serpientes vivas atacando a cada serpiente en el otro lado.

Las pinturas de Salvador Dalí no podrían estar completas sin una rareza ficticia. Aparentemente, la cara misma sostiene otras caras en sus tomas de ojos y boca, que sostiene otras caras en sus bocas y cuencas oculares. Esta representación aparentemente continúa hasta el infinito y también la miseria y la teogonía con cada rostro. En la parte inferior derecha de la pintura hay una impresión de una palma con los dedos claramente vistos. Dalí afirmó que era la marca de su mano.

La obra pictórica se encuentra en el Museo Boymans-van Beuningen de Rotterdam.

Las Meninas de Velázquez. Una obra imprescindible

El cuadro de Las Meninas de un Diego Velázquez ya mayor es un impresionante óleo sobre lienzo de 381 cm de altura por 276 cm de anchura realizado en el Alcázar de Madrid en 1656. A pesar de que es mundialmente conocido como ‘Las Meninas’, lo cierto es que este no es su verdadero título. En 1666 aparece registrado como Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana en el inventario del Alcázar, aunque también se ha designado como La familia de Felipe IV. 

Las Meninas es una palabra portuguesa que significa “niña” y con el que se designaba a las damas de compañía (amigas) de la infanta y que tenían su misma edad.

El personaje principal es la infanta Margarita Teresa de Austria a la que Velázquez considera como el futuro de la Monarquía y que murió 17 años después por complicaciones en su cuarto parto; y siendo un retrato real, los Reyes se ven al fondo y levemente, reflejados en un espejo.

La luz de la obra viene desde una posible gran ventana que estaría a la derecha del cuadro y que es la que ilumina toda la escena, incluso es la que también ilumina el espejo en donde se ven reflejados los Reyes.

Un detalle muy interesante de esta obra es la figura del propio Velázquez pintando un gran cuadro. 

¿Qué pinta en realidad Velázquez en ese momento? 

Él no ve la escena de Las Meninas, excepto que tenga delante, en la posición en que estamos como espectadores, un enorme espejo que le refleje a los personajes para poderlos pintar. En su posición, los está viendo de espaldas, y solo un espejo le ayudaría a ver los rostros, los detalles, las formas.

Otra cosa es que en realidad Velázquez estuviera pintando "otra" obra, que nada tuviera que ver con lo que estamos viendo en esta. Y que Diego Velázquez hubiera pintado esta escena sin estar él en ella, y posteriormente añadirse él mismo. Lo cierto es que no se podía tener a los personajes durante días posando, para poder hacer el cuadro de este tamaño. 

Se sabe que en su posición y observada la obra por Rayos X, parece que iba una figura femenina, posiblemente la infanta María Teresa de Austria, hija mayor de Felipe IV.

Es claramente un cuadro al óleo con técnicas fotográficas aunque en esos tiempos nadie podía imaginar que la fotografía existiría. Podría haberse valido de una cámara oscura para tomar apuntes sobre el lienzo y no tener a las personas posando mucho tiempo.

La obra es un ejemplo pedagógico de luz, de relieve, de poner las miradas de los personajes en sus posiciones perfectas para que veamos un espacio amplio por donde movernos incluso siendo espectadores del lugar que entendemos como una gran habitación sobre la que podemos casi movernos.

Para más relieve en la escena, coloca una luz potente al fondo, detrás de la puerta en la que vemos al aposentador de la Reina, indicándonos que aquello continúa, que no es plano, que se puede viajar por el interior de la obra. 

El detalle del niño pegando una patada al perro que posa tranquilo es realmente una acción vital de un niño gamberro y muy posiblemente mal educado por su posición social, pero que Velázquez quiso dejar constancia, como esa ligera fotografía social del instante, como si fuera una instantánea.

