Espejos de lo invisible, de Bill Viola



El artista de New York, Bill Viola es un ejemplo de "nuevo" artista que sabe sumar música, fotografía, videoarte o teatro, para crear representaciones audiovisuales que se pueden contemplar en todo el mundo sin un traslado carísimo de sus obras. ¿Podría ser este el futuro del Arte Visual tras las pandemias y los altísimos costes de los seguros en el mundo del Arte?

Esta imagen pertenece a su montaje que se expuso en Barcelona y Madrid en 2019, titulado "Espejos de lo invisible". No utiliza ni diálogos ni textos en sus representaciones, por lo que ya de entrada queda claro que el montaje de arriba es falso, pues me he tomado la libertad de unir sus palabras con una imagen de su trabajo. 


Picasso o Ricci. ¿Siglo XIII o siglo XX?


Hay personas que no quieren aceptar el Arte Abstracto, el Surrealismo o cualquiera de las nuevas formas de explicar sensaciones, ideas, recuerdos, motivaciones del artista. Y es curiooso pues siempre se dice lo mismo. 

—Es que aquí, yo no veo nada.

O se recurre a la respuesta todavía más simple

—Cómo se nota que no sabe pintar ni dibujar y hace estas mamarrachadas. Esto lo hace un niño.

Ambas formas de expresión son las habituales, pero ambas nacen desde un espacio falso. 

Según dicen los clásicos el pintor Zeuxis hace unos 2.400 años pintaba tan bien que cuando hacía un rácimo de uvas engañaba a los pájaros que iban a picar las uvas para comérselas. Como es lógico es falso, pues no había técnicas tan perfectas como muchos siglos después y tampoco como la propia fotografía, capaz de retratar lo exacto de un racimo de uvas. Y a los pájaros de hoy en día no se les engaña.

Si vemos obras de Joan Miró de sus inicios veremos que sabía dibujar y pintar de forma figurativa y espléndida.

Pero si vemos obras de hace siglos, como esta de arriba del pintor Sebastiano Ricci pintada en el año 1725 y titulada Betsabé en el baño… ¿alguien piensa que esa belleza femenina se bañaba desnuda delante de tanta gente, mientras una mujer entra con una carta en la mano? 

Este cuadro nos está contando una historia de amor, de sexo incluso entre David y Betsabé del que nació el Rey Salomón. 

El pintor se inventa una escena, nos cuenta una historia con los pensamientos que en ese momento tiene para representar la acción donde se junta belleza, sexo, amor, historia, erotismo. 

Y como esa escena es sencilla de entender visualmente, sin entrar a querer conocer lo que se esconde detrás del total, con la hermosa mujer de uno de los generales bañándose y que prenda de deseos al Rey David al contemplarla, nos parece hermosa pues lo es, y la aceptamos pues tampoco queremos conocer más. 

Cuando Picasso pinta a "sus" mujeres de manera cubista, con colores que se alejan de la realidad, está retratando el espíritu de esas personas, tal y como se las imagina el artista, sus sonrisas o sus gestos, sus cálidas formas o sus frialdades. 

Y ante eso podemos decir que nos gusta o que no nos gusta. Y podemos elegir entre Picasso y Ricci. Es lógico incluso que nos guste más o menos cada uno de ellos. Pero en todos hay algo dentro, tal vez escondido, que tal vez si le dedicamos unos segundo más lo podemos apreciar de otra forma. Incluso a peor.

Hoy la escena de la obra de Ricci la podríamos construir para una fotografía, podríamos hacer una obra de teatro con la historia. Pero en cambio nadie en el siglo XVII ó XVIII supo atreverse a construir una obra abstracta. Y hoy nadie se está atreviendo a realizar las obras de arte que se harán en el siglo XXII.

¿Por qué distorsionaba El Greco sus figuras?


