30.4.23

Basura Urbana escrita en las paredes


Hablar en la calle es posible, escribir en la calle también. Incluso a veces y sin mucho ruido, se puede gritar y casi no sucede nada.

La calle está para escucharnos, para desahogarnos y gritar, incluso para plantear dudas y dichos, para usarla y si nos atenemos a su historia milenaria, también para utilizarla en todos los sentidos.

Alguien desde Barcelona nos dice que es hora de cambiar el chip, y otro alguien se pregunta indirectamente en qué deberíamos cambiar. 

Todo desde la suciedad, la basura urbana, la incertidumbre de no saber bien qué nos quieren decir.

El silencio suele responder a las basuras mal preguntadas.

Arte Urbano en un parque de Barcelona


A veces es posible encontrar peces nadando entre el bosque urbano, lo podéis observar en la imagen de arriba tomada en Barcelona. Creemos que los peces solo son capaces de navegar bien entre las aguas húmedas pero a veces juegan a jodernos entre los aires secos y contaminados.

No hay que fiarse de las apariencias. El Arte está para jugar con nosotros. Para engañarnos incluso. Para hablar en sueño de sueño y demostrar que no hay nada imposible, si os lo queremos imaginar.

Caza con reclamo. Óleo de Goya para tapiz



Esta obra de un Francisco de Goya muy joven para recibir este tipo de encargos reales, está pintada al óleo sobre tela en el año 1775 con 29 años de edad, y fue uno de los primeros encargos que recibió Goya para realizar luego un tapiz en la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. 

Se cree que aunque pintado por Goya la idea original era de Francisco Bayeu, para realizar un trabajo destinado a El Escorial como lugar otoñal en donde descansaban los Reyes de aquellos años. Iba a decorar una sobrepuerta, la zona alta de la puerta, del comedor de los entonces Príncipes de Asturias, que luego se convirtió en el Rey Carlos IV

La anchura de este cuadro es de 112 centímetros y el título "Caza con reclamo" formando parte de una serie de ocho obras dedicadas a la caza y mostrando métodos de engaño para cazar pájaros pequeños.


No grites, tonta. Grabado de Goya, de la serie Caprichos



Volvamos a los Caprichos de Goya y a su análisis de los personajes. En este caso vamos una sección del rostro de los tres protagonistas del grabado "No grites, tonta" grabado en los años 1796 a 1799 pero impreso en diversas ocasiones incluso en el siglo XX. Una escena de fantasía

Francisco de Goya muestra a dos monjes que se aproximan a una joven con aire alegre y le piden que se calle para que no se provoque ningún escándalo. Los monjes o duendes parece que han entrado volando, pero hay un aspecto simbólico en el vuelo de estos religiosos. ¿Acaso Goya intentó decirnos que los monjes entraba con intenciones poco claras?

Para explicar su significado es preciso recordar el conocido refrán que dice "Comer, beber y andar por el aire: éstos son los mandamientos del fraile". En el contexto del proverbio "andar por el aire" éste se referirá al acto sexual, siendo este último mandamiento de los tres que el pueblo atribuirá a los monjes malos. 



29.4.23

Goya y su personaje de Buen viaje de los Caprichos


De los Caprichos de Goya, del grabado "Buen Viaje" he sacado el rostro de su personaje principal para mostrar la capacidad de Goya para retratar a modo casi de cómic en aquellos años, lo que representaban sus personajes esperpénticos con un ligero toque de humor.

28.4.23

La Barcelona debajo de tierra


Hay elementos basureros que pueden resultar atractivos - 2023 - Barcelona

Una flor que cala con sus insinuaciones


La naturaleza y sus caprichos, sus formas, sus insinuaciones, sus colores contrastados, sus suavidades. La Naturaleza con mayúsculas es Arte, y lo curioso es que además de ser Arte Natural sabe repetirse constantemente y no cansa observarlo. 



Un gato de Francisco de Goya



Francisco de Goya hizo centenares de dibujos y pinturas en donde podemos ver caras de lo más diverso, pero todas ellas con miradas penetrantes, curiosas, personales. Goya sabía darles vida a las caras, a los rostros, fueran humanos, monstruosos o de animales.

Este gato de Goya es del grabado "El Sueño de la Razón produce Monstruos" en donde no le podemos ver el rostro al protagonista pero en cambio nos dejó Goya este gato para disfrutar de su asombre, con unos ojos bien abiertos, dispuestos casi a salir del susto y atacar.

27.4.23

Colonias de flores para aparentar


Hay veces en las que las flores se llaman entre ellas, se agrupan, se juntas como amigas para atraer a más animalitos a sus cosquillas. Hay flores que forman colonias para sentirse más seguras. Y sobre todo para aparentar más.

