30.9.22

¿Quién garantiza el futuro de las imágenes digitales de estos tiempos?


Nada es eterno y las obras de arte que creamos tampoco. Aunque es verdad que algunas obras prehistóricas se han conservado miles de años, pero siempre nos quedamos con las dudas de cuántas realmente existían en aquellos años, dentro de cuevas o fuera de ellas, en árboles o en el suelo, y que nunca han llegado hasta estos tiempos.

Sabemos que el Arte se pierde constantemente, y lo vemos en la pintura que ya no está, desde esculturas tan importantes como la Dama de Elche, en miles de iglesias románicas góticas repartidas por medio mundo, etc. y de las que ya no queda nada de su pintura original, y solo las piedras, las paredes, el soporte físico.

Pero en las últimas décadas nos enfrentamos a otros problemas añadidos al deterioro por el tiempo transcurrido. Me refiero a las obras digitales de todo tipo, que se están perdiendo poco a poco, pero a una velocidad tremenda.

Puede que nuestro fichero con el tiempo ya no se pueda abrir por tener problemas de continuidad con el programa que lo creó. 

Hay miles y miles de documentos hechos por ejemplo con Quark o Freehand que eran programas básicos en el diseño gráfico o en la maquetación hace poco tiempo, y que en el año 2022 tienen serias dificultades para ser conservados y abiertos. 

FreeHand estuvo 25 años funcionando en preferencia en todos los despachos de Diseño Gráfico. Se vendió a la competencia y ya no tiene continuidad para poder revisar lo que con este programa se creó.

Todo lo que diseñó en los años 90 ó 00 puede tener problemas para ser abiertos y conservados en los años 20. ¿Por qué no se cuida que haya soporte para esos documentos, que son millones?

Nadie nos garantiza que los RAW que tomamos en estos años 2020, además en diferentes versiones de RAW, se puedan abrir en años posteriores. Abrir y seguir gestionándose. 

Podemos tener problemas con la versión del Sistema Operativo como ya ha sucedido con algunos programas, o con el tipo de archivo.

Pero también lo podemos tener con el soporte físico en donde tenemos alojado el documento. Un PDF hoy, o un JPEG parece eterno. Pero depende también del disco duro en donde esté alojado. ¿Es SSD o es HDD? ¿Los reconocerá un sistema operativo de los años 2050?

Todas las imágenes hechas en la actualidad son digitales. ¿Cómo aseguramos su durabilidad? Hay millones de imágenes… ¿Sirve lo que llamamos hoy "La Nube" como un soporte más seguro? ¿Quién controla esa "nube" cuando ya se dan casos de censura que impide acceder a sus propietarios a archivos que no se consideran legales?

Excesivas preguntas y pocas respuestas seguras. No hay garantía de nada, ni por tipo de archivo, ni por tipo de soporte, ni por el programa con el que fueron creados o retocados, ni por los sistemas operativos que deben dar soporte a los programas que los pueden abrir. 



29.9.22

La basura puede tener categorías y alguna sirve


La basura tiene un componente artístico complicado de ver pues nadie supone que estos desechos puedan servir para nada diferente a ser retirada y escondida al menos a la vista de los espectadores que circulan o pasean, pero en realidad la basura tiene diversas maneras de ser "mirada".

No por enseñarla o mostrar sus opciones, deja de ser basura, simplemente se convierte en basura observable, entraría en la categoría de basura de primera, pero basura. 

Todo depende del loco como yo, que sea capaz de encontrar en las basuras elementos visitables con nuestras miradas.

28.9.22

Arte Urbano en la Zaragoza mas deliciosa


Hay veces en las que el Arte Urbano en paredes de edificios cerrados o viejos, en puertas ya desvencijadas, representan ejemplos que nos gustaría llevarnos a casa, al despacho o al Museo. Trabajo interesantes, originales y con técnicas pictóricas que demuestran oficio y profesionalidad pictórica. Pero el Arte Urbano ha nacido para ser efímero. Y a veces dura años, está transformándose poco a poco en las mismas pareces, pero sigue siendo reconocible.

Incluso a costa de tener que soportar a torpes que se dedican a firmar o a poner frases encima de buenos trabajos, con el ánimo de pasar a la inmortalidad durante diez minutos.

Hojas rojas por la libertad de elegir color


Hojas rojas de siempre. 

Hay colores que son como les viene en gana a ellos.

Deberían ser verdes, pero un día se juntaron todas ellas y decidieron ser originales y cambiar.

Ahora ya no hay remedio y las hemos dejado ser como ellas querían.

Por detrás las miran con envidia las hojas verdes de toda la vida.

27.9.22

Cómo deben ser los Museos en el Siglo XXI


Los Museos que se han tomado en serio el Siglo XXI ya no son lugares estáticos. No deben serlo. Sean Museos de Arte Contemporáneo o de Historia Local. 

Se acabaron los Museos como contenedores o almacenes de “cosas”. La gente que va a los Museos ya no acude a simplemente contemplar y ver, ahora quiere mucho más. 

Y los Museos tradicionales… o se adaptan o mueren.

No solo hay que interactuar en su interior con elementos diversos según cada modelo de museo, que está bien pero es insuficiente. 

Hay que asombrar, mover sentimientos, sorprender, entrar en el oído, en el olfato, en el tacto además de en la vista. 

Hay que salir del museo llevándose “cosas” que sean los deberes de casa, hay que lograr que una visita dure días, aunque en realidad solo dure minutos o un par de horas.

Un Museo del siglo XXI debe ser un lugar multidisciplinar, entretenido, pedagógico, novedoso, distinto a lo que vemos constantemente en los medios de comunicación habituales. 

Un Museo debe ser un lugar de exploración de obras pero también de visitantes. 

Un lugar de muestra pero también de participación. 

Un almacén de culturas pero también de futuros. 

Una aula pero también un divertimento.

