3.10.24

El Perro semihundido de Goya entre las Pinturas Negras


De esta maravillosa y muy curiosa obra de Francisco de Goya no conocemos casi nada o mucho menos de lo que deberíamos. Formó parte de las Pinturas Negras de Goya pintadas entre 1820 y 1823 en su casa "La quinta del sordo" que estaba junto al río Manzanares en las afueras de Madrid. 

Pero en realidad aunque ya estaba enmarcada en esta posición y encuadre, no sabemos si formó parte de una obra mayor o si simplemente era así. Creemos que es posible que se hayan perdido partes de la obra, entre ellos posiblemente unos pájaros que volaban en la escena y que era hacia aquellos a los que dirigía la mirada el perro.

Fueron las Pinturas Negras de Goya un total de catorce obras pintadas directamente sobre la pared seca, no al fresco, utilizando óleo y otros pigmentos y de las que tenemos algunas imagen de su conjunto, pero todo se derribó en el año 1909 no sin antes intentar sacar las pinturas y salvarlas. Goya adquirió la Quinta del Sordo para poder alejarse del bullicio de la ciudad y dedicarse a actividades más bucólicas y personales.

Sabemos que este perro estaba en una pared lateral del salón junto a una escena de brujas, y se encontraba a la derecha de la puerta de entrada a la sala. Ha tenido varios nombre, y en un principio se tituló "Un perro luchando contra la corriente" y ahora se conoce como "Perro semihundido". 

El barón Fréderic Émile d’Erlanger, que compró la propiedad  de "La Quinta del Sordo" en 1873 (periodo de la imagen que vemos en BN), y decidió despegar todas las obras de los muros y trasladarlas a lienzo, cometido que ejecutó el restaurador del Museo del Prado: Salvador Martínez Cubells. 



Las Pinturas Negras fueron expuestas con escaso reconocimiento en la Exposición Universal de París de 1878, antes de ser legadas definitivamente al Museo del Prado en el año 1881.

Goya pintó todas estas obras en la más estricta privacidad, para sí mismo y como reflejo de sus sentimientos más íntimos, en una edad ya muy alta y cercana a su fallecimiento, mostrando una visión pesimista y fantasmagórica de España, que a esas alturas de su vida se le antojaba una pesadilla. Se cree que debajo existían otras obras de paisajes mucho más coloristas que quedaron tapadas por estas Pinturas Negras.

Abajo podemos ver una fotografía realizada en la misma pared de "La Quinta del Sordo" antes de ser despegadas las obras, por el conocido fotógrafo Juan Laurent, que tituló "Cabeza de perro".



2.10.24

Felicitamos a Annie Leibovitz con una fotografía suya

Hoy muestro una fotografía, una imagen, hecha por la fotógrafa norteamericana Annie Leibovitz que cumple 75 años hoy, el 2 de octubre de 2024. Una manera de felicitarla desde muy lejos.

Vemos a la primera dama de Ucrania Olena Zelenska y al presidente de ese país, Volodymyr Zelenskyy, en Kiev, en el mes de julio del 2022.

Es una fotografía que parece normal, pero dentro tiene esos detalles que solo son capaces provocar los artistas. El ambiente con claros giros hacia los colores verdes. La suma seriedad de él y la fortaleza de ella. Las manos entrelazadas mostrando unidad. 

El anillo de unión y por ello de calma y tranquilidad, de compromiso. El tipo de luz ambiente que en los personajes viene desde la derecha pero en el conjunto es suave para disimular la fortaleza de la lámpara del fondo.

Pero añadiría más. La ropa de los dos personajes es un símbolo, un mensaje. Como lo es el libro o conjuntos de papeles de la mesa de escritorio, demostrando que en esos momentos estaba haciendo un trabajo que ha dejado para dejarse fotografiar. No es necesario que sea eso real.

¿Le sobra algo? Para mi si. No entiendo muy bien las fotografías de ellos, anteriores, encima del sofá. Pero tendrán su lectura, de eso no me cabe duda. No están allí por casualidad.

30.9.24

Pinceladas de Camille Pissarro, impresionista


La obra que vemos arriba, muy conocida sobre todo en estos meses por un conflicto de propiedad y titulada: "Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia" es una pintura al óleo de 1897 del artista Camille Pissarro que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Uno de los considerados padres del impresionismo.

La muestro solo para ver un detalle central de la obra, unos coches a un tamaño suficiente para ver de cerca las pinceladas del artista, y de qué manera o técnica se valía para hacer formas, luces y sombras, a base casi de un puntillismo transformado en brochazos.

Son obras para ver a una distancia en donde las pinceladas se transforman en lo que debe ser la obra, un conjunto difuminado de colores, formas, luces y sombras. La obra tiene 81 centímetros de altura.



29.9.24

La Duquesa de Alga retratada por Goya


Esta obra de Francisco de Goya de 1797 se encuentra en la Hispanic Society of América, y en ella vemos a la Duquesa de Alba en uno de sys retratos más interesantes y acabados, mostrando a la XIII duquesa de Alba, María del Pilar Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo y Silva Bazán.

