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20.4.26

La verticalidad para acercarnos al cielo


La imagen que vemos se corresponde con el gran rosetón y al órgano de la Catedral de Santiago de Bilbao. La Catedral de Santiago es el templo más antiguo de Bilbao (siglo XIV, con reformas posteriores), pero muchos elementos visibles hoy —incluido el órgano actual— responden a intervenciones más modernas dentro de un marco neogótico.

Lo de menos es el lugar, sino la estética de esta intervención arquitectónica y sin duda artística, buscando impresionar a los fieles. No es un órgano viejo, la evolución de este órgano es moderna, desde su construcción en 1890 por el organero Richard Ibach hasta la restauración y electrificación que finaliza en 1964, por el órganero Juan Braun.

El Arte en este caso se utilizó como muchas otras veces para crear sensaciones. Sin duda, suena fabuloso el órgano, solo faltaría, el rosetón ayuda a que entre luz tamizada desde el exterior, pero su función es la de envolver al espectador, la de poner en valor la música y la iluminación como elementos que ayuden a entender el lugar y su mensaje.

La música se utiliza muchas veces para eso en muy diversos lugares en los que se reúne a la sociedad, sea en fiestas, en reuniones políticas o en ceremonias religiosas. Y para ello la estética o el Arte arquitectónico, también importa. Son miles de años haciendo lo mismo.

Esa simetría, esa verticalidad hacia el Cielo, esa geometría muy remarcada, ayudan a salirnos todos de la normalidad y a creer sin darnos cuenta, de que estamos en un lugar muy especial.

4.3.26

Dibujo, pintura digital y fotografía, mezclados sin agitar

Todo en el Arte tiene su valor, incluso aunque solo sea estético. Elegir, seleccionar, construir con piezas un nuevo elemento es una forma simple de sentirte bien mientras lo vas creando. 

No se trata de inventar un nuevo submarino, sino de sentir que con tus manos puedes convertir un blanco en un espacio diferente, nuevo, lleno.

Aquí arriba hay mezcla de dibujo, de pintura digital y de fotografía. 

Un poco de cada, una disciplina que se afianza en la otra, unos nuevos tiempos en donde todas las herramientas quedan diluidas entre ellas pues todas se pueden necesitar en un momento dado, sin que ninguna destaque sobre la otra.

Al final lo único que importa es el resultado final, como en cualquier empresa, en cualquier relación. 

Los caminos intermedios se disfrutan, pero no se pueden contemplar al quedar tapados por la finalidad, por la meta final.

3.3.26

Elisa Montessori y un herbolario artístico


Lo que vemos arriba es un herbolario, una serie de pequeños cuadros creados con plantas y hierbas secas, cosidas o pegadas sobre una base a modo de lienzo, sobre un papel, con hilo de algodón.

Este herbolario lo creó en el año 1978 la artista italiana Elisa Montessori que nació en 1931. Una serie de obras que en su conjunto forman una obra poética, dulce, sencilla, simbólica y llena de texturas a modo de trazos.

En realidad todos dibujamos o pintamos para crear formas simples, brochazos o trazos, que se unen para configurar algo que vemos y reconocemos —o no— una vez que lo hemos terminado. 

A veces utilizamos pinceles, trapos, esponjas, las manos, materiales naturales, herramientas muy diversas para ir creando formas que deseamos transmitir, muchas veces formas naturales.

Pero otras veces son las propias formas de elementos naturales, los que configuran la belleza, las que llenas los espacios, las que cuentan un conjunto, forman una pequeña historia. En este caso las propias ramas y hojas secas son dibujos naturales que no hay que dibujar, sino pegar, coser, distribuir por los espacios.

Transformamos la naturaleza, Elisa Montessori creaba con esa naturaleza ya seca, para conservarla en otros modelos de composiciones.

El trabajo de Montessori es multifacético, utilizando muchas técnicas diferentes, y utiliza un vocabulario muy oriental, creando una poesía visual natural, mezclando en algunas de sus obras texto con imágenes, formas, trazos.

