Esoterismo en la obra surrealista del artista argentino Xul Solar


El artista argentino Óscar Agustín Alejandro Schulz Solari más conocido por su seudónimo Xul Solar nos dejó esta obra que se conserva en el Museo Reina Sofía de Madrid, titulada "Contrapunto de montes y Yara", una acuarela del año 1948 de 48 centímetros de ancho en donde se mezcla el surrealismo, el dadaísmo o incluso el expresionismo junto a su propio interés por la religión o las ciencias astrológicas. 

Un paisaje lleno de objetos con el que Xul Solar intenta expresar un esoterismo común, básico, simbólico y silencioso para intentar explicar que todo el universo es común a todos nosotros. Que podemos subir y bajar sin dejar el camino, que las puertas de entrada y salida muchas veces no están a la vista lejana y que solo las podemos contemplar cuando ya estamos encima de ellas, cerca y camino de tomar decisiones.


¿Juega el Arte Contemporáneo con nuestro propio tamaño?


En el Arte actual una de las constantes que más se utiliza sobre todo en instalaciones y escultura es el TAMAÑO como elemento visual diferenciador, como el motivo con el que llamar la atención del espectador. Todos tenemos constancia del tamaño de los objetos cotidianos, pero si vemos una cuerda de dos metros de grosos, o cientos de hilos finos revueltos o un montaje con una piedra de río de seis metros de altura, solo por eso, ya nos llama la atención y la mirada. No se necesita más, que mostrar algo que es inusual, simplemente por el tamaño, por la posición, por la repetición hasta formar un núcleo de muchas cosas comunes.

Comparamos visualmente el tamaño de lo que vemos con el tamaño de lo que realmente creemos que debería tener el objeto, y sin querer nuestro cerebro se admira. Algo se sale de lo habitual y lo valoramos de otra manera. Sería algo similar si para entrar a una exposición tuviéramos que agacharnos para atravesar una puerta de 1 metro de altura o si al penetrar en su interior viéramos una muñeca de 5 metros de altura. Todos estos pequeños trucos visuales intervienen en la mirada del Arte Contemporáneo mucho más que hace unas décadas.

La pintura plana no ha muerto, pero han ido surgiendo nuevas opciones de instalaciones que logran convertirnos en espectadores diferentes. No somos ya la poderosa persona que entra a admirar algo desde la prepotencia de que somos los dueños de la situación y de nuestro tiempo. Ahora podemos vernos apabullados por lo que vemos pues nos sentimos mucho más pequeños o como poco dentro de un espacio extraño donde nada es lo que parece, no es lo que creíamos.

Las cerillas de Claes Oldenburg es un ejemplo, pero también las cabezas femeninas de Jaume Plensa o la silla rota de Daniel Berset de Ginebra, o las otras cabezas en el suelo de Samuel Salcedo. En todos estos casos y ante elementos habituales, somos simplemente unos personajes de la instalación artística que resultamos diminutos y lo notamos. La obra nos apabulla y eso es lo que se busca, hacernos sentir más pequeños para que repensemos qué somos en realidad.



¿Qué es el Hilo de Plata para los artistas?


El arte es inagotable. Pero hay que tener concentración y muchas ganas de trabajar para no perder el hilo de plata, del que hablaba la artista americana Agnes Martin, y seguir buscando a través de esa idea que consideras "buena" para crear alrededor de ella tu propia serie de trabajos. No hay que rendirse si se tarda en encontrar es Línea Personal de trabajo original, no es sencillo, y no sirve de nada si aparece la idea y no nos pilla trabajando. 

Hay que estar con todos los ojos interiores del cerebro atentos, para saber cazar al vuelo cualquier idea que nos parezca interesante. Y con ella analizar, explorar, bocetar, ser críticos con sus posibilidades y darle un margen de actuación en positivo.

El "Hilo de Plata" es el camino leve que se abre en un momento dado, y que nos enseña un camino que hay que seguir hasta convertirse en un cordón, en una soga de la que disfrutar y crear a nuestro gusto. Incluso dicen, que algunos llegan a poder vivir de ese hilo de plata que algún día encontraron y decidieron seguir.

La imagen que vemos es una obra de la artista Agnes Martin titulada: "My Back to the World" y creada en el año 1997.


Las Formas en el Arte ayudan a crear emoción


En Plástica y por ello en el Arte, las Formas son imprescindibles. Nuestra vista se tiene que centrar en objetos y la forma de esos objetos —o la forma de esos NO objetos— son fundamentales para que algo nos guste o nos disguste visualmente. Para que prestemos atención al conjunto, para que algo nos atrape y nos lleve a dedicarle unos segundos.

Tendríamos que romper con el mantra de los segundos de atención, pero desgraciadamente no podemos aspirar a mucho más. Nos tenemos que conformar con atrapar al espectador esos segundos, aunque ya sabemos que si se quiere contemplar una imagen, una obra, se necesitan más de unos pocos segundos. Pero vivimos en un tiempo de desecho. 

Así que hay que jugar con las formas, con el color, con los contrastes, con las diferencias, con incluso el engaño para atrapar la atención. 

Pero por otra parte, nos debería dar igual cuantos segundos le dedican a una obra, pues quien le dedique menos de los necesarios, es él quien se lo pierde, y además no aportaría mucho a todo este conglomerado que forma el Arte. 

Ojo, no como negocio, sino como placer. El Arte —y por eso las formas— tiene que ser atrevido, es simplemente placer, gusto, hermosura, tranquilidad, emoción.

Un túnel de New York escapando al galope


Los túneles de las grandes ciudades son muchas veces pequeños museos al aire libre, elegidos por los artistas urbanos para que sus obras permanezcan más tiempo alejados de las inclemencias del tiempo, sobre todo de las lluvias. Que sea el Street Art un Arte Efímero no quiere decir que no se cuide la duración en el tiempo de su trabajo. Este túnel estaba en New York. el túnel seguirá, la obra ya no está tan claro pues han pasado tres años. pero la pregunta es sencilla: ¿Cuántos desearíamos tener esta obra colocada en nuestros salones?