Doménikos Theotokópoulos más conocido como El Griego o todavía más por El Greco, era en realidad veneciano pues nació en la isla de Creta cuando esta dependía de Venecia y por ello casi aragonés, pero en eso no vamos a entrar.

Lo cierto es que El Greco de las escuelas de aquellos años junto a maestros como Tiziano o incluso Miguel Ángel destacó por su personal obra sobre too religiosa y dedicada a grandes iglesias que eran las que contrataban sus servicios.

En estos siglos nos hemos dedicado a preguntarnos el motivo por el que El Greco pintaba distorsionado, con figuras alargadas y delgadas, cuando en realidad a falta de una respuesta real pues El Greco no lo dejó escrito, tal vez la respuesta más sencilla sería: "Por que él quiso hacerlas así".

Es muy posible que no tuviera un problema en la vista, un fuerte astigmatismo como se ha querido decir para justificar el alargamiento de sus figuras. y el ejemplo más claro de que El Greco no veía alargado lo tenemos en algunas manos horizontales en sus figuras. Si El Greco viera las figuras alargadas a lo alto, no tendría sentido pintar alargada una mano que está en horizontal en la obra.

Tal vez haya que pensar más en su particular manera de querer pintar, e incluso en la motivación de sus obras, que siempre iban colgadas en grandes estancias religiosas, en alto y para verse desde abajo, por lo que las zonas altas de los cuadros están a más distancia del espectador. 

Al alargar las zonas altas de los personajes, al hacerlos "más grandes" según se alejan en distancia del espectador, se logra un efecto más natural, algo que se pierde al ver las obras en horizontal, en un Museo o Exposición.

La imagen de arriba es tal y como la pintó El Greco. Y la de abajo está distorsionada en un 20% de altura. Podemos ver en este ejemplo que la parte baja del cuadro se ve incluso tal vez un poco "gordas" las figuras, mientras que la parte alta siguen viéndose delgadas. Es como si El Greco quisiera distorsionar más o menos, según la distancia de cada parte de la obra en relación al espectador. Una técnica que nos parece compleja pero que no lo es tanto si tienes práctica.



Literatura en forma de Arte Visual con 500 años de edad


Esta es una copia de una xilografía del año 1510 del libro "Suma de todas las Crónicas del Mundo" escrito 
por Jacobus Philippus Bergomensis e impresor por Jorge Costilla (impresor) y traducido del latín por Narcis Viñoles. Es un ejemplo de ilustración con 500 años de vida, que intenta explicar con un dibujo toda una historia.

Si vemos el dibujo y su posterior impresión podemos observar que en la misma escena hay dos escenas de la expulsión de Adan y Eva del Paraíso. A la izquierda pecando por comer la manzana que les engaña la serpiente, y en la derecha su posterior expulsión por el Ángel armado de una espada para expulsarlos hacia el peligro, las fieras, el dolor.

Claramente es literatura en forma de arte visual, en un dibujo realizado para analfabetos. No hay que explicar mucho más que darles la imagen para que la vean con muy pocas indicaciones.

Aert de Gelder juega con la luz en su obra Abraham y los Ángeles


En la anterior entrada hablaba de la importancia de jugar con la luz para dar dramatismo a una obra pictórica clásica. Y ahora estamos mostrando una obra similar, también de una época parecida, donde la luz es la que nos marca las miradas como espectadores. El protagonista es Abraham sobre todo por estar en mitad de la obra y por el tipo de iluminación hacia su precisamente ropa blanca.

En este caso es una obra del pintor holandés Aert de Gelder titulada Abraham y los Ángeles y que se encuentra en el Museo Boijmans de Rotterdam. Un cuadro pintado sobre 1680 por uno de los más adelantados alumnos de Rembrandt del que copia su estilo, su tratamiento de las luces y las sombras y a veces incluso el tipo de colores de su paleta para crear ambientes similares. 

Alguna vez obras de Aert de Gelder se han confundido con obras de Rembrandt. Por ejemplo esta misma que podemos ver arriba, finalmente atribuida al artista Aert de Gelder.

