30.4.14

Las nuevas plazas del pueblo son los nuevos museos. O al revés

Los museos nunca más deben ser simples almacenes de “cosas bonitas” de “cosas que hay que guardar” o al menos y sobre todo no deben ser solo eso. El Museo Reina Sofía presenta 'Playgrounds. Reinventar la plaza' una exposición para reflexionar sobre la relación que las personas debemos tener con el arte, con el juego e incluso con la plaza pública, con la plaza del pueblo.

El Museo Reina Sofía es un ejemplo de lugar de paso, curiosamente es un gran edificio al que se puede llegar para visitar grandes exposiciones pero también para sentarse en su jardín como ya sucede en otros muchos. Un lugar “completo” donde podemos ir a tomar un café, ver unos cuadros, hablar, leer, ver una película, pasear, descansar, contemplar, inspirarse. Un sitio donde quedarse, donde beber ese aire de creación, de pensamiento, de pregunta constante. Una plaza común donde sentarse a seguir viviendo.

Hoy las calles de nuestras ciudades empiezan a tener color, formas y sensaciones al empuje de ciertas actuaciones artísticas efímeras pero eficaces. Es posible pasear y sentir más que antes. Hoy el museo se nos abre a la calle también, hoy se valora lo “bonito” de muchas otras formas que estando encerrado entre cuatro paredes de un viejo edificio.

Convirtamos el arte en un carnaval de color, de preguntas, de sensaciones. Aprendamos a tocar, a escuchar, a oler el arte. Aprendamos a crearlo, a sentirlo, a valorarlo en su justa medida, solo en su justa medida. Perdamos el miedo a tocarlo y a crearlo. Solo así sabremos valorar mucho más las maravillas creadas por nuestros antecesores y que nos pertenecen a todos los habitantes, también a los no nacidos.

El cuadro es de Picasso y titulado “Le Sauvetage” del año 1932.

29.4.14

Dama de Elche a todo color, conservando el color original


Esta imagen es la Dama de Elche, pero sacada de la reproducción muy fiel que existe en Valencia, realizada en el año 1908 por Ignacio Pinazo. El original está en el Museo Arqueológico de Madrid.

Es la escultura de una dama íbera, del siglo V antes de nuestra era, que por su belleza y sus ornatos en la vestimenta, debemos entender que era una mujer muy importante en su época. Los adornos de cuentas en la cabeza, los pendientes, los grandes rodetes que podrían ser estuches para recoger el largo pelo, sus tres enormes collares al pecho del que posiblemente el más grande contuviera amuletos dentro de sus “bullas” nos indican que debía ser la dama más importante de la zona.

La escultura estuvo pintada aunque según van pasando los años va quedando menos rastro de su decoración en color del que apenas quedan ahora restos en los labios y poco más. Se han realizado estudios de los materiales y sabemos hoy de qué color eran las diversas partes de la escultura, que hemos recreado aquí para ver aproximadamente como sería la Dama de Elche a color en su tiempo, hace 2.500 años.

La guerra y los hijos de las víctimas en Afganistán


Los ocho hijos de un hombre afgano muerto en la guerra posan con la imagen de su padre delante del Palacio de Dural Aman “Morada de la Paz”, destruido por las batallas de Kabul. Poco más que añadir, excepto que las guerras siempre las pagan los civiles, los inocentes, los niños. La fotografía es de Wakil Kohjsar.

28.4.14

Defender la alegría por encima de uno mismo

Defender la alegría como una trinchera, defenderla de la rutina y del escándalo, de las ausencias transitorias y definitivas. Defender la alegría como un principio–, de las dulces infamias y graves diagnósticos. Defender la alegría como un destino, como una certeza. Defender la alegría como un derecho.

Oruga que sigue viva, cuidando de sus huevos

Tal vez debí actuar de otra manera, pero soy fotógrafo y no cazador. La vi junto a sus capullos, a sus huevos, protegiéndolos. Me dio igual que fuera una asquerosa oruga de las que pican y te joden.