Goya, el Museo del Prado y su "Aníbal vencedor en Italia"


La obra final de Francisco de Goya titulada: "Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes" ha sido adquirida por el Museo del Prado, una obra de 1770 y muy reconocida de Goya. De este mismo cuadro que ahora y desde el año 2011 se puede contemplar en el propio Museo del Prado se conservan dos bocetos, uno de ellos en el Museo de Zaragoza y otro que se subastó en Nueva York en enero de 2020. 

Goya presentó esta obra para un concurso en la Academia de Parma pero no ganó el concurso pues le achacaron una falta de realismo en el colorido y el detalle, aunque sí obtuvo una mención especial del jurado. 

La obra final tiene un tamaño tres veces mayor que el boceto que se guarda en el Museo de Zaragoza, y de cara a este aniversario de Goya en el 275 aniversario de su nacimiento, sería un honor para Zaragoza poder disponer de esta obra cedida por el Museo del Prado y que se podría disponer junto al boceto que ya se conserva en Zaragoza en su Museo de Bellas Artes. 

Arquitectura al servicio de una marca. BMW y Munich


No hablamos muchas veces de un Arte enorme que vemos sin casi fijarnos. La Arquitectura, el Arte de llena espacios vacíos con ideas y diseños que trascienden, que pueden impresionar sin dejar nunca de ser útiles. La Arquitectura bella, también tiene que ser utilizable pues si no se convierte en Escultura. Un edificio aunque nos parezca muy extraño por fuera, debe tener unos espacios muy útiles en su interior, ser funcional aunque sea disfuncional desde la mirada exterior.

Este edificio forma parte del Museo BMW en Munich (Alemania) y además de impresionar desde fuera, impresiona al entrar por su espacios, su sentido práctico para ofrecer al visitante la sensación enorme de calidad, de lujo, de diferencia. Que al final es lo que se busca con la marca, demostrar todo eso y por ello el edificio debía contener esas mismas sensaciones.

¿Cuánta distancia hay entre Goya y Picasso? Fueron 125 años de diferencia en estas obras


Este grabado es el número 30 de Los Desastres de la Guerra de Francisco de Goya. Una obra donde se observa los estragos de un bombardeo de la artillería a un edificio particular, a la población civil. Personas muertas en el suelo, tumbadas, destrozadas junto a sus ambientes de hogar en un blando y negro de líneas, de trazos duros, en donde se percibe el horror en toda su crudeza.

Y abajo vemos el Guernica de Pablo Picasso, con la misma temática, muy similares formas y trazados. Incluso algunos rostros se parece y mucho y forma de tratar el horroroso tema.

El Guernica se hizo en la primavera del año 1937. Los Desastres de la Guerra se hicieron entre 1810 y 1815. Más de 120 años de distancia entre la obra de Goya y la de Picasso. Nadie copió a nadie, pero resulta curioso esta similitud.



Un beso de Bridget Riley, para demostrar lo sencillo (o no) que es crear


Esta obra titulada "Beso" o "Kiss" en su idioma de creación es de la artista británica Bridget Riley, un guache en blanco y negro hecho en el año 1961 y que provocó el lanzamiento de su carrera como artista con una obra realmente muy sencilla pero a su vez efectiva. 

Es la clásica lucha entre la mancha y la luz, entre el blanco y el negro, entre la forma y el vacío. Esta obra "Kiss"  fue la primera de sus principales pinturas abstractas y puso a la artista en el camino artístico que le ha valido el reconocimiento internacional.

En su obra Bridget Riley continúa utilizando la geometría y en gran medida el blanco y negro o los colores primarios o secundarios, en un arte cinético, Op Art, que juega con los ojos y la mirada del espectador al que se lleva hacia sus terrenos interiores.



El Arte unifica la manera interna y ancestral de reflexionar


Si antes de la llegada de los europeos a Iberoamérica ya existían pinturas rupestres o petroglifos como el que vemos en la imagen hecho por los Chorotegas y Nicaraos, podemos asegurar sobre todo viendo sus pinturas y comparando figuras y movimientos, que lo que entendían hace miles de años los artistas que pintaban en paredes o rocas era muy similar aunque estuvieran a miles de kilómetros de distancia y no supieran de la existencia mutua en el planeta, con lo que se hacía en Francia, España o Alemania. La representación de la realidad pero también de sus Dioses es bastante similar.

El Arte en aquellos tiempos siendo simple, unificaba ideas que nunca se había puesto de acuerdo. O eso creemos hasta ahora. No se trataba —por imposibilidad de copiarse— de seguir escuelas primitivas, sino de pensar y representar esos pensamientos simples, y en eso coincidían bastante.

El uso de la Geometría, de la repetición, de la distribución de espacios y figuras, es algo que lleva entre nosotros miles de años.

¿Cuándo una obra de Arte está mal o está bien construida?

Esta viñeta refleja mucho más que un punto de vista humorístico de una realidad, es gran parte de la sustancia del Arte en general, de la creación de todo tipo de nuevos caminos. Se crea desde el sentimiento, la necesidad, las ganas, la formación. Por eso es muy complicado lograr criticar en positivo lo que se crea por otros, criticar para para que logren construir algo mejor, opinar para enseñar y formar en el mundo del Arte. La viñeta simplifica la realidad pues lo que vemos es un profesor y un alumno, y en esa relación sí cabe la rectificación, la opinión. Pero no de forma total, sino matizada.

NUNCA ESTÁ MAL una obra de Arte. Puede no ser comprendida, puede que no nos guste o no se logre representar lo que en apariencia se pretende. Es posible que no se dominen las técnicas básicas para lograr un objetivo suficiente. Pero no falla la idea, el proceso creativo en sí, sino las técnicas y habilidades para lograr unos objetivos válidos. 

