28.2.24

Arte Urbano Mural en Friburgo, San Jorge en Alemania


Cuando hablamos de Arte Urbano, de pintura en murales, se nos olvida recordar a veces que no es un Arte Contemporáneo en su totalidad. Que desde hace siglos se pintan murales, fachadas, para hacer lo que ahora conocemos como Arte Urbano o Street Art. 

Este San Jorge es de la ciudad de Friburgo en Alemania. Está en la fachada de un gran edificio, acompañado de otro mural en el otro lado de las ventanas (derecha si lo miramos de frente) con una Virgen y dos ángeles.

27.2.24

Valencia bien vale una persiana de Amor


El concepto de agradar, más en estos tiempos duros y ásperos, es de agradecer. Esta persiana decorada de la ciudad de Valencia es mucho más que una simple persiana de una tienda, es además de un ejemplo decorativo de una calle cualquiera, el trabajo que busca agradar y motivar. 

Un detalle de amor, de gratitud, de compañerismo. 

Pero no quiero dejar de señalar el detalle del número de firmas distintas que hay puestas a la derecha de la persiana. Son 14 grafiteros que han respetado el dibujo original, pero no quieren dejar de firmar pues lo deben llevar en la sangre. Firman en pequeñito, pero firman sin estropear el original. Algo es algo. 

Está en la sustancia inicial y vital de los grafiteros.

Nota.: La fotografía es de Laura Puente



Un artista en la calle, busca su satisfacción


Un artista callejero es mucho más que una persona que hace arte desde la calle, es también un osado pues no es sencillo salir al espacio común posiblemente de tu propia ciudad, a trabajar, a crear, a dejarte ver. No estás creando una gran obra sino habitualmente una obra pequeña. 

Ejemplos conocidos lo tenemos en Antonio López en España, pero este que vemos es en Alemania, en la ciudad de Munich. Un joven dibujando, bocetando tal vez una calle, unos edificios.

Cualquiera podría (podríamos) pensar que simplemente haciendo una fotografía debería ser más que suficiente, para captar el edificio inerte. Pero una obra de arte es mucho más, es sobre todo creación.

Se intenta captar la luz, el ambiente, las sombras, y se inventan aquellas que en ese momento se desea transmitir. No todo el boceto será tal y como es, sino como quiera el artista que sea. Y eso, ya en casa y delante de una fotografía inerte, es mucho más complicado de lograr, pues el ambiente afecta.

El artista necesita sentir una motivación especial que solo te lo da el instante de estar "allí".  No solo influye lo que ves, sino también el olor o el sabor de la escena, de los transeúntes que pasan y no se quiere reflejar. 

Y no tiene que estar peleado el hecho de estar allí bocetando un espacio, con el de fotografiar ese mismo espacio varias veces, y luego en tu mesa de trabajo pulir, decidir, seleccionar con qué te quedas para tu obra final.

Sin contar algo imprescindible en el mundo de las sensaciones. No es lo mismo quedarte con un segundo en una fotografía, que quedarte con varias horas contemplando la escena y que se queda en un dibujo a lápiz o pluma. También el artista debe y quiere disfrutar con cada trabajo que hace.

Fatimah Hossaini, fotógrafa de Afganistán


La fotógrafa afgana Fatimah Hossaini y fundadora de fundadora de la Organización Mastooraat ha vuelto a fotografiar a mujeres de su tierra, Afganistán, pero desde París, a retratar a las mujeres de su país desde su exilio. 

Una joven artista a la que en su propio país no le dejan hacer su trabajo. El de retratar las bellezas de sus mujeres y hombres afganos, de sus colores, de su cultura. 

La tristeza es notoria, pero a su vez también lo es la belleza de las gentes de un país que asimilamos siempre como violento, aguerrido, duro, cuando en realidad y tal vez escondido ahora, hay una cultura milenaria y unas bellezas tapadas o destruidas por los talibanes.

Hay esperanza, nos dice, hay una generación de mujeres muy válidas que ya eran empresarias, doctores o investigadoras, y que hoy tienen que permanecer escondidas. 

Ella logró escapar a París como exiliada pues una mujer artista no puede permanecer en Afganistan ejerciendo su trabajo. Fatimah Hossaini, fotógrafa y activista afgana, con sus fotografías tomadas en Irán, Afganistán y Francia; nos muestra la belleza de las mujeres afganas. Exiliada dos veces, lucha por la visibilidad de la belleza y la resistencia de las mujeres afganas.

