31.7.21

¿En el Arte se puede hablar con / desde la suciedad?


La suciedad es una manera de catalogar lo habitual. En Arte se juega muchas veces con la suciedad para reforzar mensajes o para acercarnos a lo que muchas personas no quieren ver. El artista bien dentro del movimiento de Arte Poveda o del Arte Brut (por poner dos tipos de Escuelas artísticas pero hay más que tocan la suciedad) intenta jugar con los materiales habituales, y se muestran reconstruidos o deformados o seleccionados desde esas ópticas que no siempre queremos ver. 

El Arte de la Suciedad, el Arte de los Desechos forma parte de nosotros mismos. Es la utilización de lo que ya existe y tras "cogerlo" y atraparlo, mostrarlo encuadrado, embellecido un poco a través del espacio expositivo. Se trata de lo mostrar lo asqueroso de la vida habitual, de la que pisamos, conocemos, creamos.

No toda la suciedad es realmente suciedad, no toda es desechable. Depende de los modos y los tiempos. Pero en realidad lo que es basura es porque en ese momento de calificarlo basura, es simplemente basura. Aunque no todo es basura en los mismos sitios a la vez.

Yo recuerdo que en mi primera visita a New York observé detalles de suciedad que en mi ciudad, Zaragoza, no se consentirían. Los vecinos armarían tales quejas que sería imposible que existieran. Hablo de suciedades tremendas en barandillas de la calle, del Metro, que llevaban años sin limpiar o que se limpiaban con el paso de las manos de los viandantes. Los habitantes de New York no la ven así, incluso no la ven pues forma parte de lo habitual.

Un sofá destruido y roto, abandonado en la calle es basura sin ninguna duda. Seis sofás idénticos, todos desvencijados, puestos uno detrás de otro en una exposición museística, puede parecernos otra cosa. Son ya objetos que configuran un nuevo espacio, una nueva mirada, incluso una forma de expresión distinta pues es posible que ya se quiera decir algo con ellos.


29.7.21

Rafael Zabaleta y un "Campesino andaluz"



Del artista andaluz Rafael Zabaleta podemos ver una obra titulada "Campesino andaluz" del año 1951, una obra mezcla de expresionismo duro y los inicios de un postcubismo en donde podemos observar algunas influencias de Picasso con el que tuvo relación en París en los años posteriores a la Guerra Civil en España. Rafael Zabaleta estuvo encarcelado y pasó por un campo de concentración de la provincia de Jaén, por haber hecho unos dibujos de la Guerra en Andalucía.




Un Ecce Homo de Caravaggio?


Un cuadro del que se supone que fue pintado por Caravaggio y titulado "Ecce Homo" lleva unas semanas generando dudas, estudios, polémicas por muy diversos motivos, por ser una obra no claramente atribuida a Caravaggio en una fecha en principio de la primera década del siglo XVII. Lo curioso es que esta obra en principio atribuida a la Escuela de Ribera salía en Madrid a la venta en 1.500 euros hasta que un anticuario italiano sospechó que ni el precio correspondía con la realidad ni aquel era una obra de la Escuela de Ribera, sino que cabía la posibilidad de que fuera un Caravaggio.

La noticia llegó al director del Museo del Prado que llamó al Ministerio de Cultura para que declarasen inmediatamente el cuadro inexportable, con lo cual se paralizaba la venta al mercado internacional y devaluaba el cuadro a un tercio de su valor real.

Hoy este cuadro está retirado de la venta por su dueño, se está estudiando su autoría y la mala conservación con excesiva suciedad y malos barnices hace que la obra no está a la vista como estará cuando finalmente se restaure si definitivamente es un Caravaggio. Pero de momento y con métodos informáticos, he logrado reconstruir lo que podría ser digitalmente una obra única y que no debería salir de España. Iremos viendo en qué se van convirtiendo sus historias.

28.7.21

La sonrisa de las alas llameantes. Joan Miró


Del año 1953 es esta obra de Joan Miró titulada "La sonrisa de las alas llameantes" de sus series realizadas en tela de arpillera, hoy propiedad del Museo de Arte Reina Sofía en Madrid




El zaragozano Ramón Bayeu y Subías y su obra "La Cocina"


El artista Ramón Bayeu y Subías es el menos conocidos de los tres hermanos Bayeu, junto a Francisco Bayeu y Manuel Bayeu. Tal vez por dedicarse más a la pintura de cartones para tapices y grabados que a la pintura, lo que en años posteriores fue menos valorado, o por ser el menos de los tres hermanos y crecer artísticamente a su sombra.

En Zaragoza, en el año 1780 aceptó el encargo de pintar las tres bóvedas de la catedral del Pilar, para las que interpretará los temas Regina Virginum, Regina Patriarcharum y Regina ­Confesorum. Cuatro años antes le habían denegado ser Pintor del Rey. Ramón Bayeu es considerado el mejor cartonista de su tiempo, después de su propio cuñado Francisco de Goya.

En la imagen podemos ver una obra al óleo titulada "La cocina" del año 1780, cuadro que sirvió como modelo o «cartón» para el tapiz que se encuentra en Patrimonio Nacional, Palacio de la Granja de San Ildefonso.

