Dibujo para colorear. Ejercicios de color

A los niños les encantan los colores, jugar con ellos y darse cuenta que todo cambia según los van eligiendo. El dibujo libre o la pintura colorista libre es un ejercicio para ellos que les incita a entender el valor de la página en blanco y su capacidad propia para plasmar "cosas".

Pero también los dibujos ya realizados y listos para colorear son un buen ejercicio de práctica para jugar con los colores. 

Aquí dejo un ejemplo que muestra la iglesia más reconocida de Pontevedra, la Peregrina. Hay dos maneras de pedirle a los niños qué deben hacer, según sus edades.

La primera y sencilla es simplemente solicitarles que coloreen el dibujo, que llenen de color las formas que vemos ya marcadas.

La segunda es más entretenida. Se trata de indicarles que pinten no con colores reales sino imaginativos, rellenando los espacios en blanco. Una cara no tiene que ser de color carne, sino de lo que al niño se le ocurra. Una iglesia no tiene que ser color ladrillo o gris. Un árbol no tiene que ser verde. 

Este segundo ejercicio depende de la edad del niño, y es más indicado para niños algo más grandes.

Nota.: Tristemente desconozco el autor de esta obra, que seguramente será de Pontevedra.

Retrato de la señorita Lieser, de Gustav Klimt

La obra que vemos arriba es del artista austriaco Gustav Klimt y se ha subastado esta semana por 30 millones de euros. Se titula "Retrato de la señorita Lieser" pintado en el año 1917, un año antes de fallecer.

Considerado un pintor modernista simbólico, trabajaba mucho los retratos casi oníricos de mujeres en medio cuerpo, que iban acompañadas de ambientes fantásticos y detalles.

Esta obra ha estado un siglo en paradero casi desconocido, posiblemente por miedo de su propietario a que fuera incluida como obra saqueada en la II Guerra Mundial.

No es un cuadro terminado, aunque en lo fundamental sí lo está. No lo pudo terminar posiblemente por su muerte temprana y está sin firmar.

Carteles del 23 de abril en Aragón

El 23 de Abril además de ser el Día de Aragón, lo es de Castilla y León y el Día del Libro. Un día no festivo en España, excepto en las dos comunidades antes citadas.

Os dejo los carteles que se han realizado en Aragón. El institucional del Gobierno de Aragón, uno que ha publicado Heraldo de Aragón y otro del Ayuntamiento de Huesca.

El extraño caso del buzón azul que se movía levemente

Cualquier sitio es bueno para colocar el buzón que nos recoja las esperanzas, las misivas que nos contactan, las cartas de regalo o las de castigo. 

Este buzón estaba suelto y mucho me temí que según avanzara el invierno iría bajando de altura. 

Pero los buzones también están vivos y se mueven. Incluso para sujetarse y así no caerse al suelo.

Daniel Zuloaga: Lo que más quiero es el Arte

Unas palabras del pintor y ceramista Daniel Zuloaga, sobre el Arte:

"Lo que más quiero es el Arte; lo que me infunde apego a la vida es el afán de hacer obras bellas; pudiendo crear, anhelaría vivir eternamente siempre, y antes de perder mis facultades creadoras, ansío la paz de la muerte".

En realidad todos los artistas pensamos my parecido. Crear es mucho más que trascender, o que disfrutar observando lo que finalmente has creado. Crear es sobre todo sacar desde dentro algo, y entregarlo. Y una vez ya desprovisto de ello, seguir pensado en lo siguiente.

El Sacrificio a Pan, posible obra de Goya

En otra entrada anterior hablaba de la obra de Goya titulada "El Sacrificio a Vesta" y ahora vamos a ver "El Sacrificio a Pan", cuadros similares de la época de Italia de Francisco de Goya.

Aquí vemos a una sacerdotisa en un bosque ofreciendo un cuenco de oro con vino, a una estatua que representa al dios Pan, el dios de la fertilidad masculina. En realidad es una mezcla de Dios Pan y Dios Príapo que representaría la fecundidad de la tierra, de los campos.

Como en la obra "El Sacrificio a Vesta" hay dudas sobre su autenticidad, pero en ambos casos hay que saber que fueron obras rápidas, hechas para ganarse el sustento, e incluso esta se agrandó con posterioridad para que ambas tuvieran el mismo tamaño.

El sacrificio a Vesta, posible nuevo cuadro de Goya

En el año 2013 se descubrió en la Universidad de Barcelona y tras aplicar en la obra radiación con terahercios (THz) (una técnica "no invasiva"), una firma hasta ahora inédita del cuadro “El sacrificio a Vesta” que se escondía bajo la pintura, un cuadro realizado en el año 1771 y que se podrá atribuir a partir de ahora a Goya tras detectar en el margen inferior derecho una firma muy parecida a las del pintor aragonés Francisco de Goya. Ya se sospechaba que era obra de Goya.