Nota.: La imagen y algunos de los textos son de una información de el diario El País.


26.2.24

La Mosca de Girona, un diseño que inunda la ciudad


El diseño también es Arte, aunque no siempre lo quieran entender así los que lo encargan, para pagar menos a los diseñadores. Yo he visto hacer auténticas obras de Arte en Diseño Gráfico, digital o no, y que se han pagado a pesetica el cacho. El abuso es tremendo.

Esta es una mosca sencilla, un pequeño recuerdo de Girona en donde la mosca tiene un lugar especial, para turistas sobre todo, dentro de su historia particular. Pero el detalle de la mosca admitida tras ser dibujada es un modelo de Arte, pues trasciende y crea la sensación de que se quiere conocer más sobre la mosca y Girona. 

No hay que pedirle más al Arte que crear un agarre, aunque sea de unos segundos. Creo que el autor fue el grafitero Jaume Canals; A.K.A Mumu 334, pero no lo tengo confirmado.

Una frutas temporales en un mural de una cafetería


No siempre es necesario estar delante de una gran obra de Arte para que esta nos provoque. Estas frutas son un mural de unos tres metros de lado en el interior de una cafetería. Estás tomando una copa o un café sentado en una mesa y el mural te abriga, lo tienes encima de tus cabezas. Podría estar un pequeño cuadro, pero el dueño prefirió encargar un mural que abarcara toda la pared. 

Aquí ya, lo de menos es el dibujo, el detalle, lo importante es la construcción, los rasgos y roturas de la obra que no deja de explicarnos que en realidad es un mural, está sobre un muro.

Al final es una obra efímera, caerá junto a la decoración del local, no es un Goya y nadie se dedicará a rescatarlo del yeso, de la pared, por su coste. Y eso le da otro valor añadido. Es una obra temporal. 

25.2.24

Manolo Millares, pintor fundador del Grupo El Paso


Este cuadro (del Museo Reina Sofía) que dejo para ver y disfrutar, es de Manuel (Manolo) Millares, un gran pintor y grabador español que fue cofundador del Grupo El Paso en el año 1957.

En su última etapa trabaja con arpilleras como en esta obra, realizad en 1970, dos años antes de fallecer, y que titula “Personaje caído 1”

Canario amante de su tierra trabaja en sus últimos años con la arpillera como elemento fundamental en recuerdo a las tela que los guanches de su Canarias natal envolvían a su muertos, sobre las que añadía pintura al oleo, maderas o arena en unos trabajos que parecen reproducciones arqueológicas de sus ancestros.

Episodio de la invasión francesa, de Francisco de Goya en Montevideo

No hay seguridad sobre cuantas obras hizo Francisco de Goya en su vida. Los cuadros oscilan entre más de 400 y menos de 700, pues a veces se sabe de obras perdidas, en otros casos de obras que no se sabe en donde se encuentran y por ello es complicado atribuirle su autoría segura.

A esa cifra que ronda los 500 cuadros habría que añadirle algo menos de uno 300 aguafuertes y grabados y cerca de 1.000 dibujos y bocetos dibujados. Sus estilos fueron cambiando durante sus 50 años de trabajo artístico y eso nos permite ver ahora obras religiosas u obras realmente surrealistas y muy modernas.

Esta cuadro pequeño que vemos arriba está en Montevideo. Es de un tamaño algo mayor a un A4, al óleo, y parece un boceto realizado para una obra mayor que luego se desechó realizar tal y como la vemos aquí. Posiblemente pintado alrededor del año 1914 lo tituló "Episodio de la invasión francesa" y guardará relación con el cuadro "La carga de los mamelucos" o los "Fusilamientos del 3 de mayo" que curiosamente es diez veces más grande de largo y alto que el que vemos arriba.

24.2.24

Una ilustración de Lorenzo Mattotti, artista italiano polivalente


Esta es una ilustración del italiano Lorenzo Mattotti, director de cine también pero sobre todo ilustrador muy reconocido en revistas europeas y americanas. 

Ilustrador también de historietas largas, sabe que la relación entre el texto y la imagen que la acompaña deben ser enriquecedoras ambas, complementarias, pues para contar historias se necesita además del guión una unión casi perfecta de entendimiento, entre los textos (escritos o hablados) y las imágenes (ilustraciones o de cine).