Además de ser un brillante alarde de pintura, también atrae por el misterio que se cierne sobre su creación y su significado. La duquesa de Alba era una de las figuras más llamativas en la corte española de los últimos años del siglo XVIII. 

Cuando Goya pasó unos meses invitado en su finca de Sanlúcar de Barrameda, de 1796 a 1797, María del Pilar Teresa Cayetana tenía treinta y cinco años (Goya tenía 30 a 31 años), acababa de enviudar y estaba en la flor de su belleza.

El retrato tuvo una gran significación personal para el artista por la relación que tuvo con ella de la que desconocemos su profundidad.

Lo cierto es que Goya conservó esta obra en su taller muchos años, después de muerta Cayetana. Hoy puede entender fácilmente ese apego desde dos puntos de vista diferentes: es un ejemplo sobresaliente de la magnitud del arte de Goya, y quizá el mejor de todos sus retratos, y posiblemente su relación personal le hizo adorar la persona que en ella estaba retratada.

En la arena del suelo junto al río sobre el que posa la Duquesa de Alba está escrito «Solo Goya», y en los anillos de la duquesa se leen las inscripciones «Alba» y «Goya» pero no se sabe la fecha exacta de estas inscripciones, pues se podrían haber añadido después.

27.9.24

¿Qué supone aceptar la IA como inevitable?


Yo ya no podré ver todo el desarrollo de la IA en el futuro cercano, mis 68 años me lo impedirán. Ojalá no. Pero escucho con serias dudas las críticas que está recibiendo, como si fuera posible parar lo que ya ha llegado, ejercitando meras opiniones en contra. La IA es muy fuerte y sabe aguantar las críticas.

La IA ha llegado como otros decenas o centenares de inventos, tecnológicos o no, que movieron mercados enteros de todo tipo de actividades. También en el Arte.

Yo era escanista, que es un oficio que os suena a imposible. En mis tiempos a los buenos escanistas se les fichaba entre fotomecánicas de diversas ciudades. Los sueldos eran muy altos para el tiempo que se movía esa rareza, que hoy suena a imposible.

Cuando un día en Alemania me dijeron que había llegado "La democratización del Color" yo venía de haber comprado un escaner de cuatro metros de largo. Aquellos 30 millones de entonces se fueron convirtiendo en nada en pocos meses, si acaso uno o dos años.

Hoy no hay escanistas.

En Salamanca han gritado los diseñadores con la exposición "Sobre fondo azul. Una historia del Cielo de Salamanca" hecha toda ella con IA. Es un palo, lo sé, pero es inevitable.

La IA ha llegado para cambiar drásticamente algunos oficios. Y simplemente tenemos que estar atentos para aprender, para saber usarla en nuestro beneficios profesional, para hacer cambios en nuestros productos artísticos. De alguna manera también la fotografía parecía acabar con la pintura, y esta simplemente se transformó.

Hoy veía como ya se puede hablar con la IA, con ChatGPT como si fuera una persona más, que te responde con la voz que tú decides, con el tono que has elegido, que te puede acompañar en tus diálogos de cualquier tipo, y eso que está en la prehistórica. En pocos meses podremos hacer el amor o el sexo con esta máquina. ¿Meses?

¿Será lo mismo? NO. No será igual. 

Pero hoy la soledad no elegida ni deseada nos ataca, y como no somos capaces de resolverla, una máquina puede ser un sustituto mínimo pero válido.

En el Arte no será igual como hasta ahora, pero seamos sinceros, pagar millones por unos trazos rojos sobre una madera amarilla tampoco tenía sentido lógico. 

Así que sí, contra cada acción, sale una reacción. Y a veces esas reacciones son tan malas como las acciones.

Nota.: Como es lógico esta imagen está creada con IA, con el programa Adobe Firefly.  

26.9.24

Eduardo Gimeno Wallace y un nido de nonatos


El artista uruguayo Eduardo Gimeno Wallace que trabaja las esculturas con bambú, arpillera encolada, tejidos con hilo de cáñamo, maderas o ramas secas de árboles, y que vive entre Zaragoza y Barbastro, nos presentó en 2018 en el Centro de Historias de Zaragoza una interesante representación de su obra, titulando el montaje con el bello nombre de “Savias” con un trabajo entre inquietante y sorprendente. 

Esa mezcla visual de personas de ramas y maderas nos pilló contra su propio espacio, para reflexionar…, pero sobre todo para soñar con lo imposible. Y no siempre en positivo.

Esto puede ser el nido en el que se van formando los nuevos personajes de su imaginación, los nuevos animales de maderos y cañas que nos desearán inundar nuestros pensamientos, para limpiarnos de artificialidad.



¿Qué es la PAZ para alguien que no tiene nada?


Las guerras no comienzan por un único motivo. Algo desesperante lleva a las sociedades a entablar una guerra en donde o mueres o matas. Y hay que conocer no solo los motivos, sino lo que envuelve a esos motivos, para intentan comprender las situaciones, antes de pedir PAZ.

