El amor encadenado al mundo, de Germán Hernández Amores


Del artista murciano Germán Hernández Amores podemos ver la obra titulada "El amor encadenado al mundo" pintada en el año 1890 al óleo y que e encuentra en el Casino de Murcia. Recibió sus primeras clases de dibujo en la Sociedad Económica de Amigos del País de Murcia, bajo la dirección de Santiago ­Baglietto, y en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, bajo la dirección de José y Federico de Madrazo

En 1851 marchó a París, becado por la Comisaría de la Cruzada y en 1853 a Roma en donde continuó sus estudios. Sus obras están en la mayoría de los casos basadas en temas literarios y en escenas de la Antigüedad

Los padres de Antonio López, por Antonio López


El muy conocido pintor español Antonio López pintó este cuadro titulado "Mis Padres" con 20 años de edad en el año 1956. Un retrato familiar y de formación en Madrid y posterior en Roma siguiendo un modelo clásico casi de retrato funerario de las antiguas civilizaciones, en donde se retrataba a los matrimonios en bajo relieves para conservar sus rostros y gestos.

Podemos comprobar con esta obra de Antonio López, que incluso cambiando totalmente su temática, es un pintor muy conservador en sus modos, trazos, formas, encuadres, colores incluso. No ha tenido una evolución importante y se ha mantenido muy fiel a sus técnicas, lo que le ha permitido explorarlas totalmente y sacarles un enorme éxito.

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The well-known Spanish painter Antonio López, painted this painting entitled "My Parents" when he was 20 years old in 1956. A family portrait and training in Madrid and later in Rome, following a classic model almost of a funerary portrait of the old civilizations, where couples were portrayed in bas-reliefs to preserve their faces and gestures.

We can see with this work by Antonio López, that even completely changing his theme, he is a very conservative painter in his ways, lines, shapes, frames, even colors. He has not had an important evolution and has remained very faithful to his techniques, which has allowed him to fully explore them and get enormous success from them.

Miguel Berrocal y sus esculturas de piezas encajadas


Vemos arriba una escultura de tamaño mediano del artista malagueño Miguel Berrocal realizada en hierro forjado en el año 1963, y titulada "StripTease móvil (Opus 57)". Miguel Berrocal inicia sus estudios de Arquitectura pero con 22 años se traslada a Paris para conocer las técnicas artísticas de la escultura que es al final el gran trabajo de su vida. Y empieza a tomar contactos con todo el mundo artístico español, francés e italiano, del que aprende y bebe.

Creador de grandes esculturas o de pequeñas obras, tiene obra en el MoMA y en diversos espacios repartidos por Europa. Fue el creador de la primera figura de los Premios Goya. Un escultor matemático, el estudioso de la mecánica de los elementos por su formación en arquitectura con unas obras compuestas de muchas capas conectadas entre sí para lograr que nunca resulten planas, se observen desde cualquier punto de vista.

Manolo Millares o Antoni Tàpies y el collage. Técnicas


Esta obra anónima para mi —no para quien la ha comprado y se la ha puesto en su despacho de hotel— es un clásico collage de diversas acciones y herramientas que buscan impresionar llenando espacios vacíos. El collage en realidad es la suma de innumerables técnicas que utiliza materiales muy diversos para crear una obra "pegando" o cosiendo trozos que recoge o crea con anterioridad. 

Manolo Millares o Antoni Tàpies son dos ejemplos de grandes artistas del collage en algunas de sus obras. 

El collage no es solo pegar "trozos" sino a veces añadir materiales diversos a la pintura para darle texturas, añadiendo por ejemplo polvo o arenas de piedra o mármol, serrín, telas, que al mezclase con las masas de pintura conforman nuevas texturas con color. 

La pintura al secarse, al cristalizarse, se convierte en un pegamento entre todas las partes, y la sujeción de las arenas o materiales es casi total.

En mi caso, conservo diferentes arenas de mar, con distintos grosores y texturas e incluso colores, que utilizo en algunas de mis obras, mezclando la pintura en la paleta con estos materiales. Si deseo que se vea más la textura, por ejemplo si son arenas gruesas con diferentes colores, una vez depositada la masa de la pintura con la arena sobre el lienzo, pongo encima una tela o un papel secante sobre el que hago presión, para que se quede en él adherido parte de la pintura de la zona superior y deje ver levemente el color o la textura de las arenas. Es una de las muchas técnicas posibles en el collage.

Vidriera del mercado de Atarazanas de Málaga


Vidriera del mercado de Atarazanas de Málaga, visto desde el exterior en la imagen de arriba y desde el interior del mercado en la imagen de abajo, donde se han plasmado diversos edificios y escenarios de la historia de Málaga.

La vidriera está en la parte Norte del mercado y consta de 108 paños de cristal pintado por el artista Ángel Atienza Landeta junto a su hermano en al año 1973.  Ángel Atienza Landeta fue un conocido jugador del Real Madrid que tras dejar el fútbol se dedicó al arte en vídrio. Fue restaurado en el año 2009 por Francisco Cascón, de la empresa Artevis, y Virginia Cenit.



Un surrealismo muy surrealista y original


Cuando tienes la suerte de ir contemplando Arte casi todas las semanas, en exposiciones, galerías o museos, sin duda casi en todas esas visitas hay algo que te sorprende, incluso aunque hayas visto ya miles de obras totalmente distintas, siempre hay algo que te llama la atención por algo especial que te atrapa. La semana pasada me sucedió con esta obra en Málaga. Está puesta en la esquina de la sala de visitas de un hotel céntrico de Málaga, en el suelo, tal y como podemos contemplar en la imagen.

Un auténtico surrealismo muy surrealista, pues el artista ha logrado crear un trampantojo con doble mirada. La obra está doblada, son en forma de esquina dos obras unidas, semejando que efectivamente, la modelo está en una esquina mirando contra la pared. 

