29.7.18

Qué es el arte contemporáneo, arte actual?

Si crees que tienes que preguntar qué quiere decir esa obra de arte que estás viendo, si sigues pensando que tiene que decir algo en concreto, lo mejor es que no preguntes ni sigas avanzando en intentar entender el ARTE. 

Hay que retroceder algunas casillas y volver unos pasos atrás.

La música muchas veces no dice nada, las letras sí. La música crea imágenes en tu imaginación. Una primavera, un entierro, la llegada al Nuevo Mundo. Pero en realidad eres tú quien crea esas imágenes en tu imaginación. La música no único que hace (bendita capacidad) es crear en ti esa imagen a través de unos sonidos abstractos.


La música como la pintura, al igual que todo tipo de arte, crea sensaciones, sentimientos, imágenes interiores, pensamientos. O no los crea. Eso depende de su calidad, del autor, y sin duda del espectador.


Al arte no le podemos pedir nada más que eso, que ya es mucho. Imaginarse el Nuevo Mundo escuchando a Dvorak o el sufrimiento y la pena escuchando a Chopin, o un desfile militar de la victoria escuchando a Chaikovski es lo que deseaban sus autores. Pero no todo el que los escucha se transporta a esos mundos.


Mira, escucha, mira otra vez, duda, vuelve a dudar y termina preguntándote si te interesa seguir indagando. Todo poco a poco, saboreando los pasos.

27.7.18

Greg Suits y su dibujo urbano de la calavera


Este hermoso mural que refleja un cráneo aprovechando los huecos de la pared semidestruida está en el barrio de Greenpoint en New York, en la zona conocida como la Pequeña Polonia de New York está realizado por el artista local Greg Suits que firma como Suitswon. Un hermoso trabajo muy reproducido.

San Bartolomé se va quedando sin piel

Esta obra del siglo XIX es el martirio de San Bartolomé del pintor Manuel Lázaro Meroño, que copió una obra en grabado de Ribera del mismo motivo, pero desde otro punto de vista, con otro concepto de obra. Vemos el suplicio de San Bartolomé, desollado vivo en presencia de unos testigos que parecen sacerdotes.

26.7.18

Este señor no logró engañarme

Este señor se me quedó mirando sin casi pestañear. Me dejó un tanto sorprendido pues su figura era cuando menos peculiar, tan vestido de gris azulado. Pero no me asustó, os lo juro, me quedé mirándole fijamente por si me quería decir algo…, y cuando me hizo ademanes de que subiera con él las escaleras, le dije que no y me di media vuelta. Sospeché que aquellas escaleras no podían conducir a nada bueno.

Ibiza y sus miradas 04

Por muchas puertas que nos pongan…, si estamos de salir…, saldremos. Seamos hierbas arrastradas por el fango o personas desplazadas por las miserias y los dolores. 

Las puertas…, todas…, se pueden traspasar.

25.7.18

Robert Motherwell y su expresionismo abstracto


Vemos aquí una obra del artista americano Robert Motherwell, un expresionista abstracto de la Escuela de New York que aprendió Arte en esta ciudad donde trabajó e impartió clases sobre teoría del arte, explicando qué les llevaba a su Escuela de New York a trabajar este tipo de expresionismo abstracto, nada figurativo, pero de forma amena y sencilla. Empleaba el óleo diluido con aguarrás para casi convertirlo en un elemento similar a la acuarela y lograr así sombras y texturas transparentes. También fue un conocido grabador.

Ibiza y sus miradas 03

Ni las cadenas nos pueden sujetar cuando todo está ya roto, ya podrido, ya pasado.
Tan sólo nos queda sobrevivir al óxido imparable de la vida, y mientras tanto observar y pensar en crear compañías, aunque sean ficticias.

24.7.18

No es agua de mar, es una obra de arte

El artista americano Ran Ortner nació en San Francisco aunque se crió en las zonas rurales de Alaska donde llegó a ser piloto profesional de motos y un gran surfista. En 1990 Ortner se trasladó a Brooklyn y pasó dos décadas trabajando en soledad hasta crear su propio lenguaje minimalista en su forma de plasmar en el arte la idea del mar que él había vivido de cerca. 

Fue en este período de compromiso con el minimalismo que Ran Ortner descubrió las sensación expansivas de sus memorias del mar en la práctica del surf.

En 2005 Ortner comenzó a enfrentarse a la complejidad emocional de grandes pinturas y comenzó a explorar un tipo particular de trabajo realizado a través de las capas de pintura al óleo que configuraban aguas, espumas, brillos. Hoy es un artista muy conocido, que impresiona con su detalle ofreciendo unas visiones del mar que nadie somos capaces de ver de cerca, excepto los grandes deportistas del surf.


