La vida interior sale a la luz a poco que rasquemos en la superficie


En fotografía se puede jugar con los conceptos, con las miradas, y practicar el ejercicio muy simple de ir buscando esas escenas a las que se les puede añadir una idea, un mensaje, un complemente a la imagen que nos acerque un poco a la poesía visual, a esa mezcla entre fotografía y literatura, a completar la idea observada con la idea imaginada.

"Los ríos amarillos de la vida interior, salen a la luz a poco que rasquemos en la superficie de las personas" - Ajovín



Fermín Aguayo y unos "Animales sumergidos"


Esta obra es del artista burgalés Fermín Aguayo realizada el año 1948 en guache sobre papel y titulada "Animales sumergidos". Se formó artísticamente en Zaragoza y formó parte del importante Grupo Pórtico desde donde trabajaron ese cubismo abstracto que de alguna forma revolucionó el arte español de aquellos años de la mitad del siglo XX.

Curiosamente en Zaragoza no se le prestó ni a él ni a su Grupo Pórtico la atención debida en sus años de evolución, llegando a perderse gran parte de su obra en el desalojo de su vivienda zaragoza del Paseo de la Mina. 

Tras más de una década en Zaragoza se fue a trabajar a París donde fue reconocido como pintor que ya había evolucionado hacia unos modelos figurativos más poéticos, ni sin dificultades pues al ser autodidacta no siempre era fácilmente reconocido su trabajo en los ambientes un tanto cerrados del Arte de mitad del siglo XX. Falleció a los 51 años, lo que nos deja bastante suprimida su evolución más madura.

Joseph Holston y sus obras para reflexionar sobre la historia de los EEUU


De ascendencia afroamericana dejo esta obra del artista pintor y grabador norteamericano Joseph Holston titulada "El Viejo" del año 2002. Con líneas y formas que se acercan al cubismo abstracto y con colores vivos casi siempre, trabaja sobre todo retratos de identidad negra, casi ilustraciones comerciales que nos mezclan la idea del grabado y la pintura como dos técnicas complementarias pues al final es la mirada del espectador la que dicta qué está viendo. 

Presente en muchos museos norteamericanos crea arte para reflexionar, cuestionar y profundizar en la historia de los EEUU a través de sus personas contundentes, tristes a veces, con fuerte personalidad.

Además de la pintura y las impresiones de sus propios grabados, o impresiones digitales de sus obras, trabaja también la serigrafía y el collage, y hace dibujos para exposiciones de sus obras.

William Kentridge y un dibujo muy teatral


El artista sudafricano William Kentridge, Premio Príncipe de Asturias de las Artes del año 2017 nos muestra aquí un dibujo suyo, muy teatral como parte de sus actividades artísticas además del grabado y el dibujo, siendo también director artístico de series para la televisión y creador de películas animadas basadas en sus propios dibujos.

Dibujando sobre todo, William Kentridge siempre ha querido trabajar la crítica social, trabajando con muy pocos colores, para resaltar la diferencia entre el blanco y negro y muchas veces un único color. Refleja la vida social de su Sudáfrica, pero sin añadir estereotipos clásicos, sino denunciando lo que afecta a todas las personas.

William Kentridge dijo.: Me interesa el arte político, es decir, un arte de ambigüedad, contradicción, gestos incompletos, metáforas y finales inciertos. Un arte y una política, donde el optimismo está bajo control y el nihilismo se mantiene a raya.

Paul Colin y el artístico mundo del diseño gráfico


El mundo del cartel, del diseño gráfico, es un mundo lleno de artistas
conocidos o no, de provocaciones como el mundo del Arte de museos, y de trabajos de alta calidad que muchas veces nos pasan bastante desapercibidos. Cuando hablamos de Arte Contemporáneo, tal vez mucha veces nos olvidamos del mundo de la publicidad, del diseño, del grafismo con mensajes o sin ellos, de algunos trabajos que son auténticas obras de arte.

Este que vemos es un cartel del año 1935 para la marca de coches Peugeot. No necesita explicación para vender un producto. Está vendiendo velocidad, aceleración, sensación de movimiento, aventura, elegancia, libertad. Esta hecho por Paul Hubert Colin uno de los más influyentes diseñadores franceses de la primera mitad del siglo XX que también trabajó en escenografía y en vestuario, en pintura y escultura. Es claramente un ejemplo de Art Déco en el diseño gráfico.