El trabajo, que publica la revista 'Optics Express', ha sido liderado por el catedrático de Física Fundamental del centro barcelonés, Javier Tejada, quien ha indicado que se trata de la primera vez que se utilizan los terahercios para ver una firma escondida en una obra pictórica. 

Por ello, ha destacado el potencial de esta técnica para mostrar características no observables a simple vista y completar los datos observados hasta ahora con técnicas de rayos X o infrarrojos, lo que puede aportar nuevas evidencias de la autenticidad de las obras.

La imagen THz se forma tras unir imágenes de un milímetro cuadrado, y sus ondas llegan a diferentes capas de pintura, lo que proporcionan una representación tridimensional de la obra, incluso reflejándose de manera diferente según el tipo de pigmento y material. 

De este modo, los investigadores han hallado una marca de lápiz de carbón bajo una capa de barniz oscurecido por el tiempo y, aunque evitan confirmar si se trata de la firma de Goya, apuntan a que se parece lo suficiente como para reforzar la idea de que la obra es del pintor zaragozano, realizada en su estancia en Italia y siendo muy similar a su pareja "Sacrificio a Pan".

En el caso de 'El sacrificio a Vesta', propiedad de la colección privada del mecenas artístico Félix Palacios, muestra a un sacerdote celebrando el ritual del fuego para invocar a Vesta, la diosa protector de la familia y el hogar.

Es un cuadro pequeño, poco mayor a un A4 y posiblemente formaría parte de algunas obras de Goya realizadas para vender como forma de lograr ingresos para vivir en Italia, pues no había ido allí con Becas de Formación.

Autorretrato de Goya, ajeno a lo que sucede

Si quieres conocer al Goya que trabajó en Madrid debes ver esta obra. Nada más entrar en San Francisco el Grande de Madrid, la primera capilla de la izquierda nos deparará a los zaragozanos dos sorpresas. Una pequeña imagen de la Virgen del Pilar y en el altar de la capilla un gran cuadro pintado por Francisco de Goya de casi cinco metros de altura.

El 20 de julio de 1781 Francisco de Goya y otros pintores de la Corte recibieron del conde de Floridablanca el encargo de llevar a cabo la decoración de la basílica de San Francisco el Grande.

El cuadro “San Bernardino de Siena predicando ante el Rey” es un lienzo realizado por Francisco de Goya para la Basílica de San Francisco el Grande de Madrid, donde aún se conserva colgado al culto religioso, y que fue pintado entre los años 1780 y 1784, entre bocetos y obra final.

Francisco de Goya era, en esa época, un joven pintor de cartones para tapices muy reconocido; pero la crisis de Gibraltar, producida al inicio del decenio, provoca la escasez de encargos públicos y hace que el interés del artista se traslade a obras de índole más privada y a obras religiosas. Había salido de Zaragoza bastante enfadado y quería asentarse en Madrid como pintor religioso y de la Corte.

En la actualidad hay dudas sobre si Goya quiso representar al monarca aragonés Alfonso V el Magnánimo o al Rey Renato I de Nápoles recibiendo las bendiciones de San Bernardino de Siena. O si tras decidir pintar a un Rey, recibió indicaciones de que era mejor que fuera otro el monarca representado. Dejó de ser Renato para ser Alfonso.

El artista emprendió esta obra con el fin de ganarse el favor del rey Carlos III, amoldando su forma de pintar al gusto neoclásico que tanto agradaba al Rey. Esto es patente en la ordenación geométrica de la composición, en forma piramidal, con casi todos los personajes mirando al cielo como extasiados.

Se considera que es una de las obras religiosas más logradas de Goya, quedándose él mismo autorretratado en la figura del joven más a la derecha con chaleco amarillo.

El violento escorzo, con una vista de abajo hacia arriba, donde se sitúa el santo iluminado desde el cielo, lo utilizará posteriormente en las pinturas al fresco de San Antonio de la Florida.

El variado y luminoso colorido recuerda las pinturas de cartones para tapices pero detalla el rostro de los personajes, dotándoles de miradas propias y personalidad.

Curiosamente el propio Goya se pinta en la obra totalmente ajeno a lo que en la escena sucede y mirando a los espectadores en vez de a San Bernardino.

Retrato o autorretrato de Francisco de Goya

No hay duda de que quien vemos en este retrato es Francisco de Goya, que durante muchas décadas fue atribuido como autorretrato del propio Goya. Ahora hay algunas dudas propiciadas por el Museo de Arte de Boston, que es el propietario de la obra, sobre la autoría real.

Este dibujo de 11 centímetros de altura y realizado entre 1780 y 1783 con grafito y lápiz negro sobre papel verjurado y retocado con difuminos, cuando tenía entre 34 y 37 años, es la obra de un Goya asentado ya en Madrid tras haber realizado numerosas obras en Zaragoza y viajado a Italia, y empezar a ser valorado en su justa medida.

