No es necesario ser abstracto. El mundo es abstracto

Dijo el diferente artista pintor expresionista y pionero del arte abstracto alemán Vassily Kandinsky que: "Cuanto más temible se torna el mundo, más abstracto se vuelve el Arte".

Esta frase aparece en su diario personal escrito en torno al año 1914, y refleja cómo las épocas de crisis, guerra o de una gran tensión social, las situaciones incluso ajenas al propio artista, empujan a estos (nos empujan a muchos) a tener que alejarnos de la representación de la realidad física. 

En su lugar, buscamos refugio y expresión en mundos interiores, formas puras y colores espirituales. En representar la realidad que no nos gusta con formas que no parecen expresar la realidad sino el color, la incertidumbre, el sueño, la sinrazón.

Hoy, hablo de estas primeras décadas del siglo XXI, más en estos años 20, el Arte parece haber desaparecido producto de varios frentes nuevos. No es cierto, pero sería un nuevo paso desde la incertidumbre.

No nos gusta lo que vivimos. Estamos muy crispado y llenos de enemigos cercanos o lejanos, y a la vez las máquinas ya crean Arte a veces mejor que nosotros mismos. Aunque sea sin alma.

El Arte cuando fue absorbido por la mercantilización, dejó de vivir libremente. No pudimos hacer nada, excepto los pocos que lograron sacar grandes réditos de ese cambio brutal. 

El Arte sigue sacando grandes beneficios económicos, pero están repartidos entre pocas personas y muchos de ellos no son creadores. Ya no es necesario ser abstracto, pues el mundo en sí mismo es abstracto.

Nota.: Para ilustrar mi texto os dejo una acuarela de Vassily Kandinsky, hecha en el año 1922.

Libro de Artista y de Poesía, de Joan Miró

Esta es una doble página de un libro del propio Joan Miró, el artista catalán tan reconocido del que no cabe decir nada nuevo. Pero este ejemplo de Libro de Artista o Poesía visual, o Libro de Poesía Ilustrado, sería visto en su momento como un trabajo menor. 

Un libro. Un impreso. Unos dibujos para ser reproducidos junto a unos poemas.

Hoy sabemos y admitimos que una parte del Arte Contemporáneo se hace admitiendo de entrada que puede ser efímero desde su inicio. 

El Arte Urbano, muchos Libros de Artistas, los Fotolibros, no serían entendidos como Arte hace unos siglos. Puede incluso que no lo sean ni ahora para muchos espectadores.

Los manuscritos con ilustraciones o los llamados manuscritos iluminados, medievales en su concepción, son hoy ya sin duda unas auténticas obras de arte. Nadie lo discute. Bueno, nadie tampoco, eso es ya demasiado. Pero aquellos artesanos más que artistas en su momento, son hoy considerados auténticos artistas creadores.

Con este ejemplo de Joan Miró sucede algo similar. Pero adaptado a nuestro tiempo. 

Las obras de Arte deben democratizarse, este blog precisamente intenta eso mismo. 

Tener una copia digital de una obra de arte, NO ES COPIAR esa obra de Arte, aunque tenga unos derechos de copia. Es simplemente y si no hay beneficio para quien hace esa muestra, un ejercicio de multiplicación democrática para dar vida al Arte como concepto. Mostrar con unos pocos KB una imagen de una obra de Arte no es quitarle poder o valor a esa obra de Arte, sino si acaso, dárselo al publicitarlo.

Y eso a través de Libros de Autor, de Artista, logra que el Arte pueda entrar en muchas bibliotecas, en muchas maneras de ver el Arte como una parte más o menos necesaria para sentirnos algo mejor. Un mínimo mejor ya es suficiente

El Arte siempre ayuda a comunicarnos con el Pasado

No sabemos bien por qué nació el Arte, pero sí sabemos que es muy seguro que desde hace miles de años, el Arte nace y se utiliza para ayudar a los muertos. O para ayudar a los vivos a comunicarse con los muertos.

Hoy en día el Arte es otra cosa mucho más de vivos, de tener un aspecto más lúdico, incluso de ayuda psicológica para quien crea o para quien contempla. Ya no entendemos el Arte como un elementos social que nos sirva para comunicarnos con los fallecidos, excepto si nos retiramos y lanzamos la vista hacia el pasado.

