Tetis recibiendo las armas de Aquiles, en el Museo Goya de Zaragoza

Desde el Museo Goya de Zaragoza vamos a despedirnos del año 2021 con la obra de Pedro Pablo Rubens “Tetis recibiendo las armas de Aquiles” que está como obra seleccionada e invitada hasta finales de enero de 2022. Una obra flamenca del siglo XVII que procede del Museo de Bellas Artes de Pau (Francia) y que representa a una de las escenas de la Ilíada de Homero.

Cuadro pintado sobre 1630 muestra un paisaje del poema épico sobre la Guerra de Troya y que sirvió como modelos para una serie de tapices, mostrando el mito griego del momento en que Aquiles pide a su madre nuevas armas y esta, Tetis vestida de rojo, acude a la fragua de Vulcano que se encuentra con su esposa Charis y le pide al dios herrero que haga una nueva armadura y un escudo para Aquiles. 

En el lado izquierda del espectador podemos ver el mundo de los océanos y a nuestra derecha como observadores el mundo de la tierra y del fuego. Toda la obr es una escena casi teatral donde la multitud de elementos tienen esapcios definidos para contar una historia de varias escenas.

Rubens pintó unos bocetos pequeños de estas ocho obras que iban a ser dedicadas para fabricar tapices, tras estas obras pintó otros cuadres ya retocados en detalle y más grandes de los que este es uno de ellos, y tras estas obras hizo los cartones definitivos para realizar los tapices definitivos. 

¿Tú qué te preguntas cuando estás creando Arte?

Todos los que nos movemos cerca del Arte nos preguntamos muchas veces lo mismo: ¿Para qué, para quién? Y como no sabemos qué respondernos, dejamos claro que NO somos artistas, si acaso artesanos. Un Artista nunca se pregunta para quién ni para qué. Se la sopla. 

Lo único importante es el sentido de lo que crea, la pregunta no le importa nada, le importa la respuesta.

Esta bella obra que vemos arriba está en un tanatorio. Nadie se pregunta si está para las familias afligidas o para las personas ya fallecidas. Queda claro (creo) que es para los primeros. Pero también es verdad que los muertos tienen derecho de estar rodeados de buenas miradas y espacios serenos y tranquilos en sus últimas horas de cuerpo presente en este mundo abierto.

El Artista cuando decidió hacer esta serie u otras, o mil mas, no creo que estuviera pensando en personas muertas. Y si lo estaba haciendo ya no debe al menos por estas obras considerarse a sí mismo un artista sino un artesano.

Las obras por encargo, como las que tenían que hacer los Goya o los Velazquez por poner ejemplos, debían ser una patada en los cataplines, pues era un simple trabajo que les restaba tiempo para hacer las Pinturas Negras, los Fusilamientos o los Caprichos.

Goya y sus Caprichos. Personaje del número 2

Del Capricho de Francisco de Goya número 2 dejo otro personaje, en este caso un anciano que parece rezar desde la zona izquierda del grabado.

Francisco de Goya pinta a su amigo Sebastián Martínez Pérez

Del cuadro de Francisco de Goya en que nos mostró a su amigo Sebastián Martínez Pérez, pintado en el año 1792, he dejado solo una sección que corresponde a su retrato. Goya era un gran artista fotográfico sin cámara, solo con pinceles y lienzo como demuestra en este cuadro del político y coleccionista de arte riojano Sebastián Martínez Pérez.

Francisco de Goya. Capricho 2, nuevos personajes

 

Un nuevo personaje salido de la mano de Francisco de Goya, de la colección de sus Caprichos, en el grabado número 2 vemos a este señor serio, mayor, con una mirada como perdida.

Francisco de Goya. Caprichos 02. B

 

Del Capricho número 2 de Francisco de Goya podríamos considerarla la protagonista. La mas natural y normal de la obra, la suave que parecen entregar los personajes serios y grotescos, la señorita joven que parecen sortear, ofrecer. 

Goya. Caprichos 02 A

Creo que es un honor intentar mostrar los rostros que Francisco de Goya ha ido dibujando o pintando a lo largo de su inmensa y larga carrera artística. Empiezo con este rostro de la Seria de Grabados de Caprichos Numero 02.

La huida a Egipto de Vittore Carpaccio

La huida a Egipto (La fuga in Egitto) es un cuadro del pintor renacentista italiano Vittore Carpaccio realizada en torno a 1500-1510. Es uno de los múltiples cuadros que representan la huida de la Sagrada Familia a Egipto, según narra el Evangelio de Mateo, ​aunque algún detalle de esta obra se toma de los evangelios apócrifos.

San José tira del burro mientras la Virgen está envuelta en un manto de oro y damasco azul sujetando al bebé en sus brazos, escapando de Belén para huir de la orden que había dado Herodes de matar a los niños. 

Una obra colorista y con gran detalle que mide algo más de un metro de anchura pintado en óleo sobre madera. No solo muestra la clásica imagen de la huída, sino que la obra se acompaña de un paisaje muy interesante y un gran detalle en las zonas verdes de la obra. La figura del niño Jesús mirando al "fotógrafo" de la obra es un detalle casi increíble para aquella época.