¿Qué es la PAZ para alguien que no tiene nada?

Esta fotografía es de la fotoperiodista española Judith Prat en donde nos intenta mostrar a los supervivientes de la miseria. Yo podría ir allí de mirón, de turista o de cooperante, pero no serviría para entender nada desde el punto de vista de ellos. Ya ya llevo mi mochila desde España, filtro todo, comparo todo con lo que ya he vivido. 

No lograría comprender nada que no fuera: ¡¡Hay que huir como sea!!

Esta fotografía es del año 2013, en el Congo. Vemos a un minero que llega al atardecer a su casa, a su pueblo, tras todo el día de trabajo.


25.9.24

Pablo Picasso habla de escribir un Diario

 

Decía Pablo Picasso: "La obra que uno hace es una manera de escribir un diario". No se podría decir mejor. Cada obra es nuestra, sale de dentro y se expresa como parte de nuestra vida.

Es una frase, un párrafo que escribimos con formas, con colores, con luces y sombras en vez de con letras. Y hablamos a través de ellas. Para bien y/o para mal. 

Así de sencillo de entender, de expresar desde quien simplemente crea.



24.9.24

La conquista del espacio vista en el año 1956

Este almanaque del año 1956 es sencillamente maravilloso. Nos muestra una representación del futuro desde el punto de vista de ese año, del que ya han pasado 68. Una barbaridad. 

¿Y cómo se creían que sería el mundo del futuro desde su perspectiva viejuna?

A veces chirrían los pensamientos. 

Nos imaginamos un mundo de convivencia con extraterrestres, con animales de antenas pero vestidos de verdad. 

Bichos a los que por cierto intentamos fotografiar con cámaras gruesas que seguro llevarían película de verdad, de la de plata, de la magra. 

El dibujo debe estar planteado en la Luna o en Marte pues el bicho raro respira sin respirar, pero los humanos necesitamos bolicas para tapar la cabeza o escafandras. 

Aunque lo que mola es el cohete (cobete para los amigos) que se ha posado todo pito y ha puesto tres huevos redondos para pasearse por la superficie. La parabólica es chula y muy actual, en eso han acertado bastante.

Los rusos en aquellos años 50 recién habían empezado sus pruebas espaciales y los EEUU estaban en mantillas. 

Aunque ya se habían utilizado cohetes menores para joderse en las II Guerra Mundial, entre unos y otros. 

Pero a mi lo que me mola es la cámara de fotos con flash incluido. Es un enorme mamotreto todavía pero tenía su diseño.

Europa sencilla, vista desde los EEUU

No es la mejor Europa en relieve que podemos ver, lo sabemos.

Ni la más real ni la más bonita. 

Aunque nos parezca abstracta.

Es una forma más de representarle de forma minimalista. 

Reinventada, simplificada y enorme, que está en un parque de New York. 

Allí son así de simplistas con Europa.

Pasión de Cristo con golpes, en la catedral de Albi


En la catedral de Santa Cecilia de la ciudad francesa de Albi podemos ver esta Pasión de Cristo, como un ejemplo más de las torturas que le infligieron a Jesús en su recorrido con la Cruz a cuestas.

El detalle del vigilante dándole una patada mientras hace además de castigarle con un palo recio, no es habitual en los cuadros religiosos.

Este tipo de obras, al fresco como toda la bella catedral de Albi, y posiblemente del siglo XVI, muestras el tipo de ropas de su propia época. 

Entonces nadie se imaginaba de qué manera irían vestidos los soldados y las gentes de la calle en el siglo I. Simplemente se lo imaginaban muy similar a lo que entonces utilizaban y veían en sus calles los artistas de la época. 



23.9.24

Se puede fotografiar el Guernica de Picasso


Es un lujo poder volver a ver el Guernica de Pablo Picasso en el Museo Reina Sofía de Madrid, y poderlo fotografiar, a él y a las obras de sus salas continuas. Y no sucede nada de nada. 

Nadie molesta, se guardan las formas, se hacen fotografías sin luz añadida, se llevan los visitantes un recuerdo del momento y en casa se puede seguir contemplando la obra.

Sí, lo sé, el Museo Reina Sofía tiene colgadas en su web muchas de sus obras expuestas. Pero no es lo mismo. El ambiente, los detalles, la imagen de lo que realmente estás viendo en ese momento solo lo sabes tú. 

Y la obra si se sabe cuidar, no tiene por qué sufrir nada más, de lo que ya sufrido en sus traslados. Por cierto, quiero pensar que está digitalizada en altísima calidad por si le sucediera un accidente o una provocación. 

Arte Dadaísta con fotomontajes manuales


Este cartel titulado: "Guerra y cadáveres: la última esperanza de los ricos" realizado por el alemán John Heartfield, que fue uno de esos artistas que entendió que a un régimen basado en la propaganda solo podía combatírsele en ese mismo terreno.

Su arte dadaísta
y dispuesto a romper con todas las convenciones, fue el mismo arte que Hitler llamaba “degenerado” y se empeñó en destruir cuando alcanzó el poder.