La belleza de los patios de la corona de Aragón


Hay una arquitectura urbana, de grandes casas en Aragón, Cataluña, Valencia o Baleares, diríamos para simplificar que en lo que fue la Corona de Aragón, con algunas constantes muy bellas. 

Una de estas son sus patios interiores, sus zonas de luz y también de distribuir zonas. Sus ventanas y sus arcos, sus escaleras que siempre dan a estos patios.

No son los patios árabes aunque algunos de la Corona de Aragón beban de sus diseños, pues no tienen tanto una zona de agua, de fuentes, de jardines. 

Es más bien una zona de entrada, de poder dejar los carros, de distribuirse entre la vivienda principal y la de servicio. 

Pero su diseño es —sin llegar a la belleza de los patios andaluces y árabes— un elemento de diseño arquitectónico muy bello.

Ir a cazar con una cámara fotográfica


La fotografía está para captar momentos, instantes de miradas, de poses, o para pillar escenas que nos puedan sorprender. Incluso la fotografía está para cazar. Nada es más bello que dedicarse a cazar armado de un buen objetivo y molestando poco a los animales que se dejan fotografiar. Si cambiamos un arma de matar por un arma de fotografiar, salimos ganando todos, incluido el fotógrafo que podrá recordar durante más tiempo lo que ha cazado.

22.2.24

Luis Fernández y su Cabeza de toro, inspirado en la guerra

El artista español pero exiliado a Francia Luis Fernández pintó esta “Cabeza de toro muerto” en el año 1939, al óleo sobre papel que luego pegó sobre madera de tablex, de conglomerado. 

Es como podemos ver una obra basada en el Guernica de su amigo Picasso por sus formas y gestos, pero también es una inspiración de algunas obras de Goya basada en sus grabados de Tauromaquia.

Sin duda dentro de su cubismo surrealista se inspira en el dolor de la Guerra Civil en España para trasmitir pena y derrota, sangre y personalidad hundida y muerta. 

Una cabeza cortada sobre lo que asemeja una plaza de arena circense, romana, cristiana, de lucha desigual, donde el toro siempre pierde. 

Una víctima fácil, que representa al pueblo español, que al final es el que acaba con la cabeza cortada tras sufrir.

18.2.24

Ceremonia del té entre mujeres judías y musulmanas


Este cuadro de María Jesus López Alonso nos muestra una ceremonia del té entre dos mujeres posiblemente judías en esos periodos preislámicos en donde las religiones todavía no estaban tan separadas como ahora.

Una tercera mujer, en este caso más joven, toca música mientras las mayores toman con pastas la bebida, y seguramente hablarán de sus temas en un ambiente que en realidad nos recuerda más a una escena árabe que judía.

Las mujeres mayores lleva en el cuello símbolos que son de ambas culturas y religiones. La Hamsa se utiliza tanto por judíos como por musulmanes. En el primer caso se relaciona con los Cinco Libros de la Torá, y en el segundo caso con los Cinco Pilares del Islam.

15.2.24

La Piedad, de un joven Francisco de Goya



El Museo Nacional del Romanticismo en Madrid muestra desde este febrero de 2024 y por primera vez durante dos meses el cuadro “La piedad” de Francisco de Goya, una obra comprado en el año 2023 por el Ministerio de Cultura por 1,5 millones de euros, y que forma parte de una de las etapas más desconocidas del joven pintor zaragozano.

El cuadro se encuentra en un magnifico estado de conservación es un cuadro inédito hasta época reciente y permite conocer mejor la pintura religiosa de un joven Goya. Mide 83,5 de altura x 58 centímetros de anchura y conserva su tela y bastidor originales, y apenas ha sufrido intervenciones.

La obra se ha fechado entre 1772 y 1774, por lo que es un testimonio relevante sobre las fuentes de inspiración que el aragonés recogió de su viaje a Italia del que volvió en 1771, donde pudo conocer ‘La Piedad’ de Miguel Ángel y otros modelos de Carracci, Maratti y Giaquinto. Goya tendría entre 26 y 28 años de edad cuando lo pintó.

13.2.24

Solar vacío en Valencia. Arte Urbano para mejorar espacios


A un solar vacío y lleno de suciedades lo mejoramos tremendamente con cualquier detalle de color que le añadamos a los muros. 

Incluso los vecinos empiezan a cuidar algo más el espacio, a pensarse algo más el tirar basuras. 

Aquello ya no es un solar vacío, sino un espacio en donde la gente se queda mirando.