Este dibujo miniatura, guardado por Francisco de Goya entre sus propias pertenencias, pasó a su hijo Javier y luego a su nieto Mariano, hasta que lo compró Valentín Carderera y Solano. A partir de los hijos y nietos de este, la obra se escapó a los EEUU en donde permanece.

En aquellos años, Goya empezaba a trabajar para la Corte en Madrid, era académico de mérito en la Real Academia de San Fernando y pintaba en San Francisco el Grande. 

En esta iglesia, en la obra Predicación de San Bernardino de Siena, realiza un autorretrato pintado y muy similar a este dibujo. La mayoría de expertos siempre se han pronunciado sobre la procedencia de Goya como autor de este dibujo, pero es cierto que las dudas sobre los materiales utilizados obliga a tener que seguir estudiando el trabajo.

¿Vosotros os hubierais llevado este cuadro a casa?

Este cuadro cambió de dueño ayer. Alguien lo tiró a la calle, lo despidió de su casa y lo dejó apoyado por si salían voluntarios. Estuvo en el centro de Zaragoza hasta poco después de verlo.

Lo he cortado para que no se vea, pero en mi imagen original se observa a la izquierda un señor cuarentón que tras mirarlo repetidas veces se lo llevó. Pero hay una duda. Una gran duda.

¿Se lo llevó por el lienzo del mar rompiendo con unas olas potentes, o simplemente prefería llevarse el marco que estaba adosado a las olas?

Yo me lo hubiera llevado por todo menos por el marco, que le sienta como poner unas pistolas a un santo. pero tenía un día lleno de viajes y reuniones.

En muchas ciudades de los EEUU,o es muy habitual que los vecinos dejen lo que ya no quieren, en días muy determinados, en las puertas de sus casas para que otros vecinos los aprovechen, los usen.

Igual es que el primer dueño era americano, y quiere poner de moda esa buena costumbre.

¿Qué os parece la obra? ¿Estará viva en alguna pared?

MPA

Bicho bellamente asqueroso en el centro de Pontevedra

Los monstruos se multiplican ellos solos, incluso llegan a calles de ciudades alejadas de los circuitos del terror, como Pontevedra, donde ya quieren ocupar sus espacios propios. No hay que fiarse de los bichos azules.

Nos miran con sus varios ojos y nos intentan poseer. Pero ya no engañan a nadie, sean azules o amarillos, rojos o violetas, sobre todo son planos y no parecen moverse. Aunque aun así, hay que mirarlos. 

Es simplemente arte urbano, arte efímero, es sobre todo arte agradable para mirar mientras se pasea. 

También lo feo puede ser agradable y simpático.

El dolor y la muerte en el World Press Photo 2024

La imagen que vemos en la siguiente página ha ganado el World Press Photo 2024. La fotografía muestra a una mujer palestina, Inas Abu Maamar, que abraza el cuerpo sin vida de su sobrina de cinco años, Saly, envuelto en un sudario, en el hospital de Nasser, en Gaza.

Esta imagen realizada por Mohammed Salem para la Agencia Reuters, fue tomada el 17 de octubre de 2023, y se publicó por primera vez en noviembre de ese año. Nos muestra a una mujer adulta de 35 años y a una niña envuelta en un sudario que falleció junto a su madre y su hermana a causa del misil israelí que alcanzó y destruyó su hogar en Jan Yunis.

No solo muestra el dolor insufrible de la debilidad de las personas ante lo que no es posible entender, sino además, retrata la desesperación ante el futuro, abrazando de alguna manera a la muerte, como único presente.

Goya y sus dos obras de José Antonio Caballero

La figura de Francisco de Goya es fabulosa para las notas y noticias. Constantemente van saliendo obras no muy conocidas, que van pasando de manos pues es un artista muy actual, muy bien valorado fuera de España y muy respetado en todas sus vertientes artísticas.

Esta obra que vemos arriba es "Retrato de José Antonio Caballero, segundo marqués de Caballero, secretario de Gracia y Justicia" pintada por Goya en el año 1807 y que en la actualidad está en el Museo Huntington de Pasadena en California, desde finales del año 1023.

Esta obra está puesta en la actualidad en el despacho del fundador del Museo Huntington, el dueño de Pacific Electric Railway a principios del siglo XX. Hablamos de un gran museo con más de un millón de visitas al año.

La familia tenía una gran admiración por España y su cultura y Arte, llegaron a tener una vivienda en Valladolid y un sobrino llamado Archer que era realmente quien admiraba España, llegó a fundar la Hispanic Society en Nueva York en el año 1904.

De esta obra hay cuatro copias, posiblemente solo dos de Goya, esta de arriba que fue la primera, y una que se encuentra en el Muzeum de Budapest y vemos abajo. 

Una tercera de su taller pero que está inacabada y se encuentra en Houston, y una cuarta que se hizo posterior a Goya.