La investigación de Elisa Montessori siempre ha oscilado entre las tradiciones occidentales y orientales, tomando el lado esotérico y oculto de Oriente y colocándolo en relación con la fertilidad cultural de Occidente.

Sabe que una imagen siempre plantea una pregunta, cuya respuesta está abierta a la mirada de los demás. Que ver una cosa creada por alguien, siempre significa encontrar otra mirada diferente, que se van uniendo las unas con las otras.

25.2.26

Sobre ventanas y geometrías


Las ventanas, vistas desde fuera, forman parte del Arte Urbano de las ciudades, de los edificios. Vistas desde dentro forman parte de la intimidad.

Una ventana desde fuera es un elemento público, de observancia y curiosidad, de belleza incluso, si se mantiene el diseño.

Hay tantas formas de ventanas como ideas. Tantos contenidos como ganas de agradar. Esta que vemos, con sus añadidos interiores que nos producen curiosidad, no sabemos qué nos quiere decir.

Pero es una buena ventana geométrica, de distribución de formas y colores. Es una ventana interesante.

2.2.26

Ângelo de Sousa y un espacio roto por líneas


El artista Ângelo de Sousa fue el pintor contemporáneo más reconocido en la vecina Portugal. Escultor, pintor, diseñador y profesor de Arte, uno de los creadores del grupo llamado «Os Quatro Vintes», supo experimentar con nuevas técnicas abstractas en sus obras, siendo un estudioso del color y de la luz, que exploró el minimalismo de una forma radical.

Sus trabajos minimalistas y abstractos eran eso, sencillez buscando impresionar con muy pocos elementos, jugando con la geometría de las formas, de los colores, de las líneas que rompían los espacios, buscando muchas veces el infinito sin salirse de los marcos.

La obra que vemos arriba, Sin Título, la hizo con acrílico sobre lienzo en el año 1992.

23.1.26

El cerebro elige en el Arte, qué vemos mejor


Tres colores, tres materiales, cuatro espacios, una manera de asomarse desde y hacia.

Nada más.

No tiene nada más.

Es un simple golpe de vista.

Azul, amarillo y gris.

Madera, piedra y cielo.

Hay más piedra en el encuadre, pero casi se ve más el cielo cuando en realidad ocupa menos espacios.

Una duda visual. 

Efectos visuales.

¿Es el color el responsable de esto? ¿Es por estar en el fondo, por no tener detalles y ser un color liso?

¿Por qué el cerebro, ya da por hecho que es infinito el cielo?

Nuestro cerebro ve e interpreta según varios mecanismos que no siempre controlamos del todo. Y el Arte debe estar atado a esas opciones, conocerlas y dosificarlas o utilizarlas.

Sabemos de antes de ponernos a observar esta escena, que el cielo es infinito, cierto, pero no sabemos el tamaño de la piedra o de la madera. Aunque nos lo imaginamos pequeño.

Vemos lo que sabemos que es normal ver, incluso si preguntáramos, muchos dirían que a la derecha, tras un poco más de piedra, volvería a aparecer otra pieza de madera. 

La estética que esperamos es esa precisamente. 

Y como la esperamos, nos la imaginamos, aunque no la veamos.

Y siempre sospecharíamos que el cielo continuaría, que no quedaría cortado por otra piedra que encerraría como en una ventana al color azul.

Ajovín


21.1.26

Una letra E muy cochina, en un excelente lugar


La suciedad es un modelo de Arte Urbano, aunque pensemos lo contrario. No es aplaudible, no debemos pensar en ella como modelo en positivo, pero el Arte es también provocar, es quejarse y gritar.

Convertir la basura en Arte es muy sencillo. Mucho más complejo es que ese Arte sea admitido, pero en la provocación se corre el riesgo de que sea odiado quien provoca.

Esta E se encuentra a escasos metro de un gran museo de arte contemporáneo de Madrid. 