Yo me acerqué, la fotografié varias veces y me fui tan tranquilo por el mismo camino. Ella tiene una vida y yo otra. No debo interferir más cuando me brindó esta imagen tan bonita.

La luz y la sombra como elementos que configuran el Arte

No es una obra de nadie conocido, es una simple mirada al cielo, la sensación de que los huecos pueden ser más importantes que los contenidos, que las luces son las que configuran los espacios, las formas, los sentidos.
Sin luz no hay arte, no existe la fotografía pero tampoco la pintura. Sin luz una escultura no tiene más que la mitad de su sentido pues muchas veces en una escultura es más importante la sombra que proyecta que la propia forma original.

Naturaleza muerta en capullo con hilos verdes

A veces las naturalezas muerta son simples cadáveres, señales de un tiempo que ya no está con nosotros. 

Son las huellas de otros veranos, de incluso los finales apagados de aquellos otoños húmedos. 

Quedan los rastros, las huellas de la muerte. Solo eso.

24.4.14

Henri Matisse y sus obras de "cortar y pegar"

Henri Matisse pasó sus últimos 13 años de vida en una silla de ruedas tras una operación grave. Sintiéndose incapaz de poder pintar sus obras nuevas como lo hacía hasta entonces, pero deseando seguir disfrutando de la creación de obras, cambió el sistema de pintura y se dedicó a “cortar y pegar” tal y como ahora se puede ver en la Tate Modern de Londres. 

Otro artista —y en este caso muy reconocido—que empleaba el "Papier collé" con gran acierto.

Henri Matisse cambio de pintar con herramientas habituales a solicitar que le entregaran papel de vivos colores, láminas de excelente papel, que él luego cortaba para darles forma y posicionaba sobre lienzos vacíos formando lo que él llamaba “esculturas planas de color” o también “pintar con tijeras”.

Nuevas herramientas para crear, para pintar.

Cuando su delicada salud le impidieron incluso cortar con tijeras, indicaba a sus ayudantes el tipo de recorte y de color que deseaba y luego él ordenaba posicionar sobre los espacios vacíos con un orden al que dedicaba muchas horas de meditación. Eran composiciones de color y formas, ideadas por Matisse aunque él no las tocara siquiera. 

Trabajaba con colores muy brillantes, tonos muy básicos y composiciones de color muy bien elegidos. Unas obras que le devolvían a sus inicios artístico como si volviera a ser un niño pero con toda la experiencia de composición y forma de un gran artista.

En aquellos años sus obras eran consideradas un juego divertido, nunca un ARTE con mayúsculas, pero los años nos han ido enseñando que una obra no tiene que ser siempre un ejercicio finamente descriptivo sino que también puede ser un grito de color, de formas, de posicionamiento, de alegorías.

Henri Matisse ya no necesitaba un pincel, una espátula. No podía emplearlo pero dejó demostrado que las herramientas para pintar son muy diversas y que dependen más de lo que se quiere trasmitir que de las modas o de las escuelas. 

Todo es efímero o eterno, sin depender de las herramientas con las que se pinté una obra maestra, sino de los conceptos con los que se hace o incluso se contempla.

Es la hora de atender más y mejor a las personas


Es la hora de las personas. Lo repetimos muchas veces para lograr convencernos pero es la única salida. Debemos volver a lo básico, a pensar en las personas, a cuidar la calidad humana una vez que está demostrado que todos hemos abusado de todo lo que nos rodea, sea en medio ambiente, los animales y sin duda las personas. Incluidas las que nos rodean, las que están entre nosotros. No debemos permitir ciertos abusos, bastantes abandonos que ya habíamos regulado en nuestra forma de gestionarnos, esa manera que tenemos de mirar al suelo para no verles la mirada de los que nos reclaman simplemente justicia social. ¿Podemos ser capaces de cambiar? Yo creo que si.