El escultor Pablo Gargallo y uno de sus caballos


Delante del Museo Pablo Gargallo de Zaragoza cuatro grandes esculturas del artista aragonés nos reciben desde la calle Alfonso para no perdernos ante un edificio emblemático de la historia zaragozana. Dentro, además de una excelente colección muy completa que ofrece un trabajo pedagógico excelente, un hermoso palacio aragonés y alguna gran exposición temporal generalmente de escultura pero también de pintura o dibujo.

Si vienes a visitar Zaragoza y te gusta el Arte tienes ocasión de visitar este Museo que aúna casi de forma callada toda una trayectoria de uno de nuestros mejores escultores españoles que trabajó en las primeras décadas del siglo XX y colaboró con todos los mejores de aquellas épocas doradas para el Arte Español.

Chuck Close y sus trabajos fotorrealistas en CMYK


Esta semana ha fallecido el pintor americano Charles Thomas Close al que conocíamos por Chuck Close y por sus trabajos mitad pintura mitad fotografía, pintor fotorrealista que desde 1988 y por un problema de salud tuvo que abandonar parte de sus trabajos tan detallistas que hacía en sus obras.

Sus técnicas de pintura se basaban en partir de una fotografía de retratos en primer plano que dividía en celdas con lineas en forma de maya y que después trasladaba en grande a sus cuadros, con mucho color y jugando con las técnicas pictóricas que a veces simulaban tramas.

Influenciado desde muy joven por la obra expresionista abstracto Jackson Pollock, no siguió sus modos pero si sus intentos de llenar los vacíos de los lienzos con pequeños retazos de líneas o manchas, no dejando que estas cobren tamaño. 

En la imagen podemos ver un autorretrato hecho en el año 1997 de sus series en CMYK cuando ya estaba muy impedido para poder trabajar. En el Metro de New York hay alguna obra suya en cerámica, colgada en sus pasillos.

Hay que mostrar basuras, las que nos quitamos de dentro


Dicen que comentó una vez Pablo Picasso.: El propósito del arte es lavar el polvo de la vida diaria de nuestras almas. Así que si hacemos caso a esta frase, todos deberíamos estar creando constantemente "algo" para ir limpiando nuestro interiores de polvo y paja. No solo nos basta con vaciar nuestros interiores, sino además debemos plasmarlos en "algo" para que se vean y sirven de comparación o de aprendizaje o de asco.

Sea teatro, literatura, dibujo, escultura, pintura, música o gritos contra las paredes con un spray en la mano. Cada tiempo tiene sus modos de lavar los polvos interiores. Ya no sirve solo con plasmar bellezas, también hay que mostrar basuras, las que nos quitamos de dentro pues nos estorban.

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They say that Pablo Picasso once commented: The purpose of art is to washing the dust of everyday life from our souls. So if we hear this phrase, we should all be constantly creating "something" to clean our insides of dust and chaff. Not only is it enough for us to empty our interiors, but we must also translate them into "something of ours" so that they can be seen and serve as a comparison or learning or dislike.

Be it theater, literature, drawing, sculpture, painting, music or screaming against the walls with a spray in hand. Each historical time has its ways of washing the inner powders. It no longer works only with the capture of beauties, we also have to show the garbage, which we remove from within because they hinder us. 

Reflexiones de Fernando Fernán Gómez, un artista


Hoy publica el diario El País un extracto de un diario que escribió en Roma durante el año 1952 el actor Fernando Fernán Gómez mientras estaba rodando allí la película "La Conciencia Acusa" en la que hacía de jesuita. 

Dejo abajo esta parte seleccionada de su diario pues me parece aclaradora de lo que nos sucede a veces a los que nos dedicamos a crear algo de Arte en algunos tiempos de nuestra vida. 

Dudamos, constantemente dudamos de lo que hacemos, pues crear es algo muy raro, no hay constancia clara de que sirva para algo, de que pueda gustar hasta pasado un buen tiempo, de que tenga sentido lo que hacemos.