Lo pongo fácil. Y son cuatro paredes que se van engordando casi constantemente con diversas actuaciones. 

Es una forma de "estar" en un lugar muy señalado.

13.1.26

Arte Urbano Privado en Zaragoza





El detalle urbano no siempre tiene que ser realizado por entidades públicas ni por artistas urbanos grafiteros que dejan sus horas y dinero de materiales, para un arte efímero.

Estas cerámicas son Arte Urbano de un óptica Zaragoza, en su fachada de la calle Delicias, y llevan sus dos obras, décadas respetadas y anunciando su óptica. 

Arte privado que debemos admitir, y que también es necesario para decorar las calles, el urbanismo.

El artista ceramista fue Enrique Val. Hizo otras obras y alguna ya ha desaparecido para la misma marca de óptica, que decoraba una tienda de la calle Juan José Rivas.

30.12.25

Las líneas enmarcaban las formas de Ernst Young

El color y las formas de las líneas que configuraban el espacio me atraparon allí mismo. Mucho más en la pantalla del ordenador al observarlas. 

Muchas veces cuando viajas a lugares nuevos e importantes te tienes que dejar llevar por el instinto del fotógrafo que llevas dentro, pues no es posible encuadrar bien ni es posible esperar una mejor luz. 

Es llegar y cazar disparando. 

Un deporte maravilloso donde muy pocas veces hay segundas oportunidades. 

Si sale bien, muy bien. 

Y si no sale bien, simplemente lo recuerdas.

Pensé que los focos estorbaban, pero poco a poco me he dado cuenta que eran incluso parte importante del encuadre final. 

Parecen iluminar lo iluminable.

29.12.25

¿Se podría crear de nuevo algo tan perfectamente redondo?


¿Se podría crear artificialmente algo tan perfectamente redondo? 

Es posible que si, pero con tantos detalles en su interior ya es mucho más complicado. 

Imaginaros una máquina que fuera capaz de hacer flores blancas redondas con detalles. 

¿Sería capaz de construirlas para que fueran cambiando lentamente de tamaño? 

¿Y para que volaras sus partes cuando hubieran alcanzado su madurez, y así esparcirse por el mundo, transportando las semillas?

Pues curiosamente este pequeño milagro no tiene precio, incluso casi no tiene valor, no hacemos otra cosa que mirarlo casi con desprecio y desdén, relegándolo a la nada.

28.11.25

Grafiti en piedra arenisca en Monasterio de Rueda


Estas marcas en piedra arenisca del Monasterio de Rueda nos indican qué cantero las hizo, y sobre todo cuantas hizo para luego poder cobrar por su trabajo. Eran las marcas del cantero para saber a modo de albarán de entrega, qué cantidad de piedras habían hecho en su taller.

Una forma de hacer grafiti muy antiguo y del siglo XIII.

El monarca aragonés Alfonso II, en el año 1182, otorga la villa y el castillo de Escatrón al Císter, de forma que los monjes pronto comienzan la construcción del monasterio hoy llamado de Rueda (que no se refiera a una noria en forma de rueda, sino a las palabras árabes que significan mausoleo, tumba ornada) y que se encuentra en tierras de Sástago, siendo en el año 1202 cuando se inician oficialmente las obras y 1238 el la consagración del templo.

Las obras se alargan hasta el Siglo XIV, cuando se concluye la fábrica medieval del conjunto y se eleva su esbelta torre mudéjar.

28.10.25

Grafiti en Marruecos, mucho más que unas marcas


Si entendemos que el grafiti es una manera de escribir y hablar con Arte a través de los muros, de las paredes, este que os muestro sería un grafiti en Marruecos. Lo encontré en una pequeña localidad del sur de Marruecos avanzando hacia el desierto, y había varios edificios con marcas distintas. Me imaginé en ese momento que indicarían la pertenencia familiar de la vivienda,

Pero indagando más he descubierto que estas marcas muchos más, son son símbolos tradicionales bereberes (amazigh), y su función combina elementos protectores, identitarios y estéticos.  Los motivos grabados en el barro —rombos, cruces, triángulos, líneas y espirales— se consideran símbolos protectoresfrente al mal de ojo, los espíritus o la envidia.