9.2.24

La violonchelista. Obra de Sfhir, en Galicia


El Artista Urbano Hugo Lomas (Madrid, 1980) que firma como Sfhir en el circuito del arte urbano ha creado el que ha sido considerado el Mejor Mural del Mundo 2023 titulado "La violonchelista", pintado en un edificio de nueve plantas de Fene (A Coruña). 

Elegido como el mejor mural del mundo en el concurso convocado por la plataforma Street Art Cities a través de las Redes Sociales crea una ilusión óptica que permite ver una imagen completa desde una perspectiva determinada.

Con esta obra y entrevistado, respondió así a la pregunta sobre el papel del Arte Urbano en la sociedad: "Pintar en la calle supone una responsabilidad, porque estás lanzando mensajes, por eso me gusta reflexionar antes sobre ellos. Siempre trato de reivindicar algo que sea constructivo para la sociedad o, simplemente, de embellecer la ciudad y de alegrar el tránsito a la gente. Es algo inspirador: una sociedad creativa es más capaz de resolver los problemas; una sociedad encasillada y cuadriculada, ante un dilema no estipulado, colapsa. El espíritu artístico es muy importante. Sin él, seguiríamos en la edad del fuego".


Una de las Tres Gracias de Antonio Saura


Esta obra es una de las "Tres Gracias" de Antonio Saura que pinto al óleo en el año 1997. Esta obra es propiedad de Fundación Bancaja y hay otra obra anterior con el mismo título y realizada en el año 1959 con distintos trazos y formas (posiblemente más primitivo y abstracto) y que está en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

7.2.24

La Granja de San Ildefonso en otoño, por Joaquín Sorolla


El artista valenciano Joaquín Sorolla pintó esta obra en el año 1907 de algo más de un metro de anchura, reflejando un otoño en El Pardo de Madrid, en la zona de La Granja de San Ildefonso, en un tiempo en que estuvo allí para poder pintar a los Reyes de España. Sorolla tenía 44 años de edad y estaba en plenitud de sus obras pictóricas al óleo.

Aquellos paisajes le abrieron la idea de seguir pintando paisajes, rincones naturales que con sus colores atraparon a Sorolla con sus luces y contrastes. El Otoño es fabuloso para creer que el color es capaz por sí solo de crear contrastes imposibles de ver en otras épocas del año.

6.2.24

Aprende a dibujar con pocos elementos y herramientas


Es un dibujo sencillo, fácil incluso, un dibujo para practicar al aire libre y que nos sirve de ejemplo para aprender un poco las técnicas de bocetaje que a veces se pueden convertir en obras finalizadas, un dibujo urbano interesante. 

Recuerda que lo importante es el encuadre. Aquí esta obra sin la farola, la mujer o la pared de la derecha que marca las distancias de la obra y su relieve, todo sería mucho más aburrido. Eso y el contrapeso de los elementos a derecha e izquierda.

Es la Plaza San Felipe de Zaragoza y es un dibujo de 1925, pero nos daría igual pues nada ha cambiado ni tampoco en las formas de realizar la obra. Un papel de color, crema, marfil, cálido. Y un juego de pinturas de colores, acuarelables o no, y un elemento para perfilas las líneas.

Puede ser un lápiz, una pluma, un rotulador, un rotring o similar, etc. A lápiz suave hacemos los primeros trazos para bocetar levemente el conjunto y buscar volúmenes y distribuir los espacios en el papel.

A partir de esas líneas de lápiz suave, iremos haciendo con acuarela o con lápices de color que luego si son acuarelables podemos humedecer, las manchas de color. 

Puedes utilizar dos colores de la misma tonalidad y gama, o uno solo en dos tonos, a modo de más o menos diluido en agua. O pasando por superposición varias veces el mismo tono por las zonas que deseas oscurecer, multiplicando el color y la fuerza del tono de abajo.

Finalmente con el rotulador vas perfilando los detalles del dibujo, y terminas con un lápiz en tonos grises para hacer sombras y darle volumen. 

Finalmente si deseas remarcar con calor alguna zona, como en este caso el vestido de la mujer o algunos tonos rojos más vivos, o los azules del cristal, los acabas añadiendo.

5.2.24

Virgen del Pilar, en Ejea de los Caballeros. Monasterio de la Oliva

Esta imagen de la Virgen del Pilar es del siglo XVII realizada en un alabastro posteriormente pintado. Se encuentra en Ejea de los Caballeros, en el Santuario de la Virgen de la Oliva

La Virgen del Pilar tiene muchas representaciones, no todas idénticas como es lógico, y por eso nos podemos encontrar con obras que a veces son auténticas bellezas en el arte aragonés del alabastro, como es en este caso, y que además son originales, diferentes. 