26.4.23

Daniel Lind-Ramos, un artista simbólico


El artista puertorriqueño Daniel Lind-Ramos juega con los objetos y los monta hasta confeccionar memorias suyas, complementos a su memoria entre formas, objetos, colores, símbolos. Creo esculturas con estas obras que va formando con objetos que se encuentra y que de alguna manera le llaman la atención, le atrapan y él los atrapa.

Daniel Lind-Ramos refleja la vida cultural de su ciudad, Loíza, y nos va explicando su pasado y su futuro según su punto de vista, con símbolos que reflejan tormentas, religión, vientos con lluvia, mares de pesca, mitologías, tradiciones en ese mundo mitad africano, algo de hispano, otro poco de taíno.

En este 2023 expone en el MoMA PS1 de New York una parte de sus últimas obras. Es un artista que hace literatura con sus obras y esculturas, sus vídeos y sus explicaciones.

Tremenda casualidad esto de las burbujas


Somos aire, somos como el aire con un poco de polvo húmedo dentro de unas burbujas en un ambiente que desconocemos.

Y no sabemos cuantas burbujas más tenemos a nuestro alrededor. Es posible que en ese "infinito" entren miles y miles de burbujas.

Pero estamos coincidiendo tú y yo en la misma burbuja. Tremenda casualidad.

Un clavo que no debió servir para nada


Debe llevar mucho tiempo en su posición actual, incluso creo que siempre estuvo doblado sobre sí mismo. Los tiempos han ido pasando y se han llenado de color naranja. Hoy resulta como poco agradable. Y efectivamente, no cabe preguntarse para qué servía, para qué sirvió. No hay respuesta. Hoy es solo un objeto que contrasta.

25.4.23

Informalismo automático de Luis Gordillo


Este dibujo del artista sevillano Luis Gordillo es claramente un ejemplo de informalismo, unas técnicas de creación casi aleatorias, en donde el surrealismo se da la mano del automatismo, con diversas modalidades de construcción de figuras, de manchas, de espacios. 

En realidad el informalismo y sus variables es un modelo experimental de creación, no siempre bien aceptado, pero que busca crear belleza (o no) desde el interior del momento.

Generalmente es pintura y dibujo, pero puede ser también escultura, incluso literatura abstracta a base de poesías visuales, surrealistas, que busca el gesto, huye de la geometría aunque a veces el resultado salga geométrico, y juega con el color, la luz, las formas, la abstracción con ls materias, buscando un Art Brut, un Arte Bruto, sin escuela, pero que habla sobre el lienzo o el papel, a través de sus formas.

La obra que vemos arriba "Sin Título II/II" la realizó Luis Gordillo en el año 1960 con tinta diluida y utilizando como base el papel.

Sin pétalos, preparado para la vida


Unos pistilos naturales de una planta oscense - 2023 - Preparándose para ser adultos.





21.4.23

¿Quieres quedarte con TU historia o con MI historia?


Podríamos decir que esta imagen nos está mostrando una cosa clara, una pared y unas hierbas, un arbusto. Pero también podríamos ayudar a confundir y decir que todo lo que vemos es un arbusto que crece sobre la pared. Depende de a la distancia en la que nos coloquemos para ver todo.

Estamos muchas veces pensando —y nos ayudan a que lo creamos así— que como ahora lo estamos viendo todo, en unos tiempos en los que todo se muestra constantemente y de manera extensa y tremenda, lo estamos entendiendo todo.

Volvemos a resaltar que todo depende del punto de vista, de la distancia e incluso de las gafas que llevemos puestas de fábrica, de nacimiento. 

Si ayudamos al espectador a que se crea lo que yo como creador intento transmitir, sí, puedo incidir mintiéndole, a que se crea lo que yo quiero que se crea. 

Aquí, sobre una pared mal pintada, hay un arbusto que crece. Simplemente. 

Y si no lo ves claro, lo que hay que hacer es acercarnos a lo que deseamos saber, pero eso sí, solo si queremos realmente saber qué hay allí.

Si te conformas con saber lo que yo te cuento, quédate con que es un arbusto que está llenando todo un campo de flores. Al final es cuestión de saber si quieres quedarte con TU historia o con MI historia.

Nota.: La imagen es de Luis Iribarren.


A veces trocear lo entero, no lo destroza


Cualquier elemento, troceado, puede querer decirnos otra cosa, algo distinto. Y si nos lo habla, más todavía nos lo muestra, intentando enseñarnos a través de su propia libertad para trocearse, una nueva manera de ver y mirar.