Este en particular, con un rombo dividido por una cruz, puede representar la armonía entre los cuatro elementos (tierra, agua, aire y fuego) y los cuatro puntos cardinales. También puede interpretarse como un símbolo solar, de fertilidad y vida, ideas muy ligadas a la agricultura y a la continuidad de la familia.

Algunos artesanos locales lo describen como el "ojo que todo lo ve", un equivalente simbólico a los amuletos contra la desgracia. Los motivos grabados en el barro —rombos, cruces, triángulos, líneas y espirales— se consideran símbolos protectores frente al mal de ojo, los espíritus o la envidia.

En muchas aldeas bereberes, los símbolos en las paredes también servían para identificar a la familia o clan que habitaba esa vivienda. Cada tribu (Aït Atta, Aït Seddrat, Aït Ben Haddou, etc.) tenía variaciones propias de estos signos, algo así como escudos o marcas de linaje. En graneros colectivos, ayudaban a reconocer ante el resto de vecinos a qué familia pertenecía cada compartimento.

18.10.25

Huguette Caland y su: Una vida en pocas líneas


La artista libanesa Huguette Caland nació en Beirut, en el año 1931y fue una pintora, escultora y diseñadora libanesa, asentada en París 17 años y en Los Ángeles. Huguette Caland está considerada como una de las artistas más importantes del Oriente Medio contemporáneo.

A principios de 2025 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid organiza la primera gran retrospectiva de Huguette Caland en Europa, titulada: Una vida en pocas líneas, con cerca de 300 dibujos, pinturas, esculturas y trabajos en otros medios, de la que es la imagen que vemos arriba.

En su viaje por su mundo, Huguette Caland entró en contacto, por ejemplo, con las tensiones políticas de Beirut, el liberalismo utópico de París y con la decadencia bohemia de Venice Beach. Toda esa relación que existe entre la creación artística y el paisaje global y social en evolución que experimentan las personas que no tiene un lugar de asentamiento fijo, se observa en sus obras.

La exposición también destacó los lenguajes visuales y escritos de Caland, donde cuerpos, palabras y otras formas parecen dialogar y fusionarse para formar mensajes nuevos inaccesibles al idioma común. Se enriquece la comprensión de las conocidas pinturas y dibujos eróticos de Caland; sus trabajos dedicados a la exploración de la libertad, la conexión, la ruptura y la transformación a través de la mirada de la artista en su relación con sus ambientes, son sus personas.

Resulta fundamental no perder de vista este carácter mutante, híbrido y de frontera en sus trabajos, especialmente en un momento en que este parece haberse hecho legible para públicos e instituciones de todo el mundo.

11.10.25

De verdad las arrugas pueden ser bellas?


Nos vamos arrugando como pieles viejas de paredes sin cuidados. No hay que mirarse, pero quien nos ve observa nuestro cambio. 

Todas las pieles fueron en algún momento tersas y lisas, brillantes y agradables. 

¿Quién dijo que una arruga puede ser bella? ¿Domínguez? 

Tal vez este de arriba sea un mal ejemplo de su idea en el diseño.

Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú


Hay muchas maneras de vernos, de contemplarnos, de intentar observarnos como tal vez nos miran y nos ven los demás. 

No sabemos bien cómo somos, como tampoco saben como somos los que nos observan y creen adivinarnos. 

Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú. 

Dos ventajas en una.

29.9.25

Mosaicos públicos de teselas, pero modernos


Existieron grandes y magníficos mosaicos en espacios públicos durante las civilizaciones antiguas, griegos y romanos sobre todo, aunque su uso público varió según la cultura y el período histórico. 

