Se puede estar visible, incluso cuando ya te estás degradando

Hay derribos que parecen Museos, hay paredes que son auténticos marcos que sin ellos nada parecería igual. Esta clara obra de Arte Urbano ya en proceso de una degradación lógica, que nos envía Maite desde Galicia, es un ejemplo de que el Arte Urbano como Arte del Siglo XXI, incluso muriéndose es capaz de tener vida en su envoltorio.

¿Qué es el Arte Abstracto? ¿Sólo es eso?

Vamos a intentar descifrar qué es el Arte Abstracto en su base, en sus inicios. Y sobre todo vamos a intentar entrar un poco en el Arte Surrealista que tanto éxito ha dado a grandes artistas como Miró, Dalí, Magritte, etc.

¿Qué es lo que vemos arriba?

Efectivamente son rayas, pero son mucho más que rayas. De entrada hay que decir que es un dibujo de un niño de cas 3 años de edad. De una tarde cualquiera, tras ver una tormenta. Efectivamente es…: "Su tormenta".

Tal vez tenga que explicárnosla, y así lo hizo cuando se lo preguntamos. Grises de lluvia, relámpagos y unas secuencias en el tiempo, pues no todo transcurre en una tormenta de forma lineal, se van alternando los periodos de calma y los truenos y relámpagos. 

Explicado parece muy simple. Incluso podríamos decir que es hasta lógico. Pero es un simple dibujo de jun niño de 3 años. Lo que él siente en ese momento. Para él– eso es una tormenta. Y para nosotros también, una vez que nos la ha explicado.

Claro a Dalí, a Picasso o a Miró no les podemos preguntar ahora qué querían decirnos. Lo intentamos adivinar, a veces algunos críticos nos dan algunas pinceladas, pero en el fundo hay muchas otras explicaciones que no sabemos. ¿De dónde salían las ideas interiores de Magritte? Algunas son fáciles, otras ya no tanto.

Pues esto es simplemente el Arte Abstracto. Tampoco tiene que ser mucho más. Y si además es bello, pues ya es la leche puñetera. 

Nota.: El artista de la obra de arriba es simplemente… un niño que será lo que él quiera ser.

Pipas de Girasol de Soria. Belleza en la flor

Son las fabricantes de parte de nuestro ocio, son las flores que se giran al sol para hacer crecer las pipas de nuestro aceite más utilizado. Es casi como un milagro enorme que sirve para muchos usos. Y además es bello. Es Soria y sus campos que van rotando en tipos de cultivo.

Detalle de la maravillosa Catedral de Tarazona

La Catedral de Tarazona puede ser una de las grandes catedrales católicas españolas que menos se conozca a todos los niveles, y en cambio es un gran edificio tremendamente importante para conocer el arte gótico en sus inicios, con claros trabajos mudéjares que desde el siglo XII estuvo en obras de ampliación varios siglos.

Debemos recordar que la ciudad de Tarazona está enclavada en un punto intermedio entre las fronteras de los entonces Reinos de Aragón y Castilla y por ello su importancia histórica y su riqueza y enorme tamaño.

Un elemento interesante dentro de la Catedral es el púlpito que se alza en el lado del Evangelio de la nave mayor. Realizado en yeso, se contrató en 1506 con el entallador Pedro de Cervellera, con una enorme escalera que se cierra al exterior con una balaustra decorada con motivos góticos adaptados a la estética mudéjar. El panel central lo ocupa un Cristo Varón de los Dolores rodeado por los instrumentos de la Pasión.

Una casa de ricos en un pueblo de pobres

Es una casa centenaria de la Soria interior, de los pueblos donde los grandes propietarios tenían grandes casas y los agricultores alquilados dormían en casitas sin espacio y donde las cuadras se unían por la misma puerta de entrada con las habitaciones del hogar. Esta casa es de las "ricas" del pueblo.

Lo indica el porche, el tamaño de la puerta y su mirilla, la disposición de la casa cercana al lugar por donde estaba la iglesia, sus dos alturas. Elementos que hoy nos parecen absurdos de diferenciar. La pobreza durante muchos siglos se ha disfrazado de muchos elementos que ni imaginamos. por ejemplo tener mejor o peor espacio en la acequia de detrás, para poder lavar con comodidad o sin ella, con agua limpia o con el agua que venía de los calzoncillos de los ricos. Tenéis todo el derecho a dudar. Aquello ya pasó.