Algo está bien o mal… no por lo que nos parezca, sino por creer que no se han alcanzado los procesos mínimos que pretendía el artista. 

Nunca estará bien o mal simplemente porque el espectador de la obra de Arte, de la empresa, de la relación o de cualquier tipo de creación humana, logre entenderla con facilidad o no sea entendida bajo ningún concepto

Que no seamos capaces de entender una obra no quiere decir que está mal, sino si acaso, que los que estamos mal somos nosotros como espectadores pues no sabemos descifran lo que nos dice. Siempre que las técnicas utilizadas lo han sido con una formación y cuidado el manos mínimo.

¿Quieres aprender a mirar? En el Arte es básico


La educación artística se basa sobre todo en aprender a mirar.
Que parece algo obvio a la vez que tonto, pero si no somos capaces de educar la mirada, ni sabremos observar, comprender, entender, crear o disfrutar de lo mirado. Nuestra mirada capta TODO pero solo vemos una parte, aquella para la que estamos educados en la forma de ver. Todo lo que nos rodea los miramos, pero solo una parte seleccionada de antemano la vemos. 

MIRAR es al final lo que nos conduce a VER.

Mirar algo es intentar dialogar con lo que vemos. Es prestar atención, adivinar qué hay detrás, dentro, debajo. Mirar no es prestar la vista unas décimas de segundo, es pararnos a contemplar y estar unos segundos queriendo VER lo que miramos. Hay que prestar atención si queremos ver, o no prestar atención si simplemente queremos mirar.

Lo que en décimas de segundo no vemos, lo descubrimos si estamos unos segundos delante de ello. No hablamos de minutos, hablamos de segundos y de saber mirar. Tenemos que VER el color, las formas, el espacio, la sensaciones, la apariencia que vemos que puede ser diferente a la que nos quieren mostrar, y debemos entender qué significa todo aquello en relación a su entorno, a su tiempo, al conjunto.

Y a partir de ese momento, desde el instante en que ya hemos VISTO tras MIRAR, todo nos puede influir o no, todo completa un nuevo mensaje que nos puede interesar o no, para bien o para mal. Pero al menos habremos logrado VER. No es sencillo aprender a mirar para lograr ver, pero es un reto muy interesante, para no perdernos detalle de la vida.

¿Quieres aprender a mirar? En el Arte es básico para seleccionar, para crearte tu propia obra en tu cabeza, para ser crítico con lo que ves. Ni todo le gusta a todos, ni todo es malo por no saber interpretarlo. Pero todo depende de la forma de mirar y de saber ver.

Nota.: La fachada de la imagen es del centro de Munich en Alemania

Fresco religioso alemán, solo para contemplar


Los frescos en las iglesias cristianas, sobre todo católicas, han sido durante siglos el ejemplo más claro de la utilización de la pintura y el Arte como herramienta de formación al pueblo, de lo que la religión cuenta y explica. Nada más sencillo para los sacerdotes que explicar a sus feligreses que alzaran su vista y miraran al Cielo para observar y aprender historias sagradas con multitud de interpretaciones, de iconos, de posibilidades. Allí se podían encontrar todas las Historias de los Testamentos, y además y sobre todo las que deseara explicar el predicador de cada momento.

Si observamos este fresco que se encuentra en Munich podemos ver además de su calidad artística y su belleza y muy buena conservación, que la obra contiene muchos elementos que se pueden utilizar para numerosas explicaciones. 

Seis mujeres, la paloma del Espíritu Santo, un corazón que ilumina, unos ángeles que contemplan, una lira, un casco guerrero con armas, hay frutas, una rama de laurel, un yunque, una palmera, una cruz, un pergamino que tendrá algunos textos, unas manos que señalan, etc.

Ninguno de los 8 personajes nos miran. Todo observan la escena y se miran entre ellos. Es como si nosotros no les importáramos, o como si ya supieran de antemano que nosotros no estamos aquí para intervenir sino para ser espectadores de lo que todos ellos hagan y digan. Somos "contempladores" de lo que se nos cuente.

Mark Tobey y sus caligrafías orientales en el expresionismo abstracto norteamericano


La práctica pictórica llevada a cabo por el norteamericano Mark Tobey (1890 - 1976) lo diferencia del expresionismo abstracto norteamericano al optar por los pequeños formatos y por unas pinceladas que no traducen el movimiento agitado y convulso del cuerpo, sino el de la mente. Esta obra Sin Titulo del año 1969 es una acuarela de 53 centímetros de ancha realizada en papel. 

Su propia filosofía oriental le llevó a trabajar obras íntimas sobre la meditación casi con caligrafías orientales superpuestas, con líneas y trazos que reflejaban idas y venidas, señales que ayudaban a meditar.

Es una mezcla de caligrafía, anotaciones incluso casi musicales (llegó a componer música), caminos e ideas que ayudan a concentrarse, trazos y formas débiles y pequeñas que evolucionan hacia el ensimismamiento del espectador. Mark Tobey fue uno de los fundadores de la «Free and Creative Art School» de Seattle y tuvo su obra mucha importancia en la construcción y formas artísticas de otros artistas como Jackson Pollock.




La naturaleza según Mi-Kyoung Lee, como recurso de creación


Esta obra de la artista Mi-Kyoung Lee "Sin título" es una muestra de su tipo de trabajo creativo, dentro de un proceso repetitivo de hacer grandes obras con pequeños elementos repetidos, con marcas que según la propia autora: "…han sido una gran fortaleza en mi trabajo. Permito que mi intelecto y mi cuerpo sigan los procesos rítmicos de repetición, comprendiendo las relaciones entre herramienta y material, material y proceso, imagen y contenido. El proceso constante de creación de arte es una ceremonia ritual. Todo mi cuerpo y mi alma puramente unidos. La inspiración detrás de mis imágenes se despliega con la misteriosa vida humana. La naturaleza se convierte en el motivo fundamental para construir las esculturas y la instalación"

Para Mi-Kyoung Lee y para muchos otros artistas, la naturaleza es un recurso importante para curar la obsesión humana por el materialismo. Es un elemento imprescindible y un recordatorio constante de estas obsesiones.