Durante miles de años el Arte fue una de las principales herramientas que utilizaron los seres humanos para relacionarse con aquello que no podían ver: los dioses, los espíritus, los antepasados, los muertos o el misterio de la propia existencia. 

Las pinturas de las cuevas prehistóricas, las estelas funerarias egipcias, los retratos romanos de difuntos, los iconos bizantinos, los retablos cristianos o los monumentos funerarios no eran simples objetos decorativos. Eran puentes simbólicos entre el mundo de los vivos y el de los muertos. En ese sentido, el Arte nunca fue únicamente belleza. Fue comunicación.

El Arte no abre una puerta sobrenatural demostrable. Lo que abre es una puerta en la memoria. Y la memoria es probablemente la forma más poderosa de supervivencia que poseen los seres humanos. También en el terreno religioso sigue desempeñando un papel importante. 

Las imágenes de santos, las vírgenes, los crucifijos, los iconos ortodoxos o las esculturas funerarias continúan actuando como mediadores simbólicos. Un creyente no suele pensar que la madera o la piedra tengan poderes propios. Lo que busca es concentrar su pensamiento, su oración o su recuerdo mediante una imagen material.

Quizá la cuestión más interesante sea que el Arte nunca ha servido tanto para hablar con los muertos como para que los muertos sigan hablando con nosotros. Cuando contemplamos una pintura de Goya, una escultura funeraria romana, una lápida medieval o una fotografía de nuestros abuelos, no somos nosotros quienes transmitimos un mensaje. Son ellos quienes siguen transmitiéndonos algo a través del tiempo.

Y tal vez esa sea una de las funciones más extraordinarias del Arte. Poder vencer parcialmente a la muerte. No porque resucite a nadie, sino porque permite que una parte de una persona —su imagen, su pensamiento, su emoción o su recuerdo— continúe presente cuando su cuerpo ya ha desaparecido.

Por eso, incluso en pleno siglo XXI, rodeados de inteligencia artificial, teléfonos móviles y redes sociales, el Arte sigue siendo una de las formas más eficaces que posee la humanidad para dialogar con el pasado y mantener viva la memoria de quienes ya no están. 

No comunica con los muertos en un sentido físico o sobrenatural demostrable; comunica con aquello que dejaron dentro de los vivos. Y eso, aunque menos espectacular, quizá sea mucho más real. El Arte ayuda además a que sigamos pensando… que tal vez…, no lo sabemos…, puede existir algo que sin entenderlo bien, sobrevive y nos acompaña. 

La Dama del Armiño. Póntela en casa

Hay ahora una serie de televisión con bastante éxito que se titula "La dama del armiño" en honor a un cuadro de Leonardo da Vinci del mismo título. La trama se centra —con numerosos temas aledaños— en robar este famoso cuadro, simplemente para que una persona lo pueda disfrutar en su casa, como parte de su vida, casi de su necesidad enfermiza.

No es tener Arte en propiedad, sea ese u otros cuadros en concreto, no es ni por inversión, ni por ahorro al ser millonario y no saber qué hacer con sus millones, tampoco aunque en menor grado por saberse dueño del algo carísimo, sino por el simple y complejo hecho de tener poder, de disfrutar de su posesión, de ser único.

En este caso el millonario no sabe robar, así que lo encarga.

Contemplar una obra única no te convierte en único. Aunque sepas que solo tú la puedes contemplar. Es todo más complejo. No cabe duda de que muchas personas desearían tener esa o cientos de obras de arte de cualquier autor en su casa, para poderlas contemplar como espectadores únicos.

Y de hecho ese es uno de los mecanismos que hacen al mercado del Arte algo carísimo. 

¿Y el resto de mortales? ¿No tenemos esa sensación interior de posesión? ¿Y la de poder disfrutar de una obra de arte en concreto, cuando quieras o lo necesites?

La dama del Armiño está en el Museo Czartoryski de Cracovia. Nos pilla lejos para ir y volver en un rato de necesidad. Esta joven Cecilia de la obra tenia 17 años cuando fue pintada por Leonardo da Vinci. Pero a esa edad ya era la amante de cama de un duque algo tosco. Él la veía desnuda.