El autor es para mi desconocido, firma rascando sobre la pintura del cuadro como Goutal.th y es una obra realizada en el año 2015. Muy poco información para una obra que me impresionó por cómo había ejecutado la idea.

Arte, Artesanía, Gastronomía y Vino - Art, Crafts, Gastronomy and Wine


El cartel habla de vino, de Arte y de sociedad sin nombrarla, lo mezcla todo un poco y nos deja claro —si lo queremos entender— que el Arte no son solo cuadros y esculturas, libros o fotografías, sino mucho más. Entramos de lleno en la duda de valorar qué es Arte y Artesanía, y sobre todo para qué sirve y quién lo crea.

Un vino (ya que lo nombra el cartel) es la mezcla creada por profesionales de diversas uvas y del trabajo del tiempo, de las técnicas, de la conservación, del cuidado y el repaso de su transformación con el tiempo mientras los artistas vinateros van modificando sabores y van dejando que la propia naturaleza haga un trabajo químico.

Sin la intervención de los profesionales, no es posible crear vino. Ni tampoco de modificarlo, de que salga igual o diferente a otras añadas. ¿Qué es más sencillo repetir exactamente el mismo sabor, olor y bouquet de un caldo de un año para otro, o al contrario lograr sabores nuevos que se adapten a lo que demandan los clientes, los tiempos? 

Con pocos tubos de pintura, con pocos colores, los artistas lograr crear obras totalmente distintas unas de las otras. Mezclan con herramientas, dejan secar, trabajan en húmero o no, añaden elementos o no, etc. 

Cualquier licor es un procedimiento similar. Pero también en la cocina se hacen procesos similares. Y en arquitectura. Y en la literatura mezclando historias y personajes, o en el teatro y la música. 

Crear es partir de la nada o de una cosa muy simple, y lograr con la intervención de personas, con herramientas y añadidos, un producto que no se parece en nada al inicio.

Un tubo de pintura junto a un pincel no se parece en nada a un cuadro. Una hoja de papel  un carboncillo no se parece a un dibujo. 

Pero tampoco malta de cebada y agua de manantial se parece en nada a un whisky. Ni un arroz y unas gambas se parece en casi nada a una paella o a un sushi. Entre medio está la técnica, la artesanía, el Arte. 

La artesanía dicen que es repetir muchas veces una obra de Arte. Algo que también se hace en la gastronomía. Pero hay muchas cosas que se parecen entre el Arte y la Artesanía. 

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The poster talks about wine, Art and society without naming it, it mixes everything a bit and makes it clear to us if we want to understand it, that Art is not just paintings and sculptures, books or photographs, but much more. We enter fully into the doubt of assessing what Art and Crafts is, and above all what it is for and who creates it.

A wine (as it is named on the poster) is the mixture created by professionals of various grapes and the work of time, techniques, conservation, care and review of its transformation over time while the vintner artists are modifying flavors and leave it to nature itself to do chemical work.

Without the intervention of professionals, it is not possible to create wine. Nor to modify it, that it comes out the same or different from other vintages. What is easier to repeat exactly the same flavor, smell and bouquet of a broth from one year to the next, or on the contrary to achieve new flavors that adapt to what customers demand, the times?

With few tubes of paint, with few colors, artists manage to create works that are totally different from each other. They mix with tools, let it dry, work wet or not, add elements or not, etc.

Any liquor is a similar procedure. But similar processes are also carried out in the kitchen. And in architecture. And in literature mixing stories and characters, or in theater and music.

To create is to start from scratch or from a very simple thing, and to achieve with the intervention of people, with tools and add-ons, a product that is nothing like at the beginning.

A tube of paint next to a brush is nothing like a painting. A sheet of paper a charcoal does not look like a drawing.

But neither barley malt and spring water looks anything like whiskey. Not a rice and a few prawns is almost nothing like a paella or a sushi. In between is technique, crafts, Art.

They say that craftsmanship is repeating a work of art many times. Something that is also done in gastronomy. But there are many things that are alike between Art and Crafts.

Arte Urbano, mural en Elche. Street Art en Elche


El Arte Urbano como elemento decorativo del urbanismo en las ciudades es a veces casi imprescindible. Hay que romper el gris de muchas de nuestras calles y el Arte es una de las posibilidades. En las obras públicas en España se destina una parte para dignificar las autovías con esculturas e intervenciones artísticas fijas, así que es lógico pensar en nuestras calles urbanas como otra necesidad lógica para poder utilizar paredes vacías como lienzos sin que haya dificultades legales añadidas para ello.

Esta intervención está debajo de un puente de un cruce a distintas alturas de unas carreteras en el centro urbano de la ciudad de Elche (España), una zona oscura, gris, que puede gozar de algo más de calidad urbana con este tipo de intervenciones efímeras pero válidas.

Hay ayuntamientos que apoyan estos trabajos artísticos, y en cambio otros no solo no los apoyan, sino que ponen muchas dificultades para ser realizados en paredes y muros públicos. Las ciudades que facilitan estos trabajos tienen más calidad de vida urbana.

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Urban Art, Street Art as a decorative element of urban planning in cities is sometimes almost essential. We must break the gray of many of our streets and Art is one of the possibilities. In public works in Spain, a part is destined to dignify the highways with sculptures and fixed artistic interventions, so it is logical to think of our urban streets as another logical necessity to be able to use empty walls as canvases without there being added legal difficulties for it.

This intervention is under a bridge of a crossing at different heights of some roads in the urban center of the city of Elche (Spain), a dark, gray area that can enjoy a little more urban quality with this type of ephemeral interventions but valid.

There are municipalities that support these artistic works, and on the other hand, others not only do not support them, but also put many difficulties to be carried out on public walls and walls. The cities that facilitate these jobs have a better quality of urban life. 