Una simpleza, troceada, enmarcada, seleccionada para engañarnos, puede estar queriendo hablar por sí misma, desde otra óptica. Es otra manera de crear dudas, maneras de mirar, realidades que encajan o no en nuestra manera de querer entender.

18.4.23

Margarita Azurdia, una artista de Guatemala


De la artista Margarita Azurdia, una interpretación mía de una de sus obras, en homenaje a Guatemala. Una artista con varios nombres, Margot Fanjul, Margarita Rita Rica Dinamita, y Anastasia Margarita, feminista y defensora de su país y escultora, pintora, poeta, pensadora y artista de performance.

El 24 de noviembre de 2022 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presentó la exposición Margarita Azurdia. Margarita Rita Rica Dinamita, siendo, la primera muestra monográfica de Margarita Azurdia que era presentada en Europa y de la que formó parte esta pieza que arriba vemos una sección.





Unas flores coquetas blancas


Se abren para esconder sus interiores, para que no veamos sus suelos, sus tripas, sus ramas y hojas. Brillan y dan luz para deslumbrar. Son así de coquetas.

17.4.23

"El chico del Martillo" o el "Hammer Boy" de Banksy


Esta es una de las primeras imágenes que dejó el artista británico Banksy en New York, en concreto entre la calle 79 y Broadway en Manhattan en la pared de la tienda DSW, es una de las muchas piezas de arte callejero de Banksy que pintó durante octubre de 2013 durante su mes de Residencia Artística en NY.

De aquel mes de octubre de 2013 Banksy pintó una intervención de Art Street por día y en estos momentos una de las pocas que quedan es esta que vemos "El chico del Martillo" o el "Hammer Boy" se cree que pintada el día 20.

Una simple silueta en blanco y negro de un niño con un martillo como si estuviera jugando en una Feria de Atracciones para con su golpe alcanzar un nivel de puntos. Pero el niño quiere golpear sobre una boca de incendios y no sobre una campaña.

Al poco tiempo de ser pintado algunos artistas callejeros de New York intentaron destruirlo, pues entendían que en su ciudad solo podían pintar ellos, los nativos de NY. Hoy esta obra se conserva gracias a que los propietarios del local le han colocado una plancha transparente que le salva de pintadas que a veces se intentan ahcer sobre el dibujo original.

El Arte hecho en la calle como elemento efímero no debería ser de nadie, el Arte Callejero es todavía menos de nadie aunque tenga autor. Y si estorba, siempre es por algún motivo que lo revaloriza.

16.4.23

Estambres en una flor blanca, para llamar la atención


Tener en la puerta de tu casa media docena de estas flores es un lujo temporal que obliga a que todos los vecinos transeúntes que pasen delante de tu casa en Anzánigo (Huesca) se queden mirando, como poco, tu fachada. 

El polen que sueltan estas flores es de un amarillo tan vivo que al caer deja huella porque además de ser grueso, no se mantiene mucho en los estambres de la flor. 

A veces la naturaleza además de asombrar nos deja a los seres humanos inventores, a la altura de la nada.


Y tú… ¿por qué me miras así?


Vivimos rodeados de muchos elementos, de millones de personas, animales, plantas y circunstancias.  No estamos solos, aunque no siempre nos demos cuenta de eso. Vivimos con muchos “otros”. Y nos miran, nos quieren o nos odian, nos revisan y nos observan, les molestamos y nos queremos aprovechar de ellos. Es Ley no escrita.

Miramos para aprender. Miramos para observar y sabe defendernos. Miramos para saber si nos miran. Y sí, nos miran. Y nos miran por lo mismo que los miramos nosotros, para saber de qué palo va cada uno, para intuir, descifrar, imaginar, sospechar, interactuar de una manera o de la contraria. Somos vigilantes de lo que no creemos. Todos los demás, incluidas las piedras, los edificios, los gusanos o las moscas cuando nos rodean, nos envuelven. Y forma parte de nuestra vida, de nuestra piel externa, de nuestra mochila de vida.

Muchas de estas miradas se pierden, se escapan, no volvemos a cruzarnos con ellas. Pero han servido para construir segundos de vida. Enseguida nos escapamos para seguir buscando otras. Y nos queda el recuerdo de alguna mirada perdida, de distancias que deberíamos haber resuelto acercándolas, o de miradas con las que nunca nos deberíamos haber cruzado.

Mantener la mirada no siempre es sencillo, somos animales humanos y sabemos que con la mirada se conquistan reinos o se pierden batallas, se demuestra amor u odio, se transmite confianza o indiferencia.  Pero es la única manera de mostrar confianza en uno mismo. Si hay duda, por si acaso, mentar firme la mirada y confía más en ti que en el que te está mirando sin cantearse. Si agachas la cabeza es muy posible que sienta la batalla ganada y te ataque con fiereza.