23.4.14

La técnica pictórica del “Papier collé”, una clase de collage más limpio

El “Papier collé” es una técnica de creación artística que traducido al castellano sería un “papel pegado” que aun sencillo de entender y por ello restado de valor hasta que investiguemos algo más, es un sistema perfecto para jugar a crear espacios, composiciones, collages de gran efectividad. 

No es un collage, sino una clase de collage.

Tal vez inventado por Georges Braque, el papier collé tienda a inspirarse en el cubismo de donde nace y que ya practicaba su amigo Pablo Picasso, bebiendo de la antipintura creando pintura sin ella.

La gran diferencia con el collage más tradicional y conocido es que en el papier collé solo se emplean papeles recortados creando formas y de diferentes texturas, unido a los pegamentos y si acaso pinturas acrílicas o trazos de pinturas de lápices o de carbón. 

Son papeles de colores, papeles pintados o impresos, recortes de periódicos o revistas pero donde la zona impresa es una textura y no una forma.

No serviría la fotografía de una modelo recortada desde una revista, pues esto nos llevaría más al collage clásico (veríamos a una persona), pero en cambio sí nos servirían columnas de texto con las que se forman diversas figuras o textos de papeles pintados de pared con diversas texturas, creando desde esas materias reales figuraciones dentro de sus obras para facilitar la pintura, el resultado final. Por decirlo de alguna manera.

En vez de pintar un paquete de tabaco rubio, cojo uno y lo pego. Es más sencillo y rápido. En vez de pintar una textura de madera sobre una mesa, recorto un papel pintado y lo pego. 

Dicho así suena a chapuza, pero en todo proceso está el diálogo con el total de la obra, su composición y color, el contrapeso de los elementos, la idea final y no solo un trozo de papel pegado imitando una mesa.

Como ejemplo dejo la obra de Georges Braque titulada “El frutero y el vaso” del año 1912, en donde las texturas de las maderas son papeles pintados sobre los que ha terminado la obra dibujando con carbón la totalidad de los objetos.

22.4.14

El color es muy peligroso: te domina, te modifica, te atrapa

Ir y volver. Torcerse en el camino y seguir sin detenerse. Colores que se repitan y noi aleatoriamente. Baldosas que atrapan y te saturan, que te meten en su clientelismo colorista para llevarte a su terreno. El color es muy peligroso, te domina, te modifica, te atrapa.

Henry Moore y su “Gran figura de pie: filo de cuchillo”

Esta obra de Henry Moore se titula “Gran figura de pie: filo de cuchillo” y fue realizada en el año 1976 en bronce, basada en un boceto pequeño que realizó el autor sobre un hueso de un pájaro al que le añadió una cabeza de plastilina. La obra final tiene seis metros de alta y en su majestuosidad uno se olvida totalmente de que partió de un simple huevo animal como idea primitiva.

21.4.14

Y si el arte fuera siempre una experiencia y nunca un objeto para decorar?


¿Y si el arte fuera siempre una experiencia y nunca un objeto para decorar? ¿y si el arte sirviera para meterse hasta dentro y no para observarse desde fuera? ¿y si el arte ni tan siquiera estuviera entre nosotros, sino que fuera una manera de ser, de mirar, de sentir?

Somos unos sujetos inútiles, pero con capacidad para pensar

La sensación de no pertenecer al suelo, de estar flotando sobre la tierra que nos sujeta…, es desde temprano un deseo nunca cumplido.

No podemos volar, no debemos flotar, no sabemos movernos entre los aires y nos obligamos a estar siempre pegados a la tierra, a donde volveremos como polvo.

Somos unos simples sujetos (casi) inútiles…, pero con capacidad para pensar.


La España de los que se creen que nos están salvando del caos

Esta es la España actual, la que nos estamos construyendo sin darnos cuenta. Al menos y de momento nos dejan estar dentro, siempre que nos estemos quietos y no hagamos mucho ruido. Es “su” España, la de los que se creen que nos están salvando del caos.