Ramón Acín, Joaquín Costa y Dionisio Lasuén. Juntos y no revueltos

Este dibujo de un todavía joven Ramón Acín Aquilué lo realizó en el año 1925 y se hizo como boceto para un proyecto de Monumento Imaginario para Joaquín Costa, mostrando una gran cabeza tallada en una montaña a la que se ascendería de forma circular dando vueltas alrededor de su cabeza. En aquellos años surgió la idea de hacer un gran monumento a Costa y Ramón Acín se inspiró en un dibujo del escultor Dionisio Lasuén que había realizado unos años antes en 1911 como proyecto para tallar de forma imposible el Moncayo con el busto de Joaquín Costa.

La Resurrección del artista Pedro García de Benabarre

 

De la segunda mitad del siglo XV podemos ver una obra titulada "La Resurrección" del artista gótico hispano flamenco Pedro García de Benabarre que estaba en el retablo mayor de la iglesia de Nuestra Señora de Baldón de Montañana en Huesca y que fue vendido a trozos en el año 1923. 

Conjuga en esta obra al temple sobre madera el uso del oro en la pintura religiosa como marca del gótico más internacional, y empieza a utilizar el detalle de los paisajes que lo lleva hacia la forma flamenca de entender las obras religiosas y la pintura, dando detalles del entorno.

Pedro García de Benabarre realiza obra sobre todo en Aragón y Cataluña. Esta obra se conserva en el Museo de Huesca, y tras el análisis de una fotografía conservada en el Instituto Amatller de Arte Hispánico de Barcelona, en la que se puede ver el retablo completo y en su ubicación original, se han podido localizar actualmente algunas de sus tablas en diversas colecciones públicas y privadas de todo el mundo, como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, Museo de Bellas Artes de Sevilla, Museo de Bellas Artes de Budapest, Colección Montllor de Nueva Cork o la Colección Lladó de Madrid.

Daniel Urrabieta Vierge, ilustrador de El Quijote de 1916

Una ilustración del dibujante Daniel Urrabieta Vierge, para una edición de El Quijote del año 1915. El artista malogrado —pues la enfermedad se lo llevó muy pronto— Daniel Urrabieta Vierge nació en Getafe en el año 1851 y estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando (1864-1867), donde recibió la influencia de sus maestros, fundamentalmente de Federico de Madrazo y Carlos de Haes. 

Daniel Urrabieta marchó de España de adolescente por motivos familiares a París en donde entabló relación con los artistas Fortuny, Rico, Madrazo, Doré. Y allí empezó a colaborar en revistas y libros, realizando las ilustraciones dentro de ese mundo cultural y artístico de un París que era el centro mundial del Arte.

Para estas ilustraciones de la que vemos una arriba, hizo un viaje desde su Francia habitacional por toda la Mancha para visitar los lugares que se relatan en la obra de Don Quijote y poder reflejar mejor en sus ilustraciones lo que Miguel de Cervantes había escrito.  Era el año 1896 cuando Daniel Urrabieta junto a Carlos Vázquez emprendieron el viaje de apuntes y bocetos que dieron vida a unas ilustraciones novedosas, limpias y suaves, muy originales para la época.  

Un Otoño italiano visto por Virginia Mori

Una ilustración de la artista italiana Virginia Mori que ha titulado Otoño. Reconocida cineasta e ilustradora de Milán capaz de producir sensaciones con sus dibujos que se escapan de la normalidad, en un conjunto de emociones retratadas o dibujadas que dan nuevos sentidos a las escenas.

Camille Pissarro nos habla del Arte

“La pintura, el arte en general, me encanta. Es mi vida. ¿Que mas importa? Cuando pones toda tu alma en una obra, todo lo que hay de noble en ti…, no puedes fallar ... "

Camille Pissarro en una fotografía y carta escrita a su hijo Lucien. En la imagen vemos a Pissarro en su estudio de Éragny, en el año 1890.