Si queremos ver qué ideas de nuevos museos están planteándose en Europa, ver la página web del Museo Real de Bellas Artes (KMSKA) de Amberes, un gran museo muy clásico, totalmente reformado tras 11 años cerrado. Mucho mejor si podéis visitarlo.


Zaragoza 2008 se olvida, y algo se quiere gritar


Torre del Agua de la Expo 2008 - 2022 - Zaragoza



Existe el negro transparente y translúcido aunque no lo notemos


Sobre todo en Artes Gráficas y más en lo que llamamos impresión litográfica, el negro que se utiliza, la tinta negra que existe para imprimir, es transparente y translúcida. No es opaca. Aunque no lo notemos en los impresos. 

Todas las tintas básicas que se utilizan son transparentes, el Cían, el Amarillo, el Magenta y el Negro. Y no se utiliza (casi nunca) el Blanco (que sería casi opaco aunque hay varias tintas de blanco y cada una se comporta de una manera diferente), pues para ofrecernos a la vista el blanco ya está el papel, el soporte sobre el que se imprime, que no siempre es blanco, eso además.

Pero a veces hay que crear por ejemplo grises en tintas directas… y sin blanco eso parece imposible. Y no lo es. Se mezcla la tinta negra con una base o tinta que es totalmente traslúcida, con una base transparente que rebaja el color del negro hasta lograr una tinta gris tan clara como deseemos. Sería como una crema con todos los integrantes de las tintas básicas, pero sin nada de color.

¿Y cuál es el motivo de no utilizar blanco? Pues que la impresión de unos colores sobre otros, para con los cuatro básicos o con otros se logre un resultado de miles de colores diferente a la vista, se basa precisamente en la transparencia de las tintas que se van superponiendo unas sobre otras.

Imaginemos un gris hecho con blanco. Al caer encima del papel blanco sería gris y al caer en una zona naranja sería el mismo gris. 

Pero en cambio si lo hemos realizado con negro y una base traslúcida hasta crear un gris, al caer en el papel blanco se vería gris, pero al caer encima del color naranja lo veríamos como un gris cálido, anaranjado. Lograríamos dos tonos diferentes tanto de gris como de naranja.

De esta forma, con las tintas transparente logramos que con solo cuatro tintas básicas se logre diferenciar miles de colores distintos en una impresión litográfica. También en otros procesos de impresión se logra algo muy parecido, pero cada uno tiene sus particularidades. La tipografía hoy ya casi desaparecida es menos transparente y traslúcida pero lo es, la serigrafía depende totalmente de sus tintas y procesos de creación de sus planchas, etc. 

Así que sí, el negro es en litografía siempre transparente y translúcido, aunque no lo notemos.

Es cierto que como el negro de la impresión siempre va al 100% de su intensidad, su transparencia parece no existir, pues al 100% realmente no existe. La notamos más o casi exclusivamente cuando utilizamos esa tinta para mezclarla con otras para crear colores añadidos, algo que en estos tiempos ya casi no se hace, por comodidad del impresor, utilizando tintas ya fabricadas por Gamas, por ejemplo la Gama Pantone, y así se evitan tener que mezclarla, para lo que siempre hemos necesitado una cierta experiencia y profesionalidad.




Un rostro del artista Josep María de Sucre


El artista catalán Josep María de Sucre pintó esta obra en anilinas y cera sobre papel en el año 1963 a sus 77 años de vida, titulándola Rostro. Es de la Colección MACBA, como depósito de la Generalitat. Pintor y poeta, ha sido colocado como un pintor a medio camino entre el modernismo y las vanguardias del siglo XX. Pintor sin formación académica en Arte pero que consigue trasmitir a través de sus retratos el misterio de la pintura.

26.9.22

Gaudí creó un Paraíso Terrenal en Barcelona


Cuando Antoni Gaudí imaginó la Sagrada Familia para Barcelona debió pensar en un Jardín artístico, tal vez en el Paraíso Terrenal en donde se mezclara la religión con la piedra, imaginando un edificio vegetal y duradero para albergar a fieles eternamente. Cambiando unos por otros con el paso del tiempo, eso sin duda.

En arquitectura los experimentos artísticos salen muy caros y por eso hay que ser muy bueno y estar muy seguro de la idea. Y proyectarla muy bien antes de empezar a encargar materiales. 

El Arte creado desde la arquitectura dura muchos años y siempre marca un antes y un después en la zona sobre la que se asienta.

La Sagrada Familia es una Catedral, una iglesia, un templo religioso, pero es también un parque lleno de vegetales de piedra que alternan con las figuras religiosas. 

Y eso convierte en único al edificio, en muy bello, e incluso en tremendamente útil vistas las visitas de cada día, aunque no puedan quedarse mucho para disfrutar de sus palmeras interiores y de sus frutas exteriores.



25.9.22

El grupo Coldplay y su estética Art Pop


El grupo de música Coldplay (Juego Frío) aun siendo despreciado como dice hoy El País por muchos (dicen) expertos musicales, es un fenómeno Pop tal vez fuera de su tiempo. O no. Y digo que tal vez NO por el simple hecho de que son capaces de llenar estadios de fútbol con 100.000 espectadores que pagan sus entradas para acudir a verlos. ¿Puede haber algo más popular que lograr que paguen por verte cantar Pop, 80.000 personas?

Las críticas tienen su fundamento precisamente en el propio espíritu POP, crean música comercial, se aseguran que sea fácil y popular, analizando qué desean escuchar sus seguidores, analizando tendencias en las Redes.

Es crear POP, crear algo popular, desde el análisis más exclusivo de las formas y resultados. 

Crean música para un público en masa, basándose en lo que ese público parece querer, y para ello emplean herramientas sofisticadas de análisis de mercados y de consumo.

Buscan mantener ese grado popular dentro de su popularidad y del Arte Pop, pero haciendo negocio con todo ello. Desde el espíritu POP es lo lógico, crear algo popular para todo el mundo, para el consumo masivo.