Un surrealismo de humores verdaderos

El humor también puede, debe, y muchas ves es surrealista pues permite jugar con las dobles intenciones y que sea el espectador quien acabe la historia, imaginando lo que él crea más sencillo según su particular modo de ver las escenas. 

Esta viñeta de Chumy Chumez publicada en blanco y negro en el Diario Madrid en el año 1967 muestra (posiblemente) eso. Tiene varias lecturas posibles. Chicho Ibáñez Serrado podría haber hecho una película similar. Pero también pude ser simplemente una viñeta de humor. 

El surrealismo es un mundo de sueños, de inventos mentales, de imaginación trasmitida, de mentiras que son verdades o al menos se intentan mostrar como posibles verdades.

Soledad no buscada. Por Oskar Freiwirth-Lützow

El cuadro “Solitaria Navidad” es una obra del pintor alemán del realismo burgués Oskar Freiwirth-Lützow y realizada alrededor del año 1910. Una muestra casi fotográfica de la soledad de una persona que contempla su Navidad desde el interior de sus pensamientos, celebrando en la tristeza la que sin duda aparente ser una Navidad diferente a las que ya vivió en anteriores años. Es la soledad no buscada la que impregna toda la obra.

Navidad en papiro. Un nacimiento desde Egipto

Un pequeño Nacimiento hecho en papiro entre artistas mayores de Egipto según constaba en el certificado de autenticidad. Una mirada belenística desde las zonas cercanas a los espacios navideños auténticos, que no son precisamente Finlandia o Laponia, como nos quieren hacer creen en los últimos años.

Jean Metzinger y un cubismo de principios del siglo XX

El artista francés Jean Metzinger fue además de pintor, escritor, poeta y crítico de arte inscrito inicialmente en el puntillismo neoimpresionista, y que se relacionó también con el fauvismo y el cubismo. De este último movimiento es la obra "Naturaleza muerta con fruta y jarra" pintada en el año 1917 y que se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid. No todas sus obras son cubistas pues intercaló obras más tradicionales. La obra que vemos es de tamaño mediano, de unos 80 centímetros de altura.

San Torcuato bautiza a Santa Luparia, en Guadix

Entre Santos no hay nombres que falten, y este cuadro de Ángel Carretero pintado en el año 1945 nos lo indica. San Torcuato bautiza a Santa Luparia. La obra se encuentra en Guadix.

Arte Español de muchos siglos, en Granada

Cuando hablamos de que los árabes entraron en España en el año 711 y fueron expulsados en el año 1492, no hay duda, a los que se expulsó en el año 1492 eran españoles. Así que todas las obras que nos parecen árabes y que están en España fueron edificadas, creadas por españoles. Si se entiende con criterio lógico que los árabes son los nacidos en la península Arábiga, lo que vemos en la imagen es Arte Español que podemos disfrutar en Granada. pero es Arte español hecho por españoles.

Una Oferta en rojo, del pintor José Guerrero

Una obra del pintor y grabador andaluz José Guerrero titulada "Oferta en Rojo" del año 1988 y realizada en óleo sobre lienzo. Nacionalizado norteamericano trabajó sobre todo el expresionismo abstracto como es esta obra que vemos arriba. 

Un San Miguel guerrero de Almería, enseñando el Infierno

Del siglo XIX es este San Miguel que podemos ve en Almería, un clásico con todos los elementos para darle seguridad. La espada de fuego, los dragones y los búhos, los demonios que se caen al Infierno mientras las almas que van al Cielo se entretienen hablando entre ellas. Viendo este retablo no hay duda alguna, nadie deseará caer el infierno lleno de bichos. El mensaje es claro.: "A quien le gusta Dios" todo son ventajas, y a los que no les gusta Dios se caen en los infiernos llenos de niebla.

¿Niebla? ¿No será Zaragoza el infierno? ¿Y Lérida o Londres? Mira que si hemos encontrado el infierno y no lo sabíamos?

Norman Rockwell y The Connoisseur, ¿surrealismo ilustrado?

Dentro de ese expresionismo abstracto o de un surrealismo que puede tener tantas formas de expresión puede entrar esta obra de Norman Rockwell, un fotógrafo y pintor de New York que hizo esta obra en el año 1961 como una ilustración para la revista The Saturday Evening.  Nos plantea esa relación curiosa y extraña entre el llamado "Experto" que es así como se llama esta obra, "The Connoisseur" y la propia obra abstracta que parece complicado que sea entendida por un señor clásico en sus formas.

No sabemos aunque intuimos, si el espectador de la obra dentro de la obra comprende lo que ve, que sería lo de menos. Tampoco sabemos si le gusta o le disgusta, aunque su pose, tranquila y observando con calma nos hace pensar que sí le agrada la obra que contempla, pues parece dispuesto a estar más de un segundo.

La propio obra que observa el observador, el experto, simula una obra de Jackson Pollock al que estudio el autor Norman Rockwell, antes de realizar la invención de una obra similar a las syas. Nada se hizo en este cuadro sin antes analizar bien lo que se quería transmitir.

Norman Rockwell era también fotógrafo, y ello nos lleva a esta mirada o montaje de un espectador contemplando un cuadro, dentro de un cuadro. Surrealismo ilustrado. 