7 de junio de 1952

Ya voy viendo en qué consiste el estado de ánimo de mi joven jesuita. Como siempre, le sucede lo mismo que a mí. El joven jesuita quiere abandonar el convento, pero no está muy seguro de quererlo. ¿No pienso yo lo mismo hace más de un año respecto a mi profesión y cada vez más intensamente? El joven jesuita no comprende claramente para qué sirve; sospecha que no sirve para nada. ¿Acaso no sospecho yo lo mismo cuando reflexiono sobre la estupidez de mi trabajo y la insulsez de mi vida cotidiana? ¿No he estado yo tentado, estos últimos meses, de abandonarlo todo, incluso mi trabajo y mi familia? El jesuita se siente incapacitado para el trabajo que de él se espera, exactamente como me siento incapacitado yo. Pero piensa si esto no será una disculpa que le presente al demonio para incitarle a satisfacer su ansia de mundo. Confunde el deseo con la disculpa. La disculpa con el deseo. Yo entiendo muy bien lo que es eso. Y uno, en esa crisis, está en el centro del miedo, y es miedo lo que se siente al aceptar un nuevo contrato que le liga a la estupidez por dos interminables meses y es miedo lo que se siente cuando se rechaza el contrato. Me he levantado y he ido de uno a otro de los dos turbios espejos: el del armario y el del lavabo. El jesuita joven, al atravesar su crisis, tendría así las cejas, angustiadamente caídas, y las vigilias le habrían sumido los ojos en las cuencas, como a mí, y tendría la mandíbula débil y afilada. Todo esto me pone muy contento. He escrito hoy el diario muy de prisa y ahora estoy sonriendo casi con picardía, con la picardía de quien ha descubierto el truco que estaba buscando. Me parece que voy a dormir de un tirón.

¿Y si el Arte Contemporáneo es simplemente esto, Arte Efímero?


En Zaragoza no tenemos la suerte de tener a Banksy, ni de tener un exceso número de grandes murales aunque las funciones del Festival Asalto son un gran acierto. Pero sí teneos desperdigados por la ciudad multitud de bichos, de pequeños monstruos miedosas que solo aparentan. Es el urbanismo lleno de arte efímero repartido por toda Zaragoza con bellos colores. Con el tiempo es posible que reconozcan ya otras generaciones, que estos periodos de Arte Urbano son un sello del Arte Contemporáneo al que no supimos prestarle la suficiente atención.

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In Zaragoza we are not lucky enough to have Banksy, or to have an excess number of large murals, although the Asalto Festival functions are a great success. But you do have a multitude of bugs scattered around the city, of scary little monsters that only pretend. It is urbanism full of ephemeral art spread throughout Zaragoza with beautiful colors. Over time it is possible that other generations will recognize that these periods of Urban Art are a hallmark of Contemporary Art to which we did not know how to pay enough attention.

Salvador Dalí y una sección de su obra "Idilio atómico y uránico melancólico"


A veces una sola obra de Arte contiene muchas obras de Arte. Hay pintores como Dalí que en una sola de sus obras esconden, queriendo o sin querer, varias obras de arte que se pueden contemplar como secciones del todo de la obra. Salvador Dalí es uno de ellos. Sus obras son historias compuestas de varias escenas. El surrealismo es uno de las disciplinas que mejor permite esto, contar historias completas a través de diversas escenas que se unen en un lienzo, como si fuera una obra de teatro donde se pudieran contemplar diversas escena e ir pasando de una a otra según cambias tu punto de vista.

Estos procedimientos tienen una curiosidad añadida para el espectador. Según el día, el tiempo en el que contemplas una escena, te atrapa una u otra. El Jardín de las Delicias de El Bosco sería otro de esos ejemplos de historias en una sola obra, que según el día, el tiempo, te atrapa o te fijas en una parte o en otra.

Esta obra que vemos arriba es una sección del cuadro "Idilio atómico y uránico melancólico" pintado por Salvador Dalí en el año 1945, en los mejores años 40 del artista de Figueras. En esta obra hay al menos seis secciones diferentes en donde poner la mirada. Según de qué forma estés en el momento de la visita se te irá la mirada hacia una zona o hacia otra de esta obra de Dalí. 

En el Arte tiene que haber evolución y un camino similar que te identifique


La suma de obras de Arte similares forma un conjunto que amplía el valor de cada uno de sus elementos. Un conjunto, una serie similar es imprescindible para poner en valor tu marca. Si simplemente picoteas diversos modos, distintas temáticas, distintos modos de Arte, aunque seas muy bueno, no lograrás destacar pues se requiere una continuidad, una exploración, un trabajo de reflexión y de evolución. 