El fotógrafo Ramón Masats y una duda


Hoy entrevistan en El País al fotógrafo catalán Ramón Masats, Premio Nacional de fotografía 2004, un artista de grandes obras generalmente en blanco y negro, con obra en el MoMA o en el Reina Sofía.

En un momento de la entrevista la preguntan:

P. ¿Qué le gustaría que, con el tiempo, pase con todo su archivo?

R. Lo tengo claro, por desear, que fuera al Museo Reina Sofía, aunque creo que no les interesa mucho la fotografía, quizás porque es un arte menor. Yo no rechazo que los fotógrafos puedan ser artistas, pero yo he sido más bien un artesano.


Es una duda alimentada sobre todo por los artistas pintores, que siempre han visto a la fotografía como un arte menor. Admiten con facilidad unos brochazos en un lienzo o unas manchas negras con arena sobre una tela, que no dudo tengan una mirada artística, pero no quieren admitir una fotografía que desea capatar un instante determinado desde una suma de conceptos amplia: encuadre, luz, volúmenes, espacios, vacíos, selección, etc.

La imagen fotográfica del fotógrafo Gorka Lejarcegi nos muestra al artista Ramón Masats en este marzo 2023.

15.4.23

¿Creemos en creer? ¿Sirve simplemente con creer?


No da la mano, es que intentaban reflejar que estaba descendiendo. Pero siempre hay muchas personas que tiene la necesidad de tocar a Cristo, de creer que una escultura puede hacer milagros, de que una pieza de bronce puede escuchar tus plegarias y entender tus necesidades. 

Necesitamos creer, aunque en el fondo sepamos que no sirve de mucho. Lo curioso es que creemos menos en nosotros mismos que lo que creemos en figuras metálicas.


De esas basuras que hay en la pared


Você de qué?

Voz sucia que casi no se escucha.

Voz gris sobre gris.

Tal vez… voz arrancada.



14.4.23

Siéntate, para sentirte envuelto


Es imposible no sentirte envuelto por las pieles que representan este despacho. 

Muebles antiguos, calma, una ventana, muchos libros, colores cálidos, luces matizadas y que envuelven el ambiente, posiblemente silencio y polvo, algún crujido de maderas secas, calidez y sensación de un ligero agobio. 

Todo este escenario de vida puede no gustarte, pero a otras personas les ha envuelto durante años para sentirse cómodos. 

Nadie somos igual a nadie.


13.4.23

Ventanas diferentes en Zaragoza


Ventana de la Iglesia de San Antonio de Zaragoza, un ejemplo de ventanas diferentes, seguras y que disimular su uso simplemente de respiraderos.

¿Qué es la Sintografía? Nuevo modelo fotográfico


Ya sabemos cómo quieren llamar al proceso de crear imágenes con Inteligencia Artificial, pero con órdenes humanas. Lo pretenden llamar sintografía, que es el proceso de generación de imágenes digitales utilizando programas de Inteligencia artificial generativa. 

Esta técnica, la sintografía, se distingue de otros métodos de creación y edición de gráficos en que la sintografía utiliza modelos de inteligencia artificial, con órdenes de texto a imagen para generar imágenes digitales. 

Por lo general, se logra proporcionando descripciones de texto lo más amplias y descriptivas posibles a un programa de inteligencia artificial generativa, que interpretará esta instrucciones de entrada para crear o editar una imagen deseada.

Pueden ser órdenes para crear ilustraciones, o para crear imágenes que parezcan reales, o manipulaciones de otras imágenes para simular escenas que nunca se han producido. El campo que se abre es amplio, en donde el engaño entra a saco, pero a su vez las opciones de crear imágenes casi imposibles o creaciones artísticas de la nada, con órdenes de texto bien dadas.

La imagen de arriba, de Inteligencia Artificial se construyó con una serie de órdenes que finalizaban con un: La última esperanza se desvanece en la nada.

La soledad de ser el último en caer


La soledad es algo tan simple como una sensación, pero en realidad no es nada más que eso. Nunca estamos solos del todo, siempre estamos al menos con nosotros mismos, que puede no ser nada o ser todo.

Esta hoja sabe que es la última que queda antes de caer. Nota su soledad, pero se sabe sujetar. Es la última superviviente del otoño.