Cerámicas y baldosas en las calles de Andalucía blanca

En Andalucía sobre todo pero también en algunas ciudades repartid por toda España es posible ver los inicios del Arte Urbano no con spray y grandes murales sino con cerámicas pequeñas que se ponían y se ponen en las fachadas recordando escenas de la sociedad o religiosas, o de santos de la zona de influencia. Era utilizar la calle como escaparate con pequeñas obras de arte o de artesanía.

Ya los romanos en sus ciudades pintaban carteles o frases en las paredes y desde entonces hasta ahora siempre hemos entendido nuestras calles como un gran y fácil escaparate sobre el que poner nuestro sello o nuestras ideas. Estas baldosas o cerámicas son de un pueblo andaluz y un sencillo ejemplo.

Arte Urbano en Almería con una sirena mirando

El Arte Urbano dignifica las ciudades, a los artistas y a los ayuntamiento que consientes o incluso alientan que las calles tengan Arte en sus paseos. Esta obra es de Almeria; una sirena contempla una puesta de sol desde un rincón cualquiera de un callejón que sin esta pintura sea anodino y aburrido. 

La Multiplicación de los Panes y los Peces, de Anagramista A. W.

Una obra diferente y curiosa por su temática no muy pintada dentro de la pintura de principios del siglo XVIII. Un cuadro titulado "La Multiplicación de los Panes y los Peces" sobre el año 1720, una pintura para la Catedral de La Encarnación de Almería, en óleo sobre cobre. El autor parece ser Anagramista A. W. o Abraham Willlemsen o Willemsens, artista del siglo XVII. 

Un Pablo Picasso pintando calaveras de colores

Una "Calavera y Jarra" de Pablo Picasso del año 1945. Cubismo de su periodo surrealista. Una obra para disfrutar incuso admitiendo que su temática no es del todo agradable. 

Un viejo taller convertido en lienzo artístico

Cualquier pared es buena si lo que contiene es bueno. Es Arte Urbano no por el lienzo de la puerta de un viejo taller muerto, sino por la delicadeza del artista que ha dejado un beso urbano para tranquilizar el paseo. ¿Que hay calaveras? No las mires, mira a la chica y sus colores.

Una Cabeza Gritando del escultor Julio González

Este cuadro del escultor catalán Julio González Pellicer lo pinto entre los años de la Guerra Civil en España sin poder determinar el momento en concreto. Su título nos da pistas: "Cabeza Gritando" y es un óleo sobre lienzo. Su técnica artística más conocida por todos es la escultura, pero también hizo grabado, pintura, ilustración, dibujo e incluso diseño de joyas. 

Con la misma temática que esta obra abstracta y picassiana del que era un gran amigo, Julio González hizo varias esculturas posteriores, con mujeres gritando ante tamaña barbaridades que produjo entre los españoles la Guerra Civil.

Casa de la Cultura GES-2 en Moscú

En Moscú la antigua Central Eléctrica GES-2 se reconvierte en un espacio para promover la cultura contemporánea desde un enfoque diferente a los clásicos museos almacenes.

"Su principal objetivo es animar a las personas a participar en la cultura y hacer del arte una parte integral de su experiencia diaria"

"El objetivo es ser una casa de la cultura para todo el mundo, un lugar donde la gente quiera pasar su tiempo y quiera volver"

Su entrada es de momento gratuita pero hay que reservar hora por los problemas de la pandemia.

A Henry Moore se le quiere en España, tanto que se le dejan notas

Esta escultura de gran tamaño es de Henry Moore y se encuentra en Bilbao, titulada "Gran figura en un refugio" hecha en el año 1985. Datos básicos.

Si a unas decenas de tontos les metes en el bolsillo llaves de hierro, de las que llevan para abrir sus casas, enseguida les entra la noble y asquerosa tontuna de querer dejar grabado su nombre en una escultura importante, de dibujar mierdas de corazones lineales y fechas o frases de amor a nadie. 

Esta sección de la escultura de Henry Moore tenía decenas de esos signos de idiotas escritos sobre otros signos de tontos más viejos, que gustan de joder. 

Es curioso pues ningún tonto mide más de 1,75 y hasta esa altura pueden llegar sus "notitas" idiotas. Son tontos humanos, se nota, y en esa estamos cuando decidí retocar la imagen para que no se leyeran sus incapacidades. 

Una "Virgen de Guadalupe" de Salvador Dalí

La genialidad de Salvador Dalí le llevaba a imaginarse mundos paralelos y a convencernos de que podrían ser posibles a poco que pusiéramos de nuestra parte algo más que simplemente observarlos. Y en esas motivaciones surrealistas entraba como era lógico la religión y sus particulares maneras de verla e intentar entenderla. Esta "Virgen de Guadalupe" Patrona de México, es del año 1958.

San Jorge y el dragón pintado por Paolo Uccello

El pintor italiano Paolo Uccello o Paolo di Dono que vivió en el siglo XV nos muestra en esta obra un San Jorge matando a un dragón es una de las leyendas de santos más fantásticos de la Edad Media. Paolo Uccello ha comprimido dos partes de la historia en una imagen pequeña y extraña. San Jorge hunde su larga lanza en la cabeza del dragón, cuya extraña forma parece salir de su cueva, en donde tenía retenida a una joven princesa elegante, de aspecto aburrido y llena de miedos que ya tiene una correa que la sujeta al dragón.