Los hallazgos arqueológicos revelan una rica tradición de arte musivario hecho con pequeñas teselas y que se extendía más allá de las residencias privadas hacia los espacios comunitarios, hacia locales de usos públicos para los ciudadanos libres.

Los romanos fueron quienes más desarrollaron el uso de mosaicos en espacios públicos. Las termas públicas constituían los ejemplos más espectaculares de esta práctica decorativa.

Las famosas Termas de Caracalla (212-217 d.C.) albergaban extraordinarios mosaicos en sus suelos, especialmente en las zonas de los llamados gimnasio y vestuarios, realizados con teselas de mármoles preciosos: pórfido rojo, amarillo antiguo, verde serpentino y granate pavonazo.

Estos mosaicos presentaban innovadoras composiciones geométricas que contrastaban con los típicos mosaicos del interior de las viviendas.

Los edificios públicos como basílicas, mercados y foros también contaban con pavimentos decorados con teselas. Se han documentado mosaicos en bibliotecas públicas, donde representaban figuras de atletas profesionales, boxeadores y luchadores, mediante rica policromía.

Las termas públicas de Valeria (Cuenca) conservan mosaicos pavimentales únicos en el panorama arqueológico hispano-romano, con decoración polícroma que identifica hasta cinco tonalidades diferentes. En Aragón también tenemos muy buenos ejemplos de mosaicos romanos recuperados.

Pero por la fragilidad de la conservación de este tipo de mosaico para estar colocados en zonas al aire libre, no es conocido que existan ejemplos recuperados, que nos puedan servir para buscarles una similitud con lo que sería Arte Urbano.

Los romanos sí colocaron mosaicos en ciertos espacios exteriores, particularmente en aceras frente a tiendas y establecimientos comerciales. Estos mosaicos funcionaban como elementos decorativos y promocionales, identificando los negocios y embelleciendo las zonas comerciales de las ciudades.

En las ciudades romanas como Pompeya, las aceras (crepidines o semitae) constituían espacios públicos importantes que separaban los edificios privados de las calzadas y por las que paseaban los ciudadanos.

Aunque la legislación romana generalmente prohibía construcciones sobre las aceras, existían excepciones que incluían elementos decorativos como fuentes y, en algunos casos, pavimentos ornamentales que ejercían la función de señalar como publicidad.

En algunas ciudades europeas es posible ver en la actualidad este tipo de anuncios modernos, en las aceras, en el suelo, remarcando la actividad de los locales comerciales que hay a su lado. Tiendas, farmacias, barberías, etc.

El ejemplo que vemos en la imagen, es moderno y de la ciudad de Milán.

25.9.25

Dora Maar, pintada por Picasso


Una obra de Pablo Picasso que se creía perdida se presentó recientemente en la sala de subastas Drouot de París con una estimación de venta de unos ocho millones de euros.

El cuadro, titulado "Buste de femme au chapeau à fleurs", es un óleo sobre lienzo de 80 x 60 centímetros, pintado el 11 de julio de 1943, mostrando a la mujer amiga de Picasso, Dora Maar.

La obra, que nunca se ha mostrado al público, pertenecía a un coleccionista francés que la compró en agosto de 1944, y los actuales herederos decidieron ponerla a la venta como parte de la herencia familiar.

Según los expertos, el retrato representa un momento de transición en la vida personal del artista: la mujer retratada, Dora Maar, aparece triste pero armoniosa, mientras lleva un sombrero floreado de vivos colores.

Por tanto, el cuadro podría atestiguar el final de la relación de Picasso con Dora, que fue sustituida por la más joven Françoise Gilot.

El naturalismo quiere mezclase con el cubismo, creando un retrato que combina la fidelidad a la realidad de la persona y la descomposición geométrica típica de Pablo Picasso.

9.9.25

Techo mudejar de la parroquia de la Seo de Zaragoza


Una de las obras de arte mudejar de Zaragoza, que ningún visitante se debería perder, es el techo de la parroquia de la Seo de Zaragoza, al que se entra por una puerta pequeña junto a la entrada principal. La entrada es gratuita.