¿De quién deberían ser los restos arqueológicos o artísticos encontrados a lo largo de la historia?


Nos lo preguntamos muchas veces y nos respondemos de distinta manera según tiempos históricos. ¿De quién es, quién debe ser el propietario de los vestigios históricos que aparecen en un territorio determinado? La respuesta casi siempre es la misma: Del país en donde se encuentran estos hallazgos

Y alegamos siempre que el espolio de los países ricos en la historia, han esquilmado robando literalmente las bellezas de países pobres que en siglos pasados no pudieron dedicarse a poner en valor su historia escondida en las arenas o en las iglesias románicas o en castillos de la Edad Media.

No parece haber mucha duda. Pero la hay. 

En realidad estos vestigios, hallazgos, parte de nuestra historia antigua NO NOS PERTENECEN a los actuales habitantes de nuestros espacios geográficos. Somos los que tenemos la obligación de conservarlos, pero no deberíamos ser los propietarios. Así que los restos históricos de Egipto por poner un ejemplo deberían ser de Egipto. Pero sobre todo debería ser de la Humanidad en su conjunto histórico y futuro.

La duda surge cuando hacemos prevalecer este principio de que en realidad no son de Egipto sino de toda la civilización actual y futura. Que por volver al mismo ejemplo, Egipto hoy es Egipto, pero en el futuro no sabemos qué será, de qué manera se puede trocear o engrandecer, y sobre todo qué futuro le depararán a su historia, los que vayan viniendo detrás. 

¿Siempre se conservarán los vestigios históricos y arqueológicos y artísticos con los mismos criterios, si entran en juego otros criterios diferentes?

Ejemplos tenemos en algunos países francamente muy importantes en la historia de la humanidad con sus vestigios arqueológicos. Pero también los podemos tener con algunos usos y abusos de algunos dirigentes belicistas de la Europa del siglo XX con el Arte en general. Incluso sabemos que algunos de estos elementos muy importantes en la Historia Universal se han vendido a particulares para obtener dinero con el que comprar armas.

De entrada creo que los Museos no deberían ser de nadie, sino de la Humanidad. Que a partir de un nivel de calidad estos espacios museísticos y de recuperación deberían ser Patrimonio de la Humanidad, de todos, y aplicarles una protección extraordinaria, incluida la de no poderse mover o cambiar de lugar de forma permanente lo que en ellos contienen. Y sin duda ser de acceso gratuito para todos los habitantes del Planeta. Y tener procesos muy seguros de conservación pero a la vez de préstamos y de formación pedagógica. 


¿Quieres empezar una colección de Arte Contemporáneo? ¿Por dónde empiezo?


Cedido por la Galería Kafell presentamos una obra de MIPE que titula Flores y que se ha donado para Aspanoa. Una obra en apariencia sencilla pero que contiene todos los elementos para destacar sobre otras. Juega con las formas, con el objeto principal, con el color, con su distribución con el grafismo. Es una obra pequeña, no llega a un A3, pero suficiente para tener obra en tu casa de artistas diferentes que te vayan entrando por los ojos. Muchas veces el coleccionismo empieza por pequeñas obras que van abriendo los deseos de tener acompañantes. Y unas van trayendo a las otras.

Mi consejo sería que si se desea comenzar una colección de obras de Arte nos especialicemos o por temática o por Escuela o por autores. Incluso simplemente por que nos entren por los ojos. En principio no se trata de acertar con obra que vaya a subir de precio, sino de tener una base y que el gusanillo empiece. Luego ya iremos aprendiendo y seleccionando obra de forma mucho mejor. Si empiezas con obra de precio asumible y que te guste, nunca te equivocarás.

La literatura es meterte dentro y soñar con TUS personajes


Leía esta tarde unos párrafos del libro de Antonio Muñoz Molina "Ventanas de Manhattan" y era como verme paseando por las calles de New York, otra vez, con los mismos problemas, las mismas maravillosas vistas y la mismas sensaciones  que en mis viajes. Era verme retratado, andando, como el personaje del libro. Eso es literatura básica, lograr que al protagonista de lo que leemos seamos capaces de entenderlo, tocarlo, imaginarlo, crearlo en nuestra imaginación, sea otro personaje de ficción más, o seamos incluso nosotros mismos. La acción nos la pone el autor, pero nosotros como lectores podemos poner al protagonista.

Los libros no son un montón de hojas cerradas como sucede (casi) como en una película, pues en el libro debemos crear nosotros los personajes con los datos que el autor nos proporciona. O incluso con los que NO nos proporciona. Y eso nos lleva a un espacio maravilloso. Un mismo libro puede ser uno o varios. Podemos leer un libro de ficción con 25 años de edad, volverlo a leer con 45 años, y los personajes ser distintos, decirnos otras cosas, crearnos nosotros mismos con las mismas líneas de textos, paisajes diferentes, protagonistas distintos.

Es el milagro (proceso) de la literatura que los lectores que usan los libros no necesitan recordar pues lo conocen muy bien. En la lectura inventamos junto al autor toda la obra. En una película de libro ha sido el Director junto al Fotógrafo de producción y al Montador los que nos han creado todo el armatoste, el escenario, la trama de la historia. Como espectadores lo vemos, lo consumimos pero no participamos en la creación.

¿Cuántos Don Quijote hay en nuestras mentas que difieran de los que ya hemos visto en películas o en series y dibujos? Pocos, pues ya nos los han dado mascados. Pero hay miles de libros esperando que seamos nosotros los que creemos los personajes que nos entrega el autor.