Banksy también pinta al óleo, para fines benéficos

Pintado por Banksy en el año 2017 y exhibido en el lobby del Hotel Walled Off de Belén, esta obra titulada "Vistas al Mediterráneo" ha sido subastada para donar todo lo obtenido para construcción de una nueva unidad de accidente cerebrovascular agudo y la compra de equipos de rehabilitación para niños para el hospital BASR en Belén. 

Las tres obras subastados van firmadas  por detrás y con un certificado de autenticidad, hablan de las vidas perdidas en el mar durante el intento de llegada de migrantes africanos hacia Europa, en un camino muy peligroso y arriesgado que resultó con la muerte de decenas de miles durante todos estos años.

Ventanuco francés para dejar cartas

"Ventanuco francés con buzón" - 2018 - Pau

Se sujetan mutuamente, pero no sabemos quién a quién

Maderos y clavos sujetándose en mutualidad amigable. No somos capaces de saber quién sujeta a quién. Los unos sin las otras no serían nada. Llevan tantos años juntos que ya son como de la familia.

Mujer con sombrero rojo de Joan Miró por más de 24 millones de euros

Incluso como admirador de Joan Miró me cuesta trabajo entender algunos precios de subastas, algunos récord en las cotizaciones de algunas obras. Pero el mercado es algo que a veces camino en paralelo al Arte y no se mueve por las mismas técnicas motivadoras. Sin duda es una inversión y el deseo de tener el dinero no en billetes sino en obras de arte para poderlas contemplar.

La obra de Joan Miró "Femme au chapeau rouge" ó "Mujer con sombrero rojo" ha alcanzado en una subasta el precio de 24,5 millones de euros. Una obra pintada en el año 1927 por Miró y que representa un cuadro de los denominados "oníricos" del pintor catalán llenos de signos dentro de un espacio azul que representa el cielo brillante de Cataluña y rodeados de líneas y machas que no siempre están claramente entendidas.

Gané amarillos, perdí detalles y formas

Entendí que al envolver algo que no tenía un sentido claro y útil se convertía en otra cosa sin sentido. Pero diferente. 

Lo malo es que una vez envuelto ya no existía el objeto sin envolver. 

En este caso la transformación era ya para… para mucho tiempo. 

Gané en color, perdí en formas.

Alejarse en el tiempo de una obra artística sirve para ver si es buena o mala

La primera vez que me hablaron de esta técnica de análisis de lo propio, para saber si es bueno, malo o peor, para saber en dónde falla, qué es sublime, qué debes seguir aprendiendo o rectificando, fue en una conferencia hace casi 50 años impartida por el escritor Santiago Lorén. 

Él explicaba que un escrito debe reposar, lo tenemos que meter en un cajón y esperar unos meses a reencontrarnos con él, leerlo, revisarlo y ver entonces si merece la pena corregir o en cambio lo mejor es tirarlo. Sí, es un artículo hay que acortar los plazos a media hora, pero es lo que hay. Con un cuadro o un dibujo te sirve bien una semana como poco.

El caso es salirte de su influencia, salir de su espacio creativo, el tiempo que te ha llevaba a confeccionar aquello. Olvidarte de esos momentos, y volverte a enfrentar —a los días o semanas— simplemente con lo realizado. 

¿Qué te dice? ¿Hoy lo harías igual? ¿Te sigue gustando?

Una obra de arte desprende mensajes de forma muy lenta. Y sobre todo de una manera poco convencional en estos tiempos tan líquidos y rápidos. Es lenta, incluso muy lenta hablando con nosotros. 

Y nos va entregando gozo y belleza muy poco a poco. 

En un cuadro como en la música, la primera vez que la escuchas te dice mucho menos que la vez veinteava. En la repetición de escuchar está la capacidad de admitirla o de rechazarla.

Si al volver a leer o mirar una obra tuya, te vuelve a impresionar, te convence o incluso te engaña más que el primer día… está ante una buena obra que debes conservar, y explorar para saber hasta dónde la puedes exprimir. O simplemente tirarla y empezar de nuevo con otra idea.