Pero la pregunta que quiero hacer sirve para esta dama o para cualquier otra obra de Arte, sea de Miró o de Picasso, de Goya o de los hombres o mujeres prehistóricas. Hoy con las técnicas actuales y por poco dinero, podemos tener en casa una copia perfecta de cualquier obra de arte, a poco que te lo curres.

Si pides una copia impresa en papel simulando tela o incluso en tela, en alta resolución y con unos retoques muy precisos en cuando a los colores, podemos estar hablando de entre 100 a 400 euros el impreso que puede dar el pego. 

Al tamaño que tu necesites, incluido el tamaño real de la obra, en muy diferentes tipos de papeles y lienzos, con una base blanca o de color elegido por tí, enmarcado o sin enmarcar.

No, yo no me dedico a esto.

Lo comento aquí, como sustituto de tener (poseer) el original de muchos millones de precio y que puede casi lograr los mismos objetivos si no eres millonario. Podrías tener un pequeño museo en tu propia casa, con las obras elegidas, a un precio bajo o medio.

Aunque también os recomendaría tener obra mucho menos conocida, de autores nuevos y buscados por ti, y que te fueras haciendo una pequeña colección. Esas serían tus decisiones y tus posibilidades.

Imagínate tener la obra Las señoritas de Aviñón, de Pablo Picasso, en un tamaño de un metro de altura y sobre lienzo de tela, impresa en alta resolución y revisados sus colores y matices para que sean muy similares al original, por menos de 200 euros. 

Si se vendiera el original estaríamos hablando entre los 500 y los 1.500 millones. Nada que ver con los 200 euros. Aunque efectivamente, para según qué necesidades mentales, no es lo mismo.

Os dejo La Dama del Armiño, para soñar o no, depende de los gusto.

Julio Puente

Arte mío, o de una máquina

Con la llegada de la Inteligencia Artificial, es verdad que muchas cosas debemos replanteárnoslas. Volverlas a colocar en nuestro pensamiento con algunos cambios.

¿Esto que vemos arriba es arte? ¿Es Arte personal, es MI Arte? La fotografía de la que se parte es mía, y luego la he transformado en lo que vemos. En vez de bolígrafos de colores o plumas y plumillas de tinta de colores, el resultado final se lo he encargado a una máquina artificial.

La fotografía es mía. Las órdenes que le he dado a la máquina son mías y salidas de mí. La máquina y su software no sabe hacer nada si no se le indica qué debe hacer. Es la IA a nivel de intentar entenderla.

Ya sé que no es lo mismo componer una sinfonía que escucharla en un aparato. No es lo mismo hacer una fotografía con una caja de zapatos y un agujero en la pared pequeña que hacerla con una Canon y un objetivo de 3.000 euros. Y en toda esta sopa de posibilidades, entran las dudas… si queremos tenerlas.

El Arte de la pintura se puede hacer con pinceles finos de marta del número 1, o amontonando en un collage recortes de telas. Lo que import es el resultado final, lo que nos provoca o nos gusta. Nada más que eso.

El Arte no es operar a corazón abierto, es un juego de sensibilidades, de provocaciones, de bellezas o no, y en eso y si solo buscamos el resultado, la IA puede seguir trabajando como una máquina y como ella es tonta aunque sea muy inteligente, serán los que les dan las órdenes los dueños de los resultados. ¿O no?

Julio Puente

Árbol de los Deseos, familiar y decorativo

No me quiero apartar mucho del punto de vista artístico al hablar de esto. Lo quiero plantear como un ejercicio personal en nuestra propia casa, en el hogar, para decorar un rincón.

¿Habéis pensado en montar un pequeños Árbol de los Deseos en vuestra vivienda familiar?

Os dejo un ejemplo montado con marcapáginas. Pero podría ser similar con pequeños papeles bien elegidos y en donde se reflejaran deseos, frases motivadoras, recuerdos, fotografías antiguas, metas, detalles que nos dijeran algo a la familia.

Un Árbol de los Deseos que se podría ir transformando cada cierto tiempo con cambios, añadidos o retiradas de objetos ya sin sentido. Es decir, podría, debería estar vivo.

Es una herramienta de vosotros, para vosotros. pero también podría ser un elemento para vuestras amistades y familiares. 