Si vemos en la imagen su estética, vemos claramente que es Art Pop en todas sus manifestaciones. Colores, formas, gestos, sonidos, montajes. Buscan simplemente emocionar desde lo popular, desde el Art Pop.

La imagen que vemos es del fotógrafo Jim Dyson en el concierto de Coldplay en Wembley de Londres.



Ramón Casas y Carbó y unas cerámicas sobre invenciones y oficios


La cerámica hecha en pequeñas baldosas era casi una forma artesana de mostrar de forma repetitiva algunos dibujos del momento social en el que se creaban las piezas. Tenía un componente de humor y de crítica, fácil pero a la vez real en muchos aspectos, desde el cinismo a veces, desde el punto de vista más popular.

Estas cerámicas de los primeros años del siglo XX, nos quieren mostrar los nuevos oficios que iban surgiendo con el nuevo siglo. Invenciones de servicios, nuevas costumbres de las personas, y por ello nuevos oficios que iban en aumento.

Los dibujos de estas cerámicas son del reconocido artista Ramón Casas y Carbó y la colaboración de Miquel Utrillo y se hicieron en el año 1902. Se vendieron las 25 piezas con la revista "Pèl & Ploma" y se vendían a los subscriptores de la revista al precio de 25 pesetas. La revista se vendía a 10 céntimos.

Arte en calaveras mexicanas. Mexicráneos


El uso de calaveras de tamaño grande como lienzo para creaciones artísticas en México es un ejercicio que mezcla sus culturas ancestrales con el Pop Art y explica sus símbolos, creando obras de gran belleza, pues también unas calaveras vistas desde la perspectiva del Arte Pop pueden resultar atractivas.

Son obras de mas de dos metros de altura y que intentan contarnos una historia visual, mezcla de Arte Urbano o Grafiti y cómic utilizando grafismo de la cultura actual mexicana.

Y casi siempre con toques de adoración a la muerte, no solo por la utilización de la figura de una calavera como lienzo, sino en el contenido de las obras.




Campesina Romana de Laura Díaz y Nicolás Mejía


Esta es una obra de la artista madrileña Laura Díaz de una obra del artista Nicolás Mejía que pintó esta "Campesina Romana" en el año 1878. La obra original fue regalada por suscripción popular a la reina María de las Mercedes, con motivo de su enlace matrimonial con el rey Alfonso XII.

El óleo de casi 150 centímetros de altura es del Patrimonio Nacional de España, del Palacio Real de Madrid.
 

24.9.22

Expresionismo Abstracto. Arte Pop. Grafitis y Arte Urbano


El Arte Pop efectivamente viene de Arte Popular, el también conocido como Pop Art americano y que simplemente es una democratización del Arte, para ser incluso consumido por todo el que lo desee. En los años 50 del siglo XX y al llegar una cierta calidad de vida en los países anglosajones sobre todo, crece el consumismo de forma casi desaforada y con ello todo tipo de demostraciones culturales y artísticas.

Si a Mozart le escuchaban 50 ó 100 personas, a los artistas que van surgiendo en este siglo XX ya calmado  les acuden a verlos miles, sean músicos, actores, cine o teatro, y se abre las opciones de ampliar el consumo de Arte incluso en pintura.

Pero a su vez se crean conceptos nuevos de creación artística, para que esa presunta democratización del Arte no solo sea consumir, sino también crear y mostrar.

No es todavía el Siglo XXI y sus Redes Sociales y las digitalizaciones de las formas de crear Arte, pero es el camino que se está abriendo para hacer Popular todo tipo de Arte.

Cuando el artista sueco Claes Oldenburg, crea la escultura de su famosa hamburguesa, con materiales blandos pero construyendo a tamaño gigante un elemento común, sencillo, popular, se abre de alguna manera la puerta al Art Pop, a reproducir elementos habituales, populares, pero vistos desde otra perspectiva.

Era crear objetos comunes, baratos, y romper claramente con el elitismo del Arte, con el concepto de que el Arte tenía que ser siempre refinado, elitista, educado, silencioso. Era el Pop Art un claro contraste de crítica hacia el estado del momento, un consumismo de todo lo que se podía vender, que traspasaba el incluso el concepto de alimento, para ser señal de prestigio, de diversión.

Se venía de una II Guerra Mundial, de hambre y necesidad, y en pocos años se había logrado un consumo de productos que simplemente eran una forma de vida, de diversión incluso, de relación entre personas.

Pero a su vez era claramente una tendencia artística que deseaba romper con el Expresionismo Abstracto que era lo que imperaba (y que había llegado tras el Surrealismo), tachándolo de superfluo, de fácil, de inútil. Era a su vez el inicio del siguiente, paso, los Grafiti o el Arte Urbano. El cómic puesto en valor, a tamaño grande, viñetas que inundarán las calles a base de Arte Efímero.



Arte Siglos XX y XXI. ¿Qué quedará de estas décadas?


Llevamos miles de años rodeados de un Arte que conocemos porque se ha logrado conservar. Sabemos qué pintaban los habitantes de la prehistoria y además sospechamos que era por motivos religiosos, y sabemos que no era igual en unas zonas que en otras.

Hemos conocido el Arte Romano y Griego, el Egipcio o el español de diversos siglos, muy distinto al Holandés, al Chino o al Maya por poner algunos ejemplos. Todas estas manifestaciones artísticas, conservadas, nos han ido mostrando su sociedad, sus paisajes y sus viviendas, sus formas de vestir o de comer. Muchas veces de forma más sencilla y completa que con la literatura cosnervada.

El Arte sirve para escribir historias.

La pregunta que me hago es muy sencilla. ¿Qué tipo de Arte se conservará del siglo XX cuando lo gestionen, descubran y estudien los ciudadanos del año 3.000?