Roturas canfraneras del tiempo oxidado por viejo


En cuando nos sale una herida purulenta ya no hay modo de curarla bien, saca su deseo a pudrirse y lo consigue a costa de sacar todo lo malo que le queda dentro. Las tiritas ya no sirven para nada, si acaso para estorbar.

El peso del tiempo se mide en desechos - The weight of time is measured in waste


Hay desechos planos al sol como cualquier esqueleto que se queda tendido en espera de ir desapareciendo poco a poco. El tiempo es brutalmente atroz. No podemos defendernos del tiempo que cae encima de nosotros, si acaso soportarlo y hacer como que no pesa mucho.

-------
There is flat debris in the sun like any skeleton that is left lying waiting to disappear little by little. The weather is brutally atrocious. We cannot defend ourselves from the weather that falls on us, if at all, bear it and pretend that it does not weigh much.

27.7.21

Siempre hay motivo para la esperanza. Excepto para el muerto


El vacío no se conserva, si acaso se transforma. Según se va muriendo algo, según se va perdiendo, otro elemento ocupa su espacio. No se queda vacío, enseguida el esqueleto es tapado por nuevas vidas. Así que siempre hay motivo para la esperanza. Excepto para el muerto, claro.

Joan Miró y sus poemas en Madrid, verano 2021


Madrid nos presenta  de la mano de Fundación Mapfre y Fundación Joan Miró una exposición que han titulado "Miró Poema" cuya muestra se cierra con "Poème III", una fantástica y deliciosa obra que supone un broche de oro a una exposición que demuestra argumental y plásticamente que Miró PINTÓ POESÍA a lo largo de su trayectoria artística, haciendo convivir la literatura y la pintura.

Este verano 2021 tenemos la oportunidad de contemplar lo cercanas que están ambas disciplinas artísticas, la poesía y literatura de la pintura, y tal vez de esta forma entender un poco más la obra de Joan Miró llena de trazos que son letras nuevas creadas por el artista para hablarnos de sus ideas y pensamientos con formas y colores.

El fotógrafo Arnold Eagle y su New York pobre


El fotógrafo de EEUU Arnold Eagle es conocido por sus fotografías documentales socialmente preocupadas de las décadas de 1930 y 1940 en New York fotografiando las calles y las personas que representaban ese 33% que decía Roosevelt de gente mal vestida, mal alojada y mal alimentada.

Profesor de fotografía y cinematografía durante treinta años nació en Hungría de donde tuvo que emigrar con toda su familia a los EEUU a la edad de 20 años. Se dedicó a preservar aspectos de la cultura urbana que estaban en peligro de desaparición, y en este sentido, su trabajo es invaluable para nuestra comprensión histórica de Nueva York en las décadas de 1930 y 1940.

26.7.21

Eduardo y Chilllida y un consejo para artistas

 

"El artista tiene que enfrentarse a lo desconocido con un talante positivo y meterle el diente sin miedo" Eduardo Chillida





George Grosz y su "El Agitador" del año 1928


Del artista alemán George Grosz (Georg Ehrenfried Groß) os dejo una obra titulada: Der Agitator o El Agitador realizada en el año 1928. en óleo sobre tela de un poco más de un metro de altura y que pertenece al Stedelijk Museum Amsterdam que es el museo más importante de arte moderno y contemporáneo y de diseño de los Países Bajos.

¿Es aquí donde se esconden los fugitivos? Pues yo creo que no


A veces los montajes artísticos necesitan una explicación que va más allá de un texto complejo de sumar al montaje. Veamos este montaje y su texto para ver si logramos entender algo.

"A la pregunta, ¿es aquí dónde se esconden los fugitivos? La monja, apostada ante su convento, respondió persistentemente "No", moviendo la cabeza de derecha a izquierda después de cada picoteo profundo de la criatura alada."

Ahora vas… y me lo explicas, anda. Sí, es Arte Poveda.

¿Contrastamos colores y los enmarcamos?


Y si enmarcamos una mancha, unas formas indeterminadas, unos brochazos? Tal vez observar bien seleccionada una mancha, unas formas abstractas, sea incluso interesante. Todo depende de la selección del encuadre, de las formas y el contraste de colores.

25.7.21

Espacio para comunicar a nivel de reflexión libre


¿Y si utilizamos esta espacio como base para una función comunicativa a nivel de…?.:

Reflexión

Encuentro

Relación

Actividad

Libertad de Expresión

Discusión

¿…tratando que desaparezcan las connotaciones artísticas aportadas por el mismo lugar y por la motivaciones perceptivas que suele aportar cada artista en sus obras?

¿Y si no hacemos ni puto caso al cartel y seguimos caminando como nos venga en gana y riéndonos de medio mundo, aceptando que del otro medio mundo no nos podemos reír pues son mas fuertes que nosotros y nos pueden dar cuatro hostias?

El artista Manuel Rivera y una "Estructura espacial"


Del granadino Manuel Rivera os dejo una "Estructura espacial" del año 1958, creada con tela metálica modificada y sujeta con alambre a un bastidor de madera, conformando un juego de luces, sombras y estructuras que según la iluminación y la posición del espectador se ve de una manera o de otra.

