31.7.22

La Inteligencia Artificial y el Arte. ¿Enemigos o ni eso?


La Inteligencia Artificial tiene un mundo por delante, y el Arte es uno de los espacios en donde puede trabajar con más libertad y de forma fácil. En realidad no es una Inteligencia sino una Programación a la que han enseñado a crear con unos parámetros muy medidos, lo cual no tiene nada de creativo aunque sea muy efectista. 

Estos procedimientos Artificiales ni piensan, ni tienen sensación de estar diciendo algo interesante, ni son capaces de innovar en el Arte, sino que simplemente construyen sobre parámetros ya existentes, lo cual no es poco, también hay que decirlo.

Copian pero son tan "listos" que saben copiar sin que se note, construyen algo diferente (o no) sobre lo que ya existe y tienen programado en sus tripas.

Hay varios programas para crear Arte con IA, posiblemente haya más y de mejor calidad, que estén ahora en proceso o simplemente estén escondidos o no sean comerciales. 

Hay programas que escriben novelas de forma artificial tras meterles los personajes o unos datos de contexto y de la historia que deseas que esa IA nos escriba. Hay programas de IA que te crean tesis que parecen investigaciones y hay programas —como estamos viendo en la imagen— que te crean obras de Arte.

Este ejemplo que vemos de IA te construye imágenes de la nada. Le dices una frase y el programa te entrega cuatro obras distintas para que elijas entre ellas a una resolución de 3 megas en RGB. 

Los ejemplos que vemos arriba los construyó tras la frase: "Campo de amapolas y Tulipanes" y a la que se le iba añadiendo el tipo de Arte Pictírico que deseábamos obtener.


30.7.22

Mujer de México, ofreciendo presentes hace 2.000 años



Hace unos 2.000 años estas figuritas femeninas sentadas y ofreciendo algún presente se utilizaban en México con fines desconocidos. No sabemos si eran figuras femeninas puramente decorativas, representaban algunos ritos, se utilizaban para hacer ofrendas, eran signos de fertilidad o de distinción familiar.

Esta cerámica pintada y encontrada en la ciudad de Nayarit en la zona del actual Jalisco y con una temporalidad entre los 300 a.C. y los 300 d.C. muestra a una mujer con la cabeza alargada por el efecto de collares como en algunas culturas africanas, ejercicio que se practicaba en la adolescencia posiblemente para remarcar su belleza personal o su estatus dentro de sus grupos sociales.

Podemos observar también el trabajo en las orejas, similar al que actualmente hacer algunos jóvenes occidentales de ambos sexos.



29.7.22

Bodegón de la pintora asturiana Concha Mori


Concha Mori
(María de la Concepción Filomena Manuela Engracia González Martín) fue una artista asturiana nieta de uno de los fundadores de la Academia de Bellas Artes de San Salvador en Oviedo lo que le facilitó su amor al Arte desde muy niña.

En la adolescencia y como discípula de Menéndez Pidal amigo de la familia empieza a adentrarse en el mundo artístico asturiano pero enseguida es aconsejada para que se vaya a Madrid a estudiar a la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Allí y ya en los círculos artísticos de los primeros años del siglo XX toma la licencia de copista del Museo del Prado lo que le sirve para aprender todavía más.

Este bodegón que vemos arriba es una obra suya, que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Asturias y de la que desconozco su fecha, y que se ha podido contemplar en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza, en una exposición que se tituló: "Poéticas de Género".

Murillo o Isabel II. Dos obras de la Sagrada Familia


Podría parecer una obra de Bartolomé Esteban Murillo, una clásica y conocida obra titulada "La Sagrada Familia del pajarillo" que podemos observar abajo de esta entrada. La obra de arriba es una copia, y es muy conocida también pues la realizó la Reina Isabel II con 18 años cuando aprendía pintura y Arte y cuando presentaba sus obras a diversos organismos artísticos de Madrid.

Obra grande, pintada en el año 1848, de casi dos metros de anchura (mismo tamaño que el original de Murillo) y que no es la única que ha merecido entonces y ahora halagos y reconocimientos. 

Isabel II además de pintar bien se dedicó en los años de su reinado a cuidar las Artes, a promocionar a mujeres artistas pintoras, y posiblemente a seguir pensando que disfrutaba más pintando cuadros que reinando en un país que la mandó al exilio. Y no digo nada de lo que se dice esta Reina, pues este es un blog de Arte.