Ibiza y sus miradas 02

A veces asomarse es un laberinto de posibilidades
A veces lo que nos envuelve es una simple piel de rocas

No siempre sabemos qué ven los que nos miran

Ibiza y sus miradas 01

Mirarse sin ver
Sospechar que es posible asomarse sin que te vean
Sentirse encerrado en el interior mientras los aires te aprisionan contra la pared

Por eso es necesario tener ventanas en el corazón

23.7.18

Pinturas rupestres en Iberoamérica

Este mes de julio de 2018 fue declarado Patrimonio de la Humanidad el Parque Nacional Natural de Chiribiquete en Colombia. Pero además de ser una zona natural maravillosa con una fauna ya casi desaparecida en el mundo, alberga una serie de pinturas prehistóricas únicas en el mundo por su cantidad y sus detalles, no siempre entendidos. Sus más de 30.000 pictogramas con una antigüedad de unos 20.000 años nos muestran tan alejados de altamira, una forma de pintar muy similar, con rojos de óxido sobre la roca, realizados por los habitantes de la zona, posiblemente de la tribu karijonas, y descubierto hace tres décadas por casualidad.

Las pinturas tienen como en África o Europa, representaciones básicas de manos en positivo o negativo, imágenes geométricas, brujos en rituales, Dioses, animales de la época, posibles campos de labranza, escenas de caza o de sexo. Como toda esta zona no ha sido bien explorada por diversos motivos, incluidos los bélicos, cabe la posibilidad de nuevos descubrimientos en estas zonas selváticas de Colombia.

Pero hay unos detalles curiosos en algunos de esos grafismos iberoamericanos. Mucho antes de que la escritura o la numerología tal y como la conocemos hoy estuviera presente en la civilización, algunas cantidades eran muchísimo más utilizadas que otras. El número de puntos que rodean algunas figuras es curioso. Suelen ser 10, 12, 20, 25, 50 ó 52 puntos. Un número de puntos que además de ser casi siempre par, suelen ser números que muchos siglos después siguen teniendo una gran importancia en nuestra forma de contar.

Los peligros de las guerras contra el arte

Las guerras son el principal peligro contra el arte, sea histórico o monumental, decorativo o crítico con el Sistema. Algo de valor debe tener el arte cuando se quiere acabar con él como ejemplo de poder violento. En los últimos años se atacan ciudades históricas de África y Asia, destruyendo su patrimonio aunque sea de la Humanidad. O precisamente por eso, por pertenecer a todos y no ser consentido por los dictadores.
En Yemen hay y no hay una guerra. Depende de quien lo analice. Hay combates que están destruyendo aldeas que son históricas. Que matan a miles de personas. Que son manipuladas por grandes países ricos. 

En la población de Zabid, que en tiempos fue capital de Yemen, temen por dos de sus monumentos islámicos más importantes en el mundo. Su universidad y su mezquita Al Ashair construida en vida de Mahoma por uno de sus discípulos directos. 


22.7.18

El contraste de color y los impresionistas

En diseño gráfico se tiene muy en cuenta el contraste de color a la hora de crear sobre una página en blanco, tanto formas como sobre todo textos. Deben leerse siempre muy bien y a una distancia en relación al tamaño del impreso final. El blanco sobre el negro y al revés sería el ejemplo más simple de contraste de color, pero en realidad no se trata de eso solo, sino de lograr que algunos colores y por ello algunos textos o formas, contrasten todavía más con lo que tienen a su alrededor.

En arte sucede lo mismo y desde lo impresionistas o incluso antes, se tenía muy en cuenta ese efecto óptico para lograr colores que resaltaran sobre el resto, dando la impresión de que se estaban utilizando colores que nunca antes se había empleado por su viveza

El contraste de color bien utilizado logra que algo capte enseguida la atención del espectador, obviando en la primera mirada al resto de elementos. Lo que logramos con ellos es también un orden en la lectura de la obra, no solo leemos por la posición de los elementos o por su tamaño, sino también por su color y su contraste en relación al todo.

Los colores se diferencian entre ellos por más elementos que por el propio color. Unos son más claros que otros, otros más cálidos o fríos, más primarios, más limpios, más aburridos o planos. Y lo curioso es que no lo hacen en sí mismo, sino muchas veces en relación al color que les rodea.

En el clásico ejemplo que os dejo arriba en la imagen vemos el mismo naranja y morado sobre diferentes fondos. En algunos de ellos el naranjo cobra más protagonismo que el morado, más fuerza y contraste. Mientras que en otros es el morado el que se apodera de la atención primera y lo vemos más limpio y potente. Eso es el contraste de color y sus posibles usos.

No siempre el color complementario logra el efecto mayor, pues también depende de la temperatura de ellos, del contraste y la luz de cada uno, de la saturación o suavidad, de los tonos y de su limpieza.

Podemos tener contraste de color por el contraste que producen los colores puros muy diferentes de color como sucedería entre el banco y el negro por poner el ejemplo más simple, un efecto básico de luminosidad. También lo logramos si ponemos juntos colores fríos y colores cálidos con diferentes importancias en el diseño final. Si uno de los dos colores ocupa mucho más espacio que el otro color vecino. También provocando un contraste simultáneo al poner sobre un fondo gris unos colores puros que obligan a que alrededor de esos colores y sobre los grises surjan sus complementarios como leves sombras de los colores puros. Logramos más o menos contraste de color si matizamos la fuerza y el tono de uno de ellos. Y lo podemos reforzar si lo saturamos más o menos de color, con relación a los colores que rodean al que deseamos remarcar. Por último podemos lograr la atención si sobre un fondo grande ponemos pequeños detalles de colores complementarios, lo que nos lleva a prestarles más atención que el lógico para su tamaño.