El techo de la Parroquieta de la Seo de Zaragoza es una armadura de madera de limas moamares (
conjunto de piezas de madera o hierro (armazón) que, debidamente ensambladas, sirven de soporte a la cubierta) de gran belleza. 

Es una de las obras más destacadas del arte mudéjar aragonés, con decoración de mozárabes, lazos de ocho y motivos geométricos, y presenta un escudo de Lope Fernández de Luna, arzobispo de Zaragoza, el patrocinador de la obra, para ser enterrado en este lugar. 

Patrocinó además en su arzobispado, la construcción del Convento del Santo Sepulcro de Zaragoza en la Plaza de San Nicolas en el siglo XIV. Pero volvamos al techo de la Capilla de San Miguel que es como también se conoce a la Parroquieta.

Armadura de madera:
La estructura del techo es una armadura de madera que combina una base cuadrada con unos cuadrantes en las esquinas que la convierten en octogonal. Está cubierta con una decoración de mocárabes y lazos de ocho, elementos característicos del estilo mudéjar, según detalla Aragón Mudéjar. La decoración se completa con una serie de rombos y otros motivos geométricos.

Escudo de Lope Fernández de Luna:
En la parte inferior de la armadura, se puede ver el escudo de Don Lope Fernández de Luna, el arzobispo que mandó construir la Parroquieta en el siglo XIV.

La Parroquieta es considerada una de las obras más importantes del estilo mudéjar en Aragón. El techo de la Parroquieta es una de las partes más relevantes de la capilla, y muestra la influencia de los alarifes sevillanos que trabajaron en la obra.


Muy posiblemente esta parroquia aunque se dice que es del siglo XIV, fuera una zona de origen islámico y del siglo XI o anterior, y que luego se transformó en iglesia cristiana, como todo el conjunto de la Seo de Zaragoza.

5.9.25

Una tarde que se acababa lentamente


Aquí hablamos de Arte Urbano, y nos imaginamos que solo vamos a comentar obras de Arte hecha por personas o en todo caso y si ampliamos algo la temática, obras de la naturaleza en estado puro.

Así que sí, entrarían esos paisajes de la naturaleza que son verdaderas obras de Arte y si están dentro de las ciudades, son Arte Urbano.

Este es un cielo desde Zaragoza, una de esas tardes que amenazan aire, que el cielo parece explotar de colores, y que finalmente y en este caso en concreto, ni agua ni mucho más de 5 minutos de tormenta de aire.

Los cielos son esos pequeños detalles naturales que nos alegran las tardes acabadas que quieren entrar en la noche todavía vacía.

25.8.25

Una instalación de Juan Navarro Baldeweg


Podríamos calificar una instalación artística de muchos modos, es sin duda una construcción en el espacio de diversos elementos artísticos que configuran una escultura sin serlo, un cuadro sin tampoco serlo. Algo en relieve pues juega con el espacio, y que se puede contemplar desde muy diferentes puntos de vista, lo que logra que sus elementos vayan conformando infinitas maneras de ser observado.

Esta es una instalación del artista cántabro Juan Navarro Baldeweg para el Museo Reina Sofía. Un paisaje de energías, de estructuras que intentan marcar magnetismos o gravedades alrededor de distintos objetos que influyen en el ser humano.

Sería como intentar reflejar una habitación nuestra, pero vista desde el interior de nuestras sensaciones, como una cueva en donde habitamos pero influidos por muchos elementos que no siempre somos capaces de ver ni de controlar.

Su trabajo en las artes plásticas tras ser arquitecto comenzó con obras de arte conceptual y con la participación en los muy conocidos Encuentros de Pamplona en la década de 1970, explorando la fenomenología del espacio y la energía. Más tarde, la pintura se convirtió en un eje central de su actividad, con series como Los vencejos o La casa, inspiradas en pintores como Matisse y Picasso.