Disparate Redondo, del artista Juan Genovés, en Impresión Digital


De Juán Genovés una obra realizada como estampacion digital con tintas minerales y sobre papel gofrado en el año 2010 titulado "Disparate Redondo" en honor a los Disparates de Goya y que es propiedad de la Fundación Fuendetodos Goya. Una clásica obra de Genovés realizada con impresión de altísima calidad llamada "Giclée" y que utiliza gotas de chorro de tinta casi polvo líquido que sobre un soporte papel de gran calidad consigue una impresión sin tramas, en tono contínuo, que es la utilizada en la actualidad con mayor o menor calidad para impresiones digitales de obras de Arte. 

La literatura sigue estando muy pegada al arte visual. Francisco de Goya y Jaume Plensa


El muy reconocido Jaume Plensa también ha trabajado los grabados y un ejemplo es este aguafuerte del año 2008 titulado "Disparate" en honor y recuerdo a los Disparates de Goya. Se encuentra en la Fundación Fuendetodos Goya. 

Cualquier obra antigua se puede transformar y actualizar desde puntos de vista más actuales. Se convierten en otras obras derivadas, pero siguen siendo en su interior miradas similares, en este caso más que el propio dibujo de Goya el texto que le acompañaba pues es un "todo en uno". 

La literatura sigue estando muy pegada al arte visual.

Uno de mis primeros cuadros al óleo. Cosas de juventud


Todos hemos ido aprendiendo con el tiempo o con la práctica. Este es uno de mis primero cuadros al óleo, denota mucho pero hemos tenido la suerte de que se conservara, pues lo regalé a alguien que no ha querido tirarlo a la basura. Y eso me permite recordarlo y tenerlo al menos fotografiado. Nadie nacemos aprendido de nada. Y hay que practicar, ver fallos, entender de perspectiva, de limpieza de color y corregir. Y seguir aprendiendo. 

Ahora ni firmo como "Puente" ni hago obra pictórica. Tras esa época hice surrealismo y tras eso algo de abstracto en mi último periodo como pintor. Y entré de lleno a la fotografía, de la que he vivido siempre. No por artista sino por técnico. Lo que me ha posibilitado ver miles de obras de otros fotógrafos que tenía que reproducir y aprender simplemente de mirar. Como recuerdo a mi trayectoria, dejo esta orbital mala pero simpática.


Festival Asalto 2020 en Zaragoza. Arte Urbano de calidad


Las iniciativas para llenar las ciudades de Arte Urano son el ejemplo más claro de que hay que gestionar el arte público de manera diferente en este siglo XXI y que las ciudades son mucho más que calles y árboles, que el Arte Urbano tiene un espacio que cubrir para modificar las ciudades, para convertirlas en más amables. Esta imagen es del barrio de San Jose de Zaragoza, que con su Festival Asalto que lleva quince años poniendo Arte al alcance visual de los barrios zaragozanos, como se han ido realizando en otras ciudades de todo el mundo.

The New Yorker. Algo especial para la ilustración y la literatura corta



El Arte es muchas veces simplemente un intento. La revista The New Yorker es una institución mundial del mundo de la cultura y por ello del arte. Es una revista que como el nombre nos indica es "neoyorquina" funda en el año 1925 que ha sabido marca espacio propio desde siempre, simplemente con algo muy simple. La calidad de sus artículos, de sus periodistas. Trabaja muy bien la literatura corta, el cuento, las viñetas americanas, la vida de New York, y cuenta con más de un millón de subscriptores. 

Sus portadas ilustradas son tomadas como un icono, tanto, que en el Museo de las Torres Gemelas hay varias de ellas en las que se mostraban dibujos de los famosos edificios, siendo la única referencia gráfica y periodística de ese Arte del Dibujo y la Ilustración que tanto ha trabajado The New Yorker.

Cuando visitas el edificios (por fuera aunque sea, en el centro de New York) sabes que estás observando el contenedor de cultura y literatura corta más importante del mundo occidental, sobre todo por el cuidado que ponen en verificar todo lo que se publica, por tener un libro de estilo propio y por no dejarse llevar ni por modas ni por presiones. 

¿Qué ve Camilo José Cela en la actitud de un pintor aragonés?

 

El pintor se encuentra —sin llegar cómo llegó a estarlo— profundamente cansado. Limpia los pinceles, enciende un nuevo cigarrillo, se echa unos pasos atrás y mira su obra aún inacabada, como es natural. En ella descubre rasgos e intenciones en los que no pensó. Esa es la buena señal.

Camilo José Cela escribiendo sobre una visita al estudio del pinto Alejandro Cañada en el año 1947 y publicada en el diario zaragozano Amanecer.