No sabemos para quién fue esta pintura, pero su sensación a pequeña escala y no religiosa (se trata más de una aventura mágica que de una virtud cristiana) sugiere que fue pensada para el hogar de alguien. Fue relativamente barato de hacer: está en óleo sobre lienzo y no contiene pigmentos costosos ni dorados.

Paolo Uccello estaba fascinado con la perspectiva de un solo punto y sus obras investigaron mucho las perspectivas cuando no eran habituales, usando líneas que conducen a un punto para crear una ilusión de profundidad dentro de una pintura, aunque en esta obra no la ha dominado del todo aquí. Los parches geométricos de vegetación se alejan hacia el horizonte, pero las piedras rectangulares del suelo se inclinan hacia la derecha.

Tony Cragg y sus obras experimentales como nuevos conceptos

El Arte tiene también mucho de experimental, de exploración de nuevas formas de crear algo que antes no existía. Este ejemplo del artista de Liverpool Tony Cragg es un ejemplo claro. Todo lo que vemos no existía antes, a nadie se le había ocurrido y además muy posiblemente no sirve para nada. Excepto para sorprender. Que tampoco es poco ¿no?

Tony Cragg es grabador, profesor de Arte, escultor, artista conceptual que trabaja desde Alemania para toda Europa. Hay obra suya en las calles de Málaga y Zaragoza, aunque no se parezcan en nada a la que vemos en la imagen de una exposición que hizo en el Reina Sofía de Madrid.

Esta obra Sin Titulo la hizo en el año 1993 y es una reconsideración de materiales sencillos, comunes, que a veces en otras obras va encontrando ya sin uso y que Tony Cragg cambia de función para practicar con ellos en búsqueda de otras formas de ver lo que son elementos muy comunes, trozos de uso simple en nuestros caminares vitales, a veces incluso basuras o materiales de desecho.

Un artista que no habla inglés no es un artista: Mladen Stilinović

En el Arte hay que provocar, y si se pueden provocar sensaciones miel sobre hojuelas. Provocar sería la primera herramienta que deberíamos utilizar los que creemos ser artistas. Así que el croata Mladen Stilinović hizó bien poniendo este cartel con el aviso.: Un artista que no habla inglés no es un artista.

Es mentira, pero eso es lo de menos. ¿Qué importa la verdad cuando se trata de provocar? Los que más provocan son los auténticos artistas de la mentira. Y eso que la mentira no siempre es una provocación, la mayoría de las veces es un burdo engaño para joder.

¿Es Arte un pimiento asado pinchado de un palo? Pues eso depende del sabor

Hay Arte "sin palabras" y Arte con excesivas explicaciones. Hay palabras que son ruido y miradas que son reflejos de lo que pensamos. Hay pimientos rojos pinchados en un palo y pimientos asados y rellenos de gambas que están de rechupete. El Arte es así de complejo y de sencillo. Depende del cocinero Artista, y del espectador comilón.

Juan de Arellano y un clásico bodegón de flores

El pintor madrileño  Juan de Arellano pintó esta obra en el año 1671 en sus años más maduros, titulándola "Canastilla de flores". Fue un pintor especializado en bodegones de flores, se convirtió en aquellos años del siglo XVII es una máquina de crear en su taller muchas obras similares para decorar las grandes estancias de las gentes con posibilidades económicas de aquellos años. 

Es imposible saber con exactitud qué cuadros son realmente hechos por Juan de Arellano y cuales son obras de sus alumnos, familiares y personas del taller que casi pintaban como en una cadena, donde cada integrante realizaba la parte de las obras que mejor sabían hacer. 

Sus técnicas se basaban en la mezcla de modelos que recogía en los momentos en que los pintaba, y a los que les iba añadiendo otras flores de otras obras, en una mezcla que denota buen gusto, calidad decorativa en sus encuadres, y una gran destreza en dar vida a las flores, reproduciendo muy bien sus formas y colores.

Sus técnicas le llevaron incluso a abrir varias tiendas en aquel Madrid, para vender y recibir encargos para su taller artístico. Toda una profusión de Arte cercano a la Artesanía, pero que hoy se cotiza muy bien por su calidad.

Francisco de Goya y un retrato a Moratín

Francisco de Goya fue también un excelente retratista, un artista que sabía captar al personajes y transmitir sus miradas, sus gestos, su rostro lleno de ideas interiores. Este retrato de Goya al poeta
Leandro Fernández de Moratín es del año 1824. A ambos les quedaban cuatro años de vida y estaban en su madurez creativa.

Pequeño retablo en San Pedro el Viejo de Huesca

Este pequeño retablo bajo se encuentra en la iglesia de San Pedro el Viejo de Huesca. No todas las obras con siglos a sus espaldas son modelos o ejemplos de gran calidad, no siempre se disponía en las pequeñas iglesias de los dineros suficientes para contratar a reconocidos artistas de le época. Y a veces los detalles de las obras quedan algo difusos como en este caso. Pero lo fundamental se lograba y era explicar con imágenes a los feligreses las historias sagradas que se predicaban. El conjunto sin ser de gran calidad, configura una escena muy potente.