Perfectamente podría ser un Árbol de los Árboles, en donde cada visitante a vuestra casa hiciera un dibujo de un árbol, que se iría colgando de sus ramas. 

Las heridas ilógicas, con la sangre ya seca

Cuanto más herido me siento, más débil noto las defensas. 

       Es como si fuera perdiendo la fuerza que sólo me sabía dar la energía de la juventud. 

Pero esos periodos nunca suceden, simplemente te atraviesan. 

Pasan por encima sin dejarte disfrutarlos con sabor. 

Cuando quieren saborear la juventud pausada, ya empiezan a notarse las arrugas de las heridas. 

La edad no tiene nada que ver con la juventud, es otro asunto.

Lo grave es ser un anciano de cabeza, y eso sucede cuando ya vas cansado por la vida.

Cartel de la película Plácido de Berlanga

Vemos arriba una copia del cartel de la película Plácido, dirigida por Luis García Berlanga y estrenada en el año 1961, una obra de gran repercusión internacional en su momento y considerada hoy una de las mejores comedias de su director. La película fue candidata al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa —hoy denominada Película Internacional—, galardón que finalmente no obtuvo.

Durante años, la conservación del film fue problemática debido a la pérdida de materiales originales, pero en 2009 el IVAC (Filmoteca Valenciana) llevó a cabo un proceso de restauración que permitió recuperar y digitalizar la película, asegurando así su preservación y difusión para nuevas generaciones.

El argumento es de una acidez extraordinaria. En una pequeña ciudad española, un grupo de damas piadosas, entregadas a una caridad más aparente que real, organiza una campaña navideña bajo el lema “Siente usted un pobre a su mesa”. 

Bajo esta consigna, se pretende que las familias acomodadas inviten a personas sin recursos a compartir la cena de Nochebuena, en una operación tan bienintencionada como hipócrita.

Para dar mayor realce al evento, se busca el patrocinio de una marca de ollas y se invita a un grupo de artistas de segunda fila llegados expresamente desde la capital, y recibidos con entusiasmo en la estación. 

La jornada “benéfica” se completa con una vistosa cabalgata, una subasta pública de los propios pobres como convidados y una cuidada retransmisión radiofónica que amplifica el carácter propagandístico del acto.

Pero Berlanga —con la colaboración esencial del guionista Rafael Azcona— no se limita a la anécdota. A través de una narración coral y un ritmo frenético, construye un retrato implacable de la España de la época: una sociedad donde la caridad se convierte en espectáculo, la miseria en decorado y la buena conciencia en un ejercicio superficial.

Una obra de Arte, la película Plácido se inscribe así en la tradición del esperpento celtibérico, ofreciendo una visión deformada pero profundamente veraz de una realidad social que, bajo la apariencia de generosidad, esconde profundas contradicciones. Una película que provoca la risa, sí, pero también incomodidad, reflexión y, en más de un momento, una amarga sensación de reconocimiento.

Caerá el Mercado del Arte?

Estos niños, de una viñeta de la revista The New Yorker de este 2026, dan en el clavo doblemente. Se preguntan:

—Con la caída del Mercado del Arte, no sé si merece la pena continuar.

El Mercado del Arte lo hemos hecho crecer artificialmente. Tampoco pasa nada por eso. Puede ser tan mentiroso su valor como el del Oro, el de los Diamantes o el del petróleo. Todo depende. 

Y estos elementos anteriores es más complicado que te produzcan placer, algo que el Arte si lo sabe elegir como inversión puede dártelo.

Pero es verdad que hemos creado un pequeño monstruo que podría petar. Ya lo han hecho o lo harán otros inventos de entre el siglo XX y el XXI. No quiero dar detalles, pero invertir el dinero es una tontería, pues entregar número de unos papeles o a lo sumo papeles que llamamos todos billetes, por otra cosa. 

Nos creemos que el dinero vale lo que dice. Y es verdad de forma momentánea. Y a su vez, puede cambiar cuando otros lo decidan. El Arte queda, y habitualmente sucede si lo sabes invertir, como sucede con los activos inmobiliarios. Que tienen unos años de vida en los que casi siempre suben  de valor.