24.7.21

Si enmarcamos algo feo dentro de algo bello seguirá feo


Tal vez, pero solo tal vez, si enmarcamos algo feo dentro de algo bello logramos algo feo otra vez. Depende de lo feo que sea lo primero lograremos que se mantenga feo todo el conjunto. hay que tener mla gusto y mantenerlo.

Una mancha que se cayó mientras intentaba NO pintar


Una mancha que se cayó mientras intentaba NO pintar. A veces incluso la propia pintura quiere escaparse para tener la sensación de que sirve para algo. Y nuestra obligación es dejarla ir, pues por algo sentirá esa necesidad.

22.7.21

Un cuadro visto en el Rastro de Madrid


Muchas veces el Arte tiene un papel puramente decorativo, inspirados, tranquilizador incluso. El Arte se abre a muchas contemplaciones y puede entrarte por la vista y entablar con la obra una relación duradera. Y podría ser el ejemplo de este cuadro que ya colgará en alguna sala de alguna vivienda de Madrid o de algún turista que estuvo por Madrid hace siete años. 

No es posible tener un Goya colgado en tu salón, e igual que un libro se compra y se lee y tras ese ejercicio de entrega hacia sus páginas se deja en una librería, con un cuadro puede suceder lo mismo. Nos gusta hasta que ya no nos gusta. Y se crea para eso, para entretener, divertir, decorar, motivas, gustar.

Este cuadro de tamaño mediano lo encontré en el Rastro de Madrid y me gustó. No lo compré por varios motivos, incluido el precio. Pero es una obra que se merece una buena mirada, una atención aunque se haya hecho de forma rápida. Eso no tiene nada que ver. Así que en su honor, le damos un poco de vida, sin saber en qué lugar está ahora colgado o conservado.

Pierce Brosnan empezó a pintar cuadros como terapia


El conocido actor Pierce Brosnan además de trabajar en el arte cinematográfico con gran dedicación se ha dedicado en los últimos años a pintar cuadros, a utilizar la pintura como terapia, tras la muerte de su primera esposa. Lleva desde 1987 pintando obras siempre muy coloristas y vivas, desde la pérdida de su esposa, como una terapia creativa para superar el duelo y la tristeza. Cuando a su esposa le diagnosticaron cáncer el mundo se les hundió y tuvieron que hacer frente a una nueva forma de ver la vida que se les ofrecía por delante, hasta que en 1991 falleció la esposa, Cassandra Harris.

Pierce Brosnan llegó a decir en un momento de su vida que el dolor personal se manifiesta a veces a base de color, de construir color. Pierce Brosnan encontró en su actividad artística una forma de ayudar a transitar el dolor personal, a superarlo y a convivir con el Arte visual y lo que comenzó casi como un pasatiempo terapéutico fue adquiriendo cada vez más importancia, hasta armar su propia exposición en las próximas semanas para poder disfrutar más personas de su experiencia como creador de Arte pictórico.

La fotografía de una Obra de Arte… ¿es otra obra de Arte derivada de la primera?


Hay una duda en el mundo artístico de la fotografía sobre de quien es la autoría de la fotografía de una obra de arte. Parecería una respuesta sencilla. Pero para mí no lo es, y espero explicarme solo un poco. O poneros en duda sobre los derechos de imagen y las autorías no tan claras. Una obra de Arte es algo insustituible, sea un cuadro, una escultura, una obra de teatro o un libro. Se puede copiar y eso es un delito o una falta, depende del grado de copia que se haga. Pero fotografiar esa obra de Arte… ¿es copiarla?

En realidad copiar es crear un elemento ya construido con anterioridad y mantener (más o menos) el tamaño, los materiales, los elementos y el uso que tenía el original.

Pero una fotografía de un cuadro nunca deja de ser una fotografía, nunca se puede convertir en un cuadro y a lo máximo que puede aspirar es a ser un impreso. 

Si acaso pongamos pues límites al uso, a los beneficios que la transformación de una obra de Arte original produce en personas que la cambian de formato y no son sus creadores primitivos.

Pero eso en el caso más sencillo, la reproducción de un cuadro plano.

¿Y si es una fotografía de una escultura, de una performance? Aquí ya no existe un obra copiada si se fotografía, pues la imagen obtenida no tiene nada que ver con el original. Hay miles de punto de vista, y el artista fotógrafo ha elegido uno, según se ha movido, su altura, el tipo de cámara que utiliza, el objetivo, etc. Y luego además la retoca para darle más o menos luz, o la convierte en blanco y negro o le da más o menos color. Si una obra de teatro se graba en vídeo sí se puede entender que es una copia, pero y una simple fotografía? Claro que entonces se puede decir que no se está fotografiando a los actores, un instante determinado de la obra… sino los vestuarios, la decoración, etc.

En teoría sería fácil comprender que esa imagen hecha a una obra de Arte de un Artista es del nuevo artista que la crea a través de la fotografía.