Forma parte del Retablo de San José obra en madera policromada de estilo renacentista en el siglo XVI. Fue un encargo de Obrero Mayor de la Catedral, Martín de Araus cuyo escudo es visible en el retablo. El dorado y policromía del retablo es de Juan de Ortiz.

¿Las figuras del Museo se hunden en su propio suelo? Juan Muñoz

Un excelente Juan Muñoz no dejó para el MACBA esta instalación que tituló "La naturaleza de la ilusión visual" realizada entre los años 1994 y 1997. ¿Es una representación del Asfalto de Chicho Ibañez Serrador? ¿Se están hundiendo en el terrazo del propio Museo, estas figuras tan representativas de Juan Muñoz? ¿Por qué están tan alegres si se están hundiendo poco a poco?

Los ganadores que metemos en el cajón de los perdedores. Máximo Huerta

Soy amigo mental de los ganadores que metemos en el cajón de los perdedores, de las personas que ganan perdiendo, de los que no llegan al cielo aunque están a las puertas de él y les dejan asomarse solo un poquito para que así puedan ver que no es para tanto, que las miserias que hay dentro son como las del infierno, pero más frías, menos calientes.

Tal vez, seguro, porque yo mismo me siento así.

Máximo Huerta (Máxim para los de antes) es un ejemplo perfecto de esa alegría que ofrecen muchos de los que consideramos perdedores, pero que en realidad son los ganadores de la vida, de la verdad, del reparto sencillo y suave de la vida. 

Me río de las críticas, pero no de los que critican, pues cuando no se sabe el fondo es imposible entender ni la superficie ni los brillos que ofrecen los colores. No conozco a Máximo Huerta, como es lógico, lo que no me impide tener una idea de sus trabajos, pues algunos de ellos los tengo en mi biblioteca. Él es escritor y periodista, y como Artista lo tengo que colocar aquí. 

En esta imagen está en la Librería Amapolas de Madrid, siempre rodeado de libros, de instantes de café, de sonrisas que nos comparte. Le doy las gracias. Le gusta su trabajo a mi esposa y eso para mí —el que logre hacerle cambiar las sonrisas— es ya un lujo para cualquiera que ama a su pareja. 

¿Se puede hacer Arte con papel cebolla?

Las técnicas para crear Arte, pequeñas o grandes obras de Arte, son numerosísimas. No le pidamos siempre al Arte técnicas costosos, complejas, que solo sean capaces de practicarlas los grandes maestros. El Arte sale desde dentro y una poesía, un dibujo, una figura modelada en barro o tallada en madera, puede ser una gran obra si se hace con buen gusto, con delicadeza, dominando el idioma de la expresión.

Lo que vemos arriba está realizado con trozos de papeles, de papel cebolla y otros, rasgados, modelados, trabajados para formar paisajes o espacios y formas. No importa el cómo, sino el qué. Y en esa distribución de acciones es donde al final, queda lo que merece la ocasión o no se merece ni una mirada. Pero cuidado, eso depende de quien mira. 

El "puntillismo" del catalán Isidro Nonell

El puntillismo en pintura tiene muchas opciones exploradas, y esta es una que sin ser muy utilizada es muy compleja para lograr buenos objetivos sin que las figuras pierdan los detalles. Este cuadro es del pintor catalán Isidro Nonell, del año 1908 y titulada Figura Tumbada, realizado al óleo sobre lienzo.

Isidro Nonell fue una pintor y dibujante del modernismo catalán que formó parte junto a Picasso o Rusiñol del Grupo Els Quatre Gats en la Barcelona de las primeras décadas del siglo XX. Falleció muy joven con 38 años y es imposible intuir hacia donde se hubiera movido su obra y sus técnicas de haber logrado vivir  más décadas y sus cambios tan importantes en los ambientes artísticos de aquella mitad del siglo XX.

Arquitecto Oriol Bohigas y escritora Almudena Grandes

En vuestro campo visual cotidiano, veréis el legado e influencia de Oriol Bohigas. En el urbanismo de proximidad, de detalle, de dignificación de los espacios careados urbanos en que seguro habréis reparado solo con ir a una feria de la Plaza San Bruno algún domingo de vuestra vida.

Los huertos urbanos y juegos que se usan en lo que no es ya un solar, las medianeras muertas repintadas al asalto, operar en pequeña escala en amenos jardines o aparcamientos urbanos que tienen un diseño cada uno diferente, están ligados a este arquitecto que se podría haber limitado a tarifar edificios importantes.

Pensador y hacedor de rincones amenos, sutiles, con incorporación de sorpresas y efectos japoneses. Llevar un poco de traviesas o acero corten y cuatro plantas a un barrio degradado, que las farolas se comporten como árboles urbanos por cuatro euros. Ese fue Bohigas al frente del equipo urbanístico de Barcelona, a los fogones de Pascual Maragall, en la Barcelona que admirábamos de la España de presidente andaluz faraón que aún esparce pero de entrada no.

Piqué echaba de menos esa Barcelona ayer en la tele, la que fue líder europea en ideas como en vida vivida.