Alejandro Cañada retrató a Juan Ramón Jiménez en puro surrealismo


Un retrato de Juan Ramón Jiménez realizado en el año 1970 por el artista aragonés Alejandro Cañada nos da entrada a una clásica obra surrealista donde todo es lo que parece y además otra cosa más. Se encuentra en el Museo de Teruel y es un ejemplo básico de entender lo que muchas veces el artista quiere plantear en el lienzo, entrar dentro de la persona retratada y reflejar alguna parte de su personalidad o de lo que al artista le parece. Es simplemente ir un poco más allá que simplemente reflejar sus rasgos, que una buena fotografía haría mucho mejor que una obra pictórica. 

Los Museos del Siglo XXI y sus alternativas


Los modelos clásicos de Museos como almacenes contenedores de "cosas" que se muestran al público están ya obsoletos y poco a poco se van transformando en otros servicios culturales. Pero en ese buscar alternativas hay ya al menos tres caminos diferentes que poco a poco se van abriendo paso e incluso se van modificando hasta encontrar la fórmula del Museo del siglo XXI. Si hoy pudiéramos visitar un museo de hace un siglo veríamos la enorme transformación sufrida en este siglo. Veamos los de momento tres tipos de ejemplos de "new" Museos.

 Tenemos el ya clásico Museo pedagógico que ha pasado de ser unos espacios demostrativos de objetos a estar acompañados de gran cantidad de información en carteles, textos explicativos, sinópticos, vídeos, etc. Se complementan los objetos propios del lugar museístico con todo tipo de información pedagógica. Un Museo hecho para escolares o para personas que desean "conocer aprender".

 Ya han ido surgiendo Museos o Exposiciones que contrastan lo que se expone, ofreciendo alternativas totalmente diferentes para enfrentar al espectador con varias realidades a la vez. Junto a una obra pictórica del siglo XVI ponemos una similar del siglo XXI. Junto a un ambiente clásico colocamos varias obras modernas. Junto a una cerámica romana ponemos una cerámica muy actual, para ver los cambios pero a la vez para determinar que los usos no han cambiado. Es un juego de contrastes sin salirse del mismo espacio vehicular. 

  Y de momento está surgiendo un último tercer Modelo de Museos que está trabajando todo lo contrario al primero que hemos expuesto. Museo donde las sensaciones están por encima de todo. Muy pocas obras, muy espaciadas, muy bien elegidas e iluminadas, nada de explicación para no dirigir al espectador, con ambientes que se van modificando según se avanza, que no se estorban los unos a los otros. Grandes espacios donde además de una obra mostrada casi en solitario funciona el olor, el sonido, la luz, la voz. Se trata de ir cambiando pocas obras pero potenciando precisamente esa selección a costa de muy pocos espectadores en espacios amplios, que acuden a relajarse, a contemplar pero no a devorar, que formarían un slow museo, a veces virtual y real fundiéndose.

El papel de los Museo y de las Salas de Exposición es fundamental para crear cultura a través del ocio, para mover turismo, para crear artistas y motivar a personas, para dar a conocer obras y trabajos de exploradores de la cultura y el Arte. Y como es una actividad MUY viva se va modificando, hasta convertirse en sorpresas sin perder su importancia cultural.

La obra de la imagen es del artista estadounidense Edward Kienholz, titulada "Dibujo para Comercial 2" realizada la instalación en el año 1973

Los Favoritos de Midas. Mucho más que una serie de televisión


Es imposible hablar de la Serie "Los favoritos de Midas" sin nombrar en primer lugar al gran trabajo que el director Mateo Gil ha logrado de los actores Luis Tosar, Willy Toledo, Marta Belmonte o Carlos Blanco. Están fabulosos todos ellos en una seria de Netflix que hay que ver con calma (algo complicado) y sabiendo que nos va a obligar a ponernos en Fase Pensar e incluso en Fase de Preguntarnos qué hacemos nosotros mismos por evitar lo que sucede.

El final está abierto, o está muy cerrado. Depende de las conclusiones que cada uno de nosotros queramos admitir, deglutir, tragar. 

Yo creo que está perfectamente cerrado, claro, contundente, triste, doloroso incluso. Sobre todo doloroso porque juega con nosotros y con nuestra capacidad para no hacer nada, para dejarnos llevar. Lo mismo que ha hecho el protagonismo. Admitir lo que minutos antes decíamos que era inadmisible. 

Sin duda es una seria para ver e incluso para volver a  ver. pero sobre todo es una seria para llorar. Y un detalle que quiero resaltar. El papel de Willy Toledo es fabuloso, es imprescindible, está muy bien realizado y es el punto necesario junto al de Carmelo Gómez, para entender todo. 