El tamaño de esta obra original es de 105 centímetros de alto, pero en las imágenes que vemos le he cortado algo de la zona de arriba, pues a veces en algunas obras (y que me perdone si se entera el autor) sobraba espacio en las zonas altas, posiblemente pensando en que irían colocadas en paredes muy altas.

Nota.: Si os parecen idénticos los dos cuadros, observar el papel que lleva en la mano, y veréis que son diferentes. Repito, la de arriba está en los EEUU y la de abajo en Hungría.

La fotógrafa Montserrat Soto y su Infierno Ciego

La artista catalana (y castellana pues vive en Burgos desde hace más de una década) la fotógrafa Montserrat Soto, nos presentó estas obras que en su conjunto tituló "Infierno Ciego" y que había realizado en el año 2018. Una serie de fotografías impresas digitalmente sobre papel que muestran una particular manera de mostrar los paisajes que se dejan ver desde múltiples capas visuales.

Sus 35 años realizando exposiciones individuales le avalan para mostrarnos casi siempre en series, sus paisajes en donde intenta mostrarnos sus partes oscuras, sus destrucciones, su acción inevitable que influyen en quien los observa.

En el año 2019 recibió el Premio Nacional de Fotografía, por su "preocupación por la ecología y la memoria" y que se suma a muchos otros premios menores.

Juan Aguirre y su "El Chaparral"

Esta obra del artista madrileño Juan Antonio Aguirre, realizada en el año 1977 la tituló "El Chaparral" y se realizó en acrílico sobre lienzo.

Además de pintor, Juan Aguirre fue teórico de Arte e impulsor de la llamada Nueva Generación, un nuevo constructivismo artístico cercano al Arte Naif. 

Su obra escrita más importante es el libro que escribió en el año 1969, titulado: Arte último: la Nueva Generación en la escena española.

"Elementos para un Discurso" de Antonio Fernández Alvira

No siempre es sencillo calificar de Arte todo lo que vemos ya catalogado como Arte. Sobre todo por la propia subjetividad de la palabra Arte. De entrada os recomiendo que veáis la serie "Bellas Artes" creada con un trabajo coral de Gastón Duprat, Mariano Cohn, Andrés Duprat y Martin Bustos.

Esta obra que vemos es una estructura de metal, resina y pigmentos creada por Antonio Fernández Alvira titulada "Elementos para un Discurso" y realizada en el año 2019.

Es una de esas obras de las que podemos discrepar o no, que tiene elementos como bien dice su título, para poder hablar del Arte y de hasta dónde llega. O de donde proviene. Y sobre todo hasta dónde quiere llegar.

El Arte no es nada, o es todo, depende del espectador. Sobre todo porque Arte es la música, la danza, la fotografía, el teatro, la pintura, la escultura, la performance. Son elementos provocadores sobre los que se puede hablar sin que nadie nos sintamos mal.

No siempre vemos lo que se nos muestra

En el Arte a veces se juega a engañar un poco. A mostrar lo que casi no se ve, lo menos habitual, a enseñar sueños o miradas personales.

Esta obra solo la veríamos bien si nos alejamos mucho. Es como el puntillismo de hace unos siglos, pero en versión moderna con un collage que tapa y muestra para engañar.

Joaquín Sorolla y su obra ¡Triste Herencia!

Vamos a empezar el día observando esta obra de Joaquín Sorolla, pintada en el verano de 1899 en Valencia. El propio Sorolla nos explica la obra que tituló: ¡Triste Herencia!

"Un día estaba yo trabajando de lleno en unos de mis estudios de pesca valenciana, cuando descubrí a lo lejos unos cuentos muchachos desnudos dentro y a la orilla del mar, y vigilándolos, la vigorosa figura de un fraile. Parece ser que eran los recogidos del Hospital de San Juan de Dios, el más triste desecho de la sociedad (palabras de Sorolla) ciegos, tullidos, locos y leprosos.No puedo explicarle a usted cuánto me impresionaron, tanto que no perdí tiempo para obtener un permiso para trabajar sobre el terreno, y allí mismo al lado de la orilla del agua, hice mi pintura".

Este cuadro del que existen numerosos apuntes y dibujos, se pintó con la luz de la tarde, que era algo que dominaba perfectamente Sorolla.

Goya en el subsuelo de Zaragoza

En los subsuelos de la ciudad de Zaragoza se puede encontrar a Goya repintado, encoscado, mostrando sus grafismos para que sepamos bien en qué ciudad estamos.

No es sencillo encontrarse estos murales, aquí vemos solo una parte de ellos. Están en la Estación Goya de trenes. Pero es una estación sobre todo para cercanías o trenes de media distancia.

Francisco de Goya en Zaragoza es mucho más que un recuerdo, es sobre todo un icono de Arte que llena muchas zonas de la ciudad. Y en pocos meses de espera, todavía será más, cuando se abra ya remodelado el Museo de Zaragoza, que junto al Museo Goya, dará más visibilidad al genio de Goya.