Robert Frank y The Americans de EEUU de los años 50

El fotógrafo suizo y alemán Robert Frank nos deja una mirada suya de los EEUU en los años 50, a donde fue con un permiso especial de la Fundación John Simon Guggenheim para retratar la sociedad norteamericana desde todas las partes que le dejaron de una sociedad compleja en aquellos años. Dicen que hizo casi 30.000 fotografías en blanco y negro de las que solo publicó 83, y era fotografía analógica que había que revelar y positivar, para luego obtener tan poco magro resultado. Pero eran otros años y por entonces a la fotografía documental no se le daba el valor actual. De aquel viaje nació su más famoso libro The Americans.

Tras aquellos años de fotografía social norteamericana, Robert Frank cambió sus trabajos hacia fotografía de cine y a director de cine, hasta que en 1970 volvió a trabajar la imagen fija. Sus dos libros de fotografía más conocidos son The Americans y Lines of My Hand. 

Torre modernista mirando a los cielos de Barcelona

Me gusta encontrarme en los cielos con sorpresas y por ello siempre que puedo miro hacia arriba. Algún día tropezaré de bruces contra la realidad. Esta torre de ático modernista la pillé en Barcelona, buscando aleros y balcones, ventanas y palomas. Lo hermoso debe ser apoyarse en la misma, tomando una cervecita mientras contemplas Barcelona anocheciendo, antes de salir a una completa cena.

Barcelona tiene patios, fachadas y paredes muy interesantes de cazar. Hay que mirar siempre que se viaja hacia los cielos para buscar más miradas perdidas. No hay que dejar sin ver, lo hermoso.

Un joven Josep Guinovart pinta "El trigo"

De un joven Josep Guinovart, artista catalán con solo 21 años, tenemos esta obra titulada "El trigo" en el año 1948 donde se mezclan técnicas de óleo, collage con semillas y paja, guache, tinta y acrílicos sobre papel. Todavía era ilustrados y creador de escenarios para el teatro cuando realizó esta obra tan radicalmente diferente a las que durante su carrera artística nos tenía acostumbrados.

Mueles de blé, de Vincent van Gogh y sus historias

La obra acuarela de Vincent van Gogh titulada 'Mueles de blé', fue mostrada por ultima vez en 1905, en la gran retrospectiva del artista en el Stedelijk Museum de Amsterdam. La organizó Johanna van Gogh-Bonger, la mujer de su hermano, Theo van Gogh, quien que se quedó con buena parte de su obra tras la muerte temprana de Vincent van Gogh. El artista y coleccionista Gustave Fayet compró la obra poco después y ya nunca regresó a los museos o exposiciones.

La acuarela es una escena rural que muestra las grandes pacas de trigo segado y a mujeres trabajando en el campo de Arlé en Francia. Una acuarela pintada en el año 1888 con un Vincent van Gogh que ya tenía mala salud.

De las manos de Gustave Fayet salió al ser vendida a Max Meirowsky que era judio y tuvo que huir entregando la obra a Miriam Caroline Alexandrine de Rothschild que tuvo también que escapar hacia Suiza, momento en que los nazis saquearon su colección de Arte.

En 1941, la pintura fue transferida a Jeu de Paume, un museo utilizado por los nazis para almacenar y exhibir obras de arte consideradas "degeneradas". "Meules de blé" fue llevado al castillo Schloss Kogl en Austria, donde entró en una colección privada sin especificar.

En 1978, fue adquirida por la galería Wildenstein & Co. en Nueva York, donde fue comprada la acuarela de Vincent van Gogh por el fallecido coleccionista de arte Edward Lochridge Cox.

Y definitivamente (de momento) se vendió esta semana, subastada por la casa Christie's en una puja que la elevó hasta los 35,8 millones de dólares, frente a una estimación inicial de entre 20 y 30 millones. Se convirtió así en la acuarela más cara en subasta de Van Gogh.

Esperanza, del artista español José García Tella

El artista José García Tella pintó esta obra al óleo sobre tabla en el año 1950 y la tituló "Esperanza". Estuvo en varias ocasiones encerrado en Campos de Concentración en Europa y conoció en sus carnes los desastres y dolores de las guerras, de la barbaries de hombres contra hombres por sus ideas. Fue una obra de la antigua colección Henri-Pierre ROCHÉ  de donde pasó a la Colección Museo Reina Sofia (Madrid-España). Es un artista más reconocido en Francia que en España.