Tapiz del palacio Real de la Almudaina en Palma de Mallorca


El Palacio Real de la Almudaina en Palma de Mallorca es también conocido por el palacio de los tapices, construido en el siglo XIV conserva todavía en sus paredes parte de las obras que se ponían para forrar las paredes y evitar los fríos del invierno además de servir para decorar con imágenes alegóricas de batallas y de triunfos. Unas técnicas artísticas que conjugan el trabajo del artista creando los cartones y bocetos y el de los artesanos y artesanas que bordaban los tapices.

¿Qué es pintar para el artista Eduardo Lozano?


En Heraldo de Aragón entrevistan al pintor zaragozano Eduardo Lozano y os dejo unas respuestas que creo dibujan muy bien el mundo del Arte para un artista y lo que todos más o menos tenemos dentro y expresamos.

¿Qué es para usted pintar?

Pintar para mí es una forma de entender la vida. El que es y se siente pintor no solo pinta cuando está enfrente del caballete, sino en todas las facetas de la vida, cuando saco al perro y observo la belleza del Canal Imperial, cuando voy por la ciudad y el sol me deslumbra, en la montaña, o una simple berenjena de mi huerto es para mí motivo de belleza y por qué no, exportable al lienzo. Al fin y al cabo, creo que una vez entras en la dinámica de pintar, todo gira en torno a ella y si además, das clases de pintura como yo, pues la pintura lo es todo.

¿Por qué usa este método de pintura brava, de pincelada ancha, gestual, un tanto sorollesca y con mucha materia?

Conocí la cultura del gesto cuando comencé a estudiar en la Facultad de Salamanca. En las clases de pintura enseñaban a soltarte y desprenderte de los miedos. Aunque conozco mucha gente que estudió ahí y no necesariamente son expresionistas, así que no sé si ese será el motivo o simplemente el comienzo. Quizás sea simplemente una cuestión de gusto. En ocasiones he tratado de ser más cauto pero nunca me ha funcionado, acabo echando la casa por la ventana y hasta que no me suelto realmente la cosa no funciona. Con los años en la pintura te vas dando cuenta de que al espectador no hay que dejarle todo mascado, la pintura es un lenguaje vivo que tiene que transmitir pero no atosigar. Si con una pincelada das el mensaje ¿porqué dar cinco para decir lo mismo? En esa plasticidad también tiene mucha culpa la técnica aprendida, el manejo del medio. En la actualidad, me encuentro más seguro con los materiales y manejo el lenguaje de forma más inconsciente, sintiéndolo más.

Obra pictórica reflejando los cuatro niveles de interpretación del Torá


Esta obra pictórica está (o estaba) a la entrada de una sinagoga en Croacia. Representa los cuatro niveles de interpretación del Torá. El Peshát o el sentido literal del texto; el Rémez o el sentido alegórico del texto; el Derásh o el sentido interpretativo y el Sod que representa el sentido místico del que derriba la cábala.

Se refleja en la obra los rollos que contienen los Libros Sagrados de los judíos, referidos a su manera de ser interpretados. La técnica empleada en la obra es de una abstracción naif incluso y reflejando símbolos de su religión en colores vivos pero diferenciados, con ligeros relieves hechos con pintura espesa.

Cuando la restauración de un obra es profesional pero a la vez atrevida


Estuve en Dubrovnik (Croacia) el año pasado —por cierto una ciudad maravillosa—y dentro de su monasterio franciscano y alrededor del claustro se encontraban unos murales al temple, unos cuadros que parecían representar la vida y obra de un santo posiblemente cercano al monasterio. En cada uno de estos cuadros estaba un texto en latín viejo y en croata pero no coincidían las traducciones.

Os dejo este como ejemplo de lo que todavía se conserva al aire libre después de varios siglos (se pintaron en el siglo XIV), y en donde mas o menos dice:

"El líder de la negra noche y entre sueños, le entrega su manto para que el franciscano tenga más Fé"

Estamos hablando del Monasterio Franciscano en Dubrovnik, cuyas pinturas del claustro fueron totalmente restauradas entre 2010 y 2012, y situado en la calle principal de la ciudad. Como podemos ver con la imagen de abajo, el trabajo de los restauradores fue inmenso y sin duda tendrían que tomar algunas decisiones muy atrevidas para terminar sus trabajos. Hay detalles e incluso zonas grandes que han sido cambiadas en profundidad.