Nota.: La imagen es de @MPA

Arte Urbano en New York. Brooklyn y aledaños


El arte callejero de Nueva York es un espectáculo que hay que ir a buscar, pero es sencillo encontrarlo en zonas muy conocidas como en barrio alternativo de Williamsburg y que por su transformación en un barrio de moda ha alcanzado a los barrios cercanos de Greenpoint y Bushwick.

Las obras, que van cambiando con los meses, pueden verse en las calles Jefferson y Troutman, entre las avenidas Cypress y Knickerbocker, así como en Gardner Avenue.

Otras obras de arte urbano se encuentran en los alrededores de la parada de metro de Morgan Avenue y, sobre todo, en las calles Siegel y Grattan. Casi todo el barrio de Brooklyn es un lugar excelente para perderse buscando ejemplos de Arte Urbano neoyorquino.

12.4.23

''El estudio del artista'' de Louis Daguerre


Cuando hablamos de la historia de la fotografía no está nada mal acudir a las primeras fuentes, ver las primeras imágenes e intentar entender un poco el tremendo esfuerzo que tenían que poner sus creadores, para dejar constancia de lo que hacían para seguir explorando unos procesos químicos que llevara a la fotografía actual.

Esta obra titulada ''El estudio del artista'' es un daguerrotipo del año 1837, producido por el inventor de este proceso fotográfico, el francés Louis Jacques Mandé Daguerre. Representa esa mirada curiosa de un inventor de métodos fotográficos que tenía un estudio que parecía el de una academia de dibujo, de arte.

Desde el principio la fotografía se ha ido moviendo en esos campos artísticos, científicos, innovadores, que lograba que se fuera avanzando poco a poco en un proceso tremendamente complicado y que hoy vemos como algo sencillísimo.

"La Nada" o "El Vacío" del artista MPA


En fotografía como en cualquier actividad creativa, de Arte Creativo, lo importante es tanto la forma como la expresión, saber qué se quiere decir, transmitir, contar. Un escritor no necesita más que su imaginación y su lápiz para escribir un relato.Puede hacerlo con un ordenador muy caro, pero a su vez también con un bolígrafo muy barato. Al lector le importa muy poco el cómo, y sí mucho el fondo, el qué.

En el Arte sucede lo mismo. Una obra te gusta o no te gusta por su estética, puede que por su mensaje o su forma de comunicar, por lo que quiere expresar. Y en eso estamos cuando de lleno entramos en los modos, en las técnicas, en las realidades o manipulaciones hasta obtener lo que se pretende.

Daría igual al espectador el camino que ha llevaba hasta el resultado final, pues lo que observa es solo eso, la finalidad, lo que el propio Artista ha dado como bueno, como válido, como finalizado. 

Esta imagen de arriba es de MPA, un artista aragonés que juega con las formas y las palabras, unidas pero no revueltas. Ha querido representar "La Nada" o "El Vacío" y sin duda también he representado la soledad, la dureza, incluso la tristeza, la noche, la oscuridad interior.

Bolitas nido que además decoran


Son pequeños elementos casi decorativos con una función también social para jardines particulares. Son bolitas nido, preparadas para que gorriones o pequeños pájaros puedan anidar si quieren en tu propio jardín. Pero a su vez pude resultar estéticamente bellos para fotografiarlos sin explicar qué son. 

Bolitas nido que pueden parece cualquier otra cosa, pero que en realidad tiene su utilidad. Me las encontré por Sevilla y a veces tengo dudas de si se han creado para pequeños pájaros o para insectos o incluso murciélagos.

Transición en España. Icónica fotografía histórica


Hay imágenes que hablar por sí solas, que representan mucho más que una simple imagen del momento, se convierten en icono de ese tiempo, de reflejo de lo que allí estaba sucediendo.

Esta imagen de la fotógrafa Marisa Flórez es un icono de lo que representó la Transición en la España de los años 70, del entendimiento, el respeto, la vuelta a la normalidad si no total, si al menos casi suficiente.

No se pudo entonces lograr más, pero ver bajar juntos por las escaleras del hemiciclo del Congreso de los Diputados a Rafael Alberti y a La Pasionaria, marcaba ese punto de aceptación por parte de todos de que habían llegado otros tiempos.

Esta fotografía fue tomada el primer día de las Cortes Democráticas, el 13 de julio de 1977 y en aquel espacio también había diputados de la derecha más extrema, de la Dictadura que se caía or la muerte del Dictador, y todo el mundo se intentaba respetar incluso desde el odio. 

Lo curioso es que ahora, en el año 2023, algunos siguen pensando que en aquellos años 70 se cedió en exceso, no se trabajó lo suficiente para la vuelta a un Sistema democrático total, pero son incapaces hoy de mantener el respeto y la negociación para salvar la convivencia que entonces existía.