Cómo pintar las olas bravas del mar al romper en la orilla


Aprender técnicas en pintura a veces es tan sencillo como fijarse de qué manera lo resuelven otros colegas pintores e intentar copiar sus propias técnicas. Eso no es realmente copiar o plagiar, sino aprender fijándose. En la antigüedad los estudios de pintura de los grandes artistas estaban abiertos a decenas de alumnos que entraban en el taller a aprender y a practicar, mientras además ayudaban al maestro con sus obras grandes. Aprendías de sus técnicas y modos, algo que ahora podemos hacer de forma mucho más sencilla.

Arriba podemos ver una sección de una marina del pintor Juan Martínez Abades titulada Puerto Exterior y Abra de Bilbao y realizada en el año 1903. Un clásico óleo en el que podemos ver las pinceladas que ha plasmado el pintor para darle volumen al agua de una ola que choca y se levanta. No es sencillo pintar el agua brava, pues o queda plana ya que hay que jugar con blancos muy idénticos, o queda excesivamente contrastada y por ello increíble, falsa. 

Esta obra de la colección Carmen Thyssen-Bornemisza nos permite comprobar como utilizando blancos idénticos, pero a los que se les da unos brochazos impetuosos y gruesos, se logra transmitir ese brío y energía del agua al romper. No se puede ir pintando detalles, sino aplicar la pintura casi sin contemplaciones, creyéndote lo que haces y dando volumen a costa de eso, de dar volumen con las capas de pintura. 

Hay que dominar también las capas, y practicar con pinturas más diluidas para las capas del fondo del agua, y pintura mucho más espesa para los detalles finales que marcan el agua saltando. 

Abajo podemos ver la totalidad de la obra, en donde podemos comprobar la realidad visual de esas olas en el conjunto del cuadro. 



Nazareno del pintor italiano Niccolò Frangipane del siglo XVI


El dramatismo de este "Cristo cargando la cruz" o "Nazareno" del pintor italiano Niccolò Frangipane pintado en el año 1574 cuando cuando era todavía joven, no ofrece ninguna dura. La mirada, el color de sus ojos, la tristeza de este hombre, de esta obra transmite el dolor de la tortura, de la Pasión. Que era eso precisamente lo que el artista necesitaba transmitir para que los fieles observarán el sufrimiento por todos.

Niccolò Frangipane fue alumno de Tiziano, esta obra es una interpretación de otra similar creada por su maestro Tiziano. Y aunque se le conoce sobre todo por sus obras de temática religiosa, también realizó obras más lúdicas, festivas, mitológicas, or lo que a veces se ha llegado a penar que con el mismo nombre había dos artistas distintos. En realidad era necesario y normal que algunos pintores tuvieran que trabajar una parte de su obra para poder comer, y otra parte de su obra para gusto y disfrute de sus propias artes.


Arte Callejero en un callejón de Cartagena


El Arte Callejero nos sorprende en rincones, en callejones diversos, en este caso en Cartagena, a veces aprovechando elementos urbanos feos para crear a su alrededor otras miradas, que decoran la calle, logran entregarnos algo de luz artística a las calles aunque no a todos los vecinos les guste este tipo de actuaciones artísticas. No es Arte Brut aunque lo parezca, podría ser una manifestación del nuevo Arte Contemporáneo, aunque sea efímero.

Autorretrato de Francisco de Goya del año 1815


Uno de los últimos cuadros al óleo que pintó Francisco de Goya fue un autorretrato realizado en el año 1815 con ya 69 años de edad, en un tamaño algo mayor a un A3 y que es propiedad del Museo del Prado. La mirada de Goya, su aparente desaliño, su ropa y el aspecto casi abocetado de la obra confieren un valor mayor a una obra que en aquellos años ya juega con el modernismo imperante dentro de un romanticismo ya caduca hacia un casi expresionismo inicial, incluso con sensaciones de un impresionismo por la manera de trabajar las pinceladas. 

Simplemente Goya nos quiere mostrar su imagen, su mirada e incluso algo de su ya cansancio y posiblemente nada más que eso, que ya es mucho.

Matthew Ritchie y sus obras filosóficas y teóricas de azar sobre foam



Desde New York el artista inglés Matthew Ritchie nos presenta esta obra que titula "El marinero que perdió la gracia del mar" realizada en el año 2004 con un esmalte sobre sintra o foam que termina en la pared con acrílico y rotulador. Ritchie escanea sus dibujos en scanner y lo visualiza en su ordenador para poder manipularlos volteándolos, deconstruyéndolos y/o transformándolos en piezas tridimensionales. Digitalmente hace que sus imágenes sean cada vez más pequeñas para desarrollar aún más sus ideas más allá del papel.

Y Matthew Ritchie nos explica su proceso.: Comienzo con una colección de ideas... y dibujo todos estos motivos diferentes, y luego los pongo uno encima del otro. Así que tengo montones de dibujos semitransparentes, todos en capas uno encima del otro en mi estudio y forman una especie de túnel de información. De eso, puedes sacar esta forma que se convierte en la escultura o la pintura. Es literalmente como sacar la narrativa de superponer todas las estructuras. Así es como termino con esta estructura. Se deriva de una serie de dibujos que escaneo en la computadora y refino a través de varios procesos... y envío a la tienda de chapa metálica en el futuro, donde se corta de metal y se ensambla en estructuras más grandes que son demasiado grandes para mi estudio.

Todo un proceso complejo en donde 
Matthew Ritchie trasmite sus filosofías, sus miradas, desde donde se basa como artista en narrativas filosóficas, religiosas y científicas para crear un universo complejo donde estas teorías puedan circular entre sí. En las obras de estos artistas, se forman redes de datos en composiciones artísticas que hacen referencia a las preguntas en las que la sociedad sigue basando su significado de existencia. El trabajo de Ritchie personifica estas preguntas en su arte tan personal.