Jardín de Primavera, el jardín pastoral en Nuenen, de Vicent Van Gogh


Hay obras muy importantes en la Historia del Arte que permaneces desaparecidas por diversos motivos. No ya solo a la vista de los espectadores comunes de Museos, sino que permaneces en paradero desconocido por robos, deslocalizaciones y pérdidas. Este cuadro de Vicent Van Gogh es uno de ellos, titulado "Jardín de Primavera, el jardín pastoral en Nuenen" pintado en el año 1884. Muestra la iglesia de la ciudad de Nuenen en donde el padre de Van Gogh era pastor protestante.

Esta obra fue robada en marzo del año 2020 del Museo Singer de la ciudad de Laren (Países Bajos) en donde estaba en préstamos del Museo Groninger en Alemania. El ladrón ha sido detenido en este abril 2021 pero de momento la obra no se ha recuperado. Suelen ser robos de profesionales que en muchos casos los revenden a grupos de mafias que los tienen guardados por si son detenidos y poder negociar con sus gobiernos rebajas de condenas a costa de la devolución de las obras de Arte robadas.

Cristo crucificado de Francisco de Goya. Una obra a tamaño natural




Esta gran obra de Francisco de Goya, el “Cristo crucificado” fue pintado en los primeros meses del año 1780 como ejercicio práctico para ser admitido como académico de mérito en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en el año 1785 ya consta que estuvo primero en la basílica de San Francisco el Grande de Madrid, luego y tras la desamortización en el Museo de la Trinidad y desde el año 1872 en el Museo del Prado.

Es un Cristo de tamaño natural y con una depurada técnica dando ejemplo de su dominio de la anatomía humana, del sentimiento del dolor, con una boca entreabierta que además de intentar respirar intenta comunicarse ayudado con la mirada, hacia un cielo que parece esperar su llegada. 

Cristo se empequeñece y casi se debilita ante una cruz inmensa, es un gesto muy humano, mostrando Goya a un Cristo con poca sangre, y cuyo dolor sale desde dentro, no a través de sus heridas.

Los invidentes participar en una visita al Museo del Prado


¿Pueden los invidentes participar en una visita a un museo de Arte? Pues el Museo del Prado las organiza y trabaja las emociones de las obras de Arte a través de una persona del Museo del Prado que hace de guía y va explicando con su voz lo minucioso que es un cuadro, sus pinceladas, sus emociones escondidas entre sus formas o entre sus personajes. Dolores Riveira del Museo del Prado con su capacidad educativa va descubriendo las obras y poniéndolas luz para que las interioricen los invidentes, se las imaginan como cualquier espectador vidente. Cada obra la vemos de diferente manera unos que otros, tú y yo.

Frío, dolor, humedad, sangre, desnudos, luces de madrugada, sonidos débiles, sedas de colores o ropas negras, seriedad, elegancia, penumbras, silencios, caballos rechinando, niños observando. 

La guía explica el contenido de la obra, su tamaño, su autor y la historia de este con arreglo a la obra algunos aspectos técnicos y la colocación de los personajes sobre el conjunto y algunas anécdotas para que los espectadores, sobre las obras muy conocidas y elegidas se sientan cómodos y sea fácil comprender lo que cada una de ellas quiere transmitir.

No se trata de que se imaginen algo material, un lienzo pintado y lleno de color. Se trata de que se emocionen con lo que cuenta —dice la guía—que piensen y se imaginen la obra desde sus propias perspectivas, explicando detalles curiosos pero concretos y concisos. 

Los visitantes invidentes tienen que imaginarse que están dentro de una novela, y que lo que se les relata es para provocar en ellas la imaginación que crea emociones. Si somos capaces de imaginarnos un poco más lejos estas iniciativas, sin duda es una ocasión perfecta para intentar trasladarlas al mundo online, y dejar recorridos grabados para que los puedan contemplar cualquier visitante desde cualquier lugar del mundo.

Nota.: La imagen y parte de la información es del diario El Mundo.

Sale a subasta una obra de Dalí. Madonna Cósmica


Sale a subasta una obra muy poco conocida de Salvador Dalí realizada en el año 1958 y que desde el año 1965 había permanecido en un domicilio particular sin ser expuesta. Se trata de la obra titulada "Madonna Cósmica" una pintura de su periodo místico nuclear y que se expuso en New York en el año 1965.

Un cuadro de metro y medio de altura que el propio Dalí cambió nu título por el de: "El corte de la oreja de Van Gogh desmaterializándose desde su espantoso existencialismo y explotando al modo de un pión durante el deslumbramiento de la Madona Sixtina de Rafael". Con este título Dalí quería recordarnos según su opinión que la Virgen maría fue concebida a través de su oído.

Nadie es capaz de aventurar a qué precio puede terminar cambiando de dueño esta obra, una de las últimas de Salvador Dalí que pueden salir al mercado al estar todo el resto de su obra pictórica en manos de museos.

Napoleón demostrando poder en una obra de Pierre Paul Prud'hon


Esta obra de la Escuela Francesa de pintura y titulada: Entrevista entre Napoleón I y el Emperador Francisco II en Sarutschitz en Moravia después de la Batalla de Austerlitz o de Los Tres Emperadores el 4 de diciembre de 1805, fue pintado por Pierre Paul Prud'hon en el año 1809. Un gran cuadro que se conserva en el Museo Louvre como los de la época de casi cuatro metros de altura que refleja un momento histórico de Francia. Napoleón había vencido a los rusos y austríacos causándoles más de 15.000 muertos en ocho horas de combate.

La imagen altiva de un Napoleón que con las manos abiertas parece decirle "esto es lo que hay, entrégame las armas"mientras mira a los ojos del contrincante, contrasta con la mirada perdida y derrotada de quien se sabe ha perdido la batalla. Una simple miraba bien reflejada en una obra nos lleva a comprender la escena. Incluso desde la diferencia de altura de los protagonistas, más baja en el caso de Napoleón.