Tornillo de estrella fuera de siglo

A veces para sujetar el mundo utilizamos herramientas del pasado. Pero nunca se había pensado utilizar métodos del futuro. Este llamador de puerta se sujeta con un tornillo que no le corresponde. Pero funciona. 

¿Y si probáramos con nosotros mismos? ¿De dónde sacamos las soluciones del futuro para nuestro presente?

Seis nudos naturalmente naturales utilizados en Sástago

Seis nudos que no servían para atar nada. Nudos naturales, naturalmente naturales, que habían permanecido más potentes que lo que tenían que sujetar.

¿Y qué sujeta un nudo de la madera? ¿Por qué se llaman nudos?

Hace muchos años, cuando la historia actual no estaba escrita como es lógico, alguien decidió construir estas maderas sin importarle para nada los nudos. Sabía lo que hacía.

Muchos años después contemplamos la madera ya raída y rancia y nos fijamos en sus nudos como si tuvieran alguna importancia. Él… nunca se lo llegó a imaginar. 

Jorge de Oteiza y José Ramón Anda, mano a mano

Esta escultura llamada "La Piedad" se encuentra en San Sebastián, en la fachada de la iglesia de San Vicente. La realizó el escultor navarro José Ramón Anda pero basada en los bocetos que Jorge de Oteiza realizó para el trabajo en el Santuario de Arantzazu y se nota en sus líneas. El propio Oteiza supervisó la obra para que se ajustara a los bocetos suyos. 

Se puede considerar una obra de ambos pues el diseño y dibujo es de J. Oteiza y su construcción física de J. R. Anda.

Desde la ciudad de Popayán en Colombia, Art Street Arte Urbano

El Arte Callejero, el Arte Efímero de las calles urbanas o rurales, el Arte Urbano es una constante en todo el mundo, reflejando sus particulares puntos de vista sociales. Podría ser junto a la fotografía el Arte del Siglo XXI o de las décadas de la frontera entre los siglos XX y XXI, como reflejo de un tiempo donde todo el Arte está intentando buscar huecos nuevos, expresiones de su tiempo.

El Art Street o Arte Urbano podría ser ese eslabón entre lo que es el Arte Básico de la gente que siendo artista no quiere acceder a los mercados que manipulan, y a su vez el ejemplo más claro de que cada tiempo tiene su propia expresión artística.

Lo curioso es que de esta manifestación cultural de nuestro tiempo no quedará casi nada para la historia, excepto si otras herramientas artísticas lo conservan. No será lo auténtico, pero es que el Art Street ha nacido para ser efímero, para perderse.  

Nazario Luque y un dibujo de la movida barcelonesa

El artista sevillano Nazario Luque es un ejemplo de trabajo callado pero clave en lo que se denominó "La Movida Catalana" con sus dibujos osados, que reflejaban aquellas formas de ver el momento donde todo debería ser libertad pero que en muchos casos se quedaba solo en postura pues los poderes aprendían muy rápido a que nada se escapara del control institucional.

Artista de la contra cultura barcelonesa pero también de la andaluza y por ello de la española, supieron crear un cómic para adultos libres que aspiraba a ser el grito del momento entre los jóvenes que deseaban que España se convirtiera en una avanzada en Europa. Era en esos años uno de los mejores retratistas de los bajos fondos de Barcelona con detectives, artistas, gentes de la cultura y la noche catalana.

Esta viñeta que vemos arriba es de la revista El Víbora del año 1977. En el año 2010 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Desde la ciudad de Medellín en Colombia, un poco de Art Street

Desde Medellín en Colombia os dejo este ejemplo de Art Street sencillo en su diseño, y que refleja esa natural disciplina del arte callejero en muchas grandes ciudades de la Iberoamérica más callejero y deseosa de gritar.

Éramos polvo con forma de hoja apagada

Todo se volvió gris, apagado. Se había escapado la luz. 

Quedaron flotando los grises, los ocres tostados, algunos verdes botella, los amarillos sucios y el negro. 

Siempre el negro queriendo taparlo todo. 

Y nos fuimos encogiendo sobre nosotras mismas, esperando al viento. Pero no vino.

Nunca caímos al pudridero y nos mantuvimos como erguidas, creyendo que estábamos vivas.

Un golpe de agua de verano nos hizo caer pero antes de llegar al suelo, ya estábamos polvo.