Podemos pensar que no importa tres pepinos, es una opción, pero es también el acompañamiento perfecto para estos tiempos raros, líquidos y a veces revueltos. Seremos recordados por lo que se conserve de nosotros, de nuestra civilización actual, y el Arte suele ser un buen termómetro.

Posiblemente en pintura quede el Arte Abstracto, el Expresionismo brutal, la fotografía en papel, y sin duda debería quedar el Arte Urbano que por su concepto es un Arte Efímero. Podría quedar también como curiosidad para los futuros, el Arte Bruto.

Pero enseguida viene la segunda pregunta ¿Es eso lo que nos apetece que quede para la posteridad de nuestro paso por el tiempo?

El Arte no es manipulable, es el que es, según los tiempos que le tocan vivir. Incluso cuando se manipulan
las tendencias artísticas, en realidad se refleja el modo de su tiempo.

Ya no estaremos, lo sé, pero tampoco están ya ni Goya o Picasso, ni Vincent Willem van Gogh, y me importa mucho su obra y sus modos de reflejar lo que en aquellos años existía por el mundo.

22.9.22

Expresionismo fotográfico, expresivismo o surrealismo


Existe el Expresionismo fotográfico, y el Expresionismo Abstracto dentro de la fotografía. E incluso el Surrealismo que en los últimos tiempos vemos tanto, directamente explicado o acercándose a él o disfrazándose a veces de un cierto Expresivismo Expresionista y con toques de abstracción, disimulada o no. 

El exceso de fotografía, todos llevamos ya siempre una cámara al menos en los bolsillos, hace que muchas personas vayan descubriendo que pueden utilizarlas para muchas más cosas que para fotografiar un viaje o una comida de amigos. La fotografía sale ganando.

6.9.22

La artista polaca Katarzyna Gagol y sus retratos


Desde Varsovia recojo estos dos dibujos retratos de la artista polaca Katarzyna Gagol. Una técnica sencilla de crear bellas obras, en este caso retratos casi siempre, pero utilizando un método muy clásico. Sobre una base de papel de color medio, utiliza generalmente dos colores, el blanco y el negro.  A veces incorpora también algunos tonos de color que complementen el trabajo dentro de una misma gama de tonos. Con rotuladores como si fuera un trabajo de plumilla y tinta china, realiza su obra sobre unas indicaciones hechas a lápiz. El éxito de sus obras está en saber captar las miradas, los gestos, en la naturalidad de sus modelos.



2.9.22

La pintura del aragonés Álvaro Lombarte


Os dejo una obra del artista aragonés Álvaro Lombarte Lombarte, que desde su abstracción a veces surrealista v conquistando sobre cartones, lienzos o madera sus mundos fusionados y expresivos, que buscan la intimidad de estos tiempos tan raros, tan complejos, tan difíciles de plasmar incluso entre las sensaciones de los artistas.

Sus obras son complejas, llenas de diversas miradas de estos tiempos, buscando el interior de las cosas que van sucediendo a base casi de gritos contra sus lienzos, sus dibujos o sus esculturas.

Los mejores soportes para pintar al óleo o acrílico

La mayoría de las personas que nos adentramos en la pintura acrílica u óleo lo hacemos sobre soportes de lienzo ya montado sobre bastidor de madera, telas no muy buenas pero baratas y con su imprimación ya colocada y por ello listas para ser usadas.

Es una buena opción. Pero hay otras posibilidades sobre todo si quieres trabjar en tamaño grandes.

La pintura acrílica se utiliza cada vez más sobre la madera conglomerada o no, siempre a partir de un grosor a partir de 5 mm, cortada al tamaño que nos interese en tiendas de carpintería o de madera para muebles. La ventaja es clara pues se un método sencillo de conseguir una base al tamaño deseado por nosotros, barato y rápido.

Podemos disponer del tamaño que necesitemos en la proporción que deseemos, algo que no se puede hacer con los bastidores de lienzo montado, excepto si compramos el lienzo en rollos y hacemos nosotros los bastidores. 

Dar una imprimación sobre la madera es muy sencillo y acertar con el producto también, pues en la misma tienda en donde se comprar las pinturas te ofrecerán diferentes soluciones. 

Incluso puedes explorar la posibilidad de empezar un cuadro no sobre fondo blanco sino con una base de imprimación en un color oscuro o diferente al blanco. Es una buena manera de explorar y aprender técnicas de claro oscuro.

La pintura sobre madera conglomerada tiene la ventaja de que no será atacada por los insectos, pero el inconveniente de que sufre mucho con la humedad. 

Por eso es conveniente al cuadro terminado, darle una capa de pintura por los cantos y el fondo trasero, para que si le cae agua, no sufra el soporte, la base de la obra.

Si te gusta el lienzo, aprende a crear tus propios bastidores para poder elegir tamaños y formas y para poder emplear telas de mejor calidad y de texturas distintas. Es complicado encontrar texturas gruesas en lienzos industriales y de encontrarlos son caros. Pero aprender a montar sus lienzos es una buena decisión, aunque más cara y compleja que sobre maderas.

No es nada complicado seguir buscando por Google la forma de prepararse los lienzos o los soportes de cartón preparado o madera, en casa o en el taller. Lo importante es que no te cambien mucho los colores al secar y que tenga durabilidad la calidad final conseguida.

29.8.22

Ya hemos decidido qué debe ser un Museo


No ha sido fácil ponerse de acuerdo en el año 2022 para definir qué es un Museo, como explicación universal y para todos los países. No ha sido sencillo pero al final en el Consejo Internacional de Museos (ICOM) se ha llegado a un consenso nuevo aprobado por el 92% de los integrantes de la reunión de Praga en su 26ª conferencia general.

Un museo es una institución sin ánimo de lucro, permanente y al servicio de la sociedad, que investiga, colecciona, conserva, interpreta y exhibe el patrimonio material e inmaterial. Abiertos al público, accesibles e inclusivos, los museos fomentan la diversidad y la sostenibilidad. Con la participación de las comunidades, los museos operan y comunican ética y profesionalmente, ofreciendo experiencias variadas para la educación, el disfrute, la reflexión y el intercambio de conocimientos”.

