Se puede estar visible, incluso cuando ya te estás degradando

Hay derribos que parecen Museos, hay paredes que son auténticos marcos que sin ellos nada parecería igual. Esta clara obra de Arte Urbano ya en proceso de una degradación lógica, que nos envía Maite desde Galicia, es un ejemplo de que el Arte Urbano como Arte del Siglo XXI, incluso muriéndose es capaz de tener vida en su envoltorio.

¿Qué es el Arte Abstracto? ¿Sólo es eso?

Vamos a intentar descifrar qué es el Arte Abstracto en su base, en sus inicios. Y sobre todo vamos a intentar entrar un poco en el Arte Surrealista que tanto éxito ha dado a grandes artistas como Miró, Dalí, Magritte, etc.

¿Qué es lo que vemos arriba?

Efectivamente son rayas, pero son mucho más que rayas. De entrada hay que decir que es un dibujo de un niño de cas 3 años de edad. De una tarde cualquiera, tras ver una tormenta. Efectivamente es…: "Su tormenta".

Tal vez tenga que explicárnosla, y así lo hizo cuando se lo preguntamos. Grises de lluvia, relámpagos y unas secuencias en el tiempo, pues no todo transcurre en una tormenta de forma lineal, se van alternando los periodos de calma y los truenos y relámpagos. 

Explicado parece muy simple. Incluso podríamos decir que es hasta lógico. Pero es un simple dibujo de jun niño de 3 años. Lo que él siente en ese momento. Para él– eso es una tormenta. Y para nosotros también, una vez que nos la ha explicado.

Claro a Dalí, a Picasso o a Miró no les podemos preguntar ahora qué querían decirnos. Lo intentamos adivinar, a veces algunos críticos nos dan algunas pinceladas, pero en el fundo hay muchas otras explicaciones que no sabemos. ¿De dónde salían las ideas interiores de Magritte? Algunas son fáciles, otras ya no tanto.

Pues esto es simplemente el Arte Abstracto. Tampoco tiene que ser mucho más. Y si además es bello, pues ya es la leche puñetera. 

Nota.: El artista de la obra de arriba es simplemente… un niño que será lo que él quiera ser.

Detalle de la maravillosa Catedral de Tarazona

La Catedral de Tarazona puede ser una de las grandes catedrales católicas españolas que menos se conozca a todos los niveles, y en cambio es un gran edificio tremendamente importante para conocer el arte gótico en sus inicios, con claros trabajos mudéjares que desde el siglo XII estuvo en obras de ampliación varios siglos.

Debemos recordar que la ciudad de Tarazona está enclavada en un punto intermedio entre las fronteras de los entonces Reinos de Aragón y Castilla y por ello su importancia histórica y su riqueza y enorme tamaño.

Un elemento interesante dentro de la Catedral es el púlpito que se alza en el lado del Evangelio de la nave mayor. Realizado en yeso, se contrató en 1506 con el entallador Pedro de Cervellera, con una enorme escalera que se cierra al exterior con una balaustra decorada con motivos góticos adaptados a la estética mudéjar. El panel central lo ocupa un Cristo Varón de los Dolores rodeado por los instrumentos de la Pasión.

Banksy también pinta al óleo, para fines benéficos



Pintado por Banksy en el año 2017 y exhibido en el lobby del Hotel Walled Off de Belén, esta obra titulada "Vistas al Mediterráneo" ha sido subastada para donar todo lo obtenido para construcción de una nueva unidad de accidente cerebrovascular agudo y la compra de equipos de rehabilitación para niños para el hospital BASR en Belén

Las tres obras subastados van firmadas  por detrás y con un certificado de autenticidad, hablan de las vidas perdidas en el mar durante el intento de llegada de migrantes africanos hacia Europa, en un camino muy peligroso y arriesgado que resultó con la muerte de decenas de miles durante todos estos años.

Mujer con sombrero rojo de Joan Miró por más de 24 millones de euros


Incluso como admirador de Joan Miró me cuesta trabajo entender algunos precios de subastas, algunos récord en las cotizaciones de algunas obras. Pero el mercado es algo que a veces camino en paralelo al Arte y no se mueve por las mismas técnicas motivadoras. Sin duda es una inversión y el deseo de tener el dinero no en billetes sino en obras de arte para poderlas contemplar.