A través de sus obras podemos ver una crítica ácida y certera al nacionalsocialismo, y un ejemplo de habilidad técnica mezclado con compromiso político. 

Esta obra realizada poco antes del comienzo de la II Guerra Mundial y como muchas otras de su taller, se trabajaban en el fotomontaje con recortes, pues en aquellos años no existían métodos fotográficos para retocar o montar diversas imágenes.

Uno de los primeros en cultivar la técnica del fotomontaje junto con George Grosz, Heartfield se bautizó a la vez en el comunismo y en el dadaísmo allá por 1918. En esos turbulentos años de Weimar, cuando los nazis crecían poco a poco y se hacían necesarios para los conservadores, apetecibles para la clase media y convenientes para las grandes empresas, las obras de este artista muestran ya una desconfianza radical (y humorística) de los planteamientos nazis.

Unos meses después de que Hitler fuera nombrado Canciller, los nazis irrumpieron en la casa de Heartfield, que consiguió escapar a Checoslovaquia. Allí llegó a cosechar un título tan honorífico como ser la quinta persona más buscada por la policía secreta del régimen nazi.

Y no era para menos: en 1936 publicaba su obra titulada “Voces del pantano”, que mostraba un gran sapo con la esvástica de fondo, y la frase: “Tres mil años de endogamia continua prueban la superioridad de mi raza”.

Grand Theatre Albi, del arquitecto Dominique Perrault


Pocas veces hablo de la arquitectura como un Arte imprescindible en la vida de los ciudadanos. Sin ella no existen nuestras cuevas modernas, nuestros edificios públicos, parte de nuestra calidad de vida.

Este edificio está en Albi, Francia. Es el Gran Teatro en la ciudad de Albi. Con un diseño espectacular para darle sombra y forma original. Se une utilizad, diseño y Arte.

La membrana de malla metálica hecha de tejido en espiral anodizado, tridimensional y protectora contra el sol, cubre la fachada sin llegar a ocultarla. Pero si el exterior es bello, el interior es más bello todavía.

Este espectacular diseño de la fachada del arquitecto francés Dominique Perrault, junto a su forma cóncava, le quita rigidez a la construcción purista y le confiere ligereza.

Durante el día, la fachada de tejido refleja una gran parte de la energía solar, reduciendo así de manera significativa la entrada de radiación solar. Por la noche, la fachada de protección solar semitransparente confiere profundidad y elegancia al edificio, y permite una iluminación que puede cambiar de color.

Según palabras del arquitecto Dominique Perrault: “Quería crear una presencia más ligera para un gran volumen, así que puse una bufanda alrededor. No es exactamente una pieza de arquitectura; es más como un diseño de moda, o un híbrido de los dos. La idea era respetar el color del ladrillo, pero también crear una fachada que esté viva".



La censura de unos pechos en la catedral de Albi


La catedral de Santa Cecilia en la localidad francesa de Albi nos ofrece unos murales al fresco que en su tamaño original cubrían unos 200 metros cuadrados de superficie aunque ahora solo se conservan un 65% pues la zona central se cortó y destruyó para hacer un acceso hacia el coro.

Se conservan dos enormes columnas en donde se puede ver una representación del Juicio Final, de las personas caminando hacia el cielo y otras hacia el Infierno. Los autores son desconocidos y su fecha de creación entre 1474 y 1484.

Si vemos el detalle de estas pinturas veremos que en algún momento, muy seguramente posterior a su pintura primitiva, a los cuerpos de las personas que se dirigen al Infierno les han pintado unos libretos para taparles los pechos, a modo de censura posiblemente en el siglo XVIII.

Todo el interior de la Catedral tiene unos 18.500 m2 de frescos y decoraciones que hacen de esta catedral la más grande pintada en Europa, pudiendo leerla como una Biblia ilustrada.




22.9.24

Arte Religioso moderno, en Francia


Esta obra religiosa pero muy moderna se encuentra en el convento de los Jacobinos en la ciudad francesa de Toulouse. Es una obra de Arcabas en homenaje a Bernanos, realizado en el año 1962.

Arcabas es el seudónimo de Jean-Marie Pirot, un artista francés de Arte Sacro, considerado uno de los maestros actuales del Arte Sacro Contemporáneo.

Su obra abarcaba diferentes técnicas: escultura, grabado, tapices, mosaico, vidrieras, ebanistería o forja, pero sobre todo pintura. También ha creado vestuarios y decorados para obras de teatro.

21.9.24

Muriel Lhermet, sus colores, formas y líneas


Una obra de la pintora francesa Muriel Lhermet, pintora abstracta con taller en Cordes-sur-Ciel. Sus coloridos, el trato que le da al color potente no puede dejar indiferente a nadie. 

El color, las formas, los espacios con a veces líneas que delimitan y enmarcan, conforman un trabajo muy original pero en línea con las abstracciones más evolucionadas.