Thomas Devaux, fotógrafo que crea pinturas

Thomas Devaux es un fotógrafo francés que crea pinturas impresas en alta calidad a base de fotografías comunes muy tratadas en su laboratorio digital. 

Crea pintura sin pintura, crea Arte Fotográfico como si buscara crear obras pintadas.

O lo que sería muy similar, utiliza la fotografía como herramienta para crear cuadros pictóricos.

Elena Lapeña Aznar y su "Díptico Naranja"

La artista zaragozana Elena Lapeña Aznar nos muestra dos obras para la XXIX Exposición de Arte Contemporánea para Aspanoa, que se complementan y que ella llama "Díptico Naranja", realizadas con técnicas mixtas sobre tela. 

Hay obras de Arte que a cada uno nos atrapan por diversos motivos, casi nunca fácilmente explicables. Estas dos obras son sencillas en su trazo pero contundentes en su color y en sus formas y volúmenes. 

La mezcla de pintura aguada con formas mucho más expresivas le confieren un cuerpo muy interesante que ayuda a que te atrape y te retenga más de lo habitual.

Un Fernando VII de Goya, poco conocido

Un retrato del rey Fernando VII pintado por Francisco de Goya, y que le encargó el Ayuntamiento de Talavera de la Reina (Toledo) para sus dependencias hace más de 200 años al pintor y que había desaparecido durante el inicio de la Guerra de la Independencia nada más ser pintado y en su traslado a Talavera, ha aparecido de manera bastante sorprendente en la Comunidad de Madrid, en manos de un propietario particular.

Tras 15 años de búsqueda, el abogado y tasador de arte Javier Gallego ha dado con el paradero del cuadro, de unas proporciones de 69 centímetros de altura. El Rey Fernando VII aparece cuando tenía 23 años, uniformado con la banda de Carlos III, varias insignias y el Toisón de Oro.

Una obra de Goya que pasa de mano en mano hasta reaparecer en lo que parece más una historia increíble y de ficción que algo real. Robada por los franceses como saqueo de guerra y que es devuelta o recuperada en 1813, para que el propio Fernando VII se la regale al Duque de Wellington, a Inglaterra, para venderla años después hasta que finalmente vuelve con los años y ya en el siglo XXI a manos españolas de un particular.

Mujeres de Afganistán sin derechos, por Beata Praska

Hablar de la situación de la mujer en Afganistán en el siglo XXI en estas décadas absurdas y consentidas por el mundo, es ponernos a todos los vergüenzas dentro de nuestros corazones.

¿Por qué esas mujeres no tienen ningún derecho? 

¿No somos todos, responsables de eso?

Esta fotografía es de la artista Beata Praska, una profesional de la imagen y sobre todo el retrato, afincada en Madrid, que nos muestra en Zaragoza esta imagen titulada "Los tobillos cautivos" dentro de una exposición titulada "29 Miradas de la mujer en Afganistán".

En esta fotografía se nos recuerda que las mujeres en Afganistán no pueden mostrar sus tobillos, y que aunque lo hagan para no saltarse sus costumbres y órdenes de sus culturas y maridos, en realidad llevan una tobillera, una pulsera de plata para ser esclavas de esas costumbres, para estar simplemente atadas.

El zaragozano CAYO y sus huesos de muerto

El artista urbano zaragozano, que también trabaja el acrílico sobre otros soportes diferentes al muro y la pared, al que conocemos como CAYO o como David Sanz, nos presenta esta obra titulada "INRI, El Señor del Hueso", realizado en el año 2023 y de alguna manera similar a otra obra suya que se podría ver en las calles zaragozanas.

Calaveras y color, negros y blancos, modernidad urbana, ciertos toques mexicanos de Arte Urbano, y sobre todo un grito al cambio social, a la humanidad, a poner color positivo a la vida.

Universalismo constructivo, de Joaquín Torres García

Del conocido artista uruguayo Joaquín Torres García, una obra al óleo sobre tela del año 1933, titulada "Constructivo en Blanco y Negro TBA". Una clásica obra sin color alejado del blanco y el negro, del "Universalismo constructivo" una corriente pictórica sobre todo, creada por el mismo artista.

La obra pertenece a la Fundación Telefónica.

Expresionismo abstracto de Jesús Guerrero

Hoy voy a dejar una obra de un gran profesional del Diseño Gráfico, y pintor de explosiones de color, entre otras temáticas. 

Como pintor su nombre creo que no ha pasado a la historia, aunque su nombre sea igual al de otros artistas más conocidos. 

Esta es una obra de Jesús Guerrero del año 1993.

Esta obra la conozco muy bien, incluso la utilizo para probar objetivos fotográficos, por poner un detalle, pues su función principal es agradar algunos días propios.