El alabastro es un material maravilloso para labrar con detalle y para poder colorear con posterioridad.

100 retratos dobles de García Plana. Memoria afectiva

Hay ideas fabulosas que de simples llegan a sorprender. Ideas de locos muy cuerdos que son capaces de mover entrañas. Vicente García Plana podría ser de estos, y nos lo demuestra en una exposición densa que instaló en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza

Su trabajo de “El objeto de la memoria” es la recopilación de eso, de la memoria, de los objetos que van conformando una vida y que dejamos abandonados por los rincones. No es posible llevar consigo todos los objetos que algún día nos rodearon, pero Vicente García Plana lo ha hecho.

Pero hoy quiero mostraros este trozo de memoria de arriba que siendo recopilatorio tiene una vuelta de tuerza más. 

Seleccionó en el año 2008 a 100 personas de amigos y conocidos y a cada uno de ellos les entregó un pequeño botes vacío. Y les solicitó que cada persona pusiera en su interior lo que cada uno de ellos sintiera que podría representarlos. Un objeto del "sú". Y a continuación el propio artista y en otros 100 frascos idénticos, puso un objeto que creía que representaba a la persona del bote de la izquierda.

Dos botes por cada persona, a la izquierda el de cada persona y a la derecha el del autor, y que reflejan lo que piensa cada uno de sí mismo o de cada personaje según el amigo y artista. Cada uno, con el tiempo, se verá reflejado de lo que en un momento dado, “era para sí mismo
 y para o representaba “el otro”. 

Cómo hacer Gyotaku y qué son los Gyotaku, pez frotados

El Gyotaku (gyo "pez" y taku "frotar") es una manera de crear arte oriental, que nace en Japón en el siglo XIX y que se ha ido trasformando desde una actividad que hacían los pescadores al llegar a puerto para publicitar sus capturas, hasta convertirse en una forma de creación artística con muchas posibilidades y muy apreciado también en el mundo occidental. Hoy se recuerda al Gyotaku como la forma de captar el alma de los peces para conservarlos en el recuerdo.

En esencia es una impresión sobre papel de arroz de la figura de un pescado realizada con tinta china, bien negra o de colores, a la que se le retocan los ojos y algunas partes para darle más realismo. Así de sencillo, más cundo veamos la técnica y sus posibilidades.

Hay dos maneras de hacer la “impresión” Gyotaku del pez sobre el papel. La más sencilla es dar una capa de tinta china sobre todo la parte superior del pez, que está depositado sobre una mesa. 

Con la tinta fresca ponemos encima del pez un papel de arroz y vamos presionando por toda su silueta hasta dejar sobre el papel las formas de las escamas, sus texturas, sus formas que se van copiando como si fuera el animal un simple tampón de impresión. 

Si no levantamos del todo el papel esto nos permite añadir en algunas zonas otro color de tinta china y volver a realizar una segunda impresión a dos colores sobre el mismo papel, sumando tonos y formas según nuestra habilidad.

La segunda forma de crear un Gyotaku es el reverso de esta técnica, pero igual de sencilla, con algunos resultados distintos. Entre ellos que la silueta sale al derecho y no al revés, aunque esto nos da igual en la silueta de animales como los peces. 

Aquí pondremos el papel de arroz por encima del pez sin añadirle a este tinta. Una vez cubierto el animal con el papel pasaremos por encima unas muñequillas de trapo muy fino y limpio, tipo lino, y se va frotando por encima del paz, por toda su silueta, dejando la tinta que lleva la muñequilla de trapo sobre el papel según las texturas del animal. 

También con esta fórmula se pueden practicar varias pasadas con distintos colores de tinta en diferentes zonas del objeto a copiar.

Para simplificar un poco el aprendizaje decir que hay vídeos con esta técnica, que es imprescindible tener un corcho blanco algo hueco con la forma del pescado para que este no se mueve a la hora de hacer la impresión, que las aletas hay que desplegarlas y sujetarlas con unas chinchetas a la base, y que es mejor quitar el ojo al pez para luego pintárselo, para lo que es muy interesante tener una fotografía del mismo antes de empezar la impresión, y así poder copiar después aquellas zonas que no hayan quedado terminadas o a nuestro gusto. 