Abel Fabre, escultor y profesor de arte en Francia


Este relieve en una fachada de Toulouse la traigo solo por un detalle. Es una gran obra hecha por el escultor francés y profesor de Arte Abel Fabre en el año 1894. Pero el detalle que quiero señalar es el velo que cubre la boca de la figura de la derecha. 

Parece hecho son seda en vez de piedra, semeja ser real consiguiendo un efecto de transparencia muy bien realizado.


20.9.24

Anne Reymond y un bello interior de una casona francesa


Esta obra es de la artista francesa Anne Reymond, una acuarela grande que nos muestra el interior de una patio francés del siglo XX, lleno posiblemente de recuerdos propios.

Su presentación deja pocas dudas:

Después de estudiar en la Escuela Normal Superior de Francia, partí durante 22 años para visitar el mundo (Estados Unidos, Nigeria, Gran Bretaña) antes de regresar de nuevo a Francia, primero a Normandía y luego a París. 

Fue siguiendo un largo programa de trabajo en una empresa, que tuve la oportunidad de solicitar una formación en pintura decorativa. La pintura decorativa me enseñó un oficio y la tradición de este oficio. Hice —y todavía me gusta hacer— un trompe l'oeil (engañar o engañarme) interior, sobre lienzo montado. 

Además de la pintura decorativa (acrílica o caseína), procedí como había aprendido, es decir, haciendo primero copias y luego composición. Mi modelo imprescindible ha sido el pintor Sorolla. 

Hoy en día, y por motivos que no son sólo artísticos, estoy fuertemente interesada en el Street Art, mezclando mis habilidades en pintura decorativa con las tendencias que reflejan nuestra sociedad y nuestro mundo. 

19.9.24

Una obra Dadaísta de Hans Richter


Una obra de Hans Richter del año 1917, titulada "Cabeza Dadá" hecha con tempera sobre lienzo y que pertenece a la colección del IVAM.

En esos años estaba ya pensando abandonar la pintura por el cine y sobre todo abandonar el Dadaísmo recién empezado pero que no le parecía llenar.

El dadaísmo es un movimiento artístico y literario surgido en Suiza en 1916 como reacción contra la Primera Guerra Mundial y la sociedad burguesa. 

Los dadaístas buscaban romper con las convenciones establecidas y cuestionar la lógica y la razón. El dadaísmo abarcó diversas disciplinas, como la poesía, la pintura, el teatro y la performance.

Quería promover todo lo irracional, absurdo y falto de sentido. Reírse del Arte en general, hacer lo que les diera en gana y llamarlo Arte, buscando sin reglas la provocación, le burla incluso. Era una protesta contra las convenciones de su época.

La vida es una muerte. Aunque no lo sepamos


 
Es una simple pintada cogida al vuelo en una calle de un pueblo de Tarragona. 

Me pareció una frase casi genial, sencilla pero certera y acompañada de un esbozo artístico. 

No es una simple frase de cinco palabras, es algo más.

Algo para compartir y así lo quiso hacer su autor. 

Vamos a darle cancha.


¿Sería la silla para sentarse el demonio?


Cuando en el año 2013 se eligió el Papa Francisco I como nuevo Papa se vieron muchas imágenes curiosas, muchas maneras de ver distinto lo que podría ser normal. 

Especialmente me gustó esta imagen del fotógrafo Andrew Medichini en donde se ve a un sacerdote entre las filas de los asientos preparados para la misa inaugural del nuevo Papa. 

Su gesto es simpático, pero mi vista se fue hacia la silla colocada al revés, girada y mirando a la salida en vez de al altar. 

¿Sería la silla preparada para el demonio?

Relieve votivo griego coloreado de hace 2.400 años



Este es un relieve votivo (ofrecido a un dios como voto) en mármol de hace 2.400 años, de Grecia, en donde vemos los honores que se hacen a un caballo vencedor de una carrera en la zona de Tesalia, en donde a los caballos para las carreras se les cuidaba con honores incluso.

Posiblemente fuera un encargo del propio jinete para honrar a su caballo.

Era normal en las épocas griegas y romanas que todos los relieves se pintaran de clores, aunque no nos han llegado así, el color se ha ido perdiendo en casi todos los casos. Nos tenemos que imaginar de qué manera eran, pues tenemos muy pocos datos.

En este caso sabemos por algunos pequeños restos que el fondo del relieve estaba pintado en azul egipcio, y he disfrutado intentando pintar medio relieve para poder comprobar de qué forma lo observaban los griegos de aquellos años.

18.9.24

El Pez. Obra desaparecida de Joaquín Torres


La obra "El Pez", de Joaquín Torres García pintada en el año 1928, es uno de los 74 cuadros de Torres García que fueron dañados (o desaparecieron totalmente, como este que vemos) en el año 1978 por un incendio en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Nos queda el recuerdo de su imagen fotográfica.


Nueva York según Joaquín Torres García


Del artista uruguayo Joaquín Torres García, pintado en el año 1921 con 47 años de edad, os dejo esta obra titulada "Nueva York" al óleo sobre lienzo, que muestra esa mezcla entre Arte Figurativo y Arte Constructivo que es el que lo puso en lo más alto del mundo artístico americano.