Grabados de Luis Feito. Colección Peñalara

Esto que os muestro hoy es una serie de seis grabados de Luis Feito, que tituló "Peñalara" y hechos en el año 2000. Unos grabados al aguafuerte, aguatinta y punta seca sobre planchas de zinc, con plantillas de color y estampados sobre papel grueso.

Son unos grabados grandes, de 76 centímetros de altura, de los que se hicieron 75 ejemplares, estampados por Rafael de Rivera y editados por la Galería BAT de Alberto Cornejo.

Contemplar estas obras es un lujo. Tenerlas en propiedad es ya otro tipo de lujos por su precio, entre los 1.200 y los 1.500 euros cada copia, pero esa es otra. El grabado y sus impresiones, si están bien hechas, son un lujo y muchas veces una inversión y una manera de poder disponer de una colección de Arte, para disfrutar de él.

Tampoco hay que comenzar una colección de Arte con autores de gran prestigio, se puede comenzar con grabados menores, y poco a poco ir aumentando pues de lo que no hay duda, es de que el gusanillo por "tener" es contagioso y multiplicador.

Europa, India y una fotografía

El poder de la fotografía en unos tiempos en los que no nos queremos dedicar a leer, es tremendo. Un titular de dos líneas a los sumo y una imagen hacen el resto, el todo, crean la sensación, la información, la tensión.

Esta imagen muestra a los dos líderes más importantes de la Unión Europea, el presidente del Consejo Europea, António Costa, y la presidenta de la Comisión Europea, Ursula von der Leyen, junto al primer ministro de la India, Narendra Modi, este enero de 2026 en Nueva Delhi.

Han firmado un Acuerdo Económico que de alguna manera cambian las reglas comerciales de Europa con Asia y sobre todo con los EEUU. Sabemos defendernos desde Europa.

La fotografía no está hecha para que la veas tú, que también, sino para que la vean en los EEUU. Y por eso se ha teatralizado. 

La alegría, superior a la forma de entender un acuerdo cualquiera, es clara, no deja duda. 

Los brazos al aire como si fueran amigos de toda la vida. Los trajes que llevan tanto ella como el primer ministro de India, indican mucho más que un texto, y se entiende de manera mucho más sencillo.

Yo hablo aquí, en el blog, de fotografía, pero también debería hablar de Teatro, que es otra Arte Escénica muy importante. 

Eso sí, nadie le supo decir a Antonio Costa, que hay que vigilar los botones de la chaqueta, pues a veces se vuelven en nuestra contra.

El valor de la fotografía manipulada

Volvamos a revisar la importancia que tiene la imagen en los nuevos juegos políticos de manipulación y engaños. Creamos bulos hasta no saber bien qué es verdad, pues ese es el juego real, que poco a poco pongamos todos en duda lo que se nos muestre, venga desde donde venga.

Incluso el político elegido democráticamente y que se cree el amo del mundo, decide a veces que manipular imágenes puede funcionar para seguir engañando, y con eso está haciendo un gran favor al mundo de la fotografía y a los fotógrafos.

Pone en valor al mundo del Arte y de la Imagen, como una profesión importante que puede mover conciencias. Incluso verdades. En la misma medida en que mueve mentiras.

Hoy, con IA y desde siempre con sentido común y responsabilidad, hemos sabido los fotógrafos que nuestro trabajo era importante para contar con imágenes, la vida positiva y la vida negativa que nos rodeaba y veíamos.

Siempre hemos sido testigos, y sobre todo testigos responsables, aunque no siempre se nos haya reconocido. Y sobre todo pagado de forma correcta, en según qué trabajos fotográficos, por ser notarios de la verdad.

Ahora ya sabemos mejor que nunca, que en algunos países a los fotógrafos nos quieren manipular a base de censurarnos, para poder crear sus mentiras con imágenes modificadas, manipuladas, falsas o inventadas, pues admiten que llegan mejor con una fotografía que con solo texto, en un mundo del instante, de las miradas, de entregar todo ya masticado y casi digerido.

Los fotógrafos debemos estar contentos, siempre lo hemos sabido, pero ahora que nos manipulan, ya no debemos tener duda. Somos tan importantes que nos intentan manipular.

Podemos molestar, pero si somos profesionales, podemos seguir mostrando el mundo como sucede, como camina, y sin engaños.