Techo de La Lonja de la Seda o de los Mercaderes de la ciudad de Valencia

La Lonja de la Seda o de los Mercaderes de la ciudad de Valencia es un ejemplo contundente del gótico civil y es Patrimonio de la Humanidad por su bella construcción y por su excelente conservación. Un edificio al que hay que visitar si acudes a Valencia, sin duda.

En la planta alta podemos contemplar un excelente artesonado en el techo del que dejo un detalle, lleno de figuras todas distintas, tal vez mal iluminadas pero hay que pensar también en su conservación y que da muestra de la riqueza empleada en su construcción como edificio para que la burguesía valenciana hiciera sus negocios. 

En esta sala de la segunda planta es donde estaba ubicado el “Consulado del Mar” donde se trataban asuntos del comercio marítimo.

Por cierto tiene un sótano donde se reunían casi en secreto los mercaderes a realizar acuerdos ajenos a las normas legales, tratos “en dinero negro” o apaños que deseaban realizar fuera de la vista del resto de mercaderes. Es visitable.

La construcción de la Lonja de Valencia es anterior a la Lonja de Zaragoza, pero posterior a la de Barcelona o Palma, todas ellas construidas desde la Corona de Aragón para gestionar el comercio desde y hacia el mar Mediterráneo y como atracción económica de las grandes ciudades para gestionar sus negocios.

Se llama Lonja de la Seda por ser este artículo uno de los más pujanza comercial de la época, en una Valencia muy importante con gran número de industrias textiles. 

Una Lonja era no tanto una sala de subastas o solo un lugar de compra venta como sobre todo un edificio para una actividad similar a los grandes bancos actuales. 

Se compraba y se vendía pero también se prestaba, se reclamaban deudas o se fijaban los precios de los intereses y los tipos de avales.

20.4.14

Herramientas y técnicas diversas para pintar acrílico u óleo

Las técnicas para pintar son muy variadas, pero las puramente academicistas nos encajonan a trabajar según las más normales, con herramientas habituales, olvidándose a veces que todo sirve para pintar. 

Exige como alumno si lo eres, a que te enseñan a pintar acrílico u óleo con todo tipo de herramientas y así luego te será más sencillo elegir según tu gusto y modo de obra final.

Conocemos ampliamente los muy diversos pinceles, por tamaño o por el tipo de pelo, por su dureza y suavidad o por su forma. Un buen pincel necesita un tiempo entre las manos del pintor para hacerse ambos a la forma correcta de trabajar. 

Pero también son útiles las brochas, los rodillos, las esponjas, los dedos o las telas.

Las espátulas son la otra herramienta habitual y sus formas también son muy variadas así como su flexibilidad. Pero también sirven palos, cuchillos de pintar, rasquetas o las manos.

Es normal emplear grandes piezas de madera como apoyadores para pintar los detalles sin que las manos rocen la obra, pero esas mismas maderas a veces se emplean para arrastras masas de color y crear en esos movimientos formas aleatorias que dependen del color depositado y de su mezcla en el arrastre aleatorio.

Es habitual emplear cinta aislante o cinta de carretero para crear zonas reservadas o para que las formas rectas salgan más perfectas o para ayudarnos a la hora de que la mancha de color no inunde otras zonas aledañas. 

Todo sirve para lograr el objetivo que tu deseas, que es lo único importante. 

Una vez que un cuadro guste a alguien, no será fácil que te pregunte con qué herramientas lo has realizado, ni si solo has empleado pinceles de pelo de marta o de cerdo. 

Como nadie suele preguntar si has empleado en la mezcla de la pintura polvo de mármol italiano o arena fina de la playa de Salou o serrín. 

Lo importante es que hagas lo que hagas, quede bien y que sea duradero en el tiempo, que antes de hacer mezclas de ciertos productos te asegures que no se cuartearán con los meses o se caerán ellos solos del soporte, sea lienzo o madera.


Henry Moore y sus grandes obras abstractas diseminadas por las calles

Henry Moore está estos días en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia enseñando sus esculturas abstractas en bronce. No está él, que seguramente estará entre las nubes diseñándolas, pero está su obra y su recuerdo con ocho grandes trabajos. Este detalle es parte de una obra que se titula “Pieza de Bloqueo”.