Botticelli y su Tercer episodio de La Historia de Nastagio degli Onesti


Esta obra se titula El tercer episodio de La Historia de Nastagio degli Onesti, pintada por Sandro Botticelli. Un cuadro pintado en el año 1483 al temple sobre madera. 

Fueron cuatro cuadros que se hicieron para decorar un dormitorio de matrimonio aunque viendo las obras nos parece una barbaridad de curioso gusto. Fue un regalo nupcial al matrimonio de Giannozzo Pucci y Lucrezia Bini.

Relata escenas de el cuento del Decamerón de Boccaccio "El Infierno para los enamorados crueles" dedicada a los amores primeramente desdichados que después se terminan de manera feliz.




Además del cuadro en su totalidad he querido mostrar una parte en grande que nos muestra los detalles de los rostros de una serie de personajes que asustados se sorprenden con lo que sucede. Un lujo de gestos femeninos y de ropajes de la época.


16.9.24

Goya en la Cartuja de Aula Dei de Zaragoza

Las pinturas murales de Francisco de Goya en la Cartuja de Aula Dei son unas grandes desconocidas para el público en general, y muy poco fotografiadas al detalle. Esta obra, "El nacimiento de la Virgen" de casi ocho metros de larga, y pintada en el año 1774 con un Goya que no llegaba a los 30 años de edad, es un ejemplo de esto.

Pintada al óleo sobre yeso, al fresco, vemos en su zona central a varias mujeres cuidando de la niña recién nacida que está alumbrada por un rayo que viene desde el Cielo, anunciando que no es una niña como las demás.

A su lado y observando vemos a San Joaquín con un bastón, mientras que a la derecha vemos a otro grupo de personajes en donde está Santa Ana. 

Esta zona no es de Goya, pues la obra original se perdió y fue restaurada por los Hermanos Buffet

Es una de las 11 obras de Goya que se pueden admirar en la Cartuja de Aula Dei, cerca de Zaragoza.



9.9.24

¿Es Arte una estampilla religiosa?


El Arte va muy unido a las diferentes Culturas. Si vemos un gran fresco sobre las paredes de una gran iglesia católica u ortodoxa nos asombra y enseguida decimos que aquello es Arte. Por ejemplo en el interior de la iglesia de San Antonio de los Alemanes en Madrid o en monasterios de Rumanía.

Pero si vemos una representación religiosa hecha para los pobres, para las gentes que no solían ir a iglesias tan artísticamente decoradas, nos entra la duda de si aquello que vemos es realmente Arte.

Esta imagen que vemos arriba, una estampilla de las que se entregaban a principios del siglo XX y hasta bien entrados en su segunda mitad, e impresa en huecograbado con hilo de oro en sus bordes, es un ejemplo de esas dudas de calificación artística.

Representa a un santo no muy conocido en España, San Pompilio María Pirrotti, fundador de los Pompilianos que tienen varias escuelas por toda España. Un escolapio italiano que en el estampa nos muestra diversas escenas de su trabajo. 

Seguidor de San José de Calasanz tomó los hábitos con 17 años y siempre predicó por Italia, pero eso ya no entra aquí, en donde hablamos de Arte. 

Y aquí estoy pues, mostrando una opción más, de Arte casi diminuto. Una estampita del tamaño de una tarjeta y que previsiblemente llevarían en su carteras personas de la calle en esos principios de siglo XX. 

La encontré en el interior de un libro de segunda mano y estoy seguro que se destinó para rezar y para creer en ella como si fuera una obra mucho mayor. 

Una obra de cualquier tamaño o técnica es Arte, si nos produce y provoca algo que no es sencillo de explicar. Y no es necesario que lo acepte así todo el mundo, pues la subjetividad de cada obra hace que para unos sí y para otros no, mientras la obra permanece inalterable.

No opina la protagonista,  pues las obras de Arte no hablan por ellas mismas. Al menos de momento.

Le Triomphe du surréalisme, de Max Ernst


Figura fundamental del surrealismo, el alemán Max Ernst hizo esta obra en el año 1937, titulada "Le Triomphe du surréalisme"

Inventor del "Frottage" que es un sistema muy sencillo y casi infantil de crear dibujos a base de frotar con lápiz sobre un papel puesto encima de un objeto y que todos hemos realizado de niños.

Hay que entender que estamos hablando del año 1925, y que lo que hoy vemos común, en aquellos años era una novedad. Como el posterior sistema del "Grattge" o Raspado sobre obras ya terminadas y secas (o no) y que crean texturas interesantes en los surrealismos.

La macla de estos diversos sistemas pospictóricos, que mantienen parte de sus estructuras pictóricas clásicas y mezclándose todas ellas, logran unos resultados interesantes y a veces originales.

Rosalía Banet y su obra Coaltlicue


Esta obra se titula Coaltlicue, realizada por la artista gallega Rosalía Banet para la Galería Rafael Pérez Hernando y expuesta en ArteSantander

2.9.24

¿Cómo tendrían que ser los Museos en el siglo XXI?