Pablo Picasso y su obra "Hombre y niño". Subastada en Sotheby's


Esta obra de Pablo Picasso titulada "Hombre y niño" y pintado en el verano de 1969 ha sido subastada esta semana por la casa de subastas Sotheby's por un precio que ha superado los veinte millones de euros. Es un cuadro de casi dos metros de altura que había estado en un despacho durante muchos años y que finalmente se ha vendido para cambiar de manos y hacer "caja". 

Esta obra ejemplifica el poder y la complejidad que define la obra tardía de Pablo Picasso pintada con pinceladas rápidas y revueltas, y es un ejemplo enormemente impresionante de los logros del artista durante esta etapa final, y muy importante, de su carrera. Tal es la vitalidad y casi urgencia del artista por capturar su visión interior, que en esta pintura se aplica en pintura aún húmeda creando una notable sensación de inmediatez.

Es una de sus obras en donde Picasso nos demuestra en sus últimos años de trabajo el motivo por el que se consideró como un gran artista moderno y por qué fue tan profundamente influyente para muchos artistas del siglo XX.

Peter Halley, artista abstracto y geométrico


Pintado en el año 1993 vemos una obra abstracta y geométrica del artista neoyorkino Peter Halley titulada "Contención", realizada en acrílico pintura Day Glo y Roll a Tex sobre lienzo. Profesor de Arte y escritor desde 2001 es el director de los estudios de pintura y de impresión de la Escuela de Arte de Yale. Sus potentes colores y sus formas geométricas son una de sus firmas artísticas. 

Mark Whalen y su montaje "I Am Just Here"


Del artista australiano Mark Whalen podemos ver un ejemplo de su montaje "I Am Just Here" realizado para el CAC de Málaga, un "Solo estoy aquí" que muestra en más de 20 figuras andróginas de colores saturados que se apilan, fusionan e integran con objetos cotidianos para contarnos historias o al menos para imaginárnoslas. El artista con sus obras resalta la relación entre lo absurdo y lo mundano invitando al espectador a participar en la narrativa de sus obras.

Arte de Daniele Barresi. Efímero y en frutas de temporada


El italiano Daniele Barresi es un artista de frutas naturales de las que saca bellas esculturas efímeras y pequeñas tallando como si fueran joyas. En este caso podemos ver dos ejemplos realizados en aguacates. Un gran trabajo efímero que dura horas o a lo sumo pocos días, hasta que el tiempo destruye las obras.


Bestias y Bellezas en las calles de New York


Esta es la portada de la revista New Yorker de la ciudad de New York para todo el mundo. Y en sus portadas siempre se refleja además de una mirada muy especial del momento, un tratamiento artístico de lo que nos quiere representar. En este caso es un dibujo de Edward Steed en donde nos muestra su amor por las muchas personas a veces excéntricas que pueblan las calles de la gran ciudad de New York.

Y nos hace una pregunta.: Nunca se sabe a quién o qué verás en las calles de Nueva York. ¿Te gusta caminar y observar la escena?

La ciudad de Nueva York sigue siendo un referente para inconformistas de todo tipo. Sus calles están llenas de vida y ofrecen muchas oportunidades excelentes para observar a las personas o pequeños monstruos llenos de vida, como se muestra en la portada de esta semana por el artista Edward Steed.

Geografía de la memoria femenina. Eutiquio Estirado en Elche


Esta escultura urbana en el centro de la ciudad de Elche se titula "Geografía de la memoria" y ha sido creado por el artista ilicitano Eutiquio Estirado, que trabaja tanto la escultura como la pintura. Citas de 19 escritoras, pintoras, investigadoras o artistas, mujeres que han dejado su sello personal a lo largo de la historia, recorren la escultura Geografía de la Memoria instalada en la Plaza del Palau, frente al Palacio de Altamira, en Elche.

El agua que brota de la propia escultura recorre citas, palabras y frases de mujeres que han dejado huella en la historia de la humanidad. Son 19 escritoras, pintoras, investigadoras ó artistas que han ido dejando sus frases en esta escultura circular. 

Una poesía en árabe de la poetisa cordobesa Wallada Bint Al-Mustakfi, junto con otra de Safo, enlaza con palabras en catalán de María Mercé Marçal, el misticismo de Teresa de Jesús, la imaginación de Virginia Wolf, Simone de Beauvoir, ó de Concepción Arenal, la pasión de Ninon de Lenclos, el evolucionismo de Lynn Margulis, el texto de la sindicalista, escritora y cristiana rechazada por los teóricos de la Iglesia, de Simona Weill, el sarcasmo literario de Dorothy Parker, la poetisa Alaíde Foppa, la de Rose Auslander, la pintora Frida Kahlo, la escritora Natalia Ginzburg, la poetisa y dramaturga Alfonsina Storni, la poesía surrealista de Alejandra Pizarnik, la novelista y ensayista Mercedes Cabello, finalizando con una frase en japonés de Akiko Yosano, feminista, pacifista y reformista social.

Como destacó Eutiquio Estirado: «La obra refleja una mujer que se está construyendo sobre las ideas y los conceptos de otras mujeres anteriores, que pelearon y crearon desde su condición femenina. La figura no está terminada, es como una mujer que se encuentra en un estudio, en el taller de un artista en el que se está construyendo sobre las ideas, los conceptos de mujeres que ya han fallecido, pero que han dejado su obra y sus ideas».

Juanli Carrión y uno de sus "Memelismos"


Juanli Carrión y uno de sus "Memelismos", escultoras con color potente y forma amorfas que a través de miras abstractas y con clores limpios y fuertes intentan transformar los recuerdos antiguos de personas en nuevos elementos de aprendizaje colectivo.

Si alguien comparte una experiencia, una parte de sus vidas, la cuenta y la explica a alguien que escucha y que decide tras ello crear unos elementos que representen desde du particular punto de vista, lo que ha escuchado, lo que ha recibido. Es crear objetos que intentan representar la memoria de otras personas desde el punto de vista de otros personajes distintos, que escuchan e intentan crear las historias orales en objetos. 