Y efectivamente, tener el pez puesto sobre la base lo más limpio posible de sangre, tripas y babosidades, para que el papel sobre el que vamos a realizar la impresión no nos huela a pescado podrido a los pocos días.

Recordar que con un mismo pez puedes hacer múltiples impresiones y que cada una te quedará diferente, lo que suele producir esos bancos de peces tan bellos y en donde todos parecen originales únicos aunque vengan del mismo animal. 

¿Has pensado que también se puede hacer con gambas, cigalas, pulpos, sepias, almejas, etc.?


La Estatua de la Libertad también pide ayuda

Un icono lo sigue siendo en todos sus formatos. Este Arte Urbano o Art Street de New York nos lleva a la transformación de la Estatua de la Libertad

Reconocible pero modificada para hablar con ella y por ella. 

Si miramos con detalle su cabeza vemos que quiere salir un grito "help" de su interior

Es una Estatua de la Libertad muy comercializada.


Ibiza y sus miradas. Ventana en negro

Mirarse sin ver
Sospechar que es posible asomarse sin que te vean
Sentirse encerrado en el interior mientras los aires te aprisionan contra la pared
Por eso es necesario tener ventanas en el corazón



La muerte tiene muchas formas de ser mirada de frente

Hay países o incluso sociedades que traspasan fronteras, donde el culto al muerto es un fundamento importante de su propia existencia. 

Viven para y con sus muertos, incluso con esa veneración que traspasa el recuerdo de lo vivido con ellos en vida. 

El muerto se convierte en objeto de posesión, de culto a la vida eterna, a lo anterior, pero también al futuro.

Sin duda la muerte tiene muchas formas de ser recordada por los vivos. Pero muchas veces no se adora a la muerte, sino al muerto.



Cuidado, que te pueden descomulgar si haces malas señas

A vosotros no os importa que os descomulguen, es verdad, pero debía ser un castigo peligroso y terrible en la antigüedad. Ya nunca más podrías soñar con que al final irías al Cielo. 

Este cartel en una iglesia advierte de los motivos por los que pueden quedar descomulgado. Así que mucho cuidado con saltarse las normas.

“Está descomulgado quien hiciera señas o hablara cosas deshonestas en la Iglesia”.

No parece mucho pedir.


4.2.24

Una marina de Joaquín Sorolla a brochazo limpio

El artista valenciano Joaquín Sorolla fue un pintor de luz, de marinas, de mar y aguas. También de retratos, es cierto. Pero sobre todo de actividad. 

Sus personajes siempre están haciendo algo, aunque solo sea mirarnos. 

Y sobre todo es un pintor de brochazos, de marcar las formas con irreflexivos pero muy contundentes golpes de pincel. 

Siempre acertaba —creemos, al ver el resultado— en su basto brochazo, para crear la forma que quería.

Si quieres quitarte las penas, no metas el dedo

Yo no sabía que existieran las “nepenthes” que me suenan a nombre de pena en plural. Curiosamente luego me enteré que efectivamente su nombre viene precisamente de que se empleaban para sacar de ellas una droga que “quitaba las penas”, para insistir siempre que los nombres no son casi nunca por casualidad.

Estas flores son de la zona del sur de Asia, carnívoras ellas, pero suaves pues no muerden, y dentro de la flor y por efecto del agua que recogen con su forma de trompeta o de vaso, se forma un caldo asqueroso y dulce donde caen los insectos al intentar chupar del frasco y quedan atrapados en el líquido pegajoso para el resto. 

Para más imposibilidad de huir, la flor tiene unos pelillos internos dirigidos hacia abajo, lo que imposibilita a los pobres bichos salir, pues es como una canasta de coger cangrejos…, que te dejan entrar pero no puedes salir.

Son hermosas trampas trepadoras que cubren rocas o paredes, mostrando a la luz —que nunca al sol— sus copas asesinas de insectos en busca sobre todo de sabrosas moscas que son más gruesas y tiene más sabor. 

El sol les joroba mucho, como a los vampiros. Todos los que comen sangre que no les pertenece suelen ser de poca luz solar. 

Para más curiosidad tienen flores macho y flores hembra, aunque no queda nada claro qué tipo de flor es la que más bicho se come con su apestoso caldo pegajoso. Adivínenlo ustedes, pero no metan el dedo.