Desfilar de Gala con mascarilla sanitaria, no encaja en el Arte

Las mascarillas han venido para quedarse pero hay que cuidar su estética, no encaja en todos los espacios, en todos los lugares, Esta Guardia de Procesión vestida con todos los boatos casi históricos, no soporta bien un mascarilla obligada por el momento con el diseño médico. Hay que decirlo, para evitarlo. La belleza hay que cuidarla, incluso en las mascarillas. Si hay que llevarlas, que no está tan claro en un desfile al aire ibre, se llevan, pro al menos que hagan conjunto con la totalidad del traje de ceremonia, que estas mascarillas llevan ya unos años entre nosotros.

Y terminaron por no quejarse de nada. Aprendieron pronto

—¡¡Rápido!! música para los esclavos, que se están despertando. ¡Rápido! o se nos hunde el tinglado.

—¡Maestro!, no tenemos música. 

—¡¡Rápido, rápido! inventaros algo para que se puedan quejar y suene como si fuera música celestial, tenderles redes en las que caigan, creyendo que el quejarse sirve de algo.

—¿Y no es peligroso que se quejen mucho?

—¡Lo más peligroso es que no se quejen de nada!

Jesús Sus Montañés, artista aragonés de personas

El pintor zaragozano Jesús Sus Montañés expone en el White Block de Seúl y esto solo parece ya noticia. Realmente si expone es porque su obra es importante, y ofrece una visión que interesa a otras personas, sean cercanas o lejanas a tu lugar de trabajo. Este artista aragonés, profesor de Bellas Artes en Barcelona es muy reconocido por sus maneras de retratar con pintura escenas cotidianas donde las personas son los elementos principales de sus obras.

Su posición estética se centra pues en la construcción y representación de imágenes de contenido figurativo, pero concebidas de conjunto y unidas, no practicando las imágenes de tipo alucinatorio ni las de aislamiento perceptivo. Sobre esta idea ha creado una línea de investigación en psicología cognitiva y ha publicado seis libros.

¿Cuáles son los gustos pictóricos de Jesús Sus explicados por el mismo?.: Con ese gusto por la luminosidad, por la creación de atmósferas, por el universo urbano y los paisajes, Jesús precisa que su obra es un reflejo de lo que ve desde su casa de Utebo, de lo que observa, más que de lo sueña, aunque haya narratividad en sus cuadros. «Hay naturaleza, claro, a veces la veo que desde mis ventanas, pero también otro tipo de paisajes. Me interesa mucho el paisaje urbano y la arquitectura, y se puede ver casas, construcciones especiales»

Carmen Laffón, pintora andaluza capaz de pintar las huertas de sal

Ha fallecido la pintora Carmen Laffón, catalogada como la pintora realista capaz de pintar incluso la sal de sus tierras andaluzas. Pintora y escultora figurativa practicó un tipo de pintura muy similar a la de Antonio López. Dedicada también a la formación artística sevillana era académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Sus obras abarcaban desde el retrato a la naturaleza muerta de objetos cotidianos, pero sobre todo el paisaje del campo andaluz más sencillo y plano, de el mar y el cielo, del agua y de la sal. La obra que vemos arriba la tituló 'Los Caños. Esteros'.

Carmen Laffón fue la pintora de la luz y de la realidad íntima de su forma de mirar y ver el paisaje andaluz. Desde el realismo de sus inicios a la abstracción onírica de sus actuales obras, en donde los paisajes siempre tienen como principal característica el color y la luz. 

Fue figura fundamental de la historia de la pintura española, y una de las pocas mujeres que han realizado exposiciones individuales en museos nacionales.