Rembrandt y su Negación de San Pedro. El valor de la luz


Esta obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn
y que se encuentra en el Rijksmuseum de Amsterdam, pintada en el año 1660, representa La Negación de Pedro en el momento de la Pasión de Jesucristo cuando es detenido para ser juzgado por Caifás. Posiblemente inspirado en grabados de la época San Pedro niega conocer a Jesús cuando tras su detención es preguntado si es uno de sus seguidores. Al escucharlo Jesús que se encuentra en el final de la obra a la derecha, es cuando le reprocha: "Hoy, antes de que cante el gallo, me habrás negado tres veces".

En esta obra la protagonista es la luz artificial, la de una simple vela que ilumina la escena para ver la cara de San Pedro, la de la portera de la zona que es quien le señala como seguidor e incluso de forma leve la cara de Jesucristo volviéndose hacia su Apóstol. Puro teatro en un cuadro.

Pero el detalle del dedo de la mujer es fundamental en la obra. Señala claramente a San Pedro, y este mira al dedo en ese miedo de saberse descubierto y señalado, mientras desearía quedar escondido bajo su gruesa túnica. Un ejemplo del uso de la luz para remarcar el mensaje.

La importancia de las formas en los tipos de lenguaje artístico

 

"La conciencia humana tiende siempre a un lenguaje e incluso un estilo.

Tomar conciencia es tomar forma".

Focillon. Vie des Formes. La Vida de las Formas.

Una poesía. Soledades de Luis de Góngora



Pasos de un peregrino son errante
cuantos me dictó versos dulce Musa, 
en soledad confusa 
perdidos unos, otros inspirados. 
¡Oh tú que, de venablos impedido, 5
muros de abeto, almenas de diamante, 
bates los montes, que de nieve armados, 
gigantes de cristal los teme el cielo, 
donde el cuerno, del eco repetido, 
fieras te expone, que al teñido suelo 10
muertas pidiendo términos disformes, 
espumoso coral le dan al Tormes! 
Arrima a un fresno el freno, cuyo acero, 
sangre sudando, en tiempo hará breve 
purpurear la nieve,  15
y en cuanto da el solícito montero,
al duro robre, al pino levantado, 
émulos vividores de las peñas, 
las formidables señas 
del oso que aun besaba, atravesado,  20
la asta de tu luciente jabalina, 
o lo sagrado supla de la encina 
lo augusto del dosel, o de la fuente 
la alta cenefa lo majestüoso
del sitïal a tu deidad debido,  25
¡oh Duque esclarecido!,
templa en sus ondas tu fatiga ardiente, 
y entregados tus miembros al reposo 
sobre el de grama césped no desnudo, 
déjate un rato hallar del pie acertado 30
que sus errantes pasos ha votado 
a la real cadena de tu escudo. 
Honre süave, generoso nudo, 
Libertad de Fortuna perseguida; 
que a tu piedad Euterpe agradecida, 35
su canoro dará dulce instrumento, 
cuando la Fama no su trompa al viento.

¿Quién ha dicho que el Arte Pictórico no es Literatura rápida?

En la pintura religiosa católica hay un número muy importantes de obras que intentan representar La última Cena de Jesucristo con sus Apóstoles. Todas (o casi todas) estas obras se mueven con unos parámetros en el diseño del conjunto muy similar. Un Cristo santificado en el centro, de pie y en grande para tener la obligación de dirigir nuestra primera mirada hacia el que representa ser el protagonista. 

Una distribución de los 12 apóstoles a su alrededor, de forma mucho menos importante que Jesucristo, y rodeando a la figura central que debe visualmente sobresalir.

Hay jóvenes y ancianos, todos están tomando vino y pan y en algunas obras hay carne encima de la mesa. Es una escena claramente teatral, con actores representando una historia.