Cristo Coronado de Espinas de la Semana Santa de Zaragoza


Este busto del Cristo Coronado de Espinas del año 1782 realizado por el escultor platero Pedro Fuertes fue mandado realizar el 9 de julio de 1780 por la Junta del Capítulo Eclesiástico de la Parroquia de San Felipe y Santiago de Zaragoza a propuesta del mecenas Baltasar de Garro para servir como estatua del Ecce Homo en la iglesia y que se pudiera montar en una peana para sacarlo en procesiones. 

El maestro platero Pedro Fuertes lo hizo sobre un modelo de Manuel Guiral y aprovechando un medio cuerpo de plata de Santa Indulta del siglo XVI. Este busto procesiona en la Semana Santa Zaragozana montado en una peana y portado por ocho personas de la Cofradía de la Coronación de Espinas. 

Representa a Cristo que, tras la coronación, acepta con serenidad el suplicio inclinando su cabeza. Entre las manos lleva la caña que le fue entregada a Jesús, junto con la corona de espinas impuesta en su cabeza, a modo de cetro para la burla y escarnio de los soldados romanos a la voz de ¡Salve Rey de los Judíos!

En defensa de la pintura más sencilla. La turística y decorativa


Entre las muchas funciones del Arte está la de servir de recuerdo a una visita, a un momento. Y también la de decorar una pared. Los grandes pintores de todos los tiempos trabajaban a precio fijado para las grandes familias de sus tiempos con el único encargo de poder decorar sus palacios, sus iglesias, sus castillos. Miguel Ángel y su Capilla Sixtina o Goya y sus Pinturas Negras son obras para decorar paredes, por encargo o para su propio disfrute como el caso de Goya. Nadie le quitaría mérito a estas obras.

El propio Velázquez pintaba para decorar estancias y Goya hacía lo mismo para la iglesia durante un tiempo para sobrevivir y poder pintar "otras" obras más de su gusto. Los cartones para tapices de Goya son una delicia y simplemente eran obras para convertirse en telas que puestas sobre las paredes evitaran los fríos y las humedades en los palacios de los Grandes.

Así que no hay que ponerse "delicado" con estas pequeñas obras que vemos en decenas de lugares turísticos y que nos muestras las miradas de los artistas sobre rincones o espacios de su ciudad elegidos por ellos mismos como recuerdos o como bellezas que llevarse a casa.

No es surrealismo, no es cubismo o expresionismo, pero es pintura y es Arte. Y en una manera muy digna de llevarte un buen recuerdo si sabes elegir la obra que te guste y te diga algo del espacio que nos muestra.

La pintura ha sido durante muchos siglos una forma de ganarse la vida, como en tiempos más cercanos lo está siendo el cine, la fotografía o el diseño de publicidad. Formas artísticas para expresar ideas o conceptos, lugares comunes o diálogos con el lugar común.

Marina con barcos en la orilla, en contraluz


Las marinas, los cuadros de pintura que reflejan escenas del mar, de marineros, de la belleza marina que a cualquiera nos asombra, están considerados un Arte algo menor por ser un producto muy comercial, incluso muy turístico, con pocos elementos, de pintura rápida y muy clásico. Siendo cierto, hay que señalar que hay marinas y marinas. A Joaquín Sorolla es complicado encasillarle en pinturas comerciales y turísticas y su vida entre el mar le obligaban a soñar con sus luces y colores, pues todo lo veía a través del sol de Valencia y sus contrastes de color.


Estrella de Mar falsa pero auténtica


A veces un pequeño objeto creado desde el vacío puede representar todo o nada. Esta estrella de mar, que nunca ha debido ver el agua, es la mezcla de animal y vegetal, de cosa y caso, de vida y muerte. Está llena de pinchos de rosal pero tampoco huele a rosas. Es un producto artificial que se crea para impresionar y que no nos acerquemos, levantándose erguida para que sepamos cueles son sus atributos. ¿De verdad es una Estrella de Mar falsa? ¿O es la obra de un artista del que solo sé su dirección web que ya no funciona? Nunca lo sabré. O al menos de momento. www.albertsnara.com

Aragonesxs.: Andrea Fandos. Héroe de leyenda

Andrea Fandos está en sexto de primaria pero ya ha llegado a Ítaca y, además, ha disfrutado como niña del viaje, aunque los premios se los lleva su hada madrina, esa escritora y algo más que dibuja el final del techno, principios del grunge y, entre medio, el santo advenimiento del rock de Zaragoza que se ha oído en Alemania y México. Y el de secano, que nos quedamos al este del Moncayo, enterrado en el Cementerio Alemán de Torrero. 
Que no sé cuándo abren y voy por el décimo intento de horadar. Para dejarle una flor de cardo a Mauricio. 

Pilar Palomero ha escrito, compuesto y hecho imágenes de su paso a la adolescencia en aquel país en que se avanzó, más en Aragón, a demasiados trompicones. Como dice Cioran, solo te fíes literariamente de las memorias autobiográficas (del fondo, el autor no te lo pide).

La mirada de Andrea, que Boyero ha sentido que era la de Ana Torrent en el “Espíritu de la Colmena” de Erice, creo que para un aragonés y más para una aragonesa que viviera el periodo es mucho más.

Su naricica respingona y un poco partida, su terso y brillante aun con el cierzo pelo oscuro pero, sobre todo, sus ojos penetrantes lánguidos expresan esa herencia de aguantar que lleva marcada en su apellido del Bajo Aragón. Los Fandos son así, delgados hijos de las tres culturas: tiernos, hospitalarios pero justicieros.

No conozco aún a ninguno que rompa ese patrón y algunos han sido íntimos amigos personales, de silencio de toque de bombo viendo amanecer en calvario recortado. Divisando el desierto cicatrizado por el río Martín de las huertas de habas, en que los abuelos tablicas repartían esa poca agua, la misma canalizada por sus manos como sarmientos bereberes y judías. Esta niña es una garnacha centenaria y huele a trigo Aragón 03.