Pero luego vienen los juzgados y los derechos de imagen. Hemos llegado a prohibir la fotografía para uso NO personal de monumentos públicos, en un ejercicio brutal de idiotez admitida.

El gobierno paga o da permiso para que se instale un Torre Eiffel en las calles de una gran ciudad, la podemos ver, nos la podemos llevar con los ojos, pero si la fotografiamos sin nuestro hijo o nuestro esposo haciendo el tonto no se puede publicar en un blog personal. Si en cambio aparece nuestro perro de la mano de nuestro hijo ya sí, pues lo principal es el momento, no el lugar, no el espacio público.

La imagen que os dejo arriba es de un montaje de la artista chilena Magdalena Atria que realizó en Madrid en el año 2013. El montaje se llamaba Cenotes (Abismos) y utilizaba las columnas del propio local en donde se instaló para crear unas sensaciones hermosas y muy originales con telas distribuidas sobre las bases de estas columnas. Según ibas avanzando por el recorrido de la instalación y te volvías o te girabas, observabas decenas y decenas de paisajes diferentes, de obras de arte distintas. Esta imagen recoge solo una de las miles de opciones de ver esta instalación de Magdalena Atria, que nunca se podrá repetir de igual manera. 

¿Tiene derecho el fotógrafo a considerar que su imagen es una fotografía que le pertenece?

Angela Hao y sus ilustraciones digitales japonesas


La artista americana Angela Hao ha creado unas ilustraciones coloristas y muy amables de pequeñas tiendas y escaparates japoneses, dibujados digitalmente. Lo curioso es que no se ha desplazado a Japón sino que ha utilizado Google Street View para observar estas tiendas, para luego con su iPad va creando los dibujos digitalmente

Observa las fachadas o las puertas de entrada a las tiendas de Japón y luego ella las recrea añadiendo elementos que según el tipo de comercio le parecen resultar más reales. La realidad la utiliza como boceto para crear otras realidades arquitectónicas y de diseño que son paralelas a lo real.

Nada es real en estas ilustraciones de Angela Hao, pero todo parte de la realidad que ella transforma para hacerla más hermosa, más a su gusto personal.



Massimo y Andrea se quisieron. ¿Se seguirán queriendo hoy?


Nadie nos puede decir qué habrá sido de Massimo y Andrea, no sabemos si siguen juntos, si aquel amor llegó a buen término, si ya ninguno de los dos se acuerda del otro o si tienen familia numerosa y un futuro lleno de amor y de gozos. Hace 8 años desde que colocaron ese candado cerrado y sujeto en Madrid para dejar constancia de una tarde tonta. O de un inicio prometedor. Pero nos quedamos sin saber el final. O sin saber el principio que acompañó ese detalle pequeño. 

Como esta Andrea y este Massimo hay muchos repartidos por todo el mundo que van dejando muestras de su fortaleza. Luego la verdad es que dura más el candado que su entrega, pues se nos olvida pensar que los matrimonio del tipo que sean, son siempre entrega y eso no es nada fácil mantenerlo durante muchos años. Pero esa es otra historia que no sabemos como la habrán resuelto Andrea y Massimo.

21.7.21

La escultora polaca Alina Szapocznikow y su "Pedro"


La escultora polaca Alina Szapocznikow es un ejemplo del surrealismo fuera de la pintura, tocando en este caso la escultura que no siempre es puramente surrealista o no solo es surrealista, acercándose al Nuevo Realismo. Esta obra del año 1972 la tituló "Piotr - Pedro" fue uno de sus últimos trabajo pues falleció en marzo de 1972. Es una obra en donde con resinas intenta hablarnos de la importancia o no del cuerpo humano, una vez que ya sabemos que se va a escapar hacia la muerte, que va a desaparecer.

A los 16 años de edad fue deportada a Auschwitz en compañía de su madre, de donde logran salir con vida. Con 42 años le diagnosticaron cáncer y lo que no lograron los nazis lo consiguió la enfermedad.

Alina Szapocznikow era también una escultora reconocida por haber trabajado con diversos materiales, desde el poliéster y el poliuretano, hasta el bronce y la piedra, sobre todo para mostrarnos con sus obras la debilidad de la carne humana y sus gestos de normalidad a veces dura.

Todo en el Arte está vacío hasta que llega el Artista. Alicia Herrera y su obra "Guía de Viajes"


Esta obra es de la artista Alicia Herrera hecha con rotulador en el año 2012 y que ha titulado "Guía de Viajes". ¿Qué vemos aquí? Alicia Herrera forma parte de de las artistas pertenecientes a DEBAJO DEL SOMBRERO. Una plataforma de creación, investigación, producción, y difusión de arte para personas con discapacidad intelectual

Sus dibujos ofrecen una imagen multiplicada fruto de un juego de espejos mental. Un trabajo gestual y lleno de movimiento donde el espacio y el tiempo desaparecen. Multiplica ideas, y en ese trabajo de hacer crecer sobre sí mismas sus propias ideas y proyectos sobre el papel va formando construcciones que son otra forma más dentro de cada obra.