La silla eléctrica, de Andy Warhol


Esta es una serie de seis ejemplares diferentes (de 10 opciones que hizo con esta temática) de la clásica obra de Andy Warhol "Silla Eléctrica" o "Electric Chair" que empezó a producir casi en serie en el año 1963 aunque estos ejemplares son de 1971. Eran variantes de una obra que se basaba en una fotografía de prensa de la prisión de Sing Sing y que fue utilizada para ejecutar diversos presos en los EEUU. 

Andy Warhol estaba totalmente en contra de la pena de muerte y quiso utilizar el símbolo multiplicado de forma artística por medios gráficos para abaratar los precios y que llegara a más gente su obra, dando forma a lo que se consideró obra Pop, de popular.

En varias de sus obras simplemente cambiaba, jugaba o modificaba las pantallas de serigrafía para obtener resultados diferentes pero sin utilizar bases técnicas distintas, sino utilizando las mismas herramientas y pantallas, pero añadiendo o cambiando colores, o el orden de estos a la hora de ser impresos. 

Era un Arte Comercial que utilizaba a las Artes Gráficas para acercarlas al Arte puto a través del Arte Pop.


Relieve de un faraón con su hija de carne


Este relieve de la Dinastía XI de Egipto, de más de 4.000 años de antigüedad nos muestra al faraón delante con su hija detrás llevando varios símbolos de la realeza. Una maza, una cola de toro, una barba postiza y su corona blanca del Alto Egipto. Los textos nos advierten de que es: "El Dios Perfecto, el Señor de las Dos Tierras".

Su hija "de carne" lleva un traje sencillo con peluca corta y vestido ajustado con algunas joyas, collar y pulseras. Los detalles en los relieves eran a veces muy bien realizados como en ewte caso que podemos ver la musculatura de las rodillas o la pupila de los ojos.

František Kupka y su cubismo órfico, complejo y difícil de entender


Esta obra, pintada al óleo por el artista checo František Kupka en el año 1933 y titulado "Tartas" podemos ver una obra del cubismo órfico que es una tendencia abstracta que busca impactar con el color y el cubismo abstracto deseando trasmitir sensaciones casi poéticas desde una pintar que parecía abandonar su planteamiento gráfico, para adentrase en ejercicios artísticos que mezclaran sensaciones musicales, poéticas y gráficas. Complejo de comprender, de conseguir, pero eran tiempos de exploración sin muchos elementos técnicos para lograr mezclar campos artísticos.

Luces que no son suficientes y sombras con excesiva luz


No sé si una simple mancha de amarillo chillón puede alguna vez ser mirado como algo ajeno a una simple mancha de amarillo chillón. No le doy valor, pero me lo planteo como un pequeño ejercicio de iluminación, de luces que no son suficientes y de sombras que no llegan a ser sombras. 

Todo es plano hasta que la luz logra matizarlo, envolverlo, destacar sus volúmenes aunque sean mínimos. No hay color puro pues siempre lo vemos matizado por texturas, por sombras, por ligeros cambios a veces imperceptibles. Jugar con todo eso logra que a veces dudemos de las formas.

¿Cuántos amarillos diferentes habrá en esa imagen de arriba? ¿Y cuántos colores que no son amarillos se esconden entre ellos? Luz y sombra, que forma texturas. En completa luz o completa oscuridad, no existirían los matices.

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Idon't know if a simple patch of bright yellow can ever be regarded as alien to a simple patch of bright yellow. I do not value it, but I consider it as a small exercise in illumination, with lights that are not enough and with shadows that do not become shadows.

Everything is flat until the light manages to shade it, envelop it, highlight its volumes, even if they are minimal. There is no pure color because we always see it nuanced by textures, by shadows, by slight changes that are sometimes imperceptible. Playing with all that makes us sometimes doubt the forms.

How many different yellows will there be in that image above? And how many colors that are not yellow are hidden among them? Light and shadow, which forms textures. In complete light or complete darkness, shapes and textures would not exist.

Asa - Nisi - Masa, del artista Juan Uslé


El artista cántabro Juan Uslé nos muestra aquí su obra "Asa - Nisi - Masa" creada en 1994 con pintura vinílica y pigmentos sobre tela. Una abstracción geométrica y vivencial a la vez que enigmática donde en realidad son sus tres manchas blancas las que reflejan el protagonismo que desea imprimir a su obra, y que de alguna manera reflejan las tres palabras del título de la obra, mezcla de sus recuerdos de infancia y de la película de Fellini "8 1/2". Son unas miradas que le siguen, que se mueven para saber qué hacemos, qué hacía Juan Uslé cuando las sentía sobre sí mismo.

Un bodegón de 1924, de le Corbusier


Naturaleza muerta del Pabellón del Espíritu Nuevo - 1924 - Le Corbusier. 
Oleo sobre lienzo.

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Nature morte du Pavillon de l'Esprit Nouveau - 1924 - Le Corbusier - Fondation Le Corbusier, París. 


La moda de hace un siglo, cuando todo era nueva felicidad


Ilustración de moda de la revista La Gazette Du Bon Ton, una revista de moda, donde podemos observar el diseño de un vestido de Madeleine Vionnet dibujado por 
Thayaht (Ernesto Michahelles) para el número 8 de la citada revista publicada en el año 1922. Eran esos famosos años 20 del siglo XX en donde los cambios estéticos y artísticos parecían querer cambiar todo el mundo occidental. Luego vinieron las violencias, las guerras, los nazismos y comunismos, y toda esa felicidad aparente se quedó diluida.

¿Hay que explicar el Arte? Cuando el Arte se explica ya no es Arte


En este mismo blog caigo en la tentación de intentar explicar el Arte cuando esto, además de imposible, no conduce a nada. El Arte no está para ser explicado, ni entendido, sino para disfrutarlo, para contemplarlo, para que nos guste o no, pero solo eso. 