La obra de Joan Miró "Femme au chapeau rouge" ó "Mujer con sombrero rojo" ha alcanzado en una subasta el precio de 24,5 millones de euros. Una obra pintada en el año 1927 por Miró y que representa un cuadro de los denominados "oníricos" del pintor catalán llenos de signos dentro de un espacio azul que representa el cielo brillante de Cataluña y rodeados de líneas y machas que no siempre están claramente entendidas.

Alejarse en el tiempo de una obra artística sirve para ver si es buena o mala

La primera vez que me hablaron de esta técnica de análisis de lo propio, para saber si es bueno, malo o peor, para saber en dónde falla, qué es sublime, qué debes seguir aprendiendo o rectificando, fue en una conferencia hace casi 50 años impartida por el escritor Santiago Lorén. 

Él explicaba que un escrito debe reposar, lo tenemos que meter en un cajón y esperar unos meses a reencontrarnos con él, leerlo, revisarlo y ver entonces si merece la pena corregir o en cambio lo mejor es tirarlo. Sí, es un artículo hay que acortar los plazos a media hora, pero es lo que hay. Con un cuadro o un dibujo te sirve bien una semana como poco.

El caso es salirte de su influencia, salir de su espacio creativo, el tiempo que te ha llevaba a confeccionar aquello. Olvidarte de esos momentos, y volverte a enfrentar —a los días o semanas— simplemente con lo realizado. 

¿Qué te dice? ¿Hoy lo harías igual? ¿Te sigue gustando?

Una obra de arte desprende mensajes de forma muy lenta. Y sobre todo de una manera poco convencional en estos tiempos tan líquidos y rápidos. Es lenta, incluso muy lenta hablando con nosotros. 

Y nos va entregando gozo y belleza muy poco a poco. 

En un cuadro como en la música, la primera vez que la escuchas te dice mucho menos que la vez veinteava. En la repetición de escuchar está la capacidad de admitirla o de rechazarla.

Si al volver a leer o mirar una obra tuya, te vuelve a impresionar, te convence o incluso te engaña más que el primer día… está ante una buena obra que debes conservar, y explorar para saber hasta dónde la puedes exprimir. O simplemente tirarla y empezar de nuevo con otra idea.


Jorge de Oteiza y José Ramón Anda, mano a mano


Esta escultura llamada "La Piedad" se encuentra en San Sebastián, en la fachada de la iglesia de San Vicente. La realizó el escultor navarro José Ramón Anda pero basada en los bocetos que Jorge de Oteiza realizó para el trabajo en el Santuario de Arantzazu y se nota en sus líneas. El propio Oteiza supervisó la obra para que se ajustara a los bocetos suyos. 

Se puede considerar una obra de ambos pues el diseño y dibujo es de J. Oteiza y su construcción física de J. R. Anda.

Desde la ciudad de Popayán en Colombia, Art Street Arte Urbano

El Arte Callejero, el Arte Efímero de las calles urbanas o rurales, el Arte Urbano
 es una constante en todo el mundo, reflejando sus particulares puntos de vista sociales. Podría ser junto a la fotografía el Arte del Siglo XXI o de las décadas de la frontera entre los siglos XX y XXI, como reflejo de un tiempo donde todo el Arte está intentando buscar huecos nuevos, expresiones de su tiempo.

El Art Street o Arte Urbano podría ser ese eslabón entre lo que es el Arte Básico de la gente que siendo artista no quiere acceder a los mercados que manipulan, y a su vez el ejemplo más claro de que cada tiempo tiene su propia expresión artística.

Lo curioso es que de esta manifestación cultural de nuestro tiempo no quedará casi nada para la historia, excepto si otras herramientas artísticas lo conservan. No será lo auténtico, pero es que el Art Street ha nacido para ser efímero, para perderse.  

Nazario Luque y un dibujo de la movida barcelonesa

El artista sevillano Nazario Luque es un ejemplo de trabajo callado pero clave en lo que se denominó "La Movida Catalana" con sus dibujos osados, que reflejaban aquellas formas de ver el momento donde todo debería ser libertad pero que en muchos casos se quedaba solo en postura pues los poderes aprendían muy rápido a que nada se escapara del control institucional.