Para la inmensa mayoría de la sociedad le puede parecer una tontería tener que definir qué es un Museo. Pero lo cierto es que son instituciones imprescindibles para recoger las historias de la humanidad en todas sus vertientes y definir su futuro es muy necesario cuando hay dudas de su papel histórico y sobre todo de sus fórmulas de futuro.

27.8.22

Grupo Pórtico y la abstracción zaragozana


El artista (casi) aragonés Fermín Aguayo, nacido en Sotillo de la Rivera en Burgos fué uno de los creadores del Grupo Pórtico en Zaragoza, uno de los primeros Grupos Artísticos que sentaron las bases de la abstracción en España. 

Artista muy implicado en la vida cultural y artística de Zaragoza en los años 40 y 50 del siglo XX supo moverse por Europa para impulsar la pintura vanguardista.

Esta obra que vemos, titulada "Cementerio de la muerte" del año 1948 fue una de las obras que presenta en Zaragoza en lo que podríamos llamar el inicio del Grupo Pórtico en una exposición en el Casino Mercantil junto a otros ocho artistas aragoneses. 

Aquella exposición abre sobre todo Zaragoza al mundo del Arte español y europeo, considerándose a Zaragoza como un nuevo espíritu en la pintura española. Efectivamente, aquellos años viejos no han vuelto a Zaragoza.

Aquel Grupo Pórtico lo formaron: Baqué Ximenez, Alberto Duce, Vicente García, Fermín Aguayo, Manuel Lagunas, Santiago Lagunas, López Cuevas, Pérez Losada y Pérez Piqueras.


25.8.22

Antonio López y su obsesión por seguir creando Arte


Si con 86 años de edad física sigues intentando trabajar en el Arte creando tus propias ideas o formas de ver la vida que te rodea, es que eres un genio, seas o no seas famoso o importante para los espectadores. Antonio López lo es para el Arte español, de eso no cabe duda. 

Os dejo una frase suya publicada en El País mientras vuelve a pintar la Gran Vía madrileña. La fotografía es de Juan Barbosa.

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“He intentado transcribir la ciudad lo más fiel posible, pero si veo que aquello no alberga algo emocional, que tiene que ver con el arte que se ha hecho siempre, es mejor coger una cámara fotográfica. Aunque también la fotografía puede tener una parte emocional. Y el cine. Warhol ha atrapado algo que tiene que ver con el misterio de vivir. El arte se ha saltado todos los trámites y ha conseguido eso, el efecto emocional. Por eso, no tiene final. Puedes ver las cuevas de Altamira y están unidas con el arte actual”

Antonio López


24.8.22

Corrida de toros en una plaza partida, de Goya


Francisco de Goya trató el tema de las corridas de toros bastantes veces en su carrera artística, en una serie de pinturas y grabados como la célebre serie de grabados de la Tauromaquia, publicada en 1816, y en cuatro litografías publicadas en Burdeos en 1825 cuando estaba en el exilio.

Esta obra que vemos ha tenido a veces algunas dudas de si realmente era de Goya. A mediados del siglo XIX hubo un gran negocio en copias de las populares composiciones de corridas de toros de Goya de sus grabados, y el uso aquí de ciertos motivos que aparecen en las otras obras de corridas de toros de Goya ha llevado sospechar que podría haber sido pintado por otro artista.

La corrida de toros en un anillo dividido está pintada al óleo sobre un lienzo reutilizado que representa el escudo de armas del rey Carlos III de España y los símbolos heráldicos asociados con la ciudad de Madrid.

El artista eligió una capa de imprimación naranja roja para cubrir el escudo de armas antes de pintar la obra que vemos. El color de base, que consiste en una mezcla de blanco plomo y bermellón, es visible en todas partes donde se aplica finamente la pintura.

Es un óleo de 1,3 metros de anchura pintado al óleo sobre lienzo entre 1810 y 1812. La obra se encuentra en el MET de New York.

Este cuadro, además de su importante valor artístico, contiene una interesante información histórica puesto que nos indica que en aquella época se celebraban, no sabemos con qué frecuencia, dos corridas de toros en un mismo espacio de forma simultánea lo que daba idea del interés que este tipo de espectáculos tenía para el pueblo. La acumulación de reses para torear en determinados festejos provocó que, para doblar el número de faenas en una misma jornada, se partiera de forma provisional la arena, una costumbre que se mantuvo hasta bien entrado el siglo XX.

21.8.22

Trágico final del aguacil Lampiños, de Francisco de Goya


Francisco de Goya fue un artista social que quiso retratar sin cámara aquellas escenas que entendía que eran diferentes, ejemplares, violentas, realidades que representaban un tiempo determinado, a las que les añadía su particular mirada y su entendimiento y literatura.

El dibujo que vemos arriba es una historia de venganza que podría haberse inspirado en un episodio que ocurrió en Zaragoza, a mediados del siglo XVIII y del que el artista podría haberse quedado en la memoria cuando era niño.

La composición, organizada en torno a un cuerpo a cuerpo de mujeres que sujetan a un hombre para castigarlo, mostrando los rostros de los protagonistas desde un punto de vista inusual, mejorando la narrativa y enfatiza el acto singular de una mujer inyectando una sustancia letal en el ano de la víctima mientras sus compañeras lo sujetan con fuerza.