Es cierto que aquí en el blog Luz y Artes juego un poco a "mostrar" y a la vez a intentar "enseñar" para abrir boca, es como un espacio de aperitivos, de pinceladas brutas. Y tal vez por eso me mueva hacia la explicación, añadiendo textos inútiles.

La imagen que vemos arriba, una obra de Jeff Koons titulada "Tulipanes" es lo de menos en la composición pues prima el conjunto incluida la sección del propio Museo Guggenheim. Todo es estética, color, formas, que te obligan casi a mirar.

Cuando el Arte se explica ya no es Arte, sino material escolar aunque sea para adultos. Se convierte en Materia de análisis, pero no en Materia para disfrutar.

Escuela de la Bauhaus y su estética que cambio el Arte

Escena fotografiada en la Escuela de la Bauhaus (La Staatliche Bauhaus). Sentada en un sillón de acero curvado está Marcel Breuer con una máscara teatral de Oskar Schlemmer en una fotografía realizada sobre acetato por Erich Consemüller, realizada en un principio en el año 1926 con un diseño textil de Elisabeth Beyer-Volger y que hemos podido contemplar en Bilbao en el Museo Guggenheim. Es la suma de diversas artes en una sola composición de aquellos locos años 20.

La Escuela de la Bauhaus era la unión de diversas disciplinas artística (Diseño, Arquitectura, Fotogrfía, Arte Pictórico, Artes Gráficas, Arte Textil y mobiliario) en una Escuela fundada por el arquitecto Walter Gropius en la Alemania de 1919 y que cambió la forma de entender el Arte y las estéticas de un siglo, de unas décadas que se encaminaba hacia las violencias guerreras.

Si creo con el corazón, casi todo permanece


Si creo con el corazón, casi todas mis intenciones permanecen; si es con la cabeza, casi nada se mantiene.

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Si je crée avec le coeur, presque tout de mes intentions demeure; si c'este avec le t'ete, presque rien.


Marc Chagall

Hospital de Contagiados, de Francisco de Goya. Obra poco conocida


Hay obra de Francisco de Goya que es muy poco conocida por diversos motivos, sobre todo al no estar en museos españoles, o ser de propiedad privada que no suele salir a exposiciones con mucho asiduidad. En este 2021 hay una exposición en Basilea organizada por la Fundación Beyeler en donde podemos ver esta obra de menos de 60 centímetros de anchura y titulada "Hospital de apestados de Goya" o "Plaga en el Hospital" o "Corral de apestados" y pintado entre 1799 y 1800.

Un cuadro de Goya, de pequeño tamaño, que muestra los horrores de un grupo de enfermos en el frío interior de un hospital, donde la gente muere y sufre en masa a causa de una epidemia. Hombres, mujeres moribundos, apilados y amontonados en la abovedada sala son víctimas de la soledad y del más triste de los abandonos. La composición de Francisco de Goya nos muestra a los enfermos a lo largo de un primer plano dispuestos en una atmósfera atormentada por el sufrimiento físico y emocional al que están siendo sometidos. Las personas, que intentan ayudar a los enfermos dándoles de beber y ofreciéndoles consuelo con sus cuidados, se tapan la nariz para soportar el pestilente hedor que desprenden unos cuerpos desaseados o en descomposición, sufriendo también la escena, la situación e incluso el contagio.

George Grosz y una Cervecería dibujada a plumilla


Este dibujo a plumilla y acuarela sobre un papel de tina de color gris claro titulado "Cervecería" lo realizó antes del año 1924 el artista alemán George Grosz llamado realmente Georg Ehrenfried Groß. Expresionista dentro de la corriente Nueva Objetividad fue un miembro prominente del movimiento 
Dada antes de tener que emigrar a los EEUU en los años 30. 

George Grosz fue un pintor comprometido ideológicamente, un agitador que usaba el arte como arma en la convulsa Alemania de las primeras décadas del siglo XX plantando esa sociedad que se movía hacia la violencia y la pérdida de libertades.

Trajes juveniles para pintar la vida de sueños


Son los trajes de trabajo de los niños y jóvenes de una Clase de Arte, una vez que ya han terminado su trabajo. Y efectivamente, bien colgados representan otra obra de Arte. Nada es inútil, nada deja de tener importancia si sabemos mirar y queremos ver. 

Dentro ya no hay niños o jóvenes, son ropas vacías de carne pero llenas de ideas, de proyectos, de ilusiones, de ganas por crear desde el blanco hacia la Forma. 

Son herramientas al aire que sirven para envolver a personas que han soñado mientras creaban. Todo un sueño es lograr que sueñen.



Vicent van Gogh y un anciano de juventud


Son muy importantes los dibujos preparatorios de las grandes obras de arte, los bocetos con los que los artistas van tomando decisiones sobre encuadres, puntos de vista, posiciones de las figuras, antes de meterse de lleno en la obra final. Estos ejemplos son de Vicent van Gogh, desde el llamado "Estudio para desgastado" de 1882 a la derecha de los dos dibujos sin color, a "Desgastado" del mismo año, que dieron paso a la obra final en el año 1890 que tituló: "Anciano que se adormece a las puertas de la eternidad".

La primera obra que nombro, la de la derecha, ha sido reconocida como obra de Van Gogh hace pocas semanas y que está en manos privadas. Son dibujos preparatorios de un Vicent van Gogh pues tenía sobre los 29 años cuando empezó estos bocetos.






Cervezas La Zaragozana habla de Cultura. Siente la Cultura


Cervezas La Zaragozana tiene un gran equipo de Comunicación, de Arte y Publicidad y sabe trabajar muy bien los momentos en la ciudad de su nombre, las situaciones y las necesidades festivas de sus clientes que une con sus nuevos productos o con sus clásicas cervezas de siempre. Este es un cartel de mupi para las paradas del transporte. Sencillo, festivo, de calidad, original y colorido. Un aplaudo más a un trabajo artístico de calidad. Un aplaudo a las NO Fiestas del Pilar que se quieren convertir en este año de pandemia en Fiestas de la Cultura.