A de Arrabal, en el Festival Asalto de Zaragoza

Dentro del Festival Asalto de Zaragoza, que facilita el Arte Urbano en la ciudad, para revitalizar barrios clásicos con obras en murales o ya en este 2021 con obra de diverso tipo, podemos contemplar aquí una obra de Javier Garanto de Madrid, titulad brepresentando la A como primera letra del abecedario, la que abre la comunicación y el boca a boca, pero también la A que abre el nombre del barrio en donde se instala, el Arrabal. 

Un puzzle de elementos de gran colorido que representan personas alrededor de "su" barrio, de su "A", dejando que circule el aire y los espacios como identidad de espacio, de barrio, de convivencia multicultural y diversidad.

El zaragoza José Manuel Broto y una "Conspiración"

Del artista zaragozano José Manuel Broto os dejo una obra del año 1986 titulada "Conspiración". Zaragoza de ciudad nativa, se va a Barcelona, París o Mallorca a vivir "su" arte en donde trabaja con Barceló o Sicilia. Fundador junto a otroa artistas del Grupo Trama trabaja sobre todo el color con el que crea formas a veces significativas, otras totalmente abstractas, dentro de un proceso de trabajo Constructivista para expresarse con formas y colores. Sus obras están repartidas por muchos museos del mundo.

El Arte Moderno es parte de nuestro camino vital

De acuerdo, el Arte Moderno no gusta a todo el mundo. Le sucede como al vino o a las ostras, al caviar o al whisky. Estoy de acuerdo y lo acepto, incluso lo pone en valor, es necesario que no guste para que se note a quien le gusta. Lo peor sería que pasara desapercibido. Pero el Arte Moderno es fruto de nuestro tiempo, de nuestro momento vital. No sé si dentro de unos siglos será explicado, comprendido o producirá sonrisas. Pero es parte de nuestro camino por la vida.

La viñeta que vemos arriba se publicó en el diario El País

Kobra, artista urbano brasileño por la Paz

Uno de los Artistas Urbanos más reconocidos en todo el mundo es Kobra, el brasileño Carlos Eduardo Fernandes que desde muy niño ha ido pintando murales por todo el Planeta. Diseñador gráfico, desde pequeño se dedicó a la pintura urbana, y desde el año 2007 a través de un proyecto en Sao Paulo pintando de una forma muy personal fotos antiguas por varios murales de su ciudad, se dio a conocer en todo el mundo.

Pintor que muestra sus miradas, sus planteamientos sobre la Paz, la Integración, la Diversidad o la No Violencia, es también pintor de personas con las que intenta transmitir en sus murales sus propios mensajes o las frases que desea dar a conocer para plantear un mundo mejor.

Arriba del todo he dejado un mural suyo de Murcia con Salvador Dalí; la bailarina está en un mural de Sao Paulo; y el mural de Bob Dylan se encuentra en Minneapolis.

Eduardo Chillida atrapando sueños en su "Yunque de Sueños"

Del escultor vasco Eduardo Chillida, una sección de su obra "Yunque de sueños XIII" del año 1953 hecha en hierro y madera. Una obra pequeña clásica recogiendo espacios, abrazando los huecos que van dejando sus formas, atrapando en este caso esos sueños teóricos que todos tenemos.

Arte Textil en Lorca, para su Semana Santa. Los Blancos

El Arte Textil está a veces considerado como artesanía pero en muchas ocasiones es totalmente original y único, como en este caso que vemos, de una capa en Lorca para la Semana Santa de la Cofradía de Los Blancos. La Semana Santa de Lorca es algo complejo de explicar, hay que verla para entenderla, y más que verla, hay que participar como público una vez que te han explicado las rivalidades y el papel del público en los desfiles procesionales.

En el propio Lorca tienen varios museos dedicados a su Semana Santa en donde se pueden ver ejemplos de arte textil que sin duda sorprende. No solo de tapices vive el Arte Textil.

Miguel Villarino, artista en Parador de Lorca

El Parador de Lorca ubicado dentro del recinto del castillo de Lorca tras su rehabilitación se abrió al público con el añadido de una propuesta artística contemporánea que pusiera en valor la convivencia en un centro hotelero con la contemplación de Arte Moderno y Ars Fundum planteó una exposición permanente en sus zonas comunes de gran acierto y muy bien elegida. A partir de esta intervención Paradores de España empezó a plantearse la incorporación de más Arte Moderno en sus instalaciones de toda España.