Tendríamos que empezar a pensar y repensar qué futuro les queda a los Museos, a los grandes museos que están en las ciudades más turísticas. Se puede morir de éxito y de hecho se están muriendo de abuso y de magnitud, de un exceso de visitantes que a veces no van más que a poder decir que han estado.

El Arte no interesa en masa, lo sabemos y con tristeza lo admitimos. Esta semana en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza, viendo obras de primeras firmas, estábamos mi esposa y yo por la mañana. Solos. A su vez estoy seguro pues soy asiduo, en el Reina Sofía de Madrid y a finales de agosto, habría cientos de visitantes, como poco. Las filas del Museo del Prado o del MoMA son a veces curiosas de observar.

Las obras son de los mismos artistas muy reconocidos. Incluso en el caso de Zaragoza y para los zaragozanos, suelen ser exposiciones temporales en donde ver Picasso o Dalí, o Tapies o Viola, no es lo habitual sino lo magníficamente elegido.

Ni los Museos del siglo XXI pueden ser almacenes de obras, ni deben ser lugares para los turistas como si fuera visitar un castillo o unas calles llenas de bares. Un Museo debe ser un espacio de estudio, de análisis, de reflexión, de formación y de sensibilidad.

De entrada hay que intentar que haya más museos y más pequeños, para que las obras no colapsen los edificios actuales, para que haya espacio vacío entre obras, para esponjar los montajes y que estos hablan desde el espacio sin nada, y no desde sus compañeros de medio metro de distancia.

Hay que potenciar las exposiciones temporales incluso con los fondos de los museos, pero creando historias con esos fondos, no poniendo un cuadro al lado del otro. 

Una obra puede y debe ser el comienzo de una historia que hoy con las técnicas que tenemos se puede acompañar de muchas variables visuales, sonoras o de montaje añadido.

Si mostramos "La Rendición de Breda" de Diego Velázquez, lo absurdo es mostrar el cuadro colgado en la pared junto a otros del mismo autor. Es no darle valor ni a la obra ni al momento, ni al artista. Hoy es posible acompañar ese cuadro fundamental en la historia artística española, de por ejemplos vestidos de la época y armas que vemos en el cuadro. De imágenes impresas a tamaño grande mostrando el lugar en la actualidad, y hablar de Calderón de la Barca y su obra "El Sitio de Breda" o hablar de la época de Felipe IV para entender el motivo del encargo de esta obra.

Habría que explicar qué personajes vemos en la obra, quien es quien y qué representan, como un ejercicio pedagógico amplio con un solo cuadro.

¿Dónde? Pues desde luego…, dentro del Museo del Prado… NO. 

Pero por ejemplo en el Palacio de Velázquez del Retiro es un buen lugar público. Me lo he puesto a huevo.

Es un ejemplo, fácil, sencillo, en el que planteo que hoy los Museos (otra vez en mayúsculas) deben empezar a explorar otras formas de mostrar. De interactuar con los espectadores, sean niños o adultos, españoles o chinos. 

Los Museos deben huir de la turismofobia, pero sin dar la espalda al turismo. Simplemente hay que crear otra forma de hacer turismo, de enganchar al turista, que casi siempre es una persona con tiempo libre, dineros, y ganas de aprender y conocer.


Al espectador, además de ver la totalidad de un cuadro muy famoso y quedarse con el conjunto, hay que mostrarle detalles que le ayuden a entender todo aquello. ¿Por qué hay personajes que nos miran, que parecen observar al espectador? ¿Qué el la hoja blanca del suelo a la derecha de la obra, en donde no pone nada? ¿Por qué se pintó la cuerda de la llave después de cuadro, y deja trasparentar la espada de un soldado? ¿Qué significado tiene la enorme diferencia de lanzas entre el lado derecho del lado izquierda? ¿Quien es más alto y por qué, el que recibe o el que entrega la llave? ¿El gesto de quien recibe la llave cogiendo del brazo a quien la entrega quiere decir algo?

28.8.24

Coco Escribano y sus tristezas críticas con la sociedad de colores


Coco Escribano
es una ilustrado que ha expuesto obra en Zaragoza, pero también en otras ciudades españolas o europeas. Nacida en Cuenca, vivió varios años en Zaragoza, y es tanto ilustradora para diversos medios como pintora plástica en trabajo casi naif señalando los problemas de una sociedad dura, terriblemente oscura y seria, que es capaz de crear personas con muchos colores pero llenas de tristezas y de interiores grises.

25.8.24

Los peces de María Pou están vivos en el mar escultórico de los sueños

Me encontré estas pequeñas esculturas por una visita a Girona y me atrajo su belleza simple, pero muy atractiva en su dureza. 

Era como un trozo (cacho) de mar depositado de forma natural en una pequeña obra de arte. 

María Pou es la artista que ha sabido darles nueva vidas a estos peces simpáticos si no los tienes cerca.