Y si queremos engañar, también estamos en nuestro derecho, pero hay que ADVERTIRLO.

La fotografía es el idioma del presente

El poder de la imagen en este siglo XXI es tremendo, sin ella muchas cosas las daríamos por hechas sin darles creencia real, y la imagen de cualquier personas que esté en el lugar, aclara lo sucedido y sirve para darle credibilidad.

Sabemos que un manifestante en Mineápolis ha sido asesinado por la policía de EEUU al revisar las imágenes grabadas por testigos de la escena, y sabemos que en contra de lo que dice la policía, el joven enfermero nunca intentó sacar un arma para defenderse, pues en el vídeo que se grabó se observa que no intenta hacer ademán de ello.

La imagen de arriba con un Nicolás Maduro y su esposa detenidos, habla mucho de lo acontecido. Y lo utilizan muy bien los americanos. Es la DEA la que lleva esposado al Presidente de Venezuela y eso no es casualidad, y quieren que se vea claramente. Es una detención por drogas.

Todos utilizamos las imágenes para hablar con ellas sin utilizar vocabulario. Y es entendible en todos los idiomas. Podríamos decir que la fotografía es el idioma del presente, pues todos las entienden, incluso se comprende en el subconsciente, lo que no se quiere decir, sino solo hacerlo notar.

La fotografía como notario de las realidades del momento

La fotografía se ha convertido en el testigo principal de nuestro tiempo, todos llevamos una cámara en el bolsillo y eso nos convierte sin quererlo, en notarios visuales que certificamos que algo ha ocurrido, cómo ha ocurrido y a quién afecta. 

Pero ese “notario”, ya no es neutro ni incuestionable, y ahí está el matiz que la sociedad necesita entender. Somos los que publicamos imágenes, los responsables de como poco, no manipular el momento.

En periodismo, la fotografía dentro de las explicaciones, actúa como una testigo presencial, muestra lo que el texto cuenta y aporta una prueba sensible de que el hecho existió.​ 

Luego ya, la interpretación final depende de cada lector, sobre todo si mezclamos la fotografía documental o periodística, con la artística o con la fotografía con toque personal.

En guerras, desastres o protestas, la imagen no solo ilustra, se convierte en evidencia. Proyectos sobre atrocidades o crímenes de guerra usan secuencias de fotos como si fueran un dossier judicial mostrando la verdad a partir de muchas miradas y momentos.​

Por eso se habla de la fotografía como “testigo mudo” pues no habla, pero lo visto en ella difícilmente puede negarse sin más, como ocurrió con las imágenes de los campos de concentración nazis o de la violencia en los Balcanes y recientemente en Gaza.​

La clave aquí para la sociedad es que ya no basta con creer los relatos; necesitamos verlos tras ser mostrados por alguien con credibilidad. 

La foto convierte lo que podría ser “opinión” en algo que se parece mucho a una prueba.

Los fotógrafos de prensa ya no son solo “cazadores de imágenes espectaculares”. Se los entiende como parte de una red de testigos de confianza que documentan, interpretan y contextualizan lo que ocurre.​ Asumen roles diversos. Registrador, observador, narrador, testigo, abogado, intérprete en el que confías; todos obligados a lidiar con la tensión entre objetividad del momento y responsabilidad moral.​

Hoy la fotografía periodística es una pieza central del discurso cívico, pues ayuda a que la ciudadanía pueda ver y entender lo que el poder preferiría mantener invisible (desde la corrupción, violencia policial, guerras de todo tipo, problemas sociales, etc.).​

Lo que hay que explicar es que no se trata solo de estética artística, sino de responsabilidad democrática del fotógrafo, que a veces podemos ser nosotros mismos. 

Sin imágenes creíbles, el control ciudadano sobre el poder debilita el papel del fotógrafo en general.

Las fotografías influyen de manera muy potente en la percepción de personajes públicos y temas políticos, mucho más que el texto aislado. Por eso los encuadres, gestos y contextos visuales pueden reforzar o cuestionar narrativas enteras.​ 

En un entorno saturado de información, la imagen funciona como atajo cognitivo, lo que se ve se incorpora más rápido y se olvida más despacio que lo leído.