Sandra Gamarra, artista conceptual peruana de Madrid


Hoy les dejo un cuadro de la artista conceptual peruana Sandra Gamarra, afincada en España y que exhibió en el año 2009 en la Rotwand Gallery bajo el título de The Guest

Desde su estudio en Madrid nos platea una mirada propia de la relación del espectador con el arte. Es casi una performance realizada con sus propias obras pictóricas. 

Sandra Gamarra explica de esta forma su obra.: Mi trabajo está dividido en dos vertientes: Una la de mi propio imaginario y por otra, la utilización del imaginario de otros artistas. Pero también me he dado cuenta de que mi imaginario estaba ya dentro de los otros. Cuando lo uso, es todo una continua reproducción de mi propio imaginario, por lo que, a fin de cuentas, yo soy también mi propio artista.

Trabajo escolar de Arte para alumnos, en su propio barrio


Los escolares necesitan implicarse en los trabajos artísticos desde visiones y ejercicios modernos que sean los habituales en sus propias miradas diarias por los paseos que dan en su barrio. Este ejercicio lo observe en Bilbao, donde en una escuela se les entrega a los alumnos unas fotocopias de edificios del barrio, de su propia zona urbana que conocen, con grandes paredes en blanco o retocadas en ordenador antes de ser impresas para que aparezcan en blanco, y tras entregarles las fotocopias a los alumnos, se les solicita que con tiempo ideen, diseñen y pinten con acuarelas un ejercicio de Arte Urbano en esas paredes de su barrio. 

Para los más pequeños se pueden utilizar plantillas que tapen los elementos que no se deben pintar, como ventanas o calzadas.

Por una parte de van acostumbrando los alumnos a crear de forma atrevida y sencilla, diseños de color en lienzos blancos baratos. Son simples fotocopias. Pero además luego ellos mismos pueden imaginarse esos edificios que ven por la calle, ya decorados con sus propios trabajos artísticos que han realizado en clase. Es una manera fácil de abrir la imaginación de los niños del barrio, pero además también a que amen sus zonas de influencia, a que vean con otros ojos su propio barrio.

En la imagen podemos ver dos ejemplos escolares con gran dominio de estas técnicas. 

Paola M Franqui "Monaris" y sus cortometrajes de un instante


De la fotógrafa puertorriqueña Paola M Franqui conocida como Monaris os dejo arriba esta imagen que titula "Sin rostro en New York" en un clásico ejemplo de sus trabajos, buscando explicar historias con personajes de la calle como si de un cortometraje de un instante se tratara. Os dejo una pequeña declaración de Monaris sobre su propio trabajo. Abajo hay otra imagen de sus maneras de ver las vidas en New York.

"Siempre estoy tratando de superar los límites dentro de mí misma, dominando el tiempo y refinando mi capacidad para observar y registrar esos momentos decisivos en el tiempo. Soy lectora de personas y estoy fascinada por el comportamiento humano. Siempre soy muy curiosa, y preguntándome qué están experimentando las personas que observo, qué emociones están pasando, para tratar de compartir sus historias. Una instantánea de un momento que pasa y que nunca volverá a suceder. Espero que el espectador vaya más allá de sus sentidos con mis imágenes, ya que deseo evocar emoción detrás de las vidas que la gente lleva."



William Tucker, escultor modernista en Bilbao


En el Paseo de la Memoria de Bilbao podemos contemplar esta obra de William Tucker titulada "Maia". De origen inglés pero con nacionalidad norteamericana, es uno de los escultores modernos más reconocido en el mundo. Esta obra está situada entre el puente de Deusto y la pasarela Padre Arrupe de Bilbao, y evoca a una mujer embarazada que emerge del interior de la tierra, en una poderosa manifestación de las fuentes de vida. Está realizada en bronce de 3,5 toneladas y 3 metros de altura, y consigue expresar con rotundidad la movilidad del despertar a la vida mediante una superficie accidentada, llena de protuberancias y cambios, simulando una naturalidad poderosa y amorfa.

Bilbao Formarte. Inclusión de todos por el Arte. Soy Artista


El Arte tiene innumerables ventajas sociales, es inclusivo y una actividad capaz de unir a las personas de más variadas posibilidades. Entendemos el Arte de Nepal, de Bolivia o de India, y comprendemos por igual el Arte creados por personas con diferentes discapacidades o por personas de mucha edad o que no han estudiado nunca en una escuela. Soy Artista es mucho más que una frase o un grito, es una necesidad.

En "Bilbao Formarte" han creado estos carteles que tienen por la ciudad animando a que todo el que crea interesante le proyecto se una a una Escuela sin Barreras, en una formación de Artes Plásticas para personas con discapacidad psíquica o intelectual, que sirva para al autoestima de las personas y su entrada en el mundo creativo.



San Crispin y San Crispiniano. Patrono de los zapateros


En el Arte religioso nos podemos encontrar ejemplos a modo de páginas de libro que son curiosos. Durante siglos se ha ido convenciendo a la gente de los milagros, y de una inmensa variedad de Santos y Vírgenes que eran capaces no solo de escucharte, sino de ayudarte con milagros ante tus problemas. Tenemos incluso ejemplos curiosos como estos dos soldados o al menos vestidos de soldados y que conocemos como San Crispin y San Crispiniano, y que se encuentra su escultura en la iglesia de San Nicolás de Bari en Bilbao.

Eran hermanos del Siglo III a los que sus padre de una familia importante de Roma no fueron capaces de ponerles nombre un poco más diferentes.