Es sin duda una obra explosiva. Un cuadro abstracto, un expresionismo abstracto que me recuerda a su forma de ser, contundente con las calidades de sus trabajos, en donde buscaba posiblemente lo que nadie era capaz de ver. 

Un gran hombre, sin ninguna duda, muy exigente pero muy cercano, que me hizo este regalo espléndido. Por donde esté viéndome, que sepa que lo sigo admirando.

Arte con Inteligencia Artificial. ¿Es del todo artificial?

Con el uso de la Inteligencia Artificial en el Arte tengo serias dudas. Podría ir a lo fácil, y decir que lo aborrezco y que Crear con IA no es Crear, sino copiar, a lo sumo decirle a una máquina que me haga lo que yo no sé hacer.

Pero en realidad la fotografía es muy similar a eso. Utilizamos una máquina para coger lo que nos gusta de lo que vemos. Pero somos nosotros los que le decimos a la máquina fotográfica qué queremos que haga, que retenga, que nos lo traslada en un fotograma.

Todo el mundo puede fotografiar lo que hacen los grandes fotógrafos como Sandra Platas por poner un ejemplo. Pero el valor de su obra no lo tiene ni la cámara ni sus artilugios, sino sus decisiones con esas máquinas.

Con la misma Canon alguien puede hacer algo muy mediocre y otras personas con sus miraras y formas de ordenar a la máquina que dispara con unos baremos determinados, puede crear maravillas.

Es verdad que la IA nos facilita mucho las cosas. Pero cuando pasamos de revelar en casa los negativos y a positivar con la ampliadora, a simplemente tener imágenes digitales en el instante, también se nos facilitaron mucho las cosas. 

Hoy hay millones, miles de millones de personas capaces de hacer fotografías con lo que llevan dentro de su bolsillo. Pero no por eso la buena fotografía ha perdido calidad aunque en su conjunto, estadísticamente y si sumamos todas, lo haya perdido.

La imagen que vemos es IA, una imagen ordenada a un programa con unas normas y unas órdenes muy concretas. Una persona con un gusto artístico determinado le ordenó hace "algo". Y tras eso, se encuadró y se retocó en un programa informático para realzar algunas partes de color y para potenciar algunos detalles.

Utilizar las herramientas que existen no es Artificial. Hace no tantos año para ir de San Esteban de Gormaz a Soto de San Esteban, me llevaban en un carro con mulos. Ahora y desde hace décadas, ya me llevan en taxi. ¿Es eso artificial?

Mural en Villa de Vallecas, Madrid

Sigamos brevemente con el Arte Urbano, el Arte de calle, de artistas que colocan sus obras en muchos casos muralistas, en edificios y barrios de numerosas ciudades del mundo. Es el Nuevo Arte Contemporáneo.

Este edificio es del barrio madrileño de Villa de Vallecas, da a una Hogar de Personas mayores a las que les alegra el jardín y sus reuniones para jugar o para charlar. Color y formas, y poco más pues para el Arte Urbano no es necesario mucho más que deseos de crear para agradar.

Santiago Matamoros de Francisco Rizzi

La imaginaría religiosa del catolicismo jugó durante excesivas décadas con su Santiago matamoros, con esa figura militar que parecía agradar a los religioso como si la religión no fuera una filosofía de paz y concordia, y tras alzarlo a los altares vestido de militar lo llenó de batallas con cabezas de moros arrancadas.

Esta obra que vemos arriba es un Santiago Matamoros de Francisco Rizzi, de finales de la primera mitad del siglo XVII ,y es el Retablo Mayor de la Iglesia de Santiago en Madrid. 

Si nos fijamos en el detalle inferior, podemos ver a un hombre con la cabeza abierta y chorreando sangre. Y está dentro de una iglesia católica. ¡¡Uff!!

Francisco Rizzi fue un pintor español, hijo de un pintor italiano. Pero nacido en Madrid en donde se dedicó con ayuda de la Corte Real a pintar numerosos altares religiosos, muchas veces desde un punto bastante teatral.

Le Corbusier en tapiz, por la Real Fábrica de Tapices de España

También los tapices son obras de arte, y no se acabaron con Goya sino que la Real Fábrica de Tapices de España, con sus 300 años de historia, sigue trabajando muy actualizada.

Este que vemos es un trabajo suyo del año 2005, una composición según un modelo de Le Corbusier, realizado en lana con una calidad de 50 hilos por decímetro. No es grande, tiene una altura de 44 centímetros, pero es una obra de arte en tapiz. 

Desde 1721 lleva la Real Fábrica de Tapices de España trabajando, creando nuevas obras y sobre todo restaurando tapices históricos. El edificio se puede visitar en Madrid en donde se pueden contemplar muchas obras de Goya en tapices.

Salvador Dalí y un Don Quijote en obra gráfica

La obra gráfica no es solo una manera de abaratar el Arte o de hacerlo más accesible para más personas al multiplicar la obra con el número de ejemplares. Es también una forma particular de crear. Toda la obra gráfica de Francisco de Goya y sus grabados es un buen ejemplo, pero en Europa hay muchos más de gran calidad.