El orden en la llegada marca el futuro


Yo fui la tercera. No me gusta dármelas de importante, prefiero decir la verdad. No llegué a sitio vacío, fui la tercera. Pero jodo, en pocas semanas esto se ha convertido en una salida del teatro. Ya somos 35 y subiendo la apuesta. Que me digo yo, ¿para qué tantas si así quedamos todas como desorientadas? Encima, fui de minimalista y quise ser pequeña desde mis inicios. La verde, si. No quise destacar más… que si acaso por el color. Y hoy he quedado como apagada de tantos trazos gruesos, de tanto barullo. Igual me voy a otra puerta. Ya veremos.

2.2.24

Rostro ligeramente triste sobre el muro


Las pequeñas obras que inundan nuestras calles, los muros ya más o menos vestidos de otros grafitis, a veces, además de sorprenden nos hacen dudar. El que crea una obra, sea en un lienzo o en una pared, tiene una idea clara de lo que quiere transmitir, pero no siempre es sencillo entenderla.

Este ejemplo de una calle de Madrid podría ser uno de esos casos en los que las dudas son amplias.

No es un trabajo sencillo pues está realizado con papel pegado, recortado y puesto sobre la pared. Lleva un tiempo hacerlo. Es original, me gustan los chorretones casi siempre, y esa casi sonrisa del personaje también me pareció original. No sé bien el modo del coloreado, pues lo sencillo sería pensar que se hizo con posterioridad al impreso negro, pero sería necesario utilizar máscaras y tengo mis dudas. Tampoco dispuse de mucho tiempo para analizarlo bien. 

1.2.24

Una "Virgen de Guadalupe" de Salvador Dalí


La genialidad de Salvador Dalí le llevaba a imaginarse mundos paralelos y a convencernos de que podrían ser posibles a poco que pusiéramos de nuestra parte algo más que simplemente observarlos. 

Y en esas motivaciones surrealistas entraba, como era lógico, la religión y sus particulares maneras de verla e intentar entenderla. 

Esta "Virgen de Guadalupe" Patrona de México, es un obra del año 1958.

Paco de Lucía, Okuda y Rosh333, junto a Marest en Madrid


Encontrarte con una gran obra de Arte, con un mural dentro de una estación de Metro, asegura que ya no es tan efímero como el resto de murales urbanos. Un gran mural de Okuda da vida a Paco de Lucía al final de la Línea 9 del Metro de Madrid.

La estación de Metro de Paco de Lucía, en homenaje al afamado guitarrista, tiene desde 2015 en su vestíbulo de la estación una gran obra por los artistas urbanos Okuda y Rosh333, con la colaboración de Antonyo Marest y coordinados por Madrid Street Art Project, que han creado un "impresionante" mural en homenaje al genial artista.

La obra se titula "Entre dos universos" y es mucho más que lo que vemos en la imagen, que es su zona central. Un gran trabajo entre artistas para otro artista.

Algo más que un gusano en una pared


Sabores gusanos, intentos por picar en el anzuelo como pez despistado. Tomates rojos fritos y dispuestos para el cocido de verduras. Una pared. Algo más. 

¡¡Saaabor!! 

Unos ojos atentamente dispuestos a mirarnos.

29.1.24

¿Debe volver el Arte Africano a sus países de origen?


Los museos occidentales, sean europeos o norteamericanos, se están preguntando qué hacer con todas las obras de arte, históricas o modernas, que por diversos procesos no siempre my claros, han ido acumulando desde otros países con los que tenían relación de poder, de asalto o de compra cuando el Arte no era valorado en los países más débiles.

Este bronce es un objeto de la inmensa colección que se conoce como Los Bronces de Benín, un estado africano por la zona sur de Nigeria al que se le llevaron entre 1.000 y 4.000 piezas históricas de Arte africano, hoy repartidas por medio mundo.

Piezas que entre los siglo XII al XVI se fabricaron en ese país con técnicas de fundición con técnicas que incluso ahora sorprenden. Las hay de bronce, pero también de cerámica, de madera, de latón o de marfil. Hay máscaras, esculturas de soldados, de los trabajos de la sociedad de entonces, etc.

En este 2024 ha tomado impulso la realidad de que al menos en gran parte se devuelvan las obras de Arte que en general se tomaron de otros países por guerras o saqueos, y les sean devueltas a sus museos.




Patrick Kommesi y sus grandes murales increíbles

El artista francés Patrick Kommesi está considerado el muralista más conocido en el mundo por sus grandes obras de fachadas completas, simulando trampantojos irreales en relieve o en tres dimensiones. 