La era digital ha traído retoque fácil, imágenes generadas por IA y “fake photos”. Esto podría llevar a pensar que “ya no se puede creer en nada”. Hay que exigir que en la fotografía periodística, NUNCA se manipule lo que se muestra, aunque en realidad el encuadre elegido ya puede ser una toma de decisiones, como lo es el ambiente, el color, etc. Y si algo se manipula, hay que señalarlo en la propia imagen.

Los estudios muestran que, por defecto, la gente sigue dando credibilidad a las imágenes, y solo cambia de opinión cuando se le señala de forma clara que están manipuladas.​ Por eso la importancia de no engañar nunca, haciendo pasar por imágenes reales, las que han sido manipuladas, excepto cuando hablamos de fotografías artísticas.

El hecho de que una fotografía pueda manipularse no le quita valor como prueba; obliga a reforzar las prácticas de verificación. Es como los testigos en un juicio, que pueden mentir, pero no por eso dejamos de usar testigos; mejoramos los métodos para contrastar sus declaraciones.

El fotógrafo es un testigo con deberes ético. No solo “saca fotos”: decide qué mostrar, desde dónde, en qué momento. Tiene una responsabilidad ética porque sus imágenes pueden legitimar o denunciar, humanizar o deshumanizar.

En tiempos de deepfakes y manipulación, el ciudadano necesita alfabetización visual, saber preguntar “¿quién ha tomado esta foto?, ¿cuándo?, ¿dónde?, ¿puede estar manipulada?” y valorar mejor las que vienen de fuentes verificadas.

Jaume Plensa: ¿Para qué sirve el Arte?

Os dejo una simple pregunta y respuesta de la revista ES+ al artista Jaume Plensa. Es aclaratoria, creo, sincera y que deberíamos leer un par de veces. La entrevista es del año 2025, pero la imagen superior titulada Caballo Negro, es del año 1986 en hierro colado.

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¿Para qué sirve el Arte?

Es una pregunta que todos los artistas nos hacemos permanentemente. No sabemos muy bien para qué sirve, pero sin arte la vida es insufrible, especialmente en momentos históricos como los que estamos viviendo El Mundo está muy polarizado y el arte hoy es más necesario que nunca.

Aprender. Expresión. Dedicación, Amor, Profesión. Serenidad. Repartir. Humanismo

Aprender. Poesía. Expresión. Sentido. Dedicación. Amor. Profesión. Observación. Serenidad. Espíritu. Vocaciones. Repartir. Humanismo.

Decía Pablo Serrano en unas pocas líneas todo esto, y pone en ellas todas las palabras que deben motivar el Arte y la propia vida singular de cada uno de nosotros. Caminar y hacer el bien, simplemente. 

Es imposible quedarse con una de esas palabras. Todas son necesarias. Todas son energías de vida, para crear más vida, para empujar la que ya existe. 

Pablo Serrano. Antonio Machado. Miguel de Unamuno. Benito Pérez Galdós. Gregorio Marañón. 

No hay que ir muy lejos para encontrar a los sabios. Estos ya no están, pero sus enseñanzas sí, aunque sean diversas.

 

Marruecos tiene artistas contemporáneos que debemos conocer

Con Marruecos tenemos problemas de vecindad, de autoestima también, de relaciones mutuas separados por un poquito de mar, y tenemos también relaciones culturales que deberíamos potenciar. 

Por ejemplo en el año 2021 en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid había una exposición sobre Arte de Marruecos que yo recomendé pues creo que es uno de los mayores aciertos en arte contemporáneo de este raro 2021 en España.

Esta obra superior es del artista de la Escuela de Casablanca Mohamed Melehi fallecido hace menos de un año. Nació en el Marruecos español en 1936 y aunque recibió formación artística en España, Roma, Bruselas e incluso en los EEUU, se hizo profesor de Arte en Casablanca creando e impulsado el modernismo en Marruecos, enseñando pintura, fotografía y escultura desde el punto de vista libre de hacer lo que a cada artista le sale desde dentro.

Rompió con la obligación de que todo el arte en Marruecos fuera tradicional, sin que fuera una expresión de cada momento y se moviera como se mueven las sociedades libres.

El Nuevo Mundo de Dvorak visto de noche

Cuando entras en New York por mar, la sensación es la de llegar al Nuevo Mundo como le sucedió a Dvorak o a Lorca. No es mejor, es tan solo recibir la sensación de que llegas al corazón del mundo. 