Pero no me quería referir a eso. No. Quería que se viera que crear Arte, pintar o dibujar NO ES DIFÍCIL, lo complicado, lo tremendamente complejo es tener las ideas, saber qué quieres plasmar en una hoja o lienzo o barro que esta ese momento está vacío.

Todo en el Arte está vacío hasta que llega el Artista. 

Sea un teatro, la página de una novela, una danza clásica o moderna, una composición musical. Antes de realizar la obra lo que hay es "un vacío". 

Lo complicado no es llenar ese vacío, sino saber con qué lo queremos llenar, para que podamos decir lo que queremos decir. Para que tenga un principio y un final, para que todas sus partes se sujeten entre sí. 

¿Qué pinta Picasso en el Museo del Prado, en pleno siglo XXI? ¿Es una buena decisión?


La duda abierta con la incorporación de una obra de Picasso al Museo del Prado tiene su punto y sin duda va a producir una cambio notable en el medio plazo, tanto en el Museo del Prado como en el Museo Reina Sofía. Es inevitable.

El Museo del Prado ha aceptado —a través de la fundación American Friends of the Prado Museum— el depósito durante cinco años y después se convertirá en una Donación previsiblemente permanente, de esta obra de Pablo Picasso titulada "Buste de Femme 43", obra pintada en el año 1943 y perteneciente a la familia Arango Montull, que ahora colgará en la sala de retratos del Greco.

No es la primera vez que obras de Picasso cuelgan en el Prado, pues en algunas exposiciones temporales ya lo había hecho, pero nunca en lo que denominaríamos Colección Permanente. Hay que recordar que Pablo Picasso fue director del Museo del Prado en los tiempos de la II República Española, no es pues un artista ajeno a este maravilloso Museo.

Pero un real decreto del año 1995 establecía que el nacimiento de Pablo Picasso en el año 1881 delimitaba el final del arte clásico y el inicio del arte contemporáneo al menos en España, actuando así como frontera entre las colecciones del Museo Reina Sofía y las del Museo del Prado.

¿Y a partir de ahora? ¿Veremos en el Reina Sofía ejercicios de comparación entre obras clásicas y trabajo contemporáneo? ¿Aumentará el tipo de obras que se pueden ver en el Museo del Prado, sin atender a una fecha muy cerrada? ¿Encajaría bien algunas obras de Francisco de Goya en el Reina Sofía? Yo creo que las Pinturas Negras por poner un ejemplo son un modelo maravilloso de obra para el Reina Sofía. Todo lo iremos viendo poco a poco.

20.7.21

¿Quién dijo que un cementerio solo sirve para enterrar a los muertos?


Esto es un cementerio, pues los ingleses en sus ciudades hacían los cementerios donde les venía en gana, muchas veces alrededor de sus iglesias en el centro de sus ciudades. Hoy son plazas públicas, cementerios con sus lápidas y sus cadáveres enterrados entre los bancos en donde van los vecinos a leer libros o a escuchar el silencio. Son siempre, eso sí, lugares muy limpios, con mucha calma y rodeados de edificios y de árboles. ¿Quién dijo que un cementerio solo sirve para enterrar a los muertos? En este caso el que podemos contemplar es la entrada de uno de ellos en la ciudad de Birmingham.

Árboles que se despellejan ellos solos


Hay árboles con la corteza desmontable, y no solo son los alcornoques, simplemente son árboles de piel delicada, de textura frágil que enseguida se asustan y se enrollan sobre sí misma. Son árboles verdes o no, y sobre todo son árboles que resultan curiosos pues son capaces de sacar sus colores a poco sol que les haga el día. 

Con estas cortezas no se puede hacer torreznos. Pero creo que algunos intentan sacar savia.

17.7.21

El Arte tiene derecho a ser malo!, faltaría más


"El Arte tiene derecho a ser malo!"

Parece una frase innecesaria, absurda, pero es que siempre hay que justificarse con el Arte. Es como si se exigiera al Arte más contundencia que a la Sanidad que no es capaz de dominar un bicho tras 18 meses peleando miles de científicos. Somos incapaces, somos medio tontos, nos equivocamos y la pifiamos. Seamos médicos, fotomecánicos o artistas.

Todos tenemos derecho a no ser todo lo bueno que se espera de nosotros, y el Arte, generalmente, sirve para muy poco. Quitemos importancia al Arte y así recobrará su función maravillosa. La de expresar sensaciones y sentimientos. 

16.7.21

¿Qué es realmente pintar, crear una obra de arte?


Pintar es como escribir. Y tal vez si entendemos esto, entenderemos mejor la pintura de todo tipo.

Pintar es escribir con los dedos, con pinceles, con color. Y es también crear un lenguaje propio con el que te pones a escribir historias.

Hablamos con lo que pintamos, sobre una superficie limpia, vacía. Y escribimos con formas y colores lo que nos está sucediendo, utilizando unas palabras que no siempre son fáciles de reconocer.

Podemos escribir con pintura de forma frenética, loca, absurda, vaciando nuestras sensaciones.

O podemos escribir con pincel fino los detalles de un rostro o de un paisaje, para explicar con formas y líneas lo mismo que haríamos en un relato.