¿Hacia dónde nos lleva lo que estamos haciendo? 

¿Somos capaces de con la misma idea sacar distintos ejemplos de trabajo, distintos pero similares?

Cualquier trabajo artístico necesita una firma reconocible en sus modos, en sus temáticas, en sus formas de trabajar las ideas y los fondos. Todo debe poseer un pequeño conjunto que suponega una firma reconocible de trabajar y de evolucionar.

Eso no quiere decir que la propia evolución no te vaya llevando hacia caminos distintos, no te vaya transformando en alguien que va creando desde un principio, obras diferentes y que evolucionan, se mueven y te mueven como artista hacia otros derroteros, hacia otras formas de expresión. pero se tiene que ver el camino.

Si miramos el trabajo de Miró, Picasso, Goya o Banksy por poner unos ejemplos aleatorios, veremos que sus obras se identifican con las formas y con el tiempo. Van evolucionando, Goya por ejemplo no es igual en los cuadros religiosos que en la Pinturas Negras o en Tauromaquia. Pero se puede seguir su transformación en el tiempo. Sabemos que es él, simplemente a veces porque hace lo que esperamos que haga como es el caso de Banksy o de Manuel Millares o de Antoni Tapies.

Nota.: La obra que vemos arriba del año 1950 es del pintor inglés Tony Stubbing, que empezó a ser artista en España en los años 40 del siglo XX.

Tres obras de Arte vistas en Zaragoza


A veces una obra de Arte puede ser un detalle, una provocación, un grito, unas sorpresa. Estas tres pequeñas esculturas las observé en una calle del Casco Histórico de Zaragoza, digamos que entre el Tubo y San Gil para no dar muchas pistas sobre todo al no saber quién es el autor de estos pequeños caramelos artísticos.

Me parecieron fabulosos, capaces de querer escaparse hacia la casa de cualquiera de nosotros. Pequeños detalles del Arte Moderno, Actual, contemporáneo pues sucede en nuestro tiempo, y que además es fácil de entender y es provocativo. El Arte es sobre todo expresión, y estos tres "contemplantes o contempladores" de las calles zaragozanas son expresivos.

La artista Vivian Suter y sus formas y marcos irregulares


La artista suiza Vivian Suter no solo hace telas sin enmarcar, sino que también trabaja composiciones más complejas como esta compuesta de varias obras que ensambla para formar perímetros irregulares. De esta manera el perímetro de la obra forma parte también como un elemento más sobre la misma, saliéndose de la clásica obra rectangular o de marcos muy limitados y delimitados. El concepto de figura geométrica simple en donde queda encerrada la obra, clásica en fotografía y en la pintura clásica, se va rompiendo poco a poco hacia figuras que se mueven por ellas solas.

Banksy y su "Estamos todos en el mismo barco"


Con un lema clarísimo en esta obra suya, "Estamos todos en el mismo barco", el artista callejero Banksy ha reconocida como suyas varias de las obras distribuidas en las últimas semanas por Reino Unido, como la que vemos arriba, hecha en la ciudad de Lowestoft, la localidad más al Este del Reino Unido. 

La contaminación, la suciedad, los desastres ecológicos se camuflan muchas veces en pequeños abusos que se van sumando y que no todos queremos ver. 

Banksy una vez mas ha puesto su mensaje en las violencias de todo tipo, en tocarnos la fibra y lograr que con sus obras se habla de los problemas del mundo. 

Cartel de Zahara que ya está censurado


En esta España rara y viejuna, rancia y reprimida además de algo deprimente, ir buscando tres pies al gato es un lema de campaña política para convertirnos en Chile o en cualquier país africano sin derechos libres. Jugamos a llevar a los tribunales todo lo que se menea, incluso las obras de Arte o los Carteles, o los Lemas o las Frases. Sean del color que sean. Nos gusta prohibir y sobre todo nos gusta que nos lo prohiban.

Tras la censura del pezón con forma de ojo del cartel de la última película de Almodovar, ahora le ha tocado a un cartel de la cantante Zahara. Dicen que es insultar a la Virgen, cuando a mi simplemente me parece un montaje artístico. Debo estar imbécil.