Como por las noches además de predicar la religión por el día, se dedicaban a fabricar zapatos para poder vivir y pagarse el sustento, son los patrones de los zapateros. Recio Varo, gobernador de Soissons en Francia cerca de la zona de Bélgica y vicarius de la Gallia Belgica (quien debía ser un romano muy malo pues aparece también en muchas historias de martirio) los apresó, hizo azotar y clavar a postes por pies y manos, mientras se les clavaban punzones bajo las uñas o se les metía dentro de una cazuela con agua hirviendo, sin embargo unos ángeles vinieron y los curaron de sus heridas, más tarde fueron arrojados al río, pero también sobrevivieron. Finalmente fueron decapitados.

Podrían ser tres, pero en realidad es solo una


Y son tres, o son una - 2021 - Zaragoza




Philip Guston y una litografía expresionista abstracta de 1966


Esta es una litografía del artista canadiense y norteamericano Philip Guston, realizada en el año 1966. Un pintor expresionistas abstracto y postmodernista de la tendencia artística de Jackson Pollock que muestra en esta obra tras pocos años dedicándose a la litografía unos elementos por separados a modo de ejercicios de formas y manchas rápidas y fluidas que pocos años después se fueron transformando en manchas similares pero ya con formas reconocibles en donde se podían ver o adivinar en algunos casos intermedios como bombillas, botas y zapatos, ojos, globos, etc. 

Fue un tiempo de Philip Guston en donde dejó la pintura para entrar en el mundo del dibujo y las Artes Gráficas. La obra parece un boceto de manchas que Guston intenta practicar para buscar formas rápidas casi sin sentido. Pero no debe ser así pues las convirtió en litografía y las firmó.

Al poco tiempo Philip Guston cambió sus técnicas y se convirtió en uno de los primeros artistas en expresar públicamente su preocupación por la importancia suprema que se le había dado a lo abstracto. Bajo su punto de vista, se había convertido una metodología en ideología. 

La hipotética pureza de la abstracción poco tenía que ver con su concepción de la pintura. Los años setenta fueron el periodo en el que Guston se entregó a sus preocupaciones emocionales, políticas y psicológicas. Prácticamente, todas sus figuras eran un autorretrato. El artista aparecía en ellas durmiendo, comiendo, bebiendo, pintando y desaparece el refinamiento a favor del humor y la ampulosidad.

Esta obra la dejó sin título. 

La diosa Hathor como una vaca en el Egipto de hace 3.500 años


Podemos ver arriba una estela egipcia de la Dinastía XVIII del templo de Mentuhotep II, Deir El-Bahari en Tebas, de hace unos 3.300 a 3.550 años. Arte en grabado sobre piedra caliza donde podemos ver a la Diosa Hathor como una vaca, la madre del Dios Ra. El carácter de ser mostrada como una vaca es por representar su imagen maternal y celestial, la madre del Dios Sol que lo lleva sobre su cabeza. Se le llamaba "Señora de los Cielos" o "Señora de las Estrellas". Era también una Diosa que ayudaba a las Almas tras la muerte.

Arte Corporal para retratar los dolores de cabeza


Mi experiencia como enfermera me dice que no existen enfermedades sino personas que padecen enfermedades. Las necesidades y vivencias cambian dependiendo de la relaciòn que tengamos con ellas. Tuve la oportunidad de realizar uno de mis retratos internos a Pedro, haciendo visible su relación con "La Bestia" (así es como llaman a este dolor los que sufren Cefaleas en Racimos - CR). 

Una vez más, el arte nos brindó una reflexiòn y un aprendizaje: "Definiría mi lucha como una montaña con dos caminos: uno que sube y otro que baja".

Pedro es uno de los ejemplos de superación de la adversidad más duros que conozco. A los 18 años le comenzaron a brotar unos dolores horribles en la cabeza, "como si me atravesaran con un clavo ardiendo". Se lo trataban como dolores habituales, lo que no le quitaba el sufrimiento.

La soledad de la incomprensiòn general y los dolores imparables le hicieron ver a "La Bestia" de un color muy oscuro. Pronto la Bestia tomó fuerza y se cronificó. 

Afortunadamente los neurólogos supieron identificar su problema: Cefaleas en Racimos o Cefaleas de Horton, uno de los dolores más fuertes que un ser humano puede aguantar sin perder la conciencia, y le recetaron oxìgeno.

El oxígeno tornó el color de La Bestia a un negro más verduzco ya que era capaz de abortar el dolor. Pero pronto aparecerìa la incertidumbre al salir de casa. El oxígeno le daba la seguridad de que el dolor se paliaría. Además, a él no le gustaba sufrir sus dolores delante de personas, era un momento muy íntimo, el sufrimiento personificado.

Las ganas de viajar, de salir y de divertirse se estremecen cuando tienes un dolor acechándote en cualquier esquina. Pero Pedro se dio cuenta de que "lo peor de la enfermedad no es el dolor, sino las limitaciones que te pones por el miedo al dolor". Aprendió a vivir sus momentos sin dolor como si fuese un privilegiado y a aceptar las crisis como parte de su vida.

Nunca le faltó el apoyo de su familia y su mujer. Es muy duro ver a un familiar sufrir tanto y no poder hacer nada para remediar la enfermedad, pero el soporte emocional es muy importante y, gracias a él, al oxígeno, a otras medicaciones para paliar el dolor (sumatriptan, aunque tiene grandes efectos secundarios), pero sobre todo al poder de su mente, Pedro ha logrado "aprender a convivir con La Bestia""antes la odiaba, ahora forma parte de mí". Nunca hubiese sido el mismo sin ella.

La Bestia le tuvo muchos años en cautiverio, pero en estos momentos Pedro está viviendo un amanecer que se atreve a observar desde fuera de su cueva. 

La Bestia es verde, como la esperanza y el sol irradia energìa y fuerza para afrontar las crisis sin dejar de disfrutar los colores del alba. El poder de la mente es mágico, Pedro es un ejemplo de ello.

Laurita Mazapán