En todos los casos son huellas personales del autor. Son historias que salen de dentro como una novela o un cuento. Y no hay que entenderlo siempre.

La obra de arriba representa una sección de una obra del artista chino Zeng Fanzhi


Disfruta de lo que te gusta, en vez de quejarte de todo


Mira, de verdad, el cartel lo dice todo. Sin pensar más, lo leemos e intentamos hacerle caso. Creo que sinceramente lo dice por nuestro bien.

"Disfruta de lo que te gusta, en vez de quejarte por lo que te desagrada"

No hay que quejarse tanto, en serio, no sirve de nada. No hay que buscar excusas de esquejes, hay que vivir hasta que ya no se pueda vivir. Todo lo demás es perder el poco tiempo que tenemos.

15.7.21

Un grabado que me llamó la atención en Madrid


Me pareció un grabado muy formativo por su sencillez, por su capacidad con pocos elementos y formas de resultar muy atractivo, muy personal. Era un grabado de escaparate en Madrid, dispuesto para ser vendido a quien apareciera por allí y se encaprichara de este bello ejemplo sencillo de lo fácil que es crear un impreso de calidad con una buena idea y un grafismo excelente, muy bien elegidos los colores. No ha podido saber el autor, pero no pude entrar tampoco a saber el precio pues era la hora de la siesta, la hora apagada en muchas ciudades.

Me han dicho tantas cosas que yo ya no sé qué creerme



Me han dicho —no hagáis mucho caso— que dentro de esta cabra hay un ser humano. Una persona como tú o como yo. Escondido dentro y aguantando el olor nauseabundo de la cabeza seca de una cabra muerta, para lograr que los turistas se apiaden y le suelten unos céntimos.

Me han dicho —no hagáis mucho caso— que eso lo hace porque quiere, que se joda, que gana un buen sueldo haciendo esa marranada.

Me han dicho —no hagáis mucho caso— que es pequeño de estatura y que no sufre mucho estando agachado, y que por el calor que no suframos nosotros, que viene de no sé qué país, donde el calor es de fábrica y ya está acostumbrado.

Yo pensé que cuando un país consiente que existan estos humanos cabra, es que algo no funciona muy bien en ese país. Pero me han dicho que no, que esto sucede en todos los sitios. Cuando más ricos son, más pobres tienen dentro para entretener a los turistas de dentro o de fuera. Y yo me acuerdo de los esclavos de Roma.

Os lo juro, ya no sé qué creerme.

El pan. Una de las mejores armas de destrucción masiva


Es fabuloso, qué listos somos.

Primero les provocamos el hambre, la necesidad de que necesiten pan todos los días y de que no les sea fácil conseguirlo.

El hambre les ataca.

Y entonces aparecemos nosotros con bolsones de pan duro, que les repartimos sin acercarnos mucho a ellos, no nos vayan a morder.

Ya los tenemos pillados, ya son nuestros criados, ya han aprendido a obedecernos sin mucho esfuerzo.

Y solo hemos invertido en pan duro y en unos bolsones de rafia. Y si acaso en unos voluntarios buenísimos que son los que se acercan a paliar su hambre, por si se vuelven violentos.

Somos fabulosos.

13.7.21

Una pequeña obra de Francisco de Goya, un dibujo a lápiz



Francisco de Goya no deja de sorprendernos este año de su celebración y ahora se nos informa de un retrato nuevo de Goya, hecho a lápiz, que refleja un bello retrato de su consuegra, Juana Galarza de Goicoechea que pertenecía a un coleccionista de Arte. La Universidad de Lérida ha informado de esta pequeña obras hecha sobre papel y a lápiz de unos 70 mm de ancho donde vemos a su consuegra de perfil, posiblemente dibujada entre los años 1805 y 1808.

El papel de de la década antes citada y no es habitual que una mujer de aquella época fuera dibujada tan finamente por alguien, excepto que tuviera en su familia a un artista como es el caso de Goya. Esta miniatura lleva escrito en un lateral el nombre de Goya, pero no como firma sino como señal de que en algún momento alguien cercano al coleccionista lo apuntó como obra de Goya hace de ello muchas décadas.

12.7.21

Una antiutopía es indeseable, pero puede ser posible

Una antiutopía es indeseable, pero puede ser posible. Ante una sociedad vieja, cansada, agotada, tal vez los que nos quieran mandar desde arriba, fuera de nuestras cabezas pero por encima de nuestras cabezas, quieran que seamos útiles… para ellos. Y ante eso deben obligarnos a leer, a estar rodeados de libros.

Nos podemos ver con los cachivaches de los andadores, sentados ya agotados ante la vida, y en cambio rodeados de libros elegidos por los que saben elegir para sus beneficios, y obligados a tener que pensar. Nada hay peor que ser obligados a pensar de forma programada.

Y siempre vigilados por el ojo metálico al que no se le escapa ni una. Además de abrir el libro y disimular como que lees, debes aprender lo que te digas que leas. Aunque llevas taca taca.

11.7.21

¿Qué habrá sido de estos jóvenes 15 años después de la fotografía?