Francisco de Goya dejó en blanco la parte superior de la hoja para poder incluir una larga explicación, poco común en los dibujos de este artista que realizó esta obra entre los años 1812 y 1820. Es propiedad de The Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

"Muerte al Alguacil Lampiños, por perseguidor de estudiantes y mujeres de fortuna, al que le echaron una lavativa de cal viva por el año"

El alguacil Lampiños, abusando de su poder como servidor público, se dedicaba a mediados del siglo XVIII a perseguir y azotar a mujeres y estudiantes en la ciudad de Zaragoza, quienes hartos de sus excesos decidieron unirse para darle castigo. Goya hizo dos grabados sobre este suceso. En el presente dibujo, unas mujeres agarran fuertemente al alguacil Lampiños y lo elevan por los aires, mientras que otra mujer le introduce por el ano una lavativa de cal viva. Con la mano izquierda el sujeto intenta librarse en vano del suplicio. A la derecha de la composición se aprecia el barreño de cal viva. Así fue el terrible final del alguacil Lampiños.

17.8.22

Gran Premio del XXXIII Premios de Arte Santa Isabel de Aragón, de la Diputación de Zaragoza


En los XXXIII Premios de Arte Santa Isabel de Aragón, Reina de Portugal, la Diputación de Zaragoza ha entregado sus premios anuales en una especie de concurso que año a año va mejorando y además representa una muestra del "nuevo" arte y de nuevos artistas.

Este años el "Gran Premio" ha sido para la obra "Refugiad@" del artista Federico Contín, en un acrílico sobre lienzo de tamaña mediano en donde vemos a una persona desdibujada, sis rasgos claros, que nos mira con cara de tristeza, envuelto en buenos deseos, pero lleno de dolor y de penurias. Un clásico muy bien fotografiado en una pintura dura, llena de dobles miradas.

El artista zaragozano Federico Contín nació en 1979 e inició su carrera como pintor en el año 2001, labor que compagina con la de periodista cultural. Federico Contín acumula numerosos premios y menciones internacionales como la Mención de Honor de la Asociación Nacional de Críticos de Arte de Italia o Mención de Honor del Premio Santa Isabel de Portugal. En la actualidad, dirige el programa contracultural 'Atónitos Huéspedes' de Aragón TV.

14.8.22

Ignacio Fortún. Un aragonés artista que se multiplica por cuatro



Esta obra del artista aragonés Ignacio Fortún y titulada "Empalagoso día feliz en Casa Nicolás" la realizó en el año 1982 (su primera etapa) y es propiedad del Ayuntamiento de Ejea de los Caballeros. Un cuadro de metro y medio de ancho que muestra una familia clásica y religiosa en una comida familiar un tanto extraña. Las tristezas, casi las penas inundan esta festividad excesivamente seria.

La exposición en donde se mostró esta obra, en La Lonja de Zaragoza (Mirada y Relato) durante el final del año 2017, nos permitió conocer mas a un artista muy polifacético, capaz de mezclar la poesía con la pintura, darle unos toques de escenografía teatral dentro de unas obras que más parecen murales mexicanos que obras de un aragonés cercano.

Son escenas familiares, de calle, de barrios, la que pinta en esta su primera etapa llena de color, de vida, de rostros que nos hablan sin decirnos nada. 

Posteriormente irán despareciendo las figuras humanas, aparecerán los paisajes complejos, las luces duras, los grises, para volver a las personas ya en el siglo XXI, pero "otras" personas, otra manera de mostrarlas, de convivir con ellas en sus obras.

No existe un Ignacio Fortún, sino al menos entre cuatro y cinco artistas diferentes, metidos dentro del mismo Fortún de siempre. Tan diferentes en sus fondos que no tanto en sus técnicas, que parece imposible quedarse con uno de ellos si fuera necesario. Seguro que cada espectador, cada crítico, optaría por una etapa distinta.



13.8.22

Vidrios artísticos en La Fiore, en Mallorca


La Fiore en Mallorca es una fábrica de Arte en cristal y vidrio que asombra por sus resultados artísticos simplemente en vajillas en donde mezclan los distintos elementos minerales y de colores para formar resultados muy atractivos, más si caba con las texturas y los colores trasparentes y traslúcidos. Es una fábrica que se puede visitar para ver los talleres y para comprar, pero sobre todo para disfrutar de lo que son capaces de hacer con unos elementos tan sencillos y ancestrales.

11.8.22

El zaragozano Manuel Viola y un desnudo


Manuel Viola fue un Genio y además un Artista. Me encantaba su pintura, sus trazos, sus manchas y colores. No siempre fue así y para muestra esta obra del año 1969 titulada "La vida y la muerte. Desnudo" que es de una colección particular. Ya tenía 53 años el zaragozano que además de funda el Grupo El Paso, era un surrealista espiritual e informalista. 

Recuerdo que una vez en una exposición que hizo en Zaragoza en el Casino Mercantil se me acercó y tuvo la "osadía" de preguntarme qué me parecían sus obras, sin saber que yo le admiraba. Como es lógico recuerdo con sumo agrado aquel detalle, aquella tarde casual.

9.8.22

Alfred Hitchcock hecho con hilos de lana


La distancia entre artesanía y arte no es a veces mucha. Tal vez dependa del número de ejemplares, y no siempre es así pues el grabado o la serigrafía también vive de varios ejemplares y nadie duda de que es Arte. Dejémoslo aquí, de momento.

Esta obra hecha con hilos de lana sobre madera se muestra a Alfred Hitchcock hecho con clavitos que dejan entrecruzar los hilos hasta formar la figura final. Un técnica o un arte con varias décadas encima, que parecía haber perdido su espacio.

Giorgio de Chirico y Las Sibilas


El artista griego Giorgio de Chirico fue el fundador del movimiento artístico "Pintura Metafísica" una forma de mezclar surrealismo (antes de que este movimiento naciera), futurismo, paisaje y sociedad, creando mundos paralelos que se imagina nuevas realidades desde el interior. 

En esta obra titulada "Las Sibilas" del año 1946, nos muestra dos figuras mitológicas que nos recuerda a su infancia y juventud en Grecia y a los estudios del mundo clásico. Unas exageradas ropas y telas inundan casi toda la escena clásica con su edificio en un lateral para que no haya dudas, pero a la vez esa caída de los ropajes se acompaña de la misma caída de unos cabellos excesivamente largos y casi protagonistas de la escena.