La única serenidad la representa Jesucristo mientras que al resto de Apóstoles les dedica la obra pictórica la acción clara de la incertidumbre, la tristeza, el desasosiego ante el futuro.

Y en todas ella está la figura oscura, tapada, escondida, ácida, de un Judas traidor que se quiere esconder, huir, pasar desapercibido pero logrando todo lo contrario.

A partir de estos condicionantes de la misma historia contada a muchas culturas distintas hay muy diversas maneras de lograr que la lectura de la obra sea siempre igual. 

Se juega con las miradas de los personajes, con la composición en distintas alturas, con los brazos y por ellos con los brillos y las luces, incluso a veces con los colores. ¿A quién queremos protagonizar? Pues le ponemos los colores más brillantes y puros.

Es una manera de escribir una historia alrededor de una imagen. Y es lo que tenían en la Edad Media para explicar constantemente a los analfabetos de aquellos siglos una historia más o menos literaria, y que fuera comprendida en pocos segundos. ¿Quién ha dicho que el Arte Pictórico no es Literatura rápida?

La obra que vemos arriba está en el interior de una iglesia de Croacia.

La pintura es música plana que no escuchamos, solo observamos

Una pintura, una obra de arte visual es rítmica, es como una música convertida en algo plano que no escuchamos sino que vemos, observamos. Pero si está bien realizada la obra, su observación nos llevará unos segundos secuenciados por el artista, por un ritmo, por una cadencia de espacios en el tiempo, que iremos contemplando a distinto ritmo y a diferente intensidad.

No existen notas musicales (o casi) en un cuadro pictórico pero existen colores, contrastes, direcciones en los trazos, espacios, volúmenes, un conjunto de formas que nos configuran algo que entenderemos o que de entrada no comprendemos hasta que le dedicamos un tiempo. 

O que incluso nunca entendemos, pero decidimos mientras contemplamos la pintura si nos gusta o en cambio nos disgusta.

Pueden conformar el cuadro unas figuras geométricas, simétricas o no, que se intentan mover dentro de unos espacios, que nos obligan a prestar más o menos atención según el brillo, el contraste con sus zonas vecinas, según la forma que nos obliga a dirigir la mirada hacia un punto u otro.

Aunque veamos un paisaje, un retrato, en realidad estamos viendo manchas, colores, contrastes, espacios, y todo eso nos lleva a mirar en una dirección, a leer la obra, a escucharla. 

El artista en su fotografía, dibujo o pintura, no siempre planifica todo al instante de crearla, simplemente le gusta lo que hace, sabe elegir y jugar con los espacios, tiene la sensibilidad de entender qué gustará o no gustará, y provoca sensaciones en el espectador por eso. Sabe distribuir, contrapesar, jugar con todos los elementos, sean abstractos o figurativos.

Tampoco un cocinero domina siempre todos los ingredientes de un plato antes de servirlo, pero su experiencia ya le enseña el camino, le muestra casi sin querer qué gustará más o menos al comensal. Y el cocinero se deja llevar por esa sensibilidad y experiencia suya para montar el plato.

La poesía sería lo más cercano a la música sin ser música. Luego vendría la pintura. 

En poesía todo tiene un ritmo, incluso puede ser surrealista pero debe contener unas notas rítmicas, unos espacios, unos vacíos, una intensidad que crece y decrece. Ya no es necesario que rime, pero en cambio siempre es necesario que tenga ritmo, que contenga música, sonoridad.

En la pintura sucede algo similar. Para que nos guste tiene que "sonar" a pintura, debe ser capaz de obligarnos a leerla de una manera determinada (o aleatoria) pero a leerla "a trozos" de tiempo y ritmo para comprender su conjunto. Unas formas, unos colores…, sin el resto de formas y colores no dicen nada. Es el conjunto de las notas, de los colores y brochazos los que conforman la obra.