Artista de la contra cultura barcelonesa pero también de la andaluza y por ello de la española, supieron crear un cómic para adultos libres que aspiraba a ser el grito del momento entre los jóvenes que deseaban que España se convirtiera en una avanzada en Europa. Era en esos años uno de los mejores retratistas de los bajos fondos de Barcelona con detectives, artistas, gentes de la cultura y la noche catalana.

Esta viñeta que vemos arriba es de la revista El Víbora del año 1977. En el año 2010 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Desde la ciudad de Medellín en Colombia, un poco de Art Street

Desde Medellín en Colombia os dejo este ejemplo de Art Street sencillo en su diseño, y que refleja esa natural disciplina del arte callejero en muchas grandes ciudades de la Iberoamérica más callejero y deseosa de gritar.

Tebeo o cómic del madrileño Ceesepe

Vi ayer en la televisión una entrevista floja al artista madrileño Ceesepe que de alguna manera representó el Arte Gráfico del Madrid de la Movida, no tanto posiblemente en aquellos momentos como después, reconocido y transformado en un artista todavía más completo.

Empezó dibujando cómic o haciendo cartelería para el cine de aquellos años, fuerte, duro, distinto, libre. Pero hoy he querido recuperar sus inicios cuando cualquier material le servía para dibujar y plasmar historias y personajes que desde un mundo nuevo se abrían a lo que se entendía como normalidad.

El «comix» underground y los tebeos del Rrollo en Barcelona y la Cascorro Factory en Madrid fueron dos de los espacios culturales principales de un movimiento que unió a jóvenes de diferentes sensibilidades tras la muerte del Dictador y la llegada de la Apertura —más que de la Democracia que todavía estaba casi nonata— en unos tiempos de cambios y sobre todo de nacimiento de movimientos culturales muy necesarios.


Arte pictórico románico en Soria

En la Edad Media, casi hace 1.000 años ya, las iglesias románicas de aquella España que se iba recuperando a los árabes se iba llenando de pequeñas iglesias románicas, sencillas y bien repartidas por los territorios recién reconquistados construyendo edificios de piedra que de alguna manera querían recordar el arte romano que todavía se recordaba como el último ejemplo del cristianismo antes de la llegada de los árabes. 

Y aquellas iglesias de tierra se cubrían en su interior de pinturas sobre los muros a modo de libro religioso que explicaba la historia sagrada con textos o con imágenes de santos o de escenas bíblicas, según siglos y zonas.

Pero de aquellas paredes profundamente decoradas nos quedan pocas, de aquel arte pictórico sobre bases no siempre bien realizadas se han conservado las menos. Y por ello cualquier ejemplo que tengamos hay que mimarlo pues no es nuestro sino de la historia.

Este ejemplo es de un románico soriano, similar en algunas fases al aragonés y al castellano leonés.

El Tintín olvidado en un cajón que ahora se va a subastar

Tintín es mucho más que un tebeo, son novelas ilustradas como muchos tebeos todo hay que decirlo, historias rápidas y a veces sencillas, pero son auténticas novelas con su estructura. Si solo fuera un Tebeo también sería Arte, pero no es el caso.

Ahora se ha logrado recuperar un original para la portada del número cinco de la Serie de Tintín cuyo nombre es: El Loto Azul. Un original que completa siempre cualquier historia ilustrada del Arte.

Hergé había realizado la ilustración que vemos ahora, pero el editor entendiendo que era complicada de editar y más cara, solicitó un dibujo más simple que es el que siempre hemos visto en las portadas de ese número 5. Hay que entender que en aquellos años este tipo de portadas es posible que se imprimieran en tipografía y no en serigrafía, y poder evitar alguna plancha de color abarataba bastante las tiradas.

Ahora este original se va a subastar y se estima un precio que superará los dos millones de euros. El dibujo original se lo regaló Hergé al hijo del editor quien lo guardó doblado hasta 1991 que es cuando se descubrió el dibujo original.

Nota.: Este dibujo no se puede reproducir pues los derechos son de © HERGÉ / MOULINSART 2020 excepto para fines educativos y nombrando a los propietarios de derechos. Si hubiera algún problema, ruego me lo hagan saber para retirarlo.