Las Sibilas eran adivinas, brujas clásicas que eran capaces de anticipar los futuros, de ponerse en trance para profetizar lo que iba a suceder en el futuro cercano. Mujeres profetas que eran capaces incluso de adivinar con antelación que iba a venir Cristo y que moriría con sufrimiento.


1.8.22

Seis portadas de libros hechas con Arte


Ayer hablaba del Arte hecho con Inteligencia Artificial y ponía unos ejemplos que podrían servir o al menos nos pueden hacer dudar del papel del Arte en el futuro. Ahora os pongo las portadas de seis libros muy actuales en los que el Arte Gráfico o Fotográfico tiene un componente claro en las mismas.

Sería un ejemplo de utilización de la Inteligencia Artificial en el Arte para buscar portadas creadas desde la nada simplemente indicándole unas frases para que las trabaje. 

Unos juntos en verde y abiertos

Un paisaje clásico con barcos

Una mujer cosiendo unas ropas con una máquina

Una gasolinera clásica en el monte boscoso

La IA poco a poco se nos va a ir apoderando de actividades y labores que son ahora comunes. Pensemos simplemente en nuestros padres o abuelos y las actividades que hoy existen en el comercio y que ellos no conocieron. 

Aprender a defendernos es aprender a no perder lo conseguido.

31.7.22

La Inteligencia Artificial y el Arte. ¿Enemigos o ni eso?


La Inteligencia Artificial tiene un mundo por delante, y el Arte es uno de los espacios en donde puede trabajar con más libertad y de forma fácil. En realidad no es una Inteligencia sino una Programación a la que han enseñado a crear con unos parámetros muy medidos, lo cual no tiene nada de creativo aunque sea muy efectista. 

Estos procedimientos Artificiales ni piensan, ni tienen sensación de estar diciendo algo interesante, ni son capaces de innovar en el Arte, sino que simplemente construyen sobre parámetros ya existentes, lo cual no es poco, también hay que decirlo.

Copian pero son tan "listos" que saben copiar sin que se note, construyen algo diferente (o no) sobre lo que ya existe y tienen programado en sus tripas.

Hay varios programas para crear Arte con IA, posiblemente haya más y de mejor calidad, que estén ahora en proceso o simplemente estén escondidos o no sean comerciales. 

Hay programas que escriben novelas de forma artificial tras meterles los personajes o unos datos de contexto y de la historia que deseas que esa IA nos escriba. Hay programas de IA que te crean tesis que parecen investigaciones y hay programas —como estamos viendo en la imagen— que te crean obras de Arte.

Este ejemplo que vemos de IA te construye imágenes de la nada. Le dices una frase y el programa te entrega cuatro obras distintas para que elijas entre ellas a una resolución de 3 megas en RGB. 

Los ejemplos que vemos arriba los construyó tras la frase: "Campo de amapolas y Tulipanes" y a la que se le iba añadiendo el tipo de Arte Pictírico que deseábamos obtener.


30.7.22

Mujer de México, ofreciendo presentes hace 2.000 años



Hace unos 2.000 años estas figuritas femeninas sentadas y ofreciendo algún presente se utilizaban en México con fines desconocidos. No sabemos si eran figuras femeninas puramente decorativas, representaban algunos ritos, se utilizaban para hacer ofrendas, eran signos de fertilidad o de distinción familiar.

Esta cerámica pintada y encontrada en la ciudad de Nayarit en la zona del actual Jalisco y con una temporalidad entre los 300 a.C. y los 300 d.C. muestra a una mujer con la cabeza alargada por el efecto de collares como en algunas culturas africanas, ejercicio que se practicaba en la adolescencia posiblemente para remarcar su belleza personal o su estatus dentro de sus grupos sociales.

Podemos observar también el trabajo en las orejas, similar al que actualmente hacer algunos jóvenes occidentales de ambos sexos.



29.7.22

Bodegón de la pintora asturiana Concha Mori


Concha Mori
(María de la Concepción Filomena Manuela Engracia González Martín) fue una artista asturiana nieta de uno de los fundadores de la Academia de Bellas Artes de San Salvador en Oviedo lo que le facilitó su amor al Arte desde muy niña.

En la adolescencia y como discípula de Menéndez Pidal amigo de la familia empieza a adentrarse en el mundo artístico asturiano pero enseguida es aconsejada para que se vaya a Madrid a estudiar a la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Allí y ya en los círculos artísticos de los primeros años del siglo XX toma la licencia de copista del Museo del Prado lo que le sirve para aprender todavía más.

Este bodegón que vemos arriba es una obra suya, que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Asturias y de la que desconozco su fecha, y que se ha podido contemplar en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza, en una exposición que se tituló: "Poéticas de Género".

Murillo o Isabel II. Dos obras de la Sagrada Familia


Podría parecer una obra de Bartolomé Esteban Murillo, una clásica y conocida obra titulada "La Sagrada Familia del pajarillo" que podemos observar abajo de esta entrada. La obra de arriba es una copia, y es muy conocida también pues la realizó la Reina Isabel II con 18 años cuando aprendía pintura y Arte y cuando presentaba sus obras a diversos organismos artísticos de Madrid.

Obra grande, pintada en el año 1848, de casi dos metros de anchura (mismo tamaño que el original de Murillo) y que no es la única que ha merecido entonces y ahora halagos y reconocimientos. 

Isabel II además de pintar bien se dedicó en los años de su reinado a cuidar las Artes, a promocionar a mujeres artistas pintoras, y posiblemente a seguir pensando que disfrutaba más pintando cuadros que reinando en un país que la mandó al exilio. Y no digo nada de lo que se dice esta Reina, pues este es un blog de Arte.