Estaba considerado como “el escultor” inglés por excelencia dentro de la modernidad del siglo XX y dedicó casi todos sus beneficios de sus obra para crear una fundación que sirviera para la enseñanza artística.

18.4.14

El coronel Aureliano Buendía se nos ha ido de Macondo, vete a saber a donde

Esta espléndida imagen de un Gabriel García Márquez mirando la luz del infinito, recogida o interpretada por el fotógrafo Daniel Mordzinski, nos enseña la búsqueda constante de Gabo hacia la libertad, buscando el respeto en la luz de la vida y la muerte, usando palabra preciosas con miradas, gestos, sensaciones.

“El coronel Aureliano Buendía permaneció de pie, pensativo, hasta que se cerró la puerta. Entonces volvió a acostarse con los brazos abiertos. Desde el principio de la adolescencia, cuando empezó a ser consciente de sus presagios, pensó que la muerte había de anunciarse con una señal definida, inequívoca, irrevocable, pero le faltaban pocas horas para morir, y la señal no llegaba.”

17.4.14

La Semana Santa de Zaragoza vista en los Estados Unidos

Esta imagen de la Semana Santa —dicen que de Tarazona (Zaragoza) aun con dudas— es del fotógrafo Álvaro Barrientos. Bien. Pero la imagen la han publicado en EEUU como ejemplo de la Semana Santa de España, de la Semana de Pascua, donde —según dicen— dos "penitentes enmascarados" se cruzan con un hombre en la Procesión del Silencio. Es la imagen que a ellos les gusta, esa imagen de la España profunda, oscura, amarillenta, anciana, tapada y escondida. Pero es que realmente hay que admitir que es nuestra imagen interior. No nos engañemos.

Isaac Mahow y sus pinturas con literatura incluida

-->
Isaac Mahow es un joven artista de Zaragoza que se considera un escritor de paredes. Amante de la literatura que además emplea para crear junto al spray, es un referente en el arte urbano por la delicadeza de sus obras, aunque creo que a él no le gusta nada que lo califiquen de artista urbano y sí más de simple (o complejo) grafitero.

Preguntado por su estilo de pintura y literatura, las respuestas son claras:

“Depende de quién me califique. Yo baso cada obra que hago en mis propias teorías de la luz y los contrastes de color. Me gustan mucho las formas cortantes combinadas con otras sinuosas, pero sigo construyendo mi estilo y, aunque intuyo el final de lo que quiero, no sé muy bien cómo va a ser el camino hasta llegar a él. Tan solo me obligo a tener soltura dentro de unas estructuras, y profundizar en ellas, para garantizar que todo combine. Lo que si me han dicho varias veces, y creo que es acertado, es que me muevo en el campo del Surrealismo Pop.”

“Cuando era adolescente sí que intentaba decir algo, ponía frases sobre la vida o la política, pero desde hace unos años tan solo me he limitado a defender mis "skills" como un obseso. Sin embargo, poco tiempo atrás he regresado a las cosas con significado. Creo que es necesario que mi obra tenga un mensaje, sin ese mensaje el mundo interior no crece, solo se pavonea. El mensaje de ahora es más abstracto, no creo que mucha gente lo entienda, y sé que se ve mejor si miras la obra en general más que por una sola pieza.”

“Como escritor solo he de decir que mientras evoluciono veo dos posturas a la hora de pintar de las cuales me quiero alejar, y creo que eso me define. Odio hoy en día a la gente que se cree que las cosas salen por inspiración divina, como si vivieran en una burbuja y fueran algo así como el "todopoderosocreador", e igualmente me quiero alejar de la gente que opina lo opuesto, que todo es de todos, que lo que se ve lo puedes hacer tuyo sin medirte en nada, porque estos encima me causan vergüenza ajena con su "Jipismo con J". Lo más difícil y valiente es mantenerse en medio de ambas posturas y, siendo consciente de la influencia, medirte para no ser una esponja sin sentido. Me aterra que mis obras se puedan convertir en un amasijo de adornos provenientes de todo lo que veo, en donde la única unión sea la técnica o algo de menos importancia aún.”