Ibas a Prenzlauer Berg a Berlín y habían copiado la calle Aviñón y su ambiente. Te movías en la mediterránea por ambiente Copenhague o te asomabas a Atenas, y veías la influencia en positivo de Barcelona dignificando espacios de mucha concentración humana, pero ricos en historia.

Paseando por Marsella, Nápoles o incluso Londres se veían las consecuencias de no operar de cataratas a ciudades de puerto populares. Eran un quiero y no puedo, un escenario imposible para un himno de “El Último de la Fila”, se habían quedado en “Los Amaya” y los macarras de Ciutat Badía, del Vaquilla que luego fue el Yoyas.

Zaragoza, Málaga o Valencia siguieron el urbanismo de pequeños detalles de Bohigas y dieron un salto adelante en el disfrute de plazas y espacios públicos que se deben más a su influencia que al paso por la alcaldía de Belloch, que se encontró con el giro dado. Porque quien lo dio fue García Nieto, autor de urbanismo mayúsculo con Pérez Latorre pero sin desatender el minúsculo, con el que la Zaragoza ciudad de plazas todavía conmueve a los visitantes: que lo último que esperan es encontrarse a una Córdoba del norte, con patios para afuera, y un palacio de la Aljafería que rivaliza con la Mezquita en historias por decirse.

En los 90 se abandona en Aragón la reproducción de la regeneración de Bolonia, insostenible en lugares de peor arquitectura y con una ausencia de civismo reflejada en que los triunfadores abandonan los centros de sus ciudades en vez de estar orgullosos de preservar su arquitectura. En este sentido, Huesca fue pionera en volantear y el reconocimiento del mudéjar turolense como Patrimonio de la Humanidad hizo tener discurso propio, volver a la cenefa de ladrillo.

Cuando solamente una erótica y estética sana puede salvar a tantos jóvenes del deporte o la gastronomía, para los que no todo el mundo sirve.

Hoy está de moda ensalzar Madrid y su ambiente de creación, ese en que el Almudena Grandes oficiaba como ángulo de refracción, porque no todo vale. Yo la respeto y valoro como voz porque la suya tenía un punto de transmitir que las lágrimas de alegría solamente brotan del manantial de la pobreza. Y eso es inequívocamente humano por galdosiano.

El Madrid que me gusta es el obstinado y no el de emprendedores, ciudad que no es verdad que te abrace rodeándote como tú sí lo harías en mitad del Jardín Botánico o de cualquiera de sus museos especializados, de alcance universal.

Pero si es cierto que por cualquier parte del mundo eres huésped menos en casa de tu madre, también lo es que los que nos expresamos en castellano tenemos que considerar a Madrid y sus escritores como esa casa.

En los años 70 también lo era la Barcelona babélica de Bohigas pero ahora ya no le gusta que se le vea desnuda. Cuando su programa e ideología siempre fue que los pobres también debían poder vivir.

Hoy Barcelona no fortalece los eslabones de lo que representa culturalmente en España y llegó a representar en Europa, no es la ciudad madre que te señalaba tu lugar en su cadena.

Su relación con la inmigración que ha recibido tampoco es mejor que la de Madrid o Zaragoza. Va caminando como con un bastón por columna vertebral, ya no es mi ciudad de primeros amigos, poemas y rebelión.

Bohigas la cambió estéticamente y hoy tiene pendiente acoger incluso a cualquier aragonés que decida asentarse. Como sucedió con la generación oscense y turolense en los 60 que fue a vivir a Cataluña u hoy con la enorme población catalana de origen musulmán, la emigración oficialmente es un problema pero extraoficialmente la solución.

Veo disfrutar cada vez que voy a muchos nuevos niños de Barcelona en los rincones concebidos y ejecutados por Bohigas en el Raval o el Born, aprovechando ese sol y viento de gota fría del Mediterráneo, denso y salitroso. Pudiendo salir de los pisos de cama compartida para no vivir ese rato amordazados, con sus padres extrañando su juventud perdida de otras lluvias y vientos, pelada por el aire de puerto de nieve en el caso de los de origen oscense y con el gusto de la costilla a la brasa junto al río en verano.

Gracias a los dos por tanta pasión volcada en canales diferentes y que no se ha limitado a planificar, sino que se ha conseguido ejecutar. A ambos les une el antiguo concepto de buena vecindad en peligro de extinción.

01.12 Luis Iribarren

Spencer Lewis y sus provocaciones sinfónicas de pinturas esculturas

El artista norteamericano Spencer Lewis domina todos los variados temperamentos del óleo y la pintura acrílica, que manipula para producir trazos goteantes, suntuosas pilas de colores jaspeados y cortezas macabras. 

Cada obra terminada de Spencer Lewis, que considera un gesto singular, pone en primer plano el acto de pintar en sí. Sin embargo, la interpretación de Lewis es una orquestación, una oscilación constante entre la observación y la marca. Pinta o esculpe pinturas como si de un acto acumulativo se tratara. Suma gestos, y al final entrega la sinfonía terminada, se entienda o no se entienda.