27.7.22

Cristo llenando el Cáliz con su sangre. Daroca (Zaragoza)


La religión católica ha utilizado casi excesivamente el dolor, la sangre, casi la tortura en muchas de sus imágenes, para mostrarnos las diferencias tremendas entre el cielo y el Infierno, a través de los padecimientos de Cristo, alentando a "portarnos bien" para no sufrir como sufrió Jesús. 

Este retablo está en la iglesia de San Martín en Daroca (Zaragoza) y muestra a sangre de Cristo llenando el Cáliz, como en un ejemplo de alimentación espiritual al que todos podemos acogernos si somos capaces de creer. 

La obra es del pintor gótico zaragozano Martín Bernat pintada entre los años 1470 y 1475 siendo una de las primeras obras que se le conocen.

25.7.22

Fermín Aguayo, pintor aragonés nacido en Burgos


Dejo hoy una obra del burgalés Fermín Aguayo, una "Calavera" de 1948 hecha en lienzo al óleo para luego pegar la tela sobre una tabla de madera para conservarla mejor. Es una obra expresionista de Fermín Aguayo donde muestra lo fugaz que es la vida, y lo macabro que representa querer recordar eso, con angustia y dolor, que intenta expresar con una obra cercana a la abstracción. 

Con diez años llegó a Zaragoza tras el fusilamiento de su padre y sus dos hermanos mayores, asesinados por los franquistas y es en esta ciudad donde es acogido, Zaragoza, en donde se hace artista y forma parte del núcleo fundacional del Grupo Pórtico, pionero de la abstracción en España.

No fue sencilla su vida, falleciendo finalmente en Francia a la edad de 51 años. No es mucha la obra que se conserva de sus importantes trabajos, pero aquellos años de su vida, entre los años 40 y los años 75 del siglo XX, no fueron fáciles ni para el Arte, ni para la abstracción, mucho menos si se venía de provincias, aunque fuera un artista que se movió por Europa.

Esta obra es de las más conocidas que se conservan de aquellos años primeros del Grupo Pórtico.



19.7.22

La Columna de Trajano en el Foro de Roma


El emperador romano Trajano fallecido en el año 117 de nuestra era nos dejó una Columna hoy conocida como la de Trajano en Roma, inaugurada cuatro años antes de fallecer, y que todavía se conserva en el final del actual Foro mostrándonos una narración a modo de libro, en un friso de entre 190 y casi 200 metros de longitud según de qué manera se suma el total de las escenas, realizado en relieve en mármol, en una espiral que da 23 vueltas a la columna, para relatar sus batallas ganadas pero sobre todo la vida de sus soldados, relatos de las formas y modos de vida de aquellos años, de sus militares y de sus aparejos de guerra o de vida común.

Imaginemos que en aquellos años fueron capaces de construir una torre hueca en su interior, con una escalera de 185 peldaños para poder subir por dentro hasta llegar a un mirador, desde donde divisaba la ciudad de Roma. 

¿Cómo se pudo crear en trozos enormes de mármol grabado esta columna y luego montarla para que contara una historia a modo de libro gráfico?

En un sistema de grabado aplanada va relatando escenas continuas que finalmente eran pintadas creemos que en colores fuertes, hasta completar más de 2.500 figuras en 155 escenas diferentes y en donde el propio Trajano aparece hasta 60 veces en sus 39 metros de altura con el pedestal y la estatua de lo alto. Pensemos en el equivalente a un edificio de 14 alturas.

La columna está constituida por dieciocho bloques colosales de mármol de Carrara, cada uno de los cuales pesa unas cuarenta toneladas y tiene un diámetro de 3.83 metros. Estos constituyen los diecisiete bloques que componen el fuste de la columna, la base, el capitel y el ábaco. 

Arriba del todo iba un águila de bronce que a la muerte de Trajano se cambió por su propia estatua, hasta que un Papa en 1587 la cambió por un San Pedro.

Entre las 2.500 figuras que se pueden observar hay soldados íberos, jinetes africanos, arqueros del levante español, germánicos o dacios (rumanos). Incluso la propia familia de Trajano. 

Curiosamente la altura del friso va creciendo con la altura de la columna, pasando de 0.89 a 1.25 metros, para corregir la deformación causada por la perspectiva y que el espectador al observa la columna perciba todas las escenas con el mismo tamaño visual.

Sin ninguna duda y atendiendo a la complejidad del trabajo, un enorme trabajo y hueco por dentro para crear la escalera de acceso a su mirador, hay que entender que tuvieron que ser trabajos tremendos de varios artistas a la vez que supieron crear tamaña obra con los condicionantes que hoy podemos seguir contemplando. 