Nota.: La imagen es del interior de una iglesia de Croacia y forma parte de un viacrucis interior.

Mizuno Toshikata y su Práctica diaria de la ceremonia del té

Podemos ver una xilografía japonesa "nishiki-e" del artista japonés Mizuno Toshikata realizada en el propio Japón en el año 1896 y que forma parte de una seria titulada "Chanoyu hibigusa" o La práctica diaria de la ceremonia del té.

Mizuno Toshikata además de xilógrafo fue ceramista, dibujante ilustrador, grabador, pintor y profesor de arte. Sus obras sobre todo muestran imágenes históricas del pueblo japonés.

Pilar Moré Almenara y una abstracción casi musical


Podemos disfrutar aquí de un acrílico abstracto de la artista fragatina Pilar Moré Almenara titulado: Escuchando a Haydn, pintado en el año 1999. 

De su obra dice la GEA aragonesa:

A partir de 1986 se decide por unas abstracciones de gran formato, que nacen por una progresiva eliminación de las formas figurativas. La obra se basa en una estructura geométrica de alegres coloridos, escaso grosor matérico y agilidad en el trazo que surca el espacio en dispares direcciones. Combina lo estático con lo dinámico y un toque espacial con formas redondas que pueden evocar a soles. 

Hasta el año 2000 (la obra que vemos es del año 1999) mantiene lo expresionista pero controlado por una trama geométrica perfectamente articulada como gran pivote sustentador del soporte. 

Añádase la variedad colorística, la riqueza de texturas, los trazos signales, el estallante color y la sugerencia espacial y geométrica. 

¿Cuál es el futuro de los Museos con la pandemia? ¿El Arte online es Arte?

Ahora que en plena ola de pandemias y virus asesinos con la cultura nos preguntamos por el futuro del Arte, de la contemplación de obras culturales de todo tipo, surgen intentos para paliar la falta de visitas reales a los Museos a costa de intentos virtuales para visitar desde el ordenador exposiciones y obras de Arte contemplativo.

Pero es imposible sustituir una obra de arte que debemos ver al natural, por una representación a través de una pantalla. Lo que nos tenemos que preguntar es: 

¿Si no tengo la visita original me debo (puedo) conformar con una visita virtual?

El Cine siempre ha sido virtual. La Literatura siempre ha sido virtual. El Teatro parece casi imposible que lo sea y en su compañía están todas las obras artísticas representativas y que necesitan al público como una manera más de completar la Obra de Arte. Se puede… pero no es lo mismo. El espectador forma parte de la obra.

Contemplar en un Museo una obra de Velázquez o Goya se puede cambiar por verla en el ordenador pero con muchos condicionantes. Se le puede añadir interacción para ampliar y reducir, para mostrar detalles y para saber mucho más de la obra que si vas a museo y te la presentan sin información adicional. Pero no es lo mismo y todos lo sabemos.

Incluso nos podríamos preguntar si una vez que imaginativamente superáramos esa necesidad de acudir a ver las obras de los Museos "de cuerpo presente" —y perdonar por la frase…— ¿qué futuro le correspondería a las obras de Arte a partir de ese momento? 

Es un dilema similar al de la música. Tenemos donde elegir. Grandes Conciertos, representaciones en televisión de las actuaciones de los cantantes o escuchar sus obras a través de nuestro aparato reproductor que puede ser desde muy malo a muy bueno. 

¿Podría suceder algo similar con las obras de Arte pictórico y fotográfico?

La obra que vemos arriba es de la artista Juana Francés y se titula "El despacho del jefe" creada en el año 1964, siendo propiedad del Museo Reina Sofía de Madrid.


Un poema de un artista poético. Luis Feito

Luis Feito nos deja estos apasionados textos, enseñanzas más bien de su forma de entender la pintura, el Arte, la esperanza en la propio vida. Es un poema de un artista poético. 