¿Es la Corona sobre la cabeza, los rayos rojos o es el niño sobre el pecho? ¿No será la palabra Puta como lema en la cinta azul? Vemos fantasmas y lo curioso es que nos quieren obligar a verlos a todos los demás. Al final lograrán que odiemos a las Vírgenes, si las hubo algún día.


Las artistas mexicanas Aura Abril Hernández y Cecilia Ponto trabajando juntas


Esta es una intervención de Aura Abril Hernández Martínez sobre una fotografía de Cecilia Ponto, realizada en Jalisco, México en el año 2020. Un trabajo en donde se junta la mirada artística de dos complementarias artistas que sobre una idea trabajan desde diferentes técnicas para completarla. Una fotógrafa y una diseñadora y artista visual. Ninguna de las dos intervenciones por sí sola sería igual al resultado final. Es la suma de ambas artistas la que nos ofrece un determinado modo y forma de comprender la escena.

Ocho fotografías es una tonta fotografía



Las miradas del parque del Retiro de Madrid pueden ser muy variadas. hay donde elegir, donde trocear, a donde dirigirse para buscar nuevos puntos de vista. Hay espacios en donde es muy sencillo estar una mañana de caza fotográfica y no volverte de vacío. Y el Retiro de Madrid es uno de estos lugares múltiples.

No se trata de pillar lo que se presenta ante tus ojos, sino de ir eligiendo según lo que desees hacer luego con las imágenes. Un parque con dos salas de exposiciones que son dos palacios reconvertidos en museos es otro lugar para ir cambian. Un parque con decenas de lugares para tranquilamente sentarte a esperar sin que se note mucho que estás fotografiando es otro lujo. Simplemente hay que mirar y estar preparado.

A veces cazar una fotografía es simplemente eso, saber esperar en el lugar correcto. Y estar con el dedo en el gatillo disparador. Y no lo digo por esta imagen de ejemplo, que es de lo más sencilla y tonta.

Esteban Vicente y su expresionismo abstracto americano


Expresionismo abstracto, color, luz y formas, esa es la obra del artista español y norteamericano Esteban Vicente del que vemos arriba su obra "Número 3" realizada en el año 1959. Tuvo que escapar de España en la Guerra Civil y obtuvo la nacionalidad americana y se asentó en New York. 

Unos 15 años antes de fallecer vino a España en donde se le reconoció su inmensa obra y su trabajo con diversas exposiciones y premios. Además de pintor fue profesor de Arte. Conoció a los poetas García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti, Jorge Guillén y Pedro Salinas, al cineasta Luis Buñuel y a los pintores Juan Bonafé, Francisco Bores y al polaco Wladislaw Jahl. Colaboró con Picasso, Marx Ernst y Michael Sonnabend.

En la actualidad tiene a su nombre el Museo de Arte Cotemporáneo Esteban Vicente, en Segovia. Está constituido por 142 obras, que el matrimonio Vicente legó a la diputación segoviana en junio de 1997

New York visto a través de la mirada de Helen Levitt


No hay duda de que una de las más reconocidas fotógrafas del siglo XX es la americana Helen Levitt que desde su New York natal retrató sus calles, sus habitantes, sus problemas sociales y familiares. También hizo algunos trabajos de cine como editora y fotógrafa. Tras descubrir la obra de Cartier Bresson en 1935 cuando aprende de él sus técnicas, se da cuenta de que la fotografía puede ser más que documental y trabaja más duramente en su reflejo de las tensiones sociales, la pobreza y sobre todo centrándose en reflejar lo dolorosa que es la vida en esa pobreza para los niños, pero añadiendo un extra de trabajo artístico a sus obras. 

Trabaja también con Luis Buñuel en varios proyectos conjuntos en los tiempos en los que el aragonés tiene que vivir exiliado en los EEUU. Casi toda la obra de Helen Levitt es en blanco y negro, si bien en los últimos años trabaja en diapositiva en color.

La imagen que he dejado arriba es de New York y realizada en el año de 1940.



Enrique Bostelmann y su México lleno de luz social


Del fotógrafo mexicano Enrique Bostelmann podemos ver una fotografía muy conocida titulada "El Caminante" del año 1955 que pertenece a los fondos documentales del Museo Centro Reina Sofía de MadridEnrique Bostelmann era un fotógrafo social que supo retratar los problemas de un México que en la primera mitad del siglo XX crecía hacia su asentamiento en libertad y justicia y que él supo retratar con gran acierto.