A veces gripado, otras encantador, siempre diferente, lleno, ocupado y abierto. 

Nunca eres forastero en New York, eres como todos ellos, parte de una sopa de personas que se mueven en un caldo que te arropa. 

Seas migaja o carne, verdura troceada o tropezón de sabor. Si estás, eres.

Arte Moderno con plástico. Greedo como Arte

Esto es Arte, aunque a una parte de la sociedad le confunda esta adjudicación. Pero es Arte. El personajes de Greedo es conocido por su confrontación con Han Solo en la cantina de Mos Eisley en la película Star Wars. Sobre todo en el episodio IV: Una nueva esperanza. 

Lo acepto, si se han creado dos mil ejemplares, ya no es Arte sino artesanía.

Era un cazarrecompensas de poca monta que trabajaba para Jabba el Hutt en el planeta Tatooine. Greedo era de la especie Rodian, caracterizada por tener un hocico parecido al de un tapir, ojos saltones y piel verde azulado o azul cían.

El Arte hoy ocupa muchos espacios diferentes y amplios, como es lógico, y eso logra que se trabaje ya con muy diversos materiales, por ejemplo el plástico, a la hora de crear esculturas.

Pero cada vez más, veremos materiales menos nobles que el mármol, pues la tendencia es ir hacia un Arte efímero en el tiempo, con menos valor contable, y más valor de su tiempo. Si queremos que el Arte entre en las nuevas generaciones, hay que crear también con los idiomas de las nuevas generaciones. Y digo TAMBIÉN, nunca digo "solo".

Qué es el llamado Arte Experimental y de qué manera se podría definir?

Llevo unas semanas presentando algunas obras en otro blog que tengo con fotografías o imágenes mías, a las que de alguna manera adjetivo como obras de Arte Experimental. Y en serio, tengo serias dudas sobre este apellido e incluso sobre ellas mismas.

El arte experimental puede definirse como una categoría de prácticas artísticas que buscan romper con los límites convencionales de la creación y la percepción del arte, explorando nuevas formas de expresión, materiales, técnicas y formatos que desafían el entendimiento tradicional de lo que el arte "debe ser".​ Diríamos que lo primero que nos preguntamos ante el Arte Experimental, que es muy amplio, sería: ¿Esto es Arte?

¿Qué es el llamado Arte Experimental y de qué manera se podría definir?. Veamos sus características Fundamentales.

El arte experimental se caracteriza por varios aspectos distintivos:

1. Ruptura con la tradición: Su esencia radica en cuestionar y superar las convenciones académicas establecidas, tanto en técnicas como en conceptos. No se conforma con seguir pautas preestablecidas, sino que se atreve a explorar opciones creativas radicales.​ Esto supone que la ruptura con lo establecido puede ser mucho o poco, total o sutil.

2. Proceso sobre objeto: A diferencia del arte tradicional, donde el valor reside en el objeto final (cuadro, escultura), el arte experimental enfatiza la experiencia, el proceso creativo y la idea por encima del soporte material. Su carácter "efímero" lo libera de atavismos capitalistas y académicos.​ No es un Arte para Vender, sino para disfrutar un tiempo.

3. Exploración de materiales y técnicas: Los artistas experimentales utilizan materiales poco convencionales —desde objetos del entorno (que no tienen valor y a veces pueden ser incluso basuras o desechos) hasta nuevas tecnologías y técnicas innovadoras. Pueden trabajar con materiales reciclados, luz, sonido, elementos orgánicos o incluso prescindiendo del objeto físico.​

4. Interactividad y participación: La obra experimental busca una relación dinámica con el espectador, cuya experiencia y participación activa son fundamentales para la realización de la obra. Desplaza el interés del objeto hacia la experiencia comunitaria.​ Esto sucede en casi todas las obras de Arte. Un Grito o una frase en una pared podría ser Arte Experimental.

5. Búsqueda constante: El arte experimental es un proceso de investigación permanente que no se estabiliza en convenciones o códigos visuales fijos. Cada propuesta es una indagación que abre nuevas posibilidades expresivas. No deja de experimental, no debe de avolucionar, de querer seguir siendo Arte Experimental.