Visitar las iglesias para disfrutar del Arte


Si os gusta el Arte, es muy complicado que os guste solo una parte del Arte. Todo el Arte conmueve, provoca sensaciones, te envuelve en historias o en pensamientos. No es necesario ser religioso, ser de ninguna religión para entrar en las iglesias o basílicas de cualquiera de ellas, y con respeto admirar el Arte que encierran.

En todas las cristianas la entrada es libre, aunque en algunas visitarlas sea previo pago de una entrada. En las religiones asiáticas sucede algo similar. Más complejo es poder visitar algunos edificios religiosos que sean musulmanes. 

No en todos se puede entrar si no profesas la religión islámica, pero con respeto se puede intentar o preguntar pues en la puerta siempre hay alguien filtrando las visitas. Las turísticas puras son la que peor son tratadas, pero nadie impide entrar a alguien que desea orar.

El caso es poder contemplar las bellezas que encierran las iglesias por todo el mundo. las religiones siempre han gozado de fuertes cantidades de dinero para poder decorar sus espacios y para crear ambientes, o para convertirlos en ejemplos de enseñanza de sus propias creencias.

Es cierto que si entrar de visita tiene sus normal, fotografiarlas es algo más complejo, pero todo depende del lugar y de no utilizar nunca luz artificial. Hoy con los teléfonos móviles las opciones de calidad son mejor vista, pasan más desapercibidas.

La que vemos es el interior de una iglesia gótica en Francia, de la zona de Normandía.

15.7.22

A, E, I, O, U del fotógrafo Jordi Cerdà


Del catalán Jordi Cerdà este montaje de cinco fotografías del año 1975 que tituló: A, E, I, O, U. El barcelonés Jordi Cerdà nace en 1949, donde vive y trabaja y estudia pintura y diseño en la Escuela Massana y se licencia en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Completa su formación con estudios de Arquitectura y Filosofía. Su primera exposición, en el año 1968, tendía al minimalismo y reunía pinturas, dibujos y grabados.

A principios de los años 70 empieza a trabajar en la elaboración de la imagen, y se incorpora a la esfera catalana próxima al Arte Conceptual, junto con artistas como Eugènia Balcells, Sílvia Gubern, Carles Pujol, Àngel Jové, Antoni Llena, Benet Rossell o Àngels Ribé.

La reflexión teórica sobre el arte y su representación constituyen el eje de sus intervenciones.

Al mismo tiempo, realiza films experimentales, actividad que será muy productiva en su trayectoria, y crea fotomontajes, performances, acciones e instalaciones. Como otros artistas conceptuales catalanes, trabaja también con el objeto, herencia del dadaísmo, el pop y el nuevo realismo.

Durante los años 80 y 90, su obra se vuelve más reflexiva, especialmente en cuanto a los conceptos de espacio, tiempo, arte y medios de comunicación, tomando fuerza los aspectos puramente lingüísticos. Durante los últimos años, su obra se ha centrado en nuevas lecturas de imágenes de la historia del arte y en reflexiones sobre temas, como el museo como institución. Como otros artistas conceptuales catalanes, trabaja también con el objeto, herencia del dadaísmo, el pop y el nuevo realismo.

En 1979 realizó una exposición en el Espai 10 de la Fundación Joan Miró, después de una estancia en Nueva York. La muestra se presentó sobre unos paneles móviles colgados del techo para multiplicar la superficie mural y exponer buena parte de la obra con la que el artista contaba hasta el momento. 

Entre las piezas más emblemáticas estaba Mort Franco TV, un cuestionamiento del poder de los medios de comunicación y de su forma de transmitir los relatos históricos oficiales. La obra central era un ejercicio de crítica de la representación con el cuerpo femenino como soporte: Suite Cuerpo de mujer en el arte comparaba el desnudo de una mujer con los nudos idealizados de la tradición pictórica y del canon museístico, legitimado por una historia del arte que desenmascaraba como conservadora en lo que se refiere a las cuestiones de género.

Nota.: Texto del MACBA y Viquipedia

12.7.22

¿Cómo aprendían los jóvenes hace 2.000 años?


En este fresco de la ciudad de Pompeya en Italia, del siglo I d.C. vemos a un joven leyendo un papiro que está desenrollando. Arte, casi fotografía con 2.000 años de antigüedad, y la constatación de que por aquellos años ya se leía, ya estaban al alcance de los jóvenes para su formación, documentos explicativos para poder aprender lo que profesores o maestros escribían para conservarse.