Vuelve la Cultura a Zaragoza, en forma de gritos bien diseñados

El Ayuntamiento de Zaragoza ha encargado a 28 diseñadores Gráficos zaragozanos la confección de un cartel póster cada uno de ellos con la idea de transmitir "Vuelve la Cultura" para ser utilizados en ese trabajo duro y complejo de lograr que la Cultura vuelva a estar presente en la vida de Zaragoza, como siempre ha sido.

Cuando algo falla siempre se cae lo que consideramos más frágil, que no con menos valor. Y la Cultura en todas sus vertientes, como no la hemos sabido cuidar, mimar incluso, es un elemento social débil que enseguida se hunde en el olvido.

Estos dos carteles entre 28, elegidos por mi con gran dificultad entre los realizados pues todos son auténticas obras de arte, son de José Luís Lizano es la de la izquierda y de Jara Cordero el de la derecha. Se han quedado guardados en mi carpeta los otros 26, para seguir aprendiendo.

¿Quién es el autor de esta campaña del Ministerio de Agricultura?



El Ministerio de Agricultura, Pesca y Alimentación ha puesto en marcha una campaña para fomentar el consumo de los "Alimentos de España” en estos periodos de pandemia, en la que se destaca la calidad de los productos españoles, al tiempo que se homenajea a agricultores, ganaderos y pescadores por su trabajo diario garantizado el abastecimiento de alimentos en esta crisis sanitaria y su alta calidad.

Bajo el lema "El arte del saber hacer", se llama la atención sobre la excelente calidad de los alimentos españoles, con especial referencia a los de temporada y proximidad. Y ha resultado una campaña muy hermosa, artística, bella y de calidad.

¿Pero quién es el autor? No lo he logrado saber. Es decir, este tipo de obras publicitarias, de diseño gráfico, no parecen tener un auto fácil simplemente porque se pagan por adelantado (o no). No debería ser tan complicado saber quién ha sabido desarrollar la idea, hacer la fotografía, plasmar la belleza de los alimentos, como una obras artística que es. Conocer a los artistas es fundamental para que crezcan y para poderlos seguir.

¿Puede una simple roca ser una obra de arte para una persona?


Si el Arte motiva, crea sensaciones, explica ideas, habla o se expresa, representa símbolos… es posible que esta roca sea para mí una Gran Obra de Arte. Solo para mí, claro. Si acaso para otras dos o tres personas más. Si a nosotros nos crea todas esas sensaciones simplemente al contemplar esta roca… tal vez sea una Obra de Arte. 

Que sería la forma más sencilla de entender el Arte como algo sin complejos, sencillo, simple, que nos rodea a poco que sepa hablar y explicarse. 

Esta roca dice para mí mucho más que para ti, eso hay que advertirlo. Es decir, puede ser una Gran Obra de Arte para mí, y una simple roca para ti, lo cual abunda más en la idea de que el Arte es relativo.

¿Puede ser una construcción natural una obra de Arte? En esto ya si que no tengo duda. Las personas no somos tan genios como creernos los únicos con capacidad para crear. Una obra de Arte puede ser una construcción aleatoria, puede ser una casualidad, algo hecho de forma natural. ¿No es una flor una gran obra de Arte?

Y no sabemos si andamos hacia el final o hacia el principio

Muchas veces es la propia necesidad de expresión la que te enfrenta al lienzo blanco, al papel vacío y te lo tienen que comer con tus ideas. Incluso muchas veces las propias ideas van creciendo a la vez que las vas sacando de dentro. Se construyen poco a poco, las modelas según ves que vas necesitando cubrir los espacios, nivelas y encuadrar. 

En un principio es siempre un primer paso, y muchas veces aunque tengas la meta clara, en el camino se van cambiando algunos trazos, incluso algunos conceptos o colores. La ventaja del Arte es que puede llegar a sorprender incluso a quien lo construye. Y no siempre para bien pues a veces el descontento también se apodera de cada uno.

Tihomir Loncar y su pintura contundente y llena de fuerza y color


Esta obra es del artista croata Tihomir Loncar. Un clásico en pintura abstracta, un paisaje llenos de formas, manchas, colores, estructuras y texturas, reflejando una mirada particular de un espacio natural. Lo de menos es el parecido con el paisaje real, lo único que interesa es la fuerza de la obra, casi del grito del paisaje, de su color tan contrastado entre formas que quiere asemejar un paisaje, pero que también podría ser un bodegón. ¿Qué es un paisaje sino un bodegón de elementos de la naturaleza?