¿Y por dónde perdemos lo único que tenemos?

¿Por dónde se nos escapa la vida? O incluso… ¿tiene forma la vida o es una simple casualidad unida a los datos matemáticos de cada uno? 

Somos humores…, incluso somos unos simples temores por los humores. 

Somos presuntos humanos que nos acostamos los unos con los otros para sentirnos más seguros. 

Pero al final todo se escapa. ¿Y por dónde perdemos lo único que tenemos?

Tebeo o cómic del madrileño Ceesepe

Vi ayer en la televisión una entrevista floja al artista madrileño Ceesepe que de alguna manera representó el Arte Gráfico del Madrid de la Movida, no tanto posiblemente en aquellos momentos como después, reconocido y transformado en un artista todavía más completo.

Empezó dibujando cómic o haciendo cartelería para el cine de aquellos años, fuerte, duro, distinto, libre. Pero hoy he querido recuperar sus inicios cuando cualquier material le servía para dibujar y plasmar historias y personajes que desde un mundo nuevo se abrían a lo que se entendía como normalidad.

El «comix» underground y los tebeos del Rrollo en Barcelona y la Cascorro Factory en Madrid fueron dos de los espacios culturales principales de un movimiento que unió a jóvenes de diferentes sensibilidades tras la muerte del Dictador y la llegada de la Apertura —más que de la Democracia que todavía estaba casi nonata— en unos tiempos de cambios y sobre todo de nacimiento de movimientos culturales muy necesarios.

Debajo de nosotros están las flores esperando que seamos osados

Vivimos entre praderas y paisajes artificiales pues debajo siempre está la tierra. Y si le damos luz y sol siempre hay hierbas esperando a nacer. Y las hierbas siempre llevan en su interior flores de colores.

Siempre que abrimos una calle por dentro y la dejamos al sol vuelve la vida a salir debajo del asfalto. Somos eso, animales que vivimos encima de la vida y creemos que vivimos por encima de la vida. El POR nos sobra. 

Mi carro y Jardinero eran compañeros de trabajo. Hoy no están

Mi carro muerto nos esperaba junto al cementerio de carros una mejor labor que simplemente dormitar. En los pueblos al menos antes, había cementerio de carros para descansar tras tantos años dejándose arrastrar por los animales. 

Mi burro era muy burro y se llamaba Jardinero. Negro con alguna macha gris, era amable y obediente pero con carácter cuando le salía de la cola. 

El carro y Jardinero eran compañeros de trabajo. 

Las ventanas cosidas están para no entrar nunca

Ventana Cosida en la Soria herida - 2008 - Soria

Arte pictórico románico en Soria

En la Edad Media, casi hace 1.000 años ya, las iglesias románicas de aquella España que se iba recuperando a los árabes se iba llenando de pequeñas iglesias románicas, sencillas y bien repartidas por los territorios recién reconquistados construyendo edificios de piedra que de alguna manera querían recordar el arte romano que todavía se recordaba como el último ejemplo del cristianismo antes de la llegada de los árabes. 

Y aquellas iglesias de tierra se cubrían en su interior de pinturas sobre los muros a modo de libro religioso que explicaba la historia sagrada con textos o con imágenes de santos o de escenas bíblicas, según siglos y zonas.

Pero de aquellas paredes profundamente decoradas nos quedan pocas, de aquel arte pictórico sobre bases no siempre bien realizadas se han conservado las menos. Y por ello cualquier ejemplo que tengamos hay que mimarlo pues no es nuestro sino de la historia.

Este ejemplo es de un románico soriano, similar en algunas fases al aragonés y al castellano leonés.

Entre la mar y la piedra, está el cielo siempre

Entre el mar y la roca - 2020 - Zaragoza y Gerona

Las pieles secas indican muerte y vida. Antes y después

La marca del desfallecido - 2020 - Salinas

A veces enrollarse supone morir sobre uno mismo

La soledad de la muerte - 2020

También en verano se pueden ver los cadáveres del otoño

Muerte en lo natural 01 - 2020

Nunca debería estar prohibido ver el mar

Cogí con pinzas el mar, pues estaba cerrado poder ir a verlo de cerca. Cuando no es posible ver el mar pro una prohibición, es que algo muy grave está sucediendo entre nosotros, algún fallo hemos cometido y no nos hemos dado cuenta. Nunca debería estar prohibido ver el mar.