Pero Enrique Bostelmann es más reconocido por sus trabajos de la segunda mitad del siglo XX, más artísticos, buscando que fuera la luz la que contara historias y maneras en su fotografías. Por eso y sin dejar la fotografía se adentró en otros medios artísticos que le ayudaran a expresarse de múltiples aristas como la literatura, la escultura o incluso montajes audiovisuales.

Entrevistado en los últimos años de su vida (falleció en 2003) dijo:

"El ojo se hace muy detallista con el paso del tiempo. Ahora mi tendencia es ir al objeto pequeño, incógnito, que permite expresar una forma de ser del hombre. Después de haber fotografiado a tantas personas uno empieza a sentirse repetitivo, porque vemos la misma expresión, de tristeza, de alegría, de sorpresa, esos gestos son universales y hasta reiterativos. Ahora me pregunto ¿Cómo puedo hablar del hombre a través de sus objetos? Y trato de interpretar a cada uno por otros medios". "Yo lo digo sinceramente, tengo poca comunicación con los fotógrafos, porque la fotografía es fácil en el sentido de que es como un embudo muy ancho arriba y muy angosto abajo, todos hacemos fotografía, existen las cámaras automáticas, pero pocos utilizan la cámara como si fuera el cincel, la espátula, el pincel de un artista; pocos fotógrafos se interesan por el arte en general. Van a cursos de fotografía activa, reciben un diplomita; en los concursos -yo he sido jurado- uno recibe trabajos con un expediente así de grueso con comprobantes, seminarios, diplomados y cuando vemos las fotos... no hay lógica. Yo les digo: pongan más énfasis en apoyar con su trabajo lo que hacen que en obtener diplomitas".




Salvador Dalí y sus frutas y flores surrealistas


El genial Salvador Dalí a menudo mostraba su sentido del humor y la imaginación pintando flores que nos puede parecer un ejercicio artístico menor pero a las que Dalí supo impregnar de su espíritu surrealista.

En 1972, Dalí lanzó 15 litografías a color de "Flores surrealistas", con muchos de sus símbolos más famosos. En una impresión, los pétalos de los lirios blancos se transforman en relojes de fusión. En otro, un ramo de tulipanes brota labios reales. La suite también cuenta con rosas cubiertas de cajones, anémonas que crecen tenedores y gladiolos con pendientes de aro.

Dalí regresó a las flores en 1981, pintando una mezcla lúdica de mariposas, insectos y rosas en una serie que tituló "Flordalí". Mientras que Flordalí II (1981) superó los 320.000 dólares en una subasta de Christie's en 2016, las impresiones editadas de los motivos florales y frutales permanecen todavía en el mercado.

Los originales eran pintados con acuarelas y perfilados con pluma y pinceles finos. El tamaño es un poco mayor a un A4.



Salvator Mundi de Leonardo da Vinci. ¿Lo quieres ver un momento?


Hay obras de Arte que trascienden a su hecho básico, se convierten en mucho más que en una simple obra de Arte, con independencia del artista que las ha realizado. Son obras que pasan del mundo artístico conocido al mundo en general y muchas más personas saben qué son, de quién son. El cuadro "Salvator Mundi" ó "
Cristo como salvador del mundoposiblemente de Leonardo da Vinci es una de estas obras de Arte realizadas sobre el año 1500.

Dicen que esta pintura se vendió en primera ocasión por 992 euros al cambio de dólares y hoy podría valer de momento más de 380 millones de euros. Y todo depende de saber o no quién es el autor de la obra. Y de que en esta caso, la empresa audiovisual Filmin haya realizado un documental sobre sus andanzas. 

Mientras tanto la obra sigue siendo la misma, posiblemente más limpia y no restaurada completamente, forma parte de esas obras de Arte que se salen de su lienzo para representar mucho más por diversos motivos, no siempre ni limpios y claros, ni correctos. Pero el mundo del Arte también se deja querer por todo tipo de movimientos. 

Su primera venta por 1.175 dólares la han convertido en mucho más que una gran obra de arte que espera la autenticación total de su autoría. En cualquier caso sí parece seguro que es como mínimo de la Escuela de Leonardo da Vinci. Para mas movimiento el propio Museo del Louvre ha realizado una exposición monográfica sobre da Vici y ha incluido esta obra. 