Vidriera moderna en la ciudad de Oporto


"El arte en Cristal y sus Escenas" - 2018 - Oporto

Johanna María Fritz, el Circo y sus contrastes de Guerra en Gaza

Esta fotografía de la joven fotógrafa alemana Johanna María Fritz y que tituló Como un pájaro, fue realizada en Gaza en el año 2017.

El artista de circo Johanna María Fritz posa sobre pilotes y haciendo malabarismos frente al edificio de la Escuela de Circo de Gaza en el distrito de Betlaahhya en la ciudad de Gaza mientras delante suya pasa una camioneta llena de combatientes de Hamas. El contraste es maravilloso. ¿Quién va más disfrazado?

La fotografía además de ser testimonio debe saber buscar los contrastes de formas, de color o de vida.

El viaje en el Arte es descubrir y explorar ideas. No es crearlas de nada.

La vida es descubrir y en el Arte más, es explorar y estar atentos a lo que vemos viendo, es aprender a ver para descubrir aquello que nos llama la atención y que creemos que puede llamar también la mirada de algunos espectadores.

Hay que buscar constantemente ideas, destellos, luces que nos llaman la atención. Y dejarlas posar un poco tras haberlas cazado. Guardarlas bien para que no se nos olviden y estar atentos. Y ante la duda darles más luz.

En el Arte todo proyecto es un viaje por descubrir, por aprender, por explorar, por modificar según vas viajando sobre él. Nada es definitivo, todo evoluciona, pero para ello hay que estar siempre muy atento y leyendo lo que vayamos escribiendo con color, formas, letras o fotografías.

La viaje en el Arte es descubrir y explorar ideas que incluso a veces ya tenemos de antes. No es crearlas desde la nada, pues eso es casi imposible.

Habitar el Vacío. Aniversario de La Gota de Leche en Logroño


Esta es una obra colectiva de cinco artistas montada en Logroño en 2017 con motivo del décimo aniversario de La Gota de Leche. Ellos fueron David Azpurgua, Laura Peña Ibáñez, Rafael Lafuente, Javier Peña Ibáñez y Carlos Villoslada. El título de la obra es "Habitar el Vacío".

"Manos, sí, nuestra instalación está llena de manos pero no son lo más importante. Todas ellas son como el marco que alberga la obra y la contiene en forma de vacíos.

Vacíos, de eso es de lo que habla esta obra que pone el punto de atención en lo que no está, en las ausencias creativas que desarrollan cada una de estas manos, que no se muestran porque pueden ser tan amplias como la mirada del espectador que las observa, y sin ellas, lo único que queda es una gran coreografía de gestos".


Lluís Graner i Arrufí y sus retratos corrientes de gente humilde

Del artista barcelonés Lluís Graner i Arrufí es esta obra titulada "Interior de Taberna" pintada entre los años 1895 y 1910. Lluís era artista costumbrista muy reconocido por media Europa donde expuso en algunas de las capitales más importantes de aquella época. Relacionado con Gaudí viajó también por América, aunque la suerte en sus negocios no le siguió como su calidad en las pinturas de escenas sociales de aquellos años.

Arruinado de sus negocios de cine hablado y teatro, donde quería trabajar la totalidad del Arte como instrumento social, se marchó a los EEUU y Cuba donde vivió casi de la caridad, para volver a España dos años antes de fallecer.

Beatriz González, y su Cuaderno de Iscuande lleno de muerte

Esto es un clásico libro de artista, un cuadernos de apuntes más bien, de la artista colombiana Beatriz González, que ella titula Cuaderno de Iscuande. Lo presentó en una exposición individual que realizó en el Museo Reina Sofía de Madrid, como ejemplo de lo que se hace para tomar apuntes que luego servirán como ideas más desarrollada en las obras finales. Un ejercicio clásico pero pedagógico que sin duda todos los artistas deberíamos llevar encima siempre.