El Tintín olvidado en un cajón que ahora se va a subastar

Tintín es mucho más que un tebeo, son novelas ilustradas como muchos tebeos todo hay que decirlo, historias rápidas y a veces sencillas, pero son auténticas novelas con su estructura. Si solo fuera un Tebeo también sería Arte, pero no es el caso.

Ahora se ha logrado recuperar un original para la portada del número cinco de la Serie de Tintín cuyo nombre es: El Loto Azul. Un original que completa siempre cualquier historia ilustrada del Arte.

Hergé había realizado la ilustración que vemos ahora, pero el editor entendiendo que era complicada de editar y más cara, solicitó un dibujo más simple que es el que siempre hemos visto en las portadas de ese número 5. Hay que entender que en aquellos años este tipo de portadas es posible que se imprimieran en tipografía y no en serigrafía, y poder evitar alguna plancha de color abarataba bastante las tiradas.

Ahora este original se va a subastar y se estima un precio que superará los dos millones de euros. El dibujo original se lo regaló Hergé al hijo del editor quien lo guardó doblado hasta 1991 que es cuando se descubrió el dibujo original.

Nota.: Este dibujo no se puede reproducir pues los derechos son de © HERGÉ / MOULINSART 2020 excepto para fines educativos y nombrando a los propietarios de derechos. Si hubiera algún problema, ruego me lo hagan saber para retirarlo.

Lo clavé contra la pared. Y me fui directo a la ducha

Lo clavé contra la pared y me puse a recordarlo. Es el mar. Simplemente el mar como sigue siendo igual de simple desde hace millones de años. El mar. ¡Qué envidia! Pensé en rasgarlo para no seguir viéndolo, pero me tragué la envidia por no poder tocar la humedad. Me fui directo a la ducha.

Vuelve la Cultura a Zaragoza, en forma de gritos bien diseñados

El Ayuntamiento de Zaragoza ha encargado a 28 diseñadores Gráficos zaragozanos la confección de un cartel póster cada uno de ellos con la idea de transmitir "Vuelve la Cultura" para ser utilizados en ese trabajo duro y complejo de lograr que la Cultura vuelva a estar presente en la vida de Zaragoza, como siempre ha sido.

Cuando algo falla siempre se cae lo que consideramos más frágil, que no con menos valor. Y la Cultura en todas sus vertientes, como no la hemos sabido cuidar, mimar incluso, es un elemento social débil que enseguida se hunde en el olvido.

Estos dos carteles entre 28, elegidos por mi con gran dificultad entre los realizados pues todos son auténticas obras de arte, son de José Luís Lizano es la de la izquierda y de Jara Cordero el de la derecha. Se han quedado guardados en mi carpeta los otros 26, para seguir aprendiendo.

¿Quién es el autor de esta campaña del Ministerio de Agricultura?

El Ministerio de Agricultura, Pesca y Alimentación ha puesto en marcha una campaña para fomentar el consumo de los "Alimentos de España” en estos periodos de pandemia, en la que se destaca la calidad de los productos españoles, al tiempo que se homenajea a agricultores, ganaderos y pescadores por su trabajo diario garantizado el abastecimiento de alimentos en esta crisis sanitaria y su alta calidad.

Bajo el lema "El arte del saber hacer", se llama la atención sobre la excelente calidad de los alimentos españoles, con especial referencia a los de temporada y proximidad. Y ha resultado una campaña muy hermosa, artística, bella y de calidad.

¿Pero quién es el autor? No lo he logrado saber. Es decir, este tipo de obras publicitarias, de diseño gráfico, no parecen tener un auto fácil simplemente porque se pagan por adelantado (o no). No debería ser tan complicado saber quién ha sabido desarrollar la idea, hacer la fotografía, plasmar la belleza de los alimentos, como una obras artística que es. Conocer a los artistas es fundamental para que crezcan y para poderlos seguir.

Me puse a mirarlo y casi lo encontré. Debe ser mi vista

Anzánigo a través del salón - 2020 - Huesca

Ahora es blando y suave, bello. En poco tiempo será áspero, duro y seco.