No era la clásica formación de profesor que presencialmente enseñaba sus experiencias, sino que ya también los jóvenes, disponían de papiros para crecer en su formación académica. 

El rollo de papiro estaba compuesto de diferentes láminas que se unían con un pegamento de vinagre y harina hasta forma una extensión indeterminada y enrollable tras pulir las uniones con piedra pómez para que no se notaran y no ocuparan mucho espacio de grosor. 

Todo el papiro estaba sujeto a unas varillas en los dos extremos que se llamaban "Umbilicus" y se guardaban en unos estuches de piel para conservarse con sus etiquetas "Títulus" en las bibliotecas, cerrado el estuche con una tapa que llamaban "Capsa". 

10.7.22

Ejército de terracota de Xi'an en China


Cuando en el año 1974 se descubrió de forma casual el ejército de soldados de terracota en Xi'an como una parte del mausoleo del emperador chino Qin Shi Huangdi nadie podía prever que aquel descubrimiento era tan importante, e iba a marcar un punto en la arqueología que daría un  nuevo impulso de futuro a esta disciplina histórica y artística.

No se sabe cuántas esculturas hay en el yacimiento, se habla de momento de unas 8.000 figuras algo más grandes que de tamaño natural, junto a unos 150 caballos, 130 carros y un buen número de aves. No todos representan a soldados, hay también acróbatas, concubinas, músicos, funcionarios del estado chino que dan fe, etc. 

Sobre el año 210 a.C. enterraron allí al emperador Qin Shi Huangdi, estamos hablando de un enorme aposento funerario y artístico de unos 2.200 años de antigüedad. 

Un ejército que protegía al Emperador en su viaje al Más Allá.  

¿Era necesario tanto trabajo, estimado en más de medio millón de trabajadores a piezas durante décadas para crear un recinto inmenso?

Un territorio total de unos 100 kilómetros cuadrados dedicados al mausoleo del Emperador. Y de una performance escultórica que se pintó en potentes colores y se esmaltó, acompañada de armas reales de la época y añadidos —hoy perdidos— de maderas.

Un ejército perfectamente formado en ataque, como si de una obra teatral se tratara, dispuestos al combate pero también a la custodia y a la demostración de que hace 23 siglos ya se creía en el poder del Arte como elemento que impresiona, que gobierna incluso después de muerto.

Cada figura es diferente a las restantes, en sus vestimentas o en su rostro, pero también en su altura. Los soldados de 1,80 de altura aproximadamente eran más bajos que los generales que podían llegar a tener los 2 metros de altura. El poder también lo diferenciaban por la altura de las esculturas.

En la imagen inferior podemos ver una recreación teórica de cómo se cree que estarían decorados cada escultura de soldados, con arreglo a los pigmentos que se han podido ir conservando.



9.7.22

Parviz Tanavoli y una "Hermosa extranjera"


Del artista iraní Parviz Tanavoli vemos una serigrafía del año 2016 titulada "La hermosa extranjera y yo" en relación a un tipo de litografías que a finales del siglo XVIII circularon por estos países cercanos, con retratos de bellas mujeres europeas y que llamaban "Farangi woman" utilizando una de esas estampas a la que le ha añadido su propio retrato como queriendo hacer un recuerdo a esas mujeres que para ellos eran extrañas hace dos siglos, y que de alguna manera invadieron estos países musulmanes para introducir el conocimiento sesgado del modo de vida occidental. 

La Venus de Willendorf era una diosa, un escapulario o amuleto, un juguete?


Esta escultura que vemos arriba es posible que una de las primeras representaciones artísticas de las que tenemos conocimiento pues está datada entre el 30.000 y el 25.000 a.C. por los estudiosos. Una figura de una mujer sin rostro, que se creó posiblemente para rituales o como un objeto mágico, de superstición, de adoración ante Dioses que eran capaces de tomar decisiones que influían en las personas.

Poco más o menos como ahora, unos 30.000 años después. Nada nuevo.

Es una figura pequeña de unos 11 centímetros de altura y 6 de anchura, descubierta en el año 1908 y que podría ser también un amuleto personal de alguien, dado su tamaño.

Pero eso nos lleva a pensar que tal vez los artistas de aquellas épocas eran también chamanes, dioses en la tierra, doctores de la sanación, del tratamiento mental para con sus vecinos. Todos ellos creían en el Poder de estas figuras de piedra caliza, en este caso pintada en ocre rojizo que se encontó en Willendorf (Austria). 