En este Cuaderno de Iscuande toma apuntes de esa realidad tan dolorosa de Iberoamérica, donde los cadáveres de personas aparecen (o no) en la selva, a veces torturados, y luego se convierten en un amasijo de nada envueltos en trapos y llevados por los soldados para ser enterrados en vete a saber tú dónde. Dolor, rabia, muerte, realidad.


Basket of Nean en el Madrid debajo de tierra

Basket of Nean lleva años marcando espacios en su Madrid a costa de pequeñas intervenciones de Art Street con mosaicos pequeños a modo de trabajo puntillista que simula píxeles digitales con los que va formando pequeños retratos, acciones que a veces tienen que ver con el baloncesto como afición y otras con quejas sociales o retratos actuales de la sociedad que nos acoge a todos.

En una bajada al Metro de Madrid se podía ver esta intervención al menos en el año 2019. Todo el Arte Street que se precie sabe que es efímero, que su tiempo de vida es corto y en eso radica una de sus potencias expresivas. Para los espectadores es una bocanada de aire fresco pero muy temporal.

"El arte urbano es imprescindible en una ciudad, las obras juegan con el entorno, transformándolo, dándole otra visión y punto de vista. El arte urbano es y será ilegal, porque sino, no es arte urbano, es otra cosa". Basket of Nean

El cambaleo, una clase de teatro ambulante de tiempos pasados


El cambaleo es una "clase" de teatro en aquellos años y siglos donde el teatro se dividía en familias distintas según el tipo de obras, de compañías, de posibilidades de representar mentiras historiadas o verdades asumidas por todos como mentiras graciosas o dramáticas. 

El cambaleo allá por los siglos XV, XVI y XVII era un grupo de cómicos que en una compañía de cinco actores y músicos más una cantante iban recorriendo los territorios de la España pobre contando historias y amenizando desde carromatos y en las plazas de las localidades donde paraban, la vida aburrida de los vecinos.

Eras artistas nómadas que por poco más que la comida y un mal colchón estaban de parada en parada contando sus pequeñas historias unos días mientras entretenían y se entretenían contando pobrezas, amoríos y cuernos, historias de ricos y pobres, de campos y de peleas. No faltaban en sus finales ni Dioses que enamoraban ni esperanza de que todo se podía arreglar a poco que hubiera suerte. 

Enrico Baj y una obra con piezas de mecano y óleos sobre lienzo

El italiano Enrico Baj, escritor y pintor, escultor y grabador, nos deja aquí una muestra suya de su insistencia en los desastres, en las guerras finales, en una mezcla de surrealismo y arte pop con un collage que tituló "¡Fuego! ¡Fuego!" y que realizó en el año 1963.

Artista comprometido con todo lo acontecido en la segunda mitad del siglo XX utilizaba en muchas ocasiones elementos muy comunes en sus obras como parte de ellas para remarcar que las ideas, los gritos de libertad no necesitan materiales nobles sino ganas sociales de reclamar más justicia y libertad.

Héctor Huamán, la muerte y la tranquilidad final

El otro día me encontré con esta ilustración del artista Héctor Huamán en el diario El País y me atrapó la imagen. Un bello dibujo de un diseñador gráfico de Perú que me sorprendió por la idea. Tras fases de la muerte, tres estados posibles del tiempo que llevas muerto. 

bello ejemplo de que también con la muerte se puede jugar y crear belleza. Posiblemente nada más que eso.

Gülsün Karamustafa y su obra: Pinturas en la cárcel

La artista turca Gülsün Karamustafa creo una seria de obras retratando su paso por la cárcel de la que salió en el año 1972, reflejando en ellas su experiencia.

"Al final de mi condena yo quería pintar lo que había vivido y visto en la cárcel para no olvidarme de esa etapa de mi vida. Las pinturas registran la vida cotidiana de las mujeres en la prisión, incluyendo la distribución de alimentos, el sueño, la enfermedad o los momentos divertidos en ella".

La diferencia entre agua con gas y aguas fecales

El Arte del Humor es maravillosamente un golpe de aire fresco que a veces duele. El Roto es un genio que tenemos que copiar para expandirlo, sin duda, pues sus escasas palabra nos llenas de dudas muy ciertas y de dolores muy profundos. Esta es una fotografía sin cámara pero con mucha intención. Un grito de dolor social.