Curiosamente la vida siempre empieza por unas formas redondeada, casi circulares suaves y sin aristas. Luego le vamos añadiendo detalles, esquinas, genios, formas… y empezamos a cambiar a peor lo que había empezado de forma suave. Es la vida.

Esto será una judía con chorizo, pero de momento en un inicio de vida. Ahora es bello, luego será sabroso pero lo tendremos que pasar por líquidos y calor para ablandando y hacerlo válido. Se habrá convertido en algo seco, duro, áspero. Es la vida.

¿Qué es un cadáver? ¿Cuándo es ya cadáver?

No sabemos bien qué es un cadáver pues los vemos muertos, pero no siempre desnaturalizados, hechos unas piltrafas secas y recomidas. Todos vamos hacia ello. ¿Qué es un cadáver? ¿Cuándo es ya cadáver? Lo sumamente triste y casi asqueroso es creer que un cadáver puede ser incluso bonito. ¿He dicho hermoso en algún momento? Creo que debo callarme.

¿Puede una simple roca ser una obra de arte para una persona?

Si el Arte motiva, crea sensaciones, explica ideas, habla o se expresa, representa símbolos… es posible que esta roca sea para mí una Gran Obra de Arte. Solo para mí, claro. Si acaso para otras dos o tres personas más. Si a nosotros nos crea todas esas sensaciones simplemente al contemplar esta roca… tal vez sea una Obra de Arte. 

Que sería la forma más sencilla de entender el Arte como algo sin complejos, sencillo, simple, que nos rodea a poco que sepa hablar y explicarse. 

Esta roca dice para mí mucho más que para ti, eso hay que advertirlo. Es decir, puede ser una Gran Obra de Arte para mí, y una simple roca para ti, lo cual abunda más en la idea de que el Arte es relativo.

¿Puede ser una construcción natural una obra de Arte? En esto ya si que no tengo duda. Las personas no somos tan genios como creernos los únicos con capacidad para crear. Una obra de Arte puede ser una construcción aleatoria, puede ser una casualidad, algo hecho de forma natural. ¿No es una flor una gran obra de Arte?

Y no sabemos si andamos hacia el final o hacia el principio

Muchas veces es la propia necesidad de expresión la que te enfrenta al lienzo blanco, al papel vacío y te lo tienen que comer con tus ideas. Incluso muchas veces las propias ideas van creciendo a la vez que las vas sacando de dentro. Se construyen poco a poco, las modelas según ves que vas necesitando cubrir los espacios, nivelas y encuadrar. 

En un principio es siempre un primer paso, y muchas veces aunque tengas la meta clara, en el camino se van cambiando algunos trazos, incluso algunos conceptos o colores. La ventaja del Arte es que puede llegar a sorprender incluso a quien lo construye. Y no siempre para bien pues a veces el descontento también se apodera de cada uno.

Tihomir Loncar y su pintura contundente y llena de fuerza y color

Esta obra es del artista croata Tihomir Loncar. Un clásico en pintura abstracta, un paisaje llenos de formas, manchas, colores, estructuras y texturas, reflejando una mirada particular de un espacio natural. Lo de menos es el parecido con el paisaje real, lo único que interesa es la fuerza de la obra, casi del grito del paisaje, de su color tan contrastado entre formas que quiere asemejar un paisaje, pero que también podría ser un bodegón. ¿Qué es un paisaje sino un bodegón de elementos de la naturaleza?

Flor de fabada, flor del milagro para alimentarse

Una leve flor de sabor, una flor de judía verde, de judía blanca si la dejamos secar. Un milagro de alimento blanco.

No sabemos ni cómo son ni qué color tienen. Todo depende

Mirar y ver. Dejarse contagiar por lo distorsionado. Creer que detrás está algo que no está. solo es nuestra mirada. Colores, formas, desenfoques, bailes de elementos simples que se nos muestran como ellos quieren. Los vemos así o de otra forma, creemos que son como son porque así creemos que los vemos. Pero no sabemos ni cómo son ni qué color tienen. Todo depende.

Casi no los vemos. Mejor así. Este es de un Museo importante

Incluso el cemento quiere mirar. Estos respiraderos o dilatadores de masas pesadas, nos ofrecen esa gris mirada de la incertidumbre. Se rodean de manchas más grises todavía para disimularse entre lo que debe pasar desapercibido. Y nosotros casi no los vemos. Mejor así.