¿Cuánto queda cuando los tiempos van pasando por encima de las normalidades viejas? ¿Y lo que queda, además de recuerdos, son sonidos, imágenes, olores, colores, formas? ¿Qué habrá sido de estos jóvenes 15 años después de esta fotografía?

Emilio Morenatti, premio Pulitzer 2021. Otro zaragozano fuera de Zaragoza

Durante los meses de la pandemia del COVID han sido excesivas las imágenes que no se han tomado, prohibidas por el Sistema. Ahora queremos recopilarlas, pero nos faltan muchas aunque el valor de los fotoperiodistas ha sido tremendo en los primeros meses, para saltarse las prohibiciones y salir a retratar la realidad dura de la muerte. Parece increíble pensar que haya sido más complicado fotografiar la verdad de una pandemia en España, en Europa, que cubrir una guerra en un país roto.

Emilio Morenatti, un fotógrafo nacido de casualidad en Zaragoza ha recibido un Premio Pulitzer 2021 por su arriesgada cobertura de la pandemia del coronavirus en su ciudad actual de Barcelona. Supo que tenía que seguir realizando su trabajo de periodista y que su obligación era la de dejar constancia, aunque pareciera imposible.

Dice Emilio Morenatti en una entrevista en Heraldo de Aragón.: No necesariamente tienes que ir a una zona de conflicto donde ocurren cosas muy potentes. Todas las fotos las he hecho con mi patinete eléctrico saliendo de casa y volviendo a casa. Me confinaba para no contagiar a mi familia. Ha sido una cobertura doméstica o local que ha tenido una repercusión internacional.

El Premio Pulitzer se lo han otorgado por una Serie de Fotografías que reflejan una conmovedora serie de fotografías que lleva a los espectadores a la vida de los ancianos en España que luchan durante la pandemia COVID-19

10.7.21

A veces la única diferencia entre edades se nota en los sombreros

A veces la única diferencia de edades se nota en los sombreros - 2006 - Londres




Un lugar de Londres que deberíamos visitar


Todas las ciudades del mundo se componen de muy diversas capas, numerosos espacios, lugares, estratos. algunos de ellos locales, otros cada vez más llenos de forasteros turistas que ocupan y desnaturalizan los espacios. Inevitable además. Por eso las ciudades hay que verlas varias, veces con mucha calma y de forma suave y con poca compañía. Sn tiempos. Si se empieza con un viaje organizado aunque sea a la selva más escondida, terminas por no ver casi nada.

Esto es el Londres que no hay que perderse, el que se quiere acercar al Londres de los londinenses aunque en los últimos años ya ha dejado de ser un espacio propio y se ha convertido en un espacio de atracciones. Pero lo que sí parece es un lugar curioso para hacer miles de miradas y cazarlas todas. Todas las ciudades tienen varias lecturas.

Tal vez sean mejor las miradas despreocupadas

Y puse sobre la pared las partes del futuro que parecían estar por encima de todos nosotros. Y una me salieron escasas y otras excesivas. Pero casi no tenían diferencia ni en número ni en posibilidades. Creo que todo era producto de mi imaginación o de mis miedos. Al final lo mejor es no pensar mucho en eso, y seguir disfrutando de las miradas despreocupadas.



9.7.21

"Todos los perros de la calle" de Jorge Ochagavía


Que un artista callejero un Artista Urbano dedique una de sus obras a "Todos los perros de la calle" es toda una señal de intenciones. La calle de las ciudades es también de los perros, y quien ha tenido perro lo sabe bien. Dedicarles unos brochazos de Arte es todo un detalle. Es una obra de Jorge Ochagavía, artista riojano y creador de personajes televisivos de mentira con mucha verdad.

Esta imagen es de Logroño, ciudad de Art Street y del buen comer, de calles para pasear y de miradas frente al Ebro. Todo junto hace casi milagros, que alguien se acuerde de los perros que pasean por sus calles.

"Todos los perros de la calle" de Jorge Ochagavía


Que un artista callejero un Artista Urbano dedique una de sus obras a "Todos los perros de la calle" es toda una señal de intenciones. La calle de las ciudades es también de los perros, y quien ha tenido perro lo sabe bien. Dedicarles unos brochazos de Arte es todo un detalle. Es una obra de Jorge Ochagavía, artista riojano y creador de personajes televisivos de mentira con mucha verdad.

Esta imagen es de Logroño, ciudad de Art Street y del buen comer, de calles para pasear y de miradas frente al Ebro. Todo junto hace casi milagros, que alguien se acuerde de los perros que pasean por sus calles.

El Coloso de Francisco de Goya, vuelve a ser atribuido al de Fuendetodos


La obra del año 1812 "El Coloso" de Francisco de Goya, vuelve a ser atribuido al de Fuendetodos desde el Museo del Prado, desde que hace 13 años se descatalogara como obra de Goya para pasar según los expertos a ser una obra de algún alumno suyo, incluso se daba el nombre de Asensio Juliá como el autor de esta obra. Ahora con la remodelación del catálogo de obras expuestas en el Museo del Prado, casi de tapadillo, se asegura en la cartela de la obra que es (otra vez) una obra atribuida a Francisco de Goya.