Sin eso que yo quizás me invento (que lo estáis pensando), el viaje de su personaje Celia al pueblo de colonización de su madre por carretera entre rastrojos sedientos, su actitud con su abuela de silencio sin destacar, es casi inconcebible que haya sido capaz de ejecutarlo una cría de este siglo.

De dónde la habrá sacado ella sola lo sabe pero que tiene cicatriz en la mirada, la dulce Pilar Palomero lo ha visto.

Lo mismo podría decir el resto de actrices del reparto, a las que llamaría seguramente Ken Loach para su siguiente película y, educadas en la actual abundancia, igualmente se saldrían interpretando eso que todavía queda y no arregla el liberalismo para abundantes. Lo que todavía vemos. Eso que está y se llama fin de la clase media, se llama familia uniparental sin apoyos, se llama aún hoy pagarás negar que hay que tener amigos hasta en el infierno. Y ojo destaques.

Cada vez que vea la película, y van a ser muchas porque estamos como con la literatura de Martínez de Pisón ante un flash back de vuestra propia vida, Pilar Palomero merecerá un nuevo premio. La película suscita muchas fobias en la propia Zaragoza, normal, hay tíos de mi generación que no saben con quién están casados. Y la otra, hoy, todavía calla.

Yo me quedé con otro frío de cierzo. Sales del Palafox y ya no hay colas, ni está la guantería del pasaje ni el pasaje ha tenido la suerte de ser especulado, es un muerto viviente por su pequeña superficie. Sigues por la calle Alfonso tomada por franquicias, como cualquier milla de oro de ciudad occidental. Todo es aséptico y ordenado, la educación qué decir, para disfrute de la generación de Andrea.

Aunque estas niñas volverán de por vida a los bloques del final de los Pinares de Venecia y aún verán algún R-6, Corsa viejo montado por sus abuelos o 2 Caballos en uso aparcado.

Gracias a todas vosotras por hacer historia. Gracias a Mariano Anós por treinta segundos soberbios, representativos de la hondura escénica aragonesa. La continuidad de Chomón está asegurada, qué nos deparará la segunda… Pilar Palomero beberá de las fuentes de Coixet para no repetirse pero dudo que superarse, aspira a empatar maña…

22.03 Luis Iribarren

Un Madrid negro con mucha luz y color


Los dibujantes, ilustradores más bien, escritores con tinta de cómic también: Keko y Antonio Altarriba, han dejado esta semana en El País Semanal unos dibujos sobre España, donde Madrid se ve y se toca. Os dejo esta obra de un Madrid negro pero con mucho color y luz, que nos muestra ese Madrid que todos añoramos ver y sobre todo mirar. 

Un Madrid de esquina y plaza, de lugar de encuentro o de juego, de zona de libros o de tecnología, de cines o de quedar embutido por la gran ciudad que atrapa. Este rincón grande es como un icono de Gran Ciudad, de ese Madrid que no es de los madrileños sino de todos. Mirarlo desde donde lo están observando los personajes debe ser una suerte que solo selecciona a los afortunados o a los personajes de cómic.

¿Qué estaría creando hoy Jean-Michel Basquiat si siguiera vivo?


Jean-Michel Basquiat
puede que sea el artista norteamericano mas aupado al éxito después de fallecido de todos los que los EEUU han tenido en su seno. Por varios motivos entre su joven fallecimiento puede que sea el que más importancia tenga. ¿Qué estaría creando hoy Jean-Michel Basquiat si siguiera vivo?

Sin duda su influencia centro americana y africana y el haber querido desde el principio utilizar la calle como espacio consolidado para el Arte, hizo mucho también por el crecimiento de su figura. 

Sus primeras obras era grafitis que junto a Al Díaz firmaba como SAMO (Same Old Shit) que dice "La misma mierda de siempre" describiendo de esa forma lo que realmente quería explicarnos con sus obras sobre las paredes de New York. En aquellos tiempos ya se fijan en sus trabajos las grandes estructuras del Arte americano.

Quería pelear contra la pobreza, el racismo, mostrando con sus pinceles a los jóvenes que peleaban en las calles por dignificar su vida. Eran años duros en New York y él simplemente quería ayudar a que se conocieran las realidades sociales.

Este marzo se subasta la obra "Guerrero" de Basquiat en la sede de Hong Kong de Chistie's que pintó con solo 22 años de edad. Es un gladiador moderno, negro por supuesto, que cansado del odio quiere insuflarlo con su afilante mirada. No es un pacifista, sino un guerrero muy cabreado.

Nunca aprobó la comercialización del Arte y sin saber qué opinaría hoy Jean-Michel Basquiat de que se subasten obras suyas por precios altísimos, podemos aventurar que no le agradaría, pero hoy ya con 60 años de edad, seguro que opinaría muy adaptado a los tiempos que tenemos.

Joaquín Sabina nos deja caminos abiertos. Como antes Lorca, Machado, Benedetti, Gloria Fuertes o Alberti


En el Día Internacional de la Poesía, nada como dejar un leve texto poema de Joaquín Sabina, un trocito de levedad, una verdad, un suspiro que les retrata a quién se cree que la felicidad es tener lo que se puede contar con números.

A veces la poesía, más en estos tiempos de corto tiempo, unas pocas palabras bastan para suspirar y gritar. Incluso no hay ni que rimar, sino hablar con letras, con voces rotas, con suspiros del alma.

Me gusta el flamenco cuando suspira, cuando llora, desde la lejanía de un Aragón que casi no lo entiende. Me gusta eso, saber que se habla desde dentro, con gritos de razones.

¿Qué es la sección de una obra de Arte? ¿Es otra obra de Arte o no es nada?


Las obras de Arte son un todo en sí mismas. Una obra de arte es un objeto que tenemos que contemplar en su conjunto, tal y como nos la envía su artista creador. Pero en todo hay matices. Una escultura se puede contemplar desde muchas posiciones y por ello cada espectador verá una obra distinta. Según su altura, su punto de vista, su giro, etc. En una pintura esto no sucede, es un objeto plano que todos vemos igual. O casi.