A crear no se puede aprender, viene desde dentro


A dibujar se aprender, a pintar también. A mirar y saber encuadrar también se puede avanzar bastante. Pero a crear no se puede aprender, eso se tiene o no se tiene. No es una técnica que podamos adquirir sino un sentimiento, una sensación de poner en valor y construir de la nada aquello que te sorprende y que deseas compartir. Crear es entregar aquello que a ti te gusta. No es mucho más que eso. Y sí, se requiere dominar alguna técnica, alguna herramienta, pero sobre todo se tiene que tener esa sensibilidad para crear y para entregar. 

Cartel de las Brigadas Internacionales en la Guerra Civil


La cartelera ha sido siempre una forma de comunicar, de motivar, incluso de manipular si hiciera falta. Sobre todo en periodos de guerras, de conflictos, de peleas políticas y sociales. Este cartel es de la época de la Guerra Civil en España. De las Brigadas internacionales claramente hace un llamamiento para fortificar lo que nos lleva posiblemente a un periodo ya de dudas, de derrotas casi asumidas. Con los carteles podemos ver sensaciones, como en todo tipo de Arte.

Perdices con 1.600 años de antigüedad, y siguen igual de color


Estamos ante un Arte con 1.600 años de antigüedad, del siglo IV un fragmento de un mosaico encontrado en Quintana del Marco en león, que representa a tres perdices en el campo, hechas con mosaicos de caliza y mármol. Capacidad de saber trabajar con el puntillismo.

El niño del taco. Un dibujo de Diego Rivera previo a un mural


El artista mexicano Diego Rivera nos dejó este dibujo litografiado titulado "El niño del taco" realizado en el año 1932. Un ejemplo del poder del dibujo, en este caso como boceto previo a la construcción de murales que fueron su constate artístico. 

Todos los artistas cuando construyen grandes obras, antes suelen hacer bocetos previos de escenas de la obra, de personajes, de "trozos" de la composición final, para luego encajarlos y muchas veces modificarlos con arreglo a la totalidad de la obra.

Diego Rivera creaba personajes y escenas de la base social de México que nos muestran el candor, la dureza social, otras miradas de sobre todo personas que nos llegan muy adentro.

Miquel Barceló y sus obras en despachos y no en museos


El artista Miquel Barceló se queja del uso que de algunas obras suyas se hace ya fuera de los circuitos expositivos de un Museo, para ser colgados en Consejos de Ministros o en despachos oficiales. Pero alejados de esa opinión que podría tener matices, os dejo una respuesta suya a una entrevista en El País, donde habla del papel del Arte.

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P. Hay una vieja discusión sobre la función social del arte, si el arte ha de crear espacios libres del mercado y de los poderes hegemónicos para ejercer un poder transformador, una discusión que atañe a la visibilidad de su obra en los museos.

R. Es una discusión un poco naíf. Yo distingo entre marxismo y comunismo. Mis amigos de más edad fueron comunistas por generosidad, pero yo, por fortuna, llegué tarde. Cuando asistí en los 70 a las asambleas del PSUC en Barcelona me acordaba de los curas que iban a los pueblos en busca de carne joven. Les enseñaban instalaciones con piscina y les prometían paraísos, pero enseguida vi que allí había una trampa. Acaba de salir en Francia Le partage de l’oeuvre, de Anne Sauvageot, que habla mucho de mi obra y que eligió para la portada imágenes de mi vitral de la Catedral de Palma. La obra de arte es una obra de colaboración, de relación con la gente que la hace posible. En el caso de los vitrales es evidente. Toda obra de arte es colectiva o acabará siéndolo con el tiempo. Vemos las pinturas de Chauvet como una obra colectiva porque no sabemos quién las pintó. Si te acercas a ellas verás que fueron pintadas por una sola mano y un gesto, un pensamiento, un espíritu común, e intuyes cómo la gente aupaba sobre sus hombros al pintor para que llegara más arriba. Los cuentos populares también nacen de ese espíritu colectivo. El buen arte siempre tiene una función social, incluso a pesar del propio artista. Incluso el más onanista, incluso el que tenga lepra y no salga nunca del taller, acabará teniendo un poder de transformación.

P. Como Kafka...

R. No hay nadie más individual que Kafka y con más poder transformador de mentalidades. Hace unos días visité la exposición de Matisse en el Pompidou que explora las relaciones de la pintura con la literatura. Pude disfrutarla porque estaba solo en las salas, vacías como suelen estar casi siempre las salas del Macba y del Reina Sofía. Han demostrado que son inmunes a la pandemia: tienen los mismos visitantes que antes.





Nota.: La obra que vemos de Miquel Barceló se titula: 

El estudio de las esculturas, una pintura del año 1993.