Estas dos obras que vemos, son del artista zamorano Miguel Villarino y se titulan "Tautología Darwinana" realizadas en el año 2006. En un edificio que es además de contener las ruinas de la Lorca más antigua, es castillo, sinagoga y judería, y es un lujo poder recorrer sus instalaciones y encontrarse bien mezclado la historia y el Arte Moderno.

Francisco de Goya y su Pirámide monumento funerario

El dibujo 'La Pirámide' de Francisco de Goya es un ejercicio casi único y muy curioso dentro de la trayectoria de Goya. Se trata de un dibujo a lápiz donde Francisco de Goya representa una imaginada megalómana estructura de estricta simplicidad geométrica y en la que se integrarían el diseño de una pirámide y el de un arco de triunfo, que se alza en lo que es reconocible como el límite de un entorno urbano contemporáneo al pintor en Madrid. 

Francisco de Goya llevó a cabo un boceto de una arquitectura revolucionaria en la estética y el tamaño de la obra sin que sepamos realmente cuantos conocimientos tenía de Arquitectura. Era un ejercicio de arquitectura funeraria para edificar en el Parque del Retiro como homenaje a los españoles muertos en la Guerra de la Independencia. 

El boceto está hecho en dos hojas contiguas de un tamaño A4 cada una y Goya buscaba crear un espacio grande para actividades diversas en donde habría un monumento a las víctimas del que también hay un dibujo, y esta pirámide debería servir de puerta de entrada, tan enormemente grande que las personas se sintieran empequeñecidas a su paso por la zona.

Cartel de Licor 43, muy pasado de moda

La cartelería es una muestra de Arte Gráfico que nos muestra un bocado de la vida de cada momento. Nada muestra mejor los años que el ejercicio de crear Arte Gráfico con carteles anunciantes hechos con una mezcla de Arte y otra de Publicidad. Este cartel de los últimos años 60 y primeros años 70 de Licor 43 muestra en su lenguaje mucho más de lo que dice. Es una fotografía gráfica de su tiempo.

No me quisiste mirar. Una ocasión perdida

Te observé pero enseguida me volviste la cara. No era timidez, simplemente es que no te interesaba aguantar la mirada. Yo desistí enseguida, pero te seguía observando con el rabillo del ojo. Solo con eso me quedé.

¿Quieres salir a pasear conmigo? Es un momento

¿Quieres salir a pasear conmigo un rato? Nada especial, andar hasta que se nos acabe el papel. Andar por andar. Salir y entrar de espacios. Enseguida volvemos. 

Hablar a medias es no decir nada de nada

No todas las frases las sabemos acabar, a veces se nos quedan en el tintero de la boca y nos dejan las ganas. No debemos quedar atragantados con las palabras, pues ahogan con el tiempo.

Jacobus "Co" Westerik, toda una larga vida dedicada al Arte

El artista holandés Jacobus "Co" Westerik que se educó artísticamente en la Academia de Arte de La Haya creó el Grupo Verve de arte figurativo moderno fijándose en la Escuela de París y aunque solo duró el Grupo seis años, participó en la configuración de La Nueva Escuela de La Haya de Arte Contemporáneo o Moderno. Nacido en Róterdam estudió tendencias artísticas en sus viajes a los EEUU y Francia, para ampliar sus conocimientos. 

En sus últimos años de vida fue un artista muy trabajador, organizando exposiciones y gran número de obra nueva. Jacobus "Co" Westerik falleció con 94 años en 2018. La obra que vemos arriba es de 1983 y la tituló "Chica con el pelo en el agua".

Pintor de acuarelas, óleo, ceramista, grabador, dibujante, muralista, profesor de Arte, serigrafista o fotógrafo, se movió toda su vida entre muy diversas técnicas artísticas.