Los lienzos de yute crudo de Lewis, vestidos con gruesas capas de óleo y pigmentos acrílicos, se caracterizan por sus manchas audaces y gestuales que se van mezclando por la superficie. Las líneas nuevas se acumulan sobre pinturas inferiores más suaves aplicadas con lavados, cepillados en seco y spray, que se cruzan caóticamente entre sí a medida que atraviesan el plano de la imagen. 

Exponiendo deliberadamente el color marrón del lienzo de yute para contrastar con los vibrantes pigmentos, Lewis incrusta y mezcla cada pintura literal y figurativamente con piezas de su vida: se pueden encontrar tornillos, pinceles y otros extraños detritos del estudio, salpicados en las superficies de las obras, revelando una vulnerabilidad destilada de la pérdida y el aprendizaje. 

Elevándose muy por encima de la escala humana, estas pinturas invocan una experiencia provocadora y visceral que invariablemente está vinculada a la psique del artista.

Dos mujeres subiendo, de Ella Kruglyanskaya, pintora letona

Ella Kruglyanskaya es una artista letona que vive en los EEUU desde donde nos muestra sus miradas femeninas tal vez exageradas, remarcando los aspectos psicológicos de cada persona que se mueve por sus obras. Este cuadro titulado "Moving on Up II" y realizado en el año 2021 al óleo tiene mas de dos metros de altura y nos muestra dos mujeres ¿escapando? pero sobre todo una mirada. 

Nos mira de reojo y con miedo, ella sabrá por qué. ¿Y nosotros lo intuimos? Pensemos por un momento que las mujeres están subiendo en la escalera, no están bajando.

Francesc Domingo y su obra "Els Jugadors" de 1920

Desde Barcelona dejo esta obra en óleo sobre tela pintada en el año 1920 por el artista catalán Francesc Domingo y titulada "Els Jugadors" donde vemos el interior de un local a varios jugadores de cartas. Obra realizada posiblemente en sus años de París fue uno de los fundadores de la Agrupación Courbet creada para renovar el movimiento novecentismo catalán de aquella época. Pintor y grabador, expuso en Europa y América falleciendo en Brasil donde alternaba su residencia con Barcelona. 

Ramón Acín y una obra de color y pinceladas pastosas

Este pequeño óleo de Ramón Acín pintado sobre 1909 y titulado "Calle con veladores" está pintado al óleo sobre tabla y nos muestra una sencilla escena callejera desde una perspectiva distinta a la habitual, con pinceladas que va mezclando entre las casi pequeñas para dar detalle en bruto, y las pastosas y grandes para dar color y formas. 

¿Creará la Inteligencia Artificial obras de Arte de gran valor?

Una vez que introducimos la Inteligencia Artificial en la creación de obras de arta abstracto, tras programarla con las posibilidades de que realice abstracción o retratos, paisajes o bodegones, y somos capaces de introducir en sus procesos creativos artificiales toda una enorme variedad de posibilidades, ya solo nos quedaría respetar esta forma de crear arte de forma artificial, y aplaudir sus creaciones.

Botto es un artista robot creado por el artista alemán Mario Klingemann que es capaz de crear varios cientos de obras a la semana, distintas y siguiendo los criterios que los usuarios de redes o del propio creador del proceso le va indicando. Inteligencia Artificial creada por un artista, por Mario Klingemann, capaz de crear oras que ya se están vendiendo por un millón de dólares.

Y nos dice en El País para remachar más todavía sus opciones.: “Botto es un niño al que todavía hay que llevar de la mano, a pesar de que sabe más de arte que, probablemente, lo que cualquier ser humano podría aprender a lo largo de toda su vida: su cerebro se alimenta de la información disponible en casi toda internet, alrededor de un 80% de los contenidos accesibles. Pero seguirá creciendo, evolucionando. Está por ver qué caminos toma".

A partir de palabras aleatorias, mágicas —como las define no sin cierta reticencia Klingemann para explicar la cración de su obra titulada Assymetrical Liberation y que vemos arriba— el modelo genera imágenes, así como los textos que las acompañan. Nos muestra el planeta del sistema Synedrion. […] Está lleno de gente atrapada en las cárceles que ellos mismos han creado: sus miedos, sus dudas, su incapacidad para ver el mundo tal como es".

¿Esto es Arte? De momento no, aunque lo parezca, y de momento tampoco Botto es un artista aunque parezca que hace obras de Arte. Pero la gran duda es otra. ¿Y dentro de una década? ¿Podrá una máquina programada para ello, continuar creando obras similares a Miró, a Picasso, a Basquiat o a Goya? 

¿Qué reconocimiento tendrán esas nuevas obras hechas como churros pero con la forma y la calidad de las grandes obras de los grandes artistas? Pasar de obras digitales a obras pintadas al óleo, al temple o a realizar grabados digitales, es simplemente un proceso mecánico.

El Greco y una 'Crucifixión' diferente

Doménikos Theotokópoulos 'El Greco' tiene varias obras con referencias a la 'Crucifixión' con distintas formas de presentar la escena. Este cuadro, recientemente adquirido por el Ministerio de Cultura para el Museo de El Greco en Toledo es posiblemente uno de los más diferentes, sobre todo por el detalle de la cartela encima de la cruz en hebreo en la línea superior que solo mantiene mínimos trazos, mientras que la segunda y la tercera repiten en griego y latín el nombre Nazarenus”.  