Palabras sobre la pintura del monje Calabaza Amarga - 1710

 ¿Y si la pintura fuera simplemente un impulso sin reglas, para provocar y expresarse, para gritar o hablar despacio, para ofrecer un punto de vista de una simple persona nada más? A veces en vez de hablar con la boca se puede hablar con las manos, con el corazón o con los pensamiento.


El Café de Francisco Bores. Neocubismo

El artista madrileño Francisco Bores tiene varias obras en el Museo Reina Sofía y entre ellas esta titulada "Café" del año 1928, una obra de juventud que todavía bebe de su época de dibujante y xilógrafo además de grabador. En esa época estaba en París en donde termina de formarse como pintor y donde tras integrarse perfectamente en la vida artística de la capital franceses va logrando exponer de forma individual hasta dar el salto a los EEUU.

Esta obra es de su época neocubista. Sus últimos años los dedica a trabajar con rotuladores y guaches dejando una gran colección de dibujos.

Teruel muestra el Arte del Amor en sus escaleras

Son tiempos de amor, de Arte y Cultura, de relacionarnos a distancia pero de relacionarnos con la vida y las personas, pues si perdemos esa capacidad lo vamos a pagar muy caro. Son tiempos, si acaso, de mirarnos de otra manera, guardando los cuidados.

El artista turolense Leo Tena ha dejado muestra de su sensibilidad en estas escaleras junto a la zona del Museo de Los Amantes de Teruel. Y nos ha dejado este texto:

Ellos son los Amantes de 2020
Los que han estado más solos, los que más han sufrido y los que más han demostrado su amor.
Se pueden querer pero no se pueden besar.
Sus ojos lo dicen todo.
No hace falta más.

Add Fuel, el portugués de los azulejos en Arte Urbano

El artista urbano Add Fuel, el portugués Diogo Machado es un licenciado en Diseño Gráfico por Lisboa que trabaja los patrones simétricos que acompaña de elementos urbanos como los azulejos, tan utilizados en el arte portugués, y de algunos detalles surrealistas, irónicos, casi humorísticos, como en este trabajo que realizó en una de las fachadas del Matadero de Madrid.

No, la imagen de esta obra NO está al revés, es así como la trabajó Add Fuel.

En el Arte hay que conversar entre el espectador y el artista

Una fotografía, un cuadro, una obra de teatro, un cuento literario no debe ser nunca un monólogo, incluso aunque parezca un monólogo. Debe ser una conversación entre la obra y el espectador. 

En una imagen debemos buscar la interacción con el que observa una vez convertida la escena en fotografía. ya no existe ese momento, ya no es posible volver a contemplar la escena en su natural. Ahora ya solo nos queda la fotografía, la escena cazada. Y esa pequeña obra literaria nos cuenta cosas y nos debe seguir contando cosas.

Esta fotografía nos muestra CALMA, nos enseña la TRANQUILIDAD e incluso el SILENCIO

Cada una de las tres personas que podemos observar en la escena "mirando"… lo hacen hacia un lugar distinto. Son miradas que se dirigen hacia espacios bien diferentes. Pero espacios callados y de silencio. Quietos, no interactúan para nada. Son como esculturas estáticas.

Esta información la hemos pillado, cazado, posiblemente sin querer coger esa sensación del todo. Es posible que deseáramos simplemente pillar el ambiente. 

Pero luego, en el laboratorio, hay que remarcar qué quieres decir, qué quieres que hable la obra de ese espacio, de ese momento. Hay que plasmar el instante y la sensación que tú tuviste al fotografiarla.

Un paisaje luminoso con arco iris ante el mar

Parecería imposible mejorar el aspecto de un paisaje con mar. Todo depende de las opciones. Un Arco iris sobre el mar puede mejorar un día luminoso. Arte Urbano, Arte Efímero que en pocos meses se escapará o será cubierto por otro Arte Urbano. Se solapan los paisajes.

Nota.: La imagen es de nuestra corresponsal Maite.