Hay que recordar que la derecha más extrema y violenta, en aquellos meses y años, seguía matando a personas en la calle por ser de izquierdas, a jóvenes, abogados y a quien se les pusiera por delante gritando Democracia.

Líneas que chorrean para figurar


Hay líneas que salen de forma aleatoria y crean figuras y espacios. Pero no es lo mismo un churretón que un chorretón aunque nos lo parezca. 

En la imagen podemos ver unos churretones aleatorios, pero no es posible ver unos chorretones. 

Los chorretones tienen que salir de forma brusca, con fuerza, no se dejan arrastras por la gravedad. 

Un churretón en cambio suele ser una mancha gruesa, plana o con poco relieve que por productos grasos lentamente va cayendo intentando buscar el suelo. 

Es brutal la diferencia. 

Un chorretón es un brote, un churretón es la lentitud de una mancha que te jode el momento. 

¡Uff! que bien me he quedado.

11.4.23

Un gallo que casi hablaba y soñaba


Hay pequeñas obritas de arte que pueden enganchar, llamar la atención, decorar y hablar por sí mismas. Esta la encontré en Sevilla, sencilla parece una viñeta dibujada en papel pero está pintada en una pizarra. Blanco y rojo, cuatro lineas y unas manchas de color rojo. No es necesario nada más para ver al gallo incluso pensar, casi hablar.

Bicho de calle zaragozana que te puede asustar


Hay bichos por las calles, lo sabemos, los hay por los suelos, los hay que vuelan e incluso en primavera y en algunas ciudades como Zaragoza, que tenemos que soportar las palomar torcaces, hay bichos que se cagan y mucho desde arriba y sobre quien pillan. 

Pero también hay bichos en las paredes, bichos como pegados para observar, descansando, mirando y a veces con caras de pocos amigo. Art Steet de calle urbana que te puede asustar por las noches.

Primera Comunión de hace 90 años. Fotografía social


La fotografía de Primera Comunión ha sido desde siempre una constante en el mundo de los recuerdos familiares. Esta imagen es de 1933, una niña zaragozana posaba para su Primer Comunión en un estudio fotográfico de Zaragoza, creo que en la calle Don Jaime. 

Un pequeño escenario preparado para conservar un recuerdo que ha llegado a nuestros días, más incluso que ella misma que ahora cumpliría el siglo de vida.

En la fotografía la niña no sabe qué será de su vida, algunos de nosotros sí, pero por pocos años más. Algunos de vosotros si esto sigue existiendo podréis seguir viendo estas fotografías muchos años más. 

Tampoco el fotógrafo esta ya entre nosotros. Ni su Estudio creo que se mantiene abierto. Todo evoluciona pero las fotografías pueden mantenerse si las hemos hecho bien, y de momento sabemos que si son en papel, pues sobre las digitales tenemos dudas.

La fotografía pues sobrevive al momento de la toma, durante muchos años, décadas, más de uno o dos siglos. Eso es fabuloso pues nos muestra el pasado, tiempos ya imposibles, instantáneas que ya no existen. Incuso sin tener en cuenta a las personas, triste palabra, podemos observar momentos, vestuarios, escenas, complementos, paisajes, calles, muebles, partes de las sociedades.

Debemos conservar las fotografías antiguas pues son ya patrimonio, y lo serán más según vayan transcurriendo los años.

Una piel zaragozana muy sencilla de adivinar


Abro un nuevo capítulo en esta ventana dedicado a las Pieles, a los envoltorios de calle, a lo que realmente nos envuelve en nuestros caminos, en nuestra vida. No solo tenemos nuestra propia piel, está la de todos los demás, y también la que encierra los paisajes, los edificios, la que forma parte de nuestra ciudad, de las miradas más habituales.

Nadie se queda mirando su propia piel, y eso sucede a veces con la piel que tenemos muy a manos en nuestros paseos, en nuestras calles y plazas. A ellas les dedicaré de vez en cundo algunos brochazos fotográficos.

Esta piel con la que abro la serie es clásica, es fácil de adivinar por su diseño en triángulos. Está en Zaragoza y es curioso que esos triángulos estén colocados casi de forma aleatoria. No guardan un patrón claro, fácil. Incluso algunos están ya con los años doblados, heridos, y todos sucios de polvo y años.

Flor abierta para provocar. ¿Provocar? ¿El qué?


Flor abierta para provocar. ¿Provocar? ¿El qué? - 2023 - Zaragoza 




Postales en blanco y negro de las primeras décadas del siglo XX


En las primeras décadas del siglo XX era más barato hacer impresiones o copia fotográficos de montajes para venderlas como postales, que hacer impresiones en una imprenta, y las empresas de postales utilizaban la fotografía como método para sacar copias a la venta. 