24.8.24

El Arte y la publicidad religiosa


Esta obra que vemos arriba es un Ecce Homo del siglo XVI en tabla, sin un autor que yo pueda confirmar. La traigo más bien por el constante uso de la religión católica al dolor, al sufrimiento, a la pasión de Cristo elevada al exceso en sus obras artísticas.

Basándose en la Sábana Santa de la que hay muy serias dudas sobre su autenticidad como tela que recogió a Cristo yacente, se han ido elaborando decenas de ejemplos de un hombre con múltiples heridas. 

Ejemplo de una tortura que se representa en la religión para mostrar el sufrimiento del Hijo de Dios hacia los humanos. 

¿No es una práctica excesiva, a la que el Arte se ha prestado en exceso, cayendo en la publicidad?



23.8.24

El Diluvio Universal y sus verdades


El héroe mesopotámico Utnapishtim que inspiró la historia del mito bíblico del Diluvio, y también conocido como Ziusudra por sumerios y Atrahasis por los acadios, que figura como un personaje central en El Poema de Gilgamesh escrito hace unos 4.500 años nos hace dudar de la veracidad del Diluvio Universal que los Cristianos tenemos como mito..

Más antiguo este escrito que el mito griego del diluvio y quizás más antigua que la narración de Noé en el Génesis, es la antigua historia iraquí de Utnapishtim, que se encuentra en el poema épico Gilgamesh, una colección de textos que, probablemente circuló oralmente alrededor de 2100 a. C. y fue escrita en la lengua acadia alrededor de 1900 a. C. y revisada nuevamente alrededor de 1300 a. C.

Gilgamesh era un legendario rey de Uruk, una antigua ciudad a orillas del río Eufrates. Se suponía que era dos tercios de dios y un tercio de hombre, cosa que lo hacía notable, por decir lo menos.

Después de la muerte de su amigo cercano y compañero guerrero Enkidu, el rey Gilgamesh se da cuenta de que todos los hombres y mujeres deben morir algún día y el héroe quiere encontrar una manera de engañar a la muerte y vivir para siempre.

Después de muchos viajes, Gilgamesh encuentra a una sabia posadera llamada Siduri, quien le dice que su búsqueda no tiene sentido y que sería mejor buscar los placeres de esta vida, aunque sean transitorios.

Ella le dice al héroe: “Gilgamesh, ¿a dónde te apresuras? Nunca encontrarás esa vida que estás buscando. Cuando los dioses crearon al hombre, le asignaron la muerte, pero la vida la conservaron bajo su propio cuidado. En cuanto a ti, Gilgamesh, llena tu barriga de cosas buenas; día y noche, noche y día, baila y se alegre, festeja y regocíjate. Deja que tu ropa esté fresca, báñate en agua, cuida al pequeño niño que sostiene tu mano y haz feliz a tu esposa en tu abrazo; porque esto también es la suerte del hombre ".

Pero Gilgamesh no se conforma con esa explicación y se pone a buscar a Urshanabi, el barquero que puede llevarlo a través de las aguas para encontrarse con Utnapishtim, el único hombre que se sabía en aquellos años que ya era inmortal.

Gilgamesh al llegar a la lejana casa de Utnapishtim el Lejano, quiso saber cómo este hombre ganó la vida eterna. Utnapishtim respondió que en la antigüedad, los dioses resolvieron destruir a la humanidad con una gran inundación porque los seres humanos hacían demasiado ruido y los dioses estaban muy irritados por el alboroto. Entonces Ea, el dios de la sabiduría, advirtió a Utnapishtim en un sueño que debía construir un gran bote en el que su familia y varios ejemplares de cada criatura que existiera viva, pudieran refugiarse. Esto hizo Utnapishtim, y cuando los dioses desataron las terribles inundaciones, sobrevivieron al desastre.

Durante seis días y seis noches soplaron vientos, torrente y tempestad y la inundación abrumó al mundo, la tempestad y la inundación se desataron como huestes en guerra. Cuando amaneció el séptimo día, la tormenta del sur disminuyó, el mar se calmó y la inundación se detuvo; se hizo el silencio, y toda la humanidad se había convertido en barro.”.

Cuando el nivel de las aguas bajó, Utnapishtim envió pájaros - una paloma, una golondrina y un cuervo - desde el bote y como no regresaron, supo que era seguro salir del barco y la vida se reanudó. En agradecimiento, Utnapishtim ofreció sacrificios de sangre a los dioses.

Los dioses lamentaron lo que habían hecho y prometieron no volver hacerlo nunca más y, para recompensar a Utnapishtim, lo hicieron inmortal.

En la imagen vemos al que posiblemente sería Gilgamesh, el escritor de dicho poema. Sobre si existió o no el Diluvio Universal, como hay muchas y diversas teorías a veces llevadas a los terrenos diversos de los mitos y las religiones, casi es mejor pensar que sí, efectivamente, alguna inundación terrible debió suceder hace miles de años, no ya en todo el mundo mundial, pero posiblemente en gran parte del mundo cultural conocido en aquellos años y con capacidad de guardar sus relatos de forma oral al menos.