Luego y en el siglo XX vino la mercantilización del Arte y el abuso de la Obra Gráfica por parte de artistas muy conocidos, que a veces aunque sus obras venían firmadas, eran creadas por excesivas manos simplemente para obtener beneficios, y no siempre para los autores.

Es el caso más conocidos de autores como Picasso, Dalí o Miró, que tuvieron un crecimiento muy importante en su obra gráfica que en algunos casos ha servido posteriormente para ser falsificada con mayor facilidad.

Esta obra que vemos arriba es un Don Quijote de Salvador Dalí del año 1981 de 75 centímetros de anchura.

Juanjo Guarnido y un Fauno de joven artista

Del dibujante granadino Juanjo Guarnido, un "Fauno" de sus tiempos de Universidad, en sus inicios del dibujo, antes de que se convirtiera en el dibujante tan reconocido en ilustración de todo tipo.

Dibujante de series de dibujos por medio mundo, incluido Disney, ilustrados y dibujante de cómic, es un artista de gran oficio.

Picasso, que muy pronto censurarán. Daros prisa

Esta que vemos aquí (de momento) es una obra de Pablo Picasso, titulada "Odalisca con las piernas cruzadas", realizada en el año 1970 en un grabado al aguafuerte sobre cobre del que luego hizo sucesivas impresiones.

Como es lógico, hay que darse prisa en ver esta imagen, este dibujo de Picasso sobre cobre, antes de que nos la censuren en las Redes Sociales. Podemos ver muertos, sangre, violencias, pero mostrar una teta de Picasso es pecado y está prohibido aunque parezca una espiral. 

Bueno, eso y el ojete, que posiblemente sea una de las mayores barbaridades que se pueden permitir en estos tiempos de censura.

Si Picasso levantara la cabeza se troncharía de la risa, pero ahora ver sus obras está prohibido no vayan a convertir a los niños, que por cierto ven las tetas en otros lugares y son más reales, nunca son en espiral.

A través de la piel de la artista zaragozana Asun Valet

Esta obra se titula "A través de la piel" y es de la artista zaragozana Asun Valet realizado en el año 2023 en acrílico con pigmentos de hierro y bolígrafo sobre papel washi. Una suave explosión de trazos y color, que dibuja su mundo imaginario, a veces con la intuición personal que le lleva a descubrir posibles (o imposibles) mundos alejados de los habituales.

Una mujer entre los 400 millones de pobres extremos

Una mujer india prepara su comida bajo un paso elevado en la ciudad de Jammu (1,5 millones de habitantes), en la India. 

El Banco Mundial estima que unos 400 millones de pobres extremos viven en la India, de un total de 1.400 millones de personas que habitan en India, excesivos pobres extremos que conviven mal en el mismo mundo en el que estamos todos nosotros.

Muchos de ellos optan por la emigración hacia las grandes ciudades de su propio país, en busca de trabajo, y muy a menudo terminan viviendo en las calles o en los suburbios de estas grandes ciudades.

Dos ciudades en India superan los diez millones de habitantes censados. Mumbai con casi 13 millones y Nueca Delhi con once millones.

La ciudad rota de Homs en Siria, sociedad de jóvenes

La triste imagen de las guerras cercanas donde se destroza todo, incluso las esperanzas y las formaciones de lo niños y jóvenes. 

Es la ciudad de Homs en Siria. Aquí al lado, en el Mediterráneo. 

¿Qué pensarán de nosotros los jóvenes de la imagen, que están creciendo entre las ruinas de sus calles y de sus familias?

La imagen es del año 2014, hace 10 años, y uno se debe preguntar… ¿Qué pensarán estos jóvenes hoy, del mundo que consintió que todo esto sucediera?

La Estatua de la Libertad de New York

Hoy muestro un símbolo occidental y no a una persona o una obra de Arte en general, y es porque el monumento de la Estatua de la Libertad de New York solo representa lo que cada uno de nosotros quiere que represente. 

Podría ser incluso una persona alzándose con el puño en alto como bienvenida, llevando la posible Luz de un Nuevo Mundo.

Puede ser el inicio de algo. Todo depende del espíritu con el que miremos.

Y ese inicio puede ser positivo o negativo. También eso depende de nosotros.

Pero impresiona al verla al natural, pues ya sabes cuando la observas, que era lo primero que veían millones de personas al llegar a lo que consideraban “La Libertad”, aunque luego se fuera convirtiendo su convivencia en un esclavismo moderno y disimulado.

Las Cuatro Estaciones del escultor Rob Birza

El artista Rob Birza es un escultor y pintor de los Países Bajos que tiene instalado en Amsterdam unas obras que tituló "Cuatro Estaciones" realizadas en el año 2000. Está considerado en su país como uno de los artistas más notables del panorama artístico contemporáneo holandés. 