Por cierto en Zaragoza había varias de estas empresas de fabricación de postales y muy buenas, que daban servicio a media España. Postales Sicilia, Postales Arribas, etc. como ejemplos rápidos.

Sobra papel fotográfico ya troquelado e impreso en su parte posterior con el diseño de una postal, impresionaban por contacto las postales, que revelaban y fijaban como una fotografía. Se utilizaban negativos bien en cristal o en film, de tamaño 9x13 ó 10x15 y con unas prensas pequeñitas se impresionaba a la luz el conjunto de negativo y positivo, sin ampliadora ni óptica, por contacto.

En aquellas décadas hacer impresiones a color era o carísimo para tiradas cortas como las postales, o bien eran de mala calidad. Si se utilizaba el offset para imprimir unas postales pequeñas se necesitaban muchas postales en una plancha para que resultara algo rentable. Y si se utilizaba tipografía la calidad era mucho más baja que por métodos fotográficos. 

La postal fotográfica era en blanco y negro, siempre, pero como se utilizaba un papel ligeramente virado daba una dulzura que no se conseguía con un impreso en cartulina. Y en los últimos años de su uso, antes de empezar a imprimir sus edificios, algunas de aquellas postales en blanco y negro se coloreaban a mano por especialistas. Un trabajo rápido que daba color a cielos, manchas verdes de árboles y parques, edificios, etc.

El ejemplo de postal amorosa que vemos arriba es del año 1935.

10.4.23

José Jiménez, un fotógrafo que supo captar la Semana Santa 2023


La fotografía que se ha hecho viral en esta Semana Santa 2023 se ha realizado en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) por el artista fotógrafo José Jiménez y tiene como protagonista a una hermana de la hermandad del Cautivo de Sanlúcar, y a su bebé.

Ella, aún con el hábito, con su túnica y su antifaz puesto, amamanta a su hijo en una tierna y natural imagen que ha causado numerosas reacciones por cuanto significa. Era una hora para descansar, media noche avanzada, y el fervor no evita que haya que seguir actuando como humanos, tanto el niño como la madre. Incluso como el fotógrafo que supo captar la imagen tan multiplicada.

La imagen tras la estación de penitencia del Cautivo de Sanlúcar de Barrameda, pone el foco en la mujer en la Semana Santa de toda España. El autor llevaba años estudiando la posible fotografía. Se trata de una imagen estudiada —aunque el momento de dar el pecho es real—, lo que no resta fuerza a la fotografía, según ha comentado el propio artista.

La fotografía refleja muy bien la sensación de vida, de trono, de calma y necesidad humana, de una vitalidad que el propio fotógrafo José Jiménez ha sabido captar perfectamente, al que agradecemos la instantánea.

La artista Yelena Ósipova a favor de la paz entre Rusia y Ucrania


Esta obra es una pintura en tela y sin casi recursos de la artista rusa Yelena (Elena) Ósipova que con 77 años de edad está siendo censurada, sus obras quemadas y su pensión rebajada a la mitad hasta los equivalentes a 70 euros el mes, por pedir la Paz entre Rusia y Ucrania, por criticar a Putin desde hace ya casi dos décadas pero siempre con métodos pacíficos.

En esta obra que vemos arriba pide eso, que pare la guerra, que dejemos de matarnos.

No se la deja exponer sus obras, no tiene recursos para comprar pinturas o lienzos, sus cuadros son confiscados por representar ataques al régimen ruso. O es literalmente insultada en la calle por defensores dela política de Putin, sin atender a su avanzada edad.

Hace tan solo una semana, el 2 de marzo, la activista se echó a las calles junto a cientos de rusos que denunciaban la invasión y la guerra en Ucrania, razón por la que acabó siendo arrestada por los agentes de policía rusos, que han ejercido una fuerte represión sobre los manifestantes desde el inicio de las protestas contra el conflicto en su ciudad San Petersburgo.

Desde hace años, la activista, también artista, se ha hecho viral en diferentes campañas mostrando un fuerte rechazo al belicismo y ahondado en el carácter pacífico de los habitantes de Rusia, país al que siempre ha calificado como "un pájaro", y no "un oso" en sus distintas obras artísticas.



Fotografía post mortem, parte de la historia de la fotografía


En las primeras décadas del siglo XX la fotografía entró en los hogares, en la sociedad de Clase Media de forma apabullante. De esas décadas son las fotografías de familiares fallecidos, fotografía post mortem, que se encargaban a fotógrafos especializados, se coloreaban a mano y se enmarcaban para dejar constancia en los salones comedores de la persona que ya no estaba con la familia, pero con una última imagen en la cama o en el ataúd. 