También los grandes saben asomarse a las ventanas

"Ventana portuguesa para que entre el aire" - 2019 - Oporto

Vidriera moderna en la ciudad de Oporto

"El arte en Cristal y sus Escenas" - 2018 - Oporto

Johanna María Fritz, el Circo y sus contrastes de Guerra en Gaza

Esta fotografía de la joven fotógrafa alemana Johanna María Fritz y que tituló Como un pájaro, fue realizada en Gaza en el año 2017.

El artista de circo Johanna María Fritz posa sobre pilotes y haciendo malabarismos frente al edificio de la Escuela de Circo de Gaza en el distrito de Betlaahhya en la ciudad de Gaza mientras delante suya pasa una camioneta llena de combatientes de Hamas. El contraste es maravilloso. ¿Quién va más disfrazado?

La fotografía además de ser testimonio debe saber buscar los contrastes de formas, de color o de vida.

El viaje en el Arte es descubrir y explorar ideas. No es crearlas de nada

La vida es descubrir y en el Arte más. Explorar y estar atentos a lo que vemos viendo, es también aprender a ver para descubrir aquello que nos llama la atención y que creemos que puede llamar también la mirada de algunos espectadores.

Hay que buscar constantemente ideas, destellos, luces que nos llaman la atención. Y dejarlas posar un poco tras haberlas cazado. Guardarlas bien para que no se nos olviden y estar atentos. Y ante la duda darles más luz.

En el Arte todo proyecto es un viaje por descubrir, por aprender, por explorar, por modificar según vas viajando sobre él. Nada es definitivo, todo evoluciona, pero para ello hay que estar siempre muy atento y leyendo lo que vayamos escribiendo con color, formas, letras o fotografías.

La viaje en el Arte es descubrir y explorar ideas que incluso a veces ya tenemos de antes. No es crearlas desde la nada, pues eso es casi imposible. Es darles forma y sentido, pulirlas y repetirlas hasta que nos agraden a nosotros. 

¿Soñar soñando? Puede que si, nunca se sabe

Soñar es un ejercicio que casi siempre hacemos dormidos, sin saber qué soñamos ni para qué. Soñamos sin querer soñar. Y como se nos olvida en realidad no sirve para nada. Soñar despiertos no es soñar. Si acaso ensoñar. que es una manera de escapar de la realidad pero buscano casi siempre el placer, el bienestar. 

El Surrealismo sueña con los sueños. Por eso está debajo del Realismo.

Una hembra y un macho, para un dormitorio antiguo

Estas dos imágenes digitales son del año 1999, cuando casi no había ni programa informáticos para retocar imágenes. Están realizados los retoques en una plataforma de marca Hell cuando eran estos los programas profesionales carísimos que se utilizaban para diseñar y componer páginas. La prehistoria de lo que después algunos llamaron "La democratización del Color".

Se tomaron las imágenes digitales en Cambrils (Tarragona) con una cámara réflex analógica en diapositiva y posteriormente fueron digitalizadas en alta resolución, que ha soportado bien el detalle visto con los 21 años que han pasado. 

Iban destinadas a la cabecera de un dormitorio y allí siguen presidiendo la sala encima de las camas. Unas ramas hembras y unas ramas macho. Un juego de formas, de colores, de tonterías destinadas a la decoración. 

Nada es nunca como nos imaginamos

"Seis trozos de papeles" - 2020 - Zaragoza

Habitar el Vacío. Aniversario de La Gota de Leche en Logroño

Esta es una obra colectiva de cinco artistas montada en Logroño en 2017 con motivo del décimo aniversario de La Gota de Leche. Ellos fueron David Azpurgua, Laura Peña Ibáñez, Rafael Lafuente, Javier Peña Ibáñez y Carlos Villoslada. El título de la obra es "Habitar el Vacío".

"Manos, sí, nuestra instalación está llena de manos pero no son lo más importante. Todas ellas son como el marco que alberga la obra y la contiene en forma de vacíos.

Vacíos, de eso es de lo que habla esta obra que pone el punto de atención en lo que no está, en las ausencias creativas que desarrollan cada una de estas manos, que no se muestran porque pueden ser tan amplias como la mirada del espectador que las observa, y sin ellas, lo único que queda es una gran coreografía de gestos".