27.7.22

Cristo llenando el Cáliz con su sangre. Daroca (Zaragoza)


La religión católica ha utilizado casi excesivamente el dolor, la sangre, casi la tortura en muchas de sus imágenes, para mostrarnos las diferencias tremendas entre el cielo y el Infierno, a través de los padecimientos de Cristo, alentando a "portarnos bien" para no sufrir como sufrió Jesús. 

Este retablo está en la iglesia de San Martín en Daroca (Zaragoza) y muestra a sangre de Cristo llenando el Cáliz, como en un ejemplo de alimentación espiritual al que todos podemos acogernos si somos capaces de creer. 

La obra es del pintor gótico zaragozano Martín Bernat pintada entre los años 1470 y 1475 siendo una de las primeras obras que se le conocen.

25.7.22

Fermín Aguayo, pintor aragonés nacido en Burgos


Dejo hoy una obra del burgalés Fermín Aguayo, una "Calavera" de 1948 hecha en lienzo al óleo para luego pegar la tela sobre una tabla de madera para conservarla mejor. Es una obra expresionista de Fermín Aguayo donde muestra lo fugaz que es la vida, y lo macabro que representa querer recordar eso, con angustia y dolor, que intenta expresar con una obra cercana a la abstracción. 

Con diez años llegó a Zaragoza tras el fusilamiento de su padre y sus dos hermanos mayores, asesinados por los franquistas y es en esta ciudad donde es acogido, Zaragoza, en donde se hace artista y forma parte del núcleo fundacional del Grupo Pórtico, pionero de la abstracción en España.

No fue sencilla su vida, falleciendo finalmente en Francia a la edad de 51 años. No es mucha la obra que se conserva de sus importantes trabajos, pero aquellos años de su vida, entre los años 40 y los años 75 del siglo XX, no fueron fáciles ni para el Arte, ni para la abstracción, mucho menos si se venía de provincias, aunque fuera un artista que se movió por Europa.

Esta obra es de las más conocidas que se conservan de aquellos años primeros del Grupo Pórtico.



19.7.22

La Columna de Trajano en el Foro de Roma


El emperador romano Trajano fallecido en el año 117 de nuestra era nos dejó una Columna hoy conocida como la de Trajano en Roma, inaugurada cuatro años antes de fallecer, y que todavía se conserva en el final del actual Foro mostrándonos una narración a modo de libro, en un friso de entre 190 y casi 200 metros de longitud según de qué manera se suma el total de las escenas, realizado en relieve en mármol, en una espiral que da 23 vueltas a la columna, para relatar sus batallas ganadas pero sobre todo la vida de sus soldados, relatos de las formas y modos de vida de aquellos años, de sus militares y de sus aparejos de guerra o de vida común.

Imaginemos que en aquellos años fueron capaces de construir una torre hueca en su interior, con una escalera de 185 peldaños para poder subir por dentro hasta llegar a un mirador, desde donde divisaba la ciudad de Roma. 

¿Cómo se pudo crear en trozos enormes de mármol grabado esta columna y luego montarla para que contara una historia a modo de libro gráfico?

En un sistema de grabado aplanada va relatando escenas continuas que finalmente eran pintadas creemos que en colores fuertes, hasta completar más de 2.500 figuras en 155 escenas diferentes y en donde el propio Trajano aparece hasta 60 veces en sus 39 metros de altura con el pedestal y la estatua de lo alto. Pensemos en el equivalente a un edificio de 14 alturas.

La columna está constituida por dieciocho bloques colosales de mármol de Carrara, cada uno de los cuales pesa unas cuarenta toneladas y tiene un diámetro de 3.83 metros. Estos constituyen los diecisiete bloques que componen el fuste de la columna, la base, el capitel y el ábaco. 

Arriba del todo iba un águila de bronce que a la muerte de Trajano se cambió por su propia estatua, hasta que un Papa en 1587 la cambió por un San Pedro.

Entre las 2.500 figuras que se pueden observar hay soldados íberos, jinetes africanos, arqueros del levante español, germánicos o dacios (rumanos). Incluso la propia familia de Trajano. 

Curiosamente la altura del friso va creciendo con la altura de la columna, pasando de 0.89 a 1.25 metros, para corregir la deformación causada por la perspectiva y que el espectador al observa la columna perciba todas las escenas con el mismo tamaño visual.

Sin ninguna duda y atendiendo a la complejidad del trabajo, un enorme trabajo y hueco por dentro para crear la escalera de acceso a su mirador, hay que entender que tuvieron que ser trabajos tremendos de varios artistas a la vez que supieron crear tamaña obra con los condicionantes que hoy podemos seguir contemplando. 



Visitar las iglesias para disfrutar del Arte


Si os gusta el Arte, es muy complicado que os guste solo una parte del Arte. Todo el Arte conmueve, provoca sensaciones, te envuelve en historias o en pensamientos. No es necesario ser religioso, ser de ninguna religión para entrar en las iglesias o basílicas de cualquiera de ellas, y con respeto admirar el Arte que encierran.

En todas las cristianas la entrada es libre, aunque en algunas visitarlas sea previo pago de una entrada. En las religiones asiáticas sucede algo similar. Más complejo es poder visitar algunos edificios religiosos que sean musulmanes. 

No en todos se puede entrar si no profesas la religión islámica, pero con respeto se puede intentar o preguntar pues en la puerta siempre hay alguien filtrando las visitas. Las turísticas puras son la que peor son tratadas, pero nadie impide entrar a alguien que desea orar.

El caso es poder contemplar las bellezas que encierran las iglesias por todo el mundo. las religiones siempre han gozado de fuertes cantidades de dinero para poder decorar sus espacios y para crear ambientes, o para convertirlos en ejemplos de enseñanza de sus propias creencias.

Es cierto que si entrar de visita tiene sus normal, fotografiarlas es algo más complejo, pero todo depende del lugar y de no utilizar nunca luz artificial. Hoy con los teléfonos móviles las opciones de calidad son mejor vista, pasan más desapercibidas.

La que vemos es el interior de una iglesia gótica en Francia, de la zona de Normandía.