Suena a barbaridad, pero además de ser cierto, era un pequeño negocio para algunas empresas de fotografía y enmarcado. A las personas fallecidas se las maquillaba para simular que estaban vivas, incluso a veces se las sentaba en diversos muebles, rodeados de sus familiares, y se las sujetaba en equilibrio con artilugios diversos para que no se vieran en la fotografía. A veces resultaba complicado darse cuenta de que la persona estaba realmente muerta. 

Estas modas fueron decayendo y en los últimos años ya no aparecían ni rodeados de su familia en una escena teatral, ni maquillados para simular que estaban vivos, sino ya reposando dentro del ataúd.

Hay que entender dos conceptos que hoy ya no existen. Por una parte en aquellos años había miles de personas que nunca habían sido fotografiadas y que en el momento del fallecimiento era cuando la familia se daba cuenta de que no tenían un recuerdo de ellos, una instantánea de su familiar para recordarlo. 

Y por otra parte en aquellos años era muy alta la tasa de mortalidad de niños y jóvenes por diversas enfermedades, lo que acrecentaba esa necesidad si no se disponía en la familia de ninguna fotografía de la joven persona fallecida.

Esta práctica se utilizaba más en las localidades pequeñas, y lo habitual incluso hasta medio siglo XX era llevar estas fotografías de tamaño 24x30 o incluso 30x40 a un profesional que las coloreaba con anilinas y las enmarcaba con repujados marcos. 

Robert Cornelius y el primer selfie de la historia


El fotógrafo norteamericano Robert Cornelius es reconocido como un pionero en los inicios de la fotografía antes de la mitad del siglo XIX, y el autor del primer autorretrato que se conserva, de la utilización de luz en estudio para conseguir mejores resultados, sobre todo en sus retratos para la sociedad pudiente de Filadelfia. 

Esta imagen de su retrato la realizó a finales del año 1839, entre octubre y noviembre, con luz natural de la calle y se calcula que tuvo que estar posando unos cinco minutos totalmente quieto para que la fotografía no saliera movida, dada la técnica y materiales de la época, que necesitaban poses muy largas por la sensibilidad de los materiales.

Sus conocimientos en química y óptica le sirvieron para intentar dominar el nuevo arte de la fotografía, y sobre todo para mejorar los procesos del daguerrotipo. 

Abrió diversas tiendas pioneras de fotografía en los EEUU para retratar a familias en sus estudios Cornelius, Son & Co. entre 1839 y 1843, pero con la popularidad de la fotografía comercial dejó su oficio de fotógrafo para dedicarse a negocios familiares de energía y gas. 

Kinmen (Taiwan) enfrente de Xiamen (China)


Sabemos todos que los problemas entre China y Taiwan llevan camino de acrecentarse y de provocar un conflicto internacional grave. Esta imagen del fotógrafo Chris McGrath para Getty Images está tomada desde la ciudad de Kinmen que es la República de China más conocida como Taiwan. 

Enfrente a unos cinco kilómetros podemos ver la ciudad de Xiamen, que pertenece a la República Popular China (China para los conocidos)

Y en la imagen vemos a una persona taiwanesa que recoge ostras de las arenas de las playas que separan ambos países en conflicto. La ciudad china de Xiamen en su área metropolitana tiene unos seis millones de habitantes. 

La ciudad de Kinmen de Taiwan es muy pequeña y no llega a los 10.000 habitantes y todo ese archipiélago enfrente a China y a muy poca distancia no llega a los 150.000 habitantes. 


Una pequeña mancha de verde primavera


Un pequeño golpe de color, una naturaleza joven que se intenta ir abriendo paso sobre los restos de otra naturaleza ya mucho más anciana. 

Es como una vida nueva sobre la raíces de una vida asentada y casi anciana. 

Es el color que da luz, que da contraste. 

Una pequeña mancha de verde primavera.


Un sol muy natural de jardín


Un foco de color, casi de calor, un foco de luz amarilla para decorar un jardín, simplemente una flor. 

Un sol muy natural.



Zaragoza y su banco de colores: Te quiero


Pequeños detalles en el mobiliario urbano pueden convertir en más amable una ciudad, un paseo, un parque. 

Este banco está en Zaragoza, un pequeño ejemplo de arte urbano que ya no utiliza solo los muros de las ciudades sino también el mobiliario urbano, quiero imaginar que con permiso municipal. 

Un banco "del amor" con decenas de "Te quiero" en diversos idiomas, para poner color en el urbanismo.