¿Quién posee esta obra de Arte? Pues posiblemente un príncipe árabe de vida no siempre muy clara y que prefiere disfrutar de la obra desde su total anonimato. Para eso ha pagado tanto. Nosotros la podemos ver digitalmente, lo cual tampoco es poco.

Estación del Arte. Un logotipo muy bien construido


No solo en el Arte, sino en la vida común del momento, los pequeños detalles marcan la calidad de la relación entre personas o entre objetos. Y en publicidad siempre hay relación entre el que vende y el que se ayuda o se incita a consumir. Incluida la Cultura y el Arte. 

Este de arriba es un cartel de la Estación del Metro de Madrid a la que cambiaron el nombre de Atocha a Estación del Arte de una forma inteligente para que los no conocedores del todo de ese Madrid más turístico y cultural, sepan enseguida en donde hay que bajarse.

Pero no voy hablar del acierto de la decisión, sino del acierto en el diseño del logotipo de la estación. 

Ese juego lineal, alargando la línea vertical de la E hasta llegar a la base visible de la A tras cortar parte de su contenido y forma, es un ejercicio leve, suave, pero francamente muy efectivo. Es convertir una simple E y A en una pequeña obra de Arte. 

Es cierto que los colores ayudan a comprender mucho más todavía que estamos hablando de Arte y de color, de luz y de impresiones o sensaciones, pero comenzamos a explicar el sitio utilizando una tipografía muy bien elegida y modificada.

El tipo de letra que no detecto bien —entre una Futura Light y una Helvética Light sin ser ninguna— encaja perfectamente en la construcción del logotipo.

Vivian Suter y sus pinturas textiles de naturaleza natural


En el verano de 2021 podemos ver en Madrid una amplia representación de la obra de la artista suiza y argentina Vivian Suter que desde su aprendizaje del Arte en Basilea (Suiza) y su marcha posterior a Guatemala trabaja el color y la naturaleza, los paisajes tropicales desde un punto de vista a veces abstracto, libres e impactantes, sobre telas sin bastidores lo que logra que sean incluso obras en movimiento al balancearle ligeramente con el viento de la sala.

Son obras que ella realiza pero que en muchos casos espera a que la propia naturaleza las complete a base de barros, hojas de la zona que son llevada por el viento hasta sus telas que cuelgan al aire y allí quedan impregnadas de elementos que las completan, las terminan. 

Son como enormes acuarelas realizadas con pinturas básicas y elementos naturales, pintadas al aire libre pues Vivian Suter tiene su estudio en el campo, en un espacio sin pareces para que todo sea como pintar la propia naturaleza desde la naturaleza.

Estas obras textiles, al ser planas y delgadas pero enormes de tamaño, pueden montarse configurando espacios casi arquitectónicos entre ellas, para configurar nuevos espacios donde cada hoja de tela habla por sí misma y por ser parte de un conjunto. Es como crear escenarios con sus obras donde cada una de ellas es parte y a su vez protagonista.

La propia Vivian Suter organizó el montaje en el Palacio de Velázquez de Madrid, para que todo el conjunto fuera a su vez una obra de arte compuesta de casi 500 obras de arte distintas. 




El tiempo también pinta - Time also paints


Si Francisco de Goya dijo esta frase tenía toda la razón. El tiempo es una herramienta más en el Arte. El tiempo mueve sensaciones y aquella que duran más tiempo, más tiempos incluso, es la más válida. Si nos sigue emocionando el cuadro de Las Lanzas de Velázquez, o Las Pinturas Negras de Goya es que tienen algo especial. Si El Abrazo de Juan Genovés nos sigue motivando y lo seguimos comprendiendo unido a un periodo muy concreto de la historia de España, es que tiene algo que trasciende el tiempo. De hecho es una obra que se podría volver a poner hoy mismo en la cabeza de todos los españoles. 

El tiempo también pinta, y añade elementos al cuadro terminado, y le suma explicaciones y lo entendemos de otra forma, pues las grandes obras de Arte siguen vivas, más que sus autores. 

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If Francisco de Goya said this phrase, he was absolutely right. Time is one more tool in Art. Time moves sensations and the one that lasts the longest, is the most valid. If the painting of Las Lanzas by Velázquez, or Las Pinturas Negras by Goya continues to excite us, it is because they have something special. If El Abrazo de Juan Genovés continues to motivate us and we continue to understand it linked to a very specific period in the history of Spain, it is that it has something that transcends time. In fact, it is a work that could be put back in the heads of all Spaniards today.