16.4.14

El edificio casi vacío que simplemente era forma

Las formas se abrían paso entre el cielo suave y la tierra sin personalidad. Todo se asentaba en medio de lo artificial, pero resultaba un conjunto agradable aun para estar vacío.  

Creo que al final lo de menos era el contenido y las formas premiaban los fondos. Estaban simplemente para ser miradas.

Perdiendo el miedo al Arte lograremos crear con más facilidad artística

Hay que perder el miedo al ARTE, casi el respeto que atenaza los miedos y nos impide crear. Los primeros dibujos infantiles de un Goya, de un Matisse, de Pablo Serrano o de Millás se diferenciarían muy poco entre ellos. La educación infantil va equivocadamente recortando posibilidades, sueños imposibles, magias sin desarrollar, pero eso es otro tema.

Las técnicas o el vehículo de creación puede ser indistinto, pues lo único que importa es el resultado final, la motivación que logres en el espectador o lector de tu obra. Si con tu música o tus poemas, tus cuadros o tus cerámicas llegas a un público determinado y les revuelves las tripas, les haces felices o les obligas a pensar un solo segundo, ya has triunfado en el ARTE. El ARTE busca satisfacción. Es así de simple. Busca motivar y gustar u odiar. Así de sencillo. Y para eso todos nosotros valemos. Lo que no quiere decir que sea sencillo ni que no debamos dedicarle mucho trabajo.

Si buscas hacerte rico con el ARTE olvídate de crear, trapichea, compra y vende, media y valora. Pero ese es otro oficio y sobre todo otra motivación.

Ningún artista es hoy parecido a como era cuando empezó. Los primeros trazos de Velázquez, de Palazuelo o de Miró serían más parecidos en su nacimiento que en el final de su obra consagrada. Pero ninguno de ellos imaginaba que una vez desarrollada su técnica se haría imprescindible para entender el ARTE y gozar con él. Miró evolucionó de una forma muy distinta a Dalí pues eligió otros modos de escribir con color; Picasso no se parece a El Greco pues vivieron épocas históricas distintas. Warhol empleó técnicas que no existían en época de Goya, pero todos crearon desde su punto de vista social y artístico. Dieron luz con color y formas a unas historias que ellos veían de una forma determinada. Kandinsky hizo música con el color o tal vez no y lo que creo fue color con la música. Daría igual si al final logra motivar las sensaciones ajenas de quien contempla.

13.4.14

Agustín Almar y un retrato de señorita triste

Este retrato del pintor valenciano Agustín Almar de la segunda mitad del siglo XIX nos refleja a una dama de la alta sociedad, la señorita Enriqueta Soler Moreno, con unos colores muy vivos que reflejan también una seriedad de rostro que no encaja mucho con el conjunto de la alta calidad de la moda de los burgueses de aquellas décadas. Es como si la dama aunque mirando al espectador, estuviera triste en el momento del retrato, algo no habitual en una chica joven.

Tal vez lo perdimos en lugares donde nunca estuvimos

                                        Perdimos parte de la vida
en lugares donde nunca estuvimos.

Luchamos contra el oficio y lo mundano
                                                                                   con el placer indigno de la huída.

Alejandro Pastor Bayo de la serie: Hurtos.

Está de moda escapar con la caja de caudales

Está de moda escapar, con la caja, el sobre o la pasta. Pero escapar sin que te vean. Dar la cara no está bien visto pues parece labor de bobos o de gentes que no sabes ni correr ni esconderse. Hay que huir con buena cara y creerse que es lo lógico y lo correcto. Somos así de chulos.