Pero en el conjunto de la obra de arte podemos jugar con un pequeño truco sin que se entere el autor. Podemos mezclar artes y fotografiar la obra. Y a partir de ese punto podemos elegir secciones de la obra para convertirlas en otras obras.

Y empiezan a surgir las dudas. ¿De quién es la autoría de esa nueva obra creada a partir de secciones de una obra grande y reconocida? Si la sección que se fotografía es grande y reconocible, no hay duda. Estaremos viendo una fotografía de la obra de un artista que no es ni mucho menos el fotógrafo que nos enseña la imagen. ¿Y si la sección de la obra principal es muy pequeña y ya no se reconoce por el espectador de qué obra estamos hablando? ¿Pueden los derechos de autor cambiar simplemente por el tamaño? 

¿Quién ha decidido que este trozo y con este encuadre sea una obra de Arte independiente?

Esta sección es de una obra de Antoni Tàpies titulada "Gran vernis sobre fusta" del año 1982. El autor nunca vio este trozo como una obra, puede que nosotros tampoco, pero Tàpies seguro que nunca hubiera reconocido como obra suya esta composición que él nunca creó, excepto en el conjunto de otra obra mucho más grande. 

¿Puede existir como obra independiente una sección de una obra reconocida?

Hubo silencios, del diseñador Alberto Corazón


El diseñador Alberto Corazón se sabía herido de muerte, solo dos días después de habernos dejado su obra póstuma para El País sobre el confinamiento por la pandemia, se nos escapó y dejó de sufrir en febrero del 2021. Diseñador, pintor, escultor o fotógrafo era un artista reconocido y conocido, otro artista que sabía hablar con sus obras. Uno de los grandes diseñadores de logotipos de marca y como tal, pocas veces reconocido por su labor y sus diseños, aunque los hayamos visto un millón de veces. 

En esta su última obra titulada "Hubo silencio" nos dejó su texto, su mensaje. Repitámoslo.

"Hubo silencios. Y también grandes voces que enrarecían los sentidos solo con el ruido atroz de sus gestos vacuos". Alberto Corazón



Create Escape de Banksy apoyando la libertad de expresión


En la prisión de Reading, Inglaterra, el artista Banksy dejó otro mensaje de libertad en sus muros con un preso intentado escapar ayudado con una sábana y acompañado de una máquina de escribir. Poder expresarse era para el preso la mejor herramienta que deseaba que le acompañara en su escapatoria hacia la libertad. Era una sábana de papel que contenía sus mensajes, sus textos, y eran a su vez los que le posibilitaban escapar. Todo un claro mensaje en favor de la libertad de expresión.

Los vecinos de la ciudad de Reading insinuaron que el preso retratado por Banksy podría ser, ni más ni menos, que el escritor irlandés Oscar Wilde, uno de los internos más célebres de esa cárcel en el siglo XIX y que el nuevo grafiti, bautizado como 'Create Escape', realizado en medio de una campaña que reclama convertir la antigua prisión del centro de Reading en un complejo artístico era un grito para evitar así que acabe el edificio destruido para evitar ceder espacio al servicio de la ciudad y pasar a la construcción de viviendas de lujo.

Anuncio artístico de Dolce & Gabbana en azul


Hay anuncios que rompen pequeños esquemas mentales, cada vez más unidos al arte publicitario como una herramienta más del propio Arte en general. Para vender es buena idea apoyarse en el Arte pues casi siempre es belleza mirada desde puntos de vista diferentes. Este anuncio de prensa de Dolce & Gabanna bebe de presentarnos sus creaciones con un punto de vista además de moderno claramente artístico. 

Y le sale muy bien el intento de poner a sus prendas un juego de luces de color que parecen confundir para apoyarse en ellas. Azules, blancos, texturas, formas. Podría parecer que quedan envueltas sobre sí mismas con el fondo, pero no, el conjunto bebe de sí mismo dentro de su imagen teatral de marca. 

No se publicitan las prendas —que también— sino la marca.

¿Tú pagarías 57 millones de euros por: Everydays: The First 5.000 days?


A veces las locuras humanas son tan complejas de entender que las intentamos olvidar de forma rápida.Hoy se ha subastado esta obra que vemos arriba en la Sala Christie's y al final se ha vendido por 69.346.250 dólares, que son una pasta tan gansa que asombra. Más de 57 millones de euros por una obra que a modo de collage reúne 5.000 imágenes que el artista Beeple ha ido recogiendo en los últimos 13 años. No llegan a 400 imágenes al año. Pocas.

La obra se titula "Everydays: The First 5.000 days" del artista Mike Winkelmann conocido más por su nombre artístico de Beeple y según aseguran no puede ser plagiado ni copiado pues lleva una tecnología blockchain que impide se pueda imprimir o enmarcar. Una cadena de bloques que garantiza su autenticidad como ejemplar único. 

¿Es caro el cuadro? Pues depende de lo que en verdad represente el dinero para quien lo ha comprado. Es que en la vida cada vez hay más cosas que… dependen. Por ejemplo a nadie se le ha ocurrido preguntar qué muestran esas 5.000 imágenes que configuran la totalidad de la obra. Es que en realidad, daría igual, lo único importante es el precio. Y hay que tener en cuenta que esta obra se puede realizar el pago del precio de compra en la criptomoneda Ether. Lo de menos finalmente es el precio, pues es falso que se pague en dólares o en euros. ¡¡Vete a saber!!

Fragmento del poema Aftonland de Fabien Lagerkvist


Un pequeño fragmento de “Aftonland” escrito en el año 1953 por el escritor sueco Fabien Lagerkvist que nos ha dejado poemas, obras de teatro, novelas, cuentos y ensayos. Su obra se caracteriza por un cierto pesimismo, una angustia casi existencial de los personajes, explorando la naturaleza humana y las constantes alusiones a la muerte inevitable. Este fragmento está sacado de la revista El Ornitorrinco de 1978.