Time also paints, and adds elements to the finished painting, adding explanations and we understand it differently, since the great works of Art are still alive, more than their authors.



¿Cómo cambiará el Arte tras la pandemia? ¿Qué seremos capaces de crear?


Una vez que el Arte se mueve en sus actividades hacia salirse de la pared o de una posición estática, para ser cada vez más vivo, más en movimiento y sobre todo mas efímero; tal vez haya que preguntarse si el siguiente paso irá en esa misma dirección que parece agotada en algunas aristas, o si volverá hacia posiciones más estáticas pero diferentes a las anteriores.

Todas las crisis importantes a nivel mundial han supuesto un cambio artístico importante, una nueva forma de hablar de los artistas, que marcan un punto de ruptura y cambio alimentado por la propia ruptura y cambio de la sociedad que se alimenta de la salida hacia un tiempo nuevo o al menos distintos. 

Los artistas simplemente vivimos de la misma sociedad pero nos expresamos con otras herramientas, por eso lo que hablamos con lo que creamos es muy similar a lo habitual de todo el mundo, aunque parezca muy diferente.

El Arte juega también con la mezcla de asignaturas artísticas. La fotografía necesita —si quiere ser artística— ser algo más que bellos instantes cazados, pues hay millones de cámaras disparando todos esos instantes, y la saturación orilla el valor de algo.

La poesía debe dar el salto definitivo para saltarse del papel plano y blanco hacia otro espacio.

La pintura debe volver al estudio y a replantearse qué debe expresar y con qué alfabeto hablar.

La escultura puede que lo tenga mejor, simplemente con cambio de tamaño hacia el gigantismo o todo lo contrario.

Los nuevos tiempos del Arte los marcarán los artistas, pero sin duda ya lo están haciendo, puede que en silencio. Tendremos que esperar a salir de la pandemia, para ver en los próximos años las conclusiones artísticas de la crisis. Será lo que todos nosotros desde la sociedad estamos hablando ya, pero transmitido con un idioma artístico. 

¿Es barullo, limpieza, suavidad, ternura, miedo, caos, seguridad, silencios?

Nota.: La imagen que vemos arriba es una obra de Lola Goyanes Martínez, hecha en un bordado sobre algodón y pintura acuarela, en el año 2021 y titulado "Acercarse a la Ciudad 1".




El artista brasileño Willys de Castro y sus "Objetos Activos"


El artista brasileño Willys de Castro nos dejó este "Objeto Activo" creado en el año 1962 que era un cubo coloreada de rojo y blanco, clavado o pegado en la pared. Un cubo con su sombra. De hecho sin la sombra el cubo no sería ni igual ni lo mismo. Su completo diseño incluía la sombra que sería diferente según el tipo de luz que se le aplicara.

Willys de Castro era un artista visual que unía el diseño gráfico con la poesía, incluso con una puesta en escena de sus obras dentro de espacios que también formaban parte de la obra como en este caso. El cubo necesita la pared para crear la sombra. Y necesita al espectador para que moviéndose mientras contempla la obra, esta sea de una forma o de otra.

Trabajador químico, diseñador y artes gráficas, músico y barítono, publicitario Willys de Castro es una figura clave en los movimientos de Arte Concreto y Neo-concreto en Brasil y un artista que encarna la figura del ‘hombre constructivista brasileño'.

Carlos Cruz-Díez y sus teorías sobre el color. Arte Cinético y Op Art


El artista franco venezolano Carlos Cruz-Díez nos deja en la imagen una muestra de su Arte Cinético y Op Art, titulada "Proyecto para un muro exterior" donde el Color era lo básico, lo que marcaba sus trabajos, con independencias de los soportes o las formas. Uno de sus lemas era que debemos apreciar que el color está en el espacio que nos rodea y que el punto radica en saber ver el color

Para  Carlos Cruz-Díez el color era mucho más importante que la forma, el color existe incluso sin forma, o el color es el que da forma a los objetos. En la ciudad de Caracas tiene un museo a su nombre para mostrar sus trabajos y sus ilustraciones pues durante muchos años compaginaba sus trabajos de artista pintor con el de ilustrados y diseñador gráfico e incluso como profesor de Arte en Francia.