Es una figura que se aleja presuntamente de tipo de mujer de aquellas épocas. No conserva las manos ni los pies, pero es una mujer gruesa, fuerte, casi distorsionada, que en aquellos años de posibles épocas de hambre no parece encajar con nuestra lógica actual. No tiene rostro, pues los Dioses no tienen cara, no éramos capaces de imaginárnoslos.

¿Es una figura del amor, del sexo, de la fertilidad, del papel de madre, es acaso la Diosa Tierra?

Lo curioso es que el tipo de piedra utilizado no existe ni en Willendorf ni en los alrededores, y que figuras similares de otras épocas cercanas se encontraron en Europa pero también en Asia. ¿Se exportaban? ¿Alguien vendía estas figuras humanas de mujeres gruesas con peinados en forma de rizos? ¿Los artistas eran nómadas que se movían mucho y vivían de su Arte escultórico que vendían?


El escriba Nebamun en una escena de caza de hace 3.350 años

El escriba egipcio Nebamun se ve en esta obra de Arte de unos 3.350 años de antigüedad cazando aves en las zonas del Nilo, ayudado por su propio gato, junto a su mujer y su hija. Una imagen familiar encontrada en su tumba, en una de las paredes, para acompañar en el viaje al difundo y explicar a sus dioses qué tipo de vida llevaba antes de morir.

Vemos flores, papiros, mariposas tigre, aves, peces, y su propio gato que forma parte de la obra al estar considerados los gatos casi como divinidades en algunos casos, inmortales como podría ser considerado este al llevar un ojo de oro. El propio Nebamum lleva una serpiente en la mano para atacar a las aves en la caza.

Como podemos comprobar son explicaciones hechas por el artista sobre las paredes de la tumba con la idea de reflejar la vida de alguien importante apelando además al idealismo de una cultura que creía en unos dioses que observaban la vida del fallecido no para castigarle o premiarle, sino para darle continuidad en el más allá. 

En estas obras se reflejaba además qué trabajos y oficios había realizado en vida, qué tipo de comida le gustaba, junto a la familia cercana que tenían los dioses que intentar juntarlos en ese más allá, todo enmarcado en sus zonas de vida, con algunas explicaciones en jeroglíficos.


8.7.22

Una procesión en la India de hace 200 años


Este dibujo a tinta y levemente coloreado con aguadas, representa una procesión religiosa desde el Templo de Shiva en la región de Tamil Nadu en el sur de la India. Vemos una representación que podría ser cristiana con sacerdotes portando a divinidades hindúes como Shiva, Parvati, Ganesha o un Dios con cabeza de elefante que inicia la procesión.

Este dibujo es de aproximadamente el año 1820, y restando los vestimentas de las figuras y los tipos reflejados en algunas de sus divinidades, podría ser una procesión católica con velas, músicas, ofrendas, porteadores, palios, divinidades o santos.


6.7.22

Xilografía titulada Suite Erker del artista Antoni Tàpies


El artista catalán Antoni Tàpies como muchos otros exploró desde diferentes técnicas, qué se podía lograr con los todos y nuevos procesos de creación, para ver qué se ajustaba mejor a lo que en cada momento deseaba realizar.

Esta es una xilografía a gran tamaño y a una tinta del año 1992 y titulada "Suite Erker", "Ventana mirando a la habitación". La propiedad de esta obra es del Banco Sabadell.

Creo personalmente que fue para Tàpies una experiencia fallida, o al menos eso me parece observando el resultado y cómo ha ido evolucionando la obra gráfica en serigrafía o similares. Comparadas con la globalidad de sus obras, esta xilografía sin dejar de tener su estilo, no me parece representar un avance positivo en su trayectoria artística. 

Incluso su gran tamaño pues supera los dos metros de altura, dificulta la impresión de la obra.


5.7.22

El mexicano Andrew Roberts y un brazo


Esta obra del artista mexicano Andrew Roberts la tituló "Una cierta fatalidad" y fue realizada en el año 2020. Sus obras no son en muchos casos agradables de mirar, son esculturas sacadas a veces del cine más gore, pero también montajes, literaturas, videos, maquillaje o fotografías en donde nos muestra distintas maneras de ver lo que existe, y que él simplemente nos lo muestra desde el punto de vista más cercano, aunque sea desagradable.