Pintada la obra sobre el año 1575 representa a un Cristo sobre un paisaje tremendo, una nubes impactantes y al fondo con leves trazos una ciudad que bien podría ser Toledo. 

No es una obra grande, tiene unos 62 centímetros de altura, pero es una gran obra por su forma de transmitir la soledad y el dolor dentro de un paisaje que envuelve perfectamente el momento.

La silla sobre la que se sentaba Vincent Van Gogh

 

Durante los dos meses que Vincent Van Gogh y Paul Gauguin estuvieron viviendo juntos como colaboradores artísticos, el pintor holandés hizo dos retratos simbólicos de ambos, utilizando únicamente unas sillas como referencia. Esta que vemos arriba es la silla que representaría al propio Van Gogh, sencilla y austera, como era él, y pintada con su color favorito, el amarillo, que simbolizaba el sol y la vida. Es exactamente igual que la silla que podemos ver en su dormitorio, en el famoso cuadro “La habitación de Van Gogh en Arlés”.

En la Silla de Vincent Van Gogh aparece sobre ella una pipa y un atado abierto de tabaco, de la que dejo un detalle abajo, sobre la Silla de Paul Gauguin pero pintada por Van Gogh aparece una vela encendida y unos libros, y es casi un sillón de apariencia más elegante y cómoda. Sin duda existe una explicación para todos estos elementos.

La noche del 23 de diciembre de 1888 Paul Gauguin y Vincent Van Gogh tuvieron una fuerte discusión tras dos meses de haber estado viviendo juntos. Aquella discusión termina cuando Vincent amenazó a Paul con un cuchillo. Gauguin decidió abandonar la la vivienda y alojarse en un hotel para regresar después a París. 

Vincent Van Gogh convencido de su culpabilidad y para intentar resolver el problema decidió arrancarse el lóbulo de una oreja y enviárselo a su amigo en señal de arrepentimiento. Gauguin abandonó definitivamente Arles y Vincent fue internado en un hospital local. Esta obra debió realizarse al poco tiempo de marcharse Gauguin.

Arte prohibido, para demostrar que tiene razón

Cuando sabemos que el Arte estorba, molesta, hasta límites de quedar prohibido, censurado, es que ese Arte tiene valor, sentido, mensaje, grito. Esta imagen está tomada en San Petersburgo en Rusia y unos funcionarios del Ayuntamiento proceden a borrar un mural en el que vemos al político opositor Alexéi Novalni. Está haciendo en peligrosísimo signo del corazón, del amor, con sus manos. 

El texto en ruso es todavía más peligroso pues dice.: "NUEVO HÉROE DE ESTE TIEMPO".

El Arte cuando es censurado es puesto en valor, efímero es cierto, pero demuestra que tiene razón y si no se hubiera borrado, posiblemente no hubiera tenido tanta publicidad. 

Edward Ruscha y una obra hecha con pólvora

El artista norteamericano Edward Ruscha uno de los pioneros del Pop Arte americano, ha trabajado el grabado, la fotografía y es considera un pionero del uso de la pólvora en sus obras pues obtenía unos tonos grises aleatorios aplicándolos sobre distintas capas de papel, un artista que posteriormente se mueve hacia el diseño gráfico, en este caso de murales. 

En esta imagen de una de sus obras hecha con pólvora en el año 1972 y titulada "Whiskers" o "Pelos de bigote" nos muestra un ejemplo de la suma de dibujos y plantillas sobre un papel al que añade pólvora. Abajo una respuesta suya en una entrevista, sobre su forma de entender su Arte.

Se ha definido como un fabricante de imágenes, ¿podría hablar de ello?

Ed Ruscha: Me encanta el expresionismo abstracto. Pero a diferencia de los artistas que lo cultivan, prefiero imaginarme las cosas con antelación y luego planificar cómo voy a pintarlas. Tengo una idea preconcebida de lo que quiero hacer. Esa es mi manera de proceder, y en muchos sentidos no pienso como un expresionista abstracto. Pienso como alguien que planifica el resultado. Soy más conceptual que emocional, aunque también puede intervenir la emoción. Me di cuenta de que pintar era como ponerle al lienzo algo así como una piel que lo recubría, y empecé a sentirme a disgusto con ello. Pensé que quizá la idea debería ser teñir algo penetrando bajo la superficie. Podía ver esas materias orgánicas y los materiales no convencionales –como la grasa Axle o cosas así, o como si coges flores y las frotas contra el lienzo– penetrar en el lienzo, no quedarse únicamente en la superficie. Crear imágenes a partir de algo que no era pintura se convirtió en algo muy sugerente e interesante para mí. Creo que me ofrecía otra oportunidad. Estaba cansado de pintar sobre una superficie. Ahora he vuelto a pintar superficies, como sabe. Pero en mi trabajo hay muchas cosas que no puedo explicar. Nunca me ha gustado el arte con aerógrafo, y, sin embargo, luego resultó que yo mismo lo practiqué. Y nunca me gustaron los lienzos con formas, pero ahora me encuentro a mí mismo haciéndolo.