Su obra tiene un carácter libre y no tiene un denominador común que lo encasille. Su producción fue al principio de pinturas al temple, pero luego creó en su trabajo más esculturas y divesos objetos espaciales como elementos visuales.

La obra de arte Four Seasons de Rob Birza cambia continuamente. Debido al cambio de colores, la obra de arte expresa diferentes emociones. La obra de arte está formada por cuatro caras. 

Debido al cambio de color al mismo tiempo, esto hace una combinación diferente de esferas. Esto estimula la vida emocional en esta pasarela aparentemente interminable e impersonal en el aeropuerto.

Proverbios Disparates Francisco Goya

Los Proverbios o Disparates de Francisco de Goya los realizó entre los años 1819 y 1823 y fueron la última de las obras gráficas de Goya. En ella se muestran las visiones oníricas de Goya, la presencia de la violencia y el sexo y la ridiculización de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen y, en general, la crítica del poder en general. 

Se cree que es una colección incompleta, pues contiene o se realizaron 21 estampas, pero a su vez no existe forma de saber el orden si es que lo tenían, para saber si eran estampas sueltas o formaban parte de una historia. Los estudiosos no han sido capaces de encontrar un hilo conductor entre ellas y hay muchas dudas de la intención de Goya con este mundo que nos dejó en esta colección de estampas incompletas.

La imagen que dejo es un detalle del Proverbio número 4, mostrando un personaje.

Un Cano de José Luis Cano

En Aragón tenemos muchos artistas y muy buenos diseñadores y dibujantes. Mezclados pero no revueltos. Este dibujo es de José Luis Cano Rodríguez, ilustrador, diseñador, artista aragonés que lleva décadas trabajando desde, por y con el arte.

Cuentista, escritor de historias de niños y para niños mayores de 50 años, un somarda zaragozano con mucho sentido común, casi tanto como de humor natural. Como mínimo le debemos no una viñeta, sino un dibujo con más enjundia. Por cierto, fundador de sus famosos "Canicos" que son libros pequeños de Cano.

Un mal cuadro que sirvió para disfrutar

Nadie nace sabiendo algo, de hecho nacemos sin saber ni comer. Los instintos nos mueven. Dibujar o pintar se practica desde muy niños y se va aprendiendo, mejorando tirando papeles.

Esta es una de mis primeras obras manchadas. De hace entre 40 y 50 años de aquello. No la tengo yo, la conservan unos amigos. Hoy estaría en el trastero pero mis amigos la tienen colgada. Ya he dicho que son amigos.

Siempre he pintado mal, pero siempre me ha servido para pasarlo bien. Para tocar pintura y pinceles, para oler, para distinguir colores y texturas. Para intentar aprender.

Con esto quiero decir que pintar se aprende. Y que incluso nosotros mismos vamos viendo los cambios.

Y que el Arte, en cualquiera de sus vertientes, sirve para gozar. Para disfrutar haciéndolo y para disfrutar simplemente viéndolo. 

Este cuadro no, ya lo sé. Pero me da igual, con saber que unos amigos lo tienen colgado ya me hace disfrutar.

Pero de todas las formas, no debemos darle mucha importancia al Arte, más allá de que sirve para disfrutar. Que no es poco. Pero para ello no es necesario que todos seamos ni Goya ni Viola. Con jugar con los colores es suficiente para sentirnos bien.

Todas las ideas vienen y se van. Hay que atraparlas en el instante

Las ideas, todas, van y vienen. A veces los artistas utilizan un cuadernos de notas, de bocetos, para impedir que la inspiración del momento salga volando, se pierda, y así poder atrapar su propia imaginación del momento, en unas páginas del cuaderno.

Una idea no es fácil volverla a repetir aunque la recuerdes en la mente, pues el tiempo transcurrido logra cambiarla aunque sea levemente y en los detalles. Pero muchas veces son precisamente esos detalles los que le confieren calidad. 

Una fotografía podría captar el momento, pero no puede captar lo que en ese momento está imaginando el artista. Eso hay que apuntarlo aunque luego no lo quieras utilizar o lo sustituyas por otras ideas, otras miradas. 

¿Por qué te ha parecido muy interesante lo que estás contemplando? ¿Por la luz, por sus sombras contrastadas, por el color de algún elemento, por un encuadre determinado, por observar a una persona que ha contrastado con el movimiento de una ave?

Saul Steinberg y la verdad en el dibujo

Nos dijo Saul Steinberg, ilustrador norteamericano de origen rumano que vivió en el siglo XX:

"Hay que ser capaz de establecer una complicidad con el objeto que se dibuja, hasta llegar a un conocimiento profundo del mismo. No se dibuja bien si se miente. Y al revés: si en un dibujo del natural se ha dicho la verdad, el dibujo se convierte automáticamente en un buen dibujo."