12.4.14

El arte de "ser pachuco" en México. Una elegancia a medias

Los jóvenes mejicanos suelen adoptar la figura del hombre elegante que allí en México llaman "ser pachuco" y que se cree se remontan a los años 1930 y 1940en Los Ángeles, donde los emigrantes mexicanos al asentarse en EEUU usarían los trajeselegantes, en parte como un símbolo dedesafío contra la discriminación racial y un sistema de defensa. La continuación de esta costumbre en Méxicoes vista en parte como una protesta de la juventud contrael tratamiento de los inmigrantes mexicanos al pasar la frontera con el gigante americano. La imagen es de Henry Romero para Reuter.

11.4.14

Tres farolillos árabes acompañando el té de la noche

La luz tamizada por el color de los farolillos árabes nos acompañaba en el té de la noche. Era dulce y claro, era amentolado como solo ellos saben hacer. Ya sé por qué le llaman hierbabuena, simplemente por que es una hierba muy buena.

Una pared cualquier y hermosa de La Alhambra de Granada

-->
Es muy difícil no caer rendido ante las bellezas de los Palacios de los Nazaríes de Granada, dentro de La Alhambra. Han pasado 700 años de que aquellos españoles aunque les llamáramos moros después, construyeran aquellas habitaciones tan ricamente adornadas, con tanto arte y tanto color y gusto. No es posible dedicar horas a ver solo el interior de estos Palacios Nazaríes pues sin querer te empujar a verlos en tumulto, pero siempre quedan las imágenes para disfrutar un poco más y después, aquello que te ha sorprendido.

9.4.14

Toro de Granada que mira cuando te acercas a sus cuernos

En Granada los toros también sirven para calmar al sediento viajero que acude con denuedo a conocer sus historias. 

En Granada nos podemos fiar de los toros que hay por las calles pues solo nos dan agua desde fuentes ancianas que llevan siglos dando agua a moros y cristianos. 

Lo de menos es el agua, lo de más que te tienen que meter entre su cornamenta a beber agua, dejando que el toro te mire y confiando en que no se va a mover nunca de su posición pétrea. 

Pero mirarte te mira, lo puede asegurar.

Vivian Maier nunca supo que llegó a ser una excelente fotógrafa

John Maloof compró en el año 2009 una colección de miles de negativos en una subasta de muebles y antigüedades en Chicago por 380 dólares. Al revisar su compra se sorprendió al ver el talento del fotógrafo de aquellos negativos 6x6 y decisió averiguar quien era.
Encontró su nombre, Vivian Maier, escrito en un sobre de laboratorio fotográfico. Siguió buscando hasta descubrir que había vivido en Chicago y que trabajó como niñera.
John Maloof llegó a saber que la fotografía de Vivian Maier era un secreto que guardaba ante todos los que la conocían, incluyendo a sus jefes e incluso amigos cercanos.
Hoy Vivian Maier en el recuerdo de una célebre fotógrafa con galería de exposiciones y un documental que viaja por medio mundo. Las imágenes son casi todas de Chicago y New York más negativos de algunos viajes que hizo por Egipto, Bangkok, Tailandia, Taiwan, Vietnam, Francia, Italia e Indonesia de los años 1950 y 60.

8.4.14

Xavier Valls, un artista de bodegones exquisitos

-->
El nuevo primer ministro de Francia, de origen español, tuvo un padre artista, Xavier Valls, que tiene algunas obras en los almacenes del Museo Reina Sofía de Madrid. Aprovechando el nombramiento de su hijo han salido a la planta cuarta del edificio Sabatini dos de ellas para dar a conocer su pintura con bodegones figurativos del que dejamos uno como muestra: “Bodegón con cerezas”.

Son obras del Museo Reina Sofía, que están sufriendo un proceso de pérdida de color por la luz, no son aconsejables que permanezcan mucho tiempo expuestas.

En el año 1949 Xavier Valls se va con una beca que el propio gobierno francés le concede como pintor, allí se casó y formó la familia que hoy tiene la responsabilidad de tener entre sus miembros al primer ministros francés. Sus obras están en varios museos europeos.