Las hay peores de ver y si tenéis ganas las podéis contemplar en su página web.

4.7.22

La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol de Francisco de Goya


Una obra trágica que muestra las batallas en el cuerpo a cuerpo como pocas es: "La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol de Francisco de Goya", reflejando la batalla de Madrid el 2 de mayo de 1808. Fue realizado en el año 1814 y se encuentra en el Museo del Prado de Madrid.

Esta obra de casi tres metros y medio de ancho forma junto al cuadro de los "Fusilamientos del 3 de mayo en Madrid en la montaña de Príncipe Pío", las dos obras anti bélicas de un Goya que refleja en muchos de sus grabados la violencia contra personas y son estas las dos grandes obras al óleo más conocidas.

La obra sufrió pérdidas durante el periodo de la Guerra civil en España, al sufrir un accidente en su traslado desde Madrid hacia Ginebra, que fueron restaurados en el año 2008.

Los mamelucos eran mercenarios egipcios contratados por Napoleón para combatir en España y que en esos inicios de la conocida como Guerra de la Independencia tuvieron un papel importante en el ataque a Madrid.

3.7.22

Soldados saqueando una granja de Sebastián Vrancx


El pintor belga Sebastián Vrancx se especializó en pintura bélica, en grandes y medianos cuadros que en el siglo XVII decoraban castillos y palacios de los poderosos, para demostrar sus victorias militares ante enemigos casi siempre vecinos. 

Eran combaten a cielo abierto, empleando a veces la caballería como un elemento que él supo introducir en las obras de este género para darle más originalidad. Eran como es lógico obras inventadas por él pues no asistía a las batallas, y se mezclaba el componente épico con los detalles del momento, de aquella sociedad, en sus formas, en sus vestimentas, en sus comportamientos.

Esta obra se llama: Soldados saqueando una granja, y es una de las pocas obras suyas en donde se aparta ligeramente de su trabajo puramente en los campos de batalla. Se refiera a la Guerra de los Treinta años la pitó en 1620 al óleo sobre tabla y mide 70 centímetros de ancho. Está en el Museum Deutsches Historisches de Berlín.


2.7.22

Una travesía de un barquito de papel. Peter van den Ende


Hay ilustraciones que con una sola viñeta cuentan una historia tremenda, hay libros que son sueños, libros de ilustraciones… o ilustraciones encuadernadas como si fueran un libro… que son obras de Arte sin decir una sola palabra.

Esta ilustración es del libro: Travesía del autor belga Peter van den Ende, editado por Libros del Zorro. No es para leer, casi no es ni para verlo. Pero en cambio sí es para guardarlo. Libros de Arte que son para enmarcar.

Presumir de Arte está al alcance de muy pocos países


Esta imagen del fotógrafo Ballesteros para EFE refleja claramente el valor del Arte y sobretodo el valor del Arte Español en nuestra propia autoestima. 

Ser capaces de reunir a un gran número de líderes mundiales alrededor de un Museo como El Prado, es un ejemplo de buen hacer y sobre todo de buen demostrar que en España el Arte es importante y apreciado.

Presumir de Arte está al alcance de muy pocos países, y España es una de esas sociedades que puede disfrutar de las formas personales de artistas de gran renombre en recordarnos sociedades pasadas con sus particulares formas de verlas.

1.7.22

Gente empujando del artista Chen Chieh-Jen


El artista de Taiwan: Chen Chieh-Jen presentó en el año 2021 en el Centro de Arte Sonje de Seúl una exposición individual "Cuerpo traumatizado y yo transformado" en donde desafiaba los mecanismos dominantes en Taiwán, pero con temas que son reflejo de la deshumanización reinante en todo el mundo.

Somos máquinas del actual trabajo temporal, de las desdichas por intentar ser pobres con trabajo al menos, temporales, sin derechos, sin garantías de continuidad y con unas condiciones que parecen sacadas de otros siglos y no del XXI.

Propone conocer al ser humano desde alternativas y métodos prácticos para reconsiderar el significado de la existencia para las personas que sufren la desesperación insuperable de ser descartadas y traumatizadas por sociedades en las que la desigualdad de riqueza continúa extendiéndose y profundizándose.

Además, Chen Chieh-Jen se propone explorar formas de transformar el yo y la imaginación basadas en experiencias traumáticas, con el fin de deconstruir la ilusión que ha sido creada por la tecnología de control generalizada de la corporatocracia.

En la imagen vemos un fotograma de un cortometraje del artista titulado "Gente empujando".