El artista y su equipo, crean a gran escala unas pinturas con la ilusión óptica de las fachadas auténticas, con ventanas y balcones, personas, ropas y flores, hasta como espectador tener la sensación óptica de que eso que vemos es parte del conjunto arquitectónico.

Patrick Kommesi si inspira en los tiempos actuales o en tiempos antiguos, según ciudad o barrio sobre el que trabaja, asesorándose del tipo de arquitectura de la época y de los vestidos del momento que desea retratar en la pared. Esta imagen es de Canadá, aunque su trabajo casi siempre es en Francia.

Hay que señalar que gran parte de las obras que podemos ver por internet de este artista no son reales, sino simples ejercicio de arte digital o retoques de fachadas a las que les añaden en el ordenador los retoques, lo que a efectos de valorar su estética y arte, no les privan a ninguna de ellas de su valor como un trabajo de arte, sea digital o sobre la pared. 

Pueden ser bocetos del propio artista y su empresa, o pueden ser otro trampantojo más, pero digital. En este caso el que realiza presentando obras como realizadas en temple lo que son obras de arte digital.

No siempre es fácil salir de donde te has metido


Querían salir, pero no encontraban ni la puerta ni la ventana. No siempre es sencillo salir de donde has entrado muy contento, pero que con el paso del tiempo, te das cuenta que es un error.

La soledad para ganar el alimento


La soledad de quien trabaja en la calle - 2024 - Valencia

28.1.24

Cartel de la Semana Santa de Sevilla 2004. ¡¡Uff! los carcas


En este camino tan triste de los Ultra Conservadores españoles que quieren volver a la Edad Media, son capaces incluso de atacar cualquier trabajo artístico con la saña de quien quiere censurar incluso lo que eligen entre ellos mismos.

Este es el Cartel de la Semana Santa de Sevilla 2004, un clásico cartel de un Cristo al que algunas mentes cerradas consideran "afeminado" como si eso fuera un peligro, un ataque a la religión católica más cerrada. Es una obra de un pintor sevillano, Salustiano García, que es bien conocido en su ciudad y ha sido un encargo del Consejo de Hermandades y Cofradías de la ciudad de Sevilla.

En palabras del autor: "…he representado el lado más sereno e iluminado de la vida y de las cosas", y ha creado un Cristo que "luce joven y bello. Joven, como metáfora de pureza, y bello porque, me remito a Platón, belleza y bondad son la misma cosa".

A su vez el Instituto de Política Social (IPSE) ha calificado el cartel de la Semana Santa 2024 como "afeminado" y ha considerado que no tiene "nada que ver con la Semana Santa" y en un comunicado exige a todas las hermandades que insten a la retirada del cartel. Pero van más allá y el presidente de este organismo conservador, Pablo Hertfelder García-Conde, considera la imagen del cartel "un posible delito de odio y atentado contra los sentimientos religiosos, dado que se estaría haciendo mención a la Semana Santa, con un Cristo afeminado".

Tal vez lo que molesta a ciertos "señores" es que no se vea sangre, no hay casi heridas, no demuestra un sufrimiento doloroso sino serenidad, y más en estos tiempos en los que está de moda la violencia, el grito, la desmesura, el insulto contra todo lo que se menea. El Arte está para ser criticado o amado, y lo peor que le puede suceder es el silencio.


Adoración de los tres Reyes Magos por su edad y no por razas


Hay miles de imágenes sacras en donde se representa el Nacimiento de Jesús y la tradición que nos representa la Adoración de los tres Reyes Magos. 

En la inmensa mayoría de ellos se ve a un Rey de pelo rubio, a otro Rey Mago de pelo oscuro y a un Rey Mago de piel negra. Representan a las razas y a los mundos que se conocían hasta el siglo XVI.

Pero a veces tenemos algunas sorpresas como este cuadro de la Adoración de los Tres Reyes Magos en donde vemos que los tres Reyes son de raza blanca. Este tipo de representaciones buscaban otra división de la sociedad.

No representan a los mundos conocidos sino a las edades del hombre. Hay un Rey anciano, un Rey adulto y un Rey joven. Es otra manera de representar la diversidad, la de que todos los hombres se posan a adorar a Jesús el día de su nacimiento.

Este cuadro se encuentra en una iglesia de la localidad zaragozana de Luna. Curiosa imagen, extraña y menos común representación, del Nacimiento y la Adoración de los Reyes Magos ante el nacimiento del Niño Jesús.