El coloso, El gigante, El pánico o La tormenta, que así se ha ido conociendo según los tiempos muestra a un gigante que emerge detrás de unas montañas de forma amenazante, casi en una pintura "negra" desde donde y rodeado de nubes parece amenazar a una multitud de personas y animales que huyen despavoridas. 

Hay teorías que nos dicen que en realidad el Gigante es el pueblo español, que se alza desde los Pirineos como un coloso que hace huir a los franceses que en ese momento ocupaban España. Otras hablan de alegorías contra le guerra asemejando al Coloso como al Rey soberbio e inmóvil, incapaz de resolver los problemas de España que hace huir a sus compatriotas, etc.

No está Francisco de Goya para explicar la auténtica verdad y aunque sabemos que en pocas semanas volverá a salir otro estudio sobre esta obra para delimitar fechas y modos de trabajo en busca del autor no concluyente, de momento es buena noticia que se vuelva a colocar como "atribuido" en esta obra de Goya,  que si no fuese pintado en su momento por el genial Goya, sin duda bebió claramente del modo de trabajar de Goya, y eso supone en aquellos tiempos que estuve my cerca de la mirada de Goya, como poco.


El 'Guernica Gernikara' de Agustín Ibarrola se expondrá definitivamente al público


Una de las obras más reconocidas e importantes de este ARCO 2021 es el 'Guernica Gernikara', de Agustín Ibarrola, un mural de 10 metros de ancho y dos de altura que salía a la venta tras muchos años en paradero desconocido. Al final y a un precio claramente pactado, lo ha comprado el Museo de Bellas Artes de Bilbao en un ejercicio de responsabilidad clara de todas las partes, pues es una obra que complemente muy bien el conjunto de obras del Museo de Bilbao, en pleno crecimiento y reordenación.

El 'Guernica Gernikara' de Ibarrola es un homenaje a la obra original de Picasso pero también una reinterpretación del dolor, de la violencia, del sentimiento vasco de sangre, lágrimas y Arte social. Obra de 1977 intentaba en su creación que el Guernica de Picasso volviera desde el MoMA a España y se estableciera en el País Vasco. Se logró lo primero y no se logró lo segundo, por lo que esta obra de Ibarrola va a suponer sin duda, un intento de valorar lo mismo pero desde otra perspectiva.

Era propiedad de la familia del artista, y no me cabe duda de que su deseo era de que la pieza no saliera del País Vasco y se pudiera exponer a la vista de todo el que deseara poderla ver y repensar.

8.7.21

Logroño y su Arte Urbano efímero. Asione


El Arte Urbano tiene a veces pequeñas sorpresas agradables, obras de Arte que bien merecen mucho mejor destino que ser efímeras con el paso del tiempo y la intemperie. Pero nacen para morir. Esta obra entre puertas es de Logroño, de la artista Asione y es del año 2016. Se titula (o titulaba) "El Viaje de Helbert" y es una delicia contemplarlo. Incluso admitiendo que no siempre las delicias tienen que ser agradables de admitir.

Dagoberto Rodríguez y su "Yo perreo sola" en ARCO 2021


Esta obra titulada "Yo perreo sola" de Dagoberto Rodríguez es una de las obras de ARCO 2021 más emblemáticas, y por ello tal vez haya que explicar algo. Se basa en la canción del reguetonero Bad Bunny que en su disco YHLQMDLG es una de las más escuchadas. Es un grito a la libertad, a la lucha feminista y un apoyo a la música de nuevos artistas cubanos y a la música caribeña. 

El perreo es un baile muy sensual, imitando los gestos sexuales, y el grito es la reivindicación de perrear ella sola, sin necesidad de nadie que le acompañe, libre de ataduras.

Es una obra en mármol y con las letras diradas hechas con arena a presión y como dice el autor Dagoberto Rodríguez "He querido inmortalizarlo en mármol porque es un título y una expresión que dice que no necesitas a nadie para ser feliz. Es una expresión de autosuficiencia desde la feminidad, es un reclamo importante". La obra se vende por 30.000 euros. 

La fotógrafa Marion Post Wolcott y el esclavismo disimulado


La fotografía histórica es la muestra del valor del fotógrafo con su sociedad. Este fotografía del año 1939 de la fotógrafa americana Marion Post Wolcott gran representante de la fotografía social no solo americana pues estuvo por Viena pocos años antes de la explosión de la II Guerra Mundial.

La tituló "Corte de pelo frente a la tienda general y la oficina de correos en la Plantación Marcella, Mileston, Mississippi". Los rostros de todas las personas indican claramente a qué se dedicaban en su vida.




La fotógrafa Teresa Rodríguez y sus "Veografías"


De la fotógrafa Teresa Rodríguez un ejemplo de lo que ella llama "Veografías" hechas durante los años 2008 y 2016 y que expuso en Logroño. Son fotografías impresas en mate sobre papel Harman Hahnemühle de algodón. La mezcla de poesía, literatura, arte pictórico y fotografía es cada vez más amplio en algunos artistas como en el caso de la fotógrafa Teresa Rodríguez. Ya no son fotografías, son pequeñas historias, es Arte visual.