Los pintores impresionistas fueron los primeros que estudiaron en profundidad las teorías de color, sus armonías cromáticas, el uso de los colores para “impresionar” reconstruyendo los paisajes con sus propias visiones o miradas de los momentos que captaron, trabajando con las formas de esos paisajes, y sobre los que modificaban sus colores para darles más luz, más contraste, más armonía, más impresiones en los espectadores de sus obras.

Los pintores impresionistas trabajaban muy bien los colores complementarios yuxtapuestos, usándolos en zonas suficientemente grandes para intensificar el color, mientras que los usaban en pequeñas cantidades que se fundían en el ojo humano, reduciéndose entonces a un tono neutro.



Aquí nadie se corta un pelo. Aun siendo una peluquería zaragozana


Aquí no se cortan ni un pelo. Aunque sea una peluquería. Si acaso se lo cortan a los que entran creyendo que es una peluquería al uso. No. Con esas caras de la puerta…, tiene que ser una peluquería amable, distinta, amigable, artística, atrevida, donde nadie se corta un pelo.

La diosa Hera en la Plaza de las Eras de Zaragoza


Esta escultura en bronce está en la Plaza de las Eras de Zaragoza, en pleno casco histórico, representando a la diosa Hera, hija de Rea y Titán, esposa de Zeus, reina de los Olímpicos. Representa a una joven mujer sentada en el borde de un precipicio, desnuda y dominante, mira los alrededores de Zaragoza hoy ya llenos de viviendas, cuando en teoría eran los campos donde se trillaba la mies recogida en los campos de Montemolín y Las Fuentes

Esta escultura no tiene los símbolos mitológicos de la esposa de Zeus, por lo que muy bien podría representar también a cualquier mujer zaragozana, incluida a Manuela Sancho a cuya dedicación está la calle que cruza la plaza, que miran los horizontes en búsqueda de posibles peligros. 

El autor de la obra fue el escultor zaragozano Carlos Pérez de Albéniz y la realizó en el año 1991.

21.7.18

Marcelo Brodsky y sus fotos históricas, modificadas


El fotógrafo argentino Marcelo Brodsky ha creado una colección de imágenes modificadas con aspectos del año 1968 y su influencia en el mundo. Son fotos históricos que nos muestran un 1968 global, donde el canto a la libertad desde la sociedad asqueada era un grito que costó muchas vidas y pocas sustancias efectivas posteriores. La exposición, ahora en Zaragoza, se titula “1968. El fuego de las Ideas”. Esta exposición he recorrido el mundo antes de convertirse definitivamente en un libro de autor, con sus reflexiones, que vamos plasmadas en las propias obras.


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Gimeno Wallace nos convierte en árboles secos

El artista uruguayo Eduardo Gimeno Wallace que vive entre Zaragoza y Barbastro, nos presenta en el Centro de Historias de Zaragoza una interesante representación de su obra, titulando el montaje con el bello nombre de “Savias” con un trabajo entre inquietante y sorprendente. No sabemos bien si es naturaleza en forma de hombres…, u hombres en forma de naturaleza. Esa mezcla visual nos pilla de frente y nos sujeta contra su espacio, para reflexionar…, pero sobre todo para soñar. Y no siempre en positivo.


¿Qué hacen esos hombres delgados vestidos de árboles secos?


¿Nos estaremos convirtiendo en secos árboles que no saben ni tan siquiera mirar a su entorno?



La aragonesa Judith Prat nos enseña el presente

Esta dura imagen de la fotógrafa aragonesa Judith Prat está tomada en un campo de refugiados de Nigeria en el año 2015, son personas refugiadas de la guerra en Níger y se encuentran en el Campo de Geidam, están de paso, mientras son trasladados a otros campos de personas desplazadas por la guerra. No es una ciudad de asentamiento fijo.

Si nos fijamos son casi todas las personas que componen la escena son jóvenes, niños o jóvenes esperando su futuro. ¿Dónde han quedado los adultos y los ancianos? 

No hay más que tierra y alguna edificación de uso común. Los pocos enseres se amontonan en el suelo, junto al barro y los charcos. 

Son personas que conservan su espíritu de supervivencia, pero son también niños que quedarán marcados por estas realidades. ¿Sabemos realmente qué piensan de nosotros, los que para ellos somos simples espectadores pasivos de sus vidas?

Arte del vestido de la mujer en otros siglos. La religión y su manipulación

Esta imagen forma parte del cartel de un festival aragonés dedicado a la mujer. No voy a entrar a valorar si estas figuras superpuestas indican algo positivo o negativo sobre el papel de la mujer ahora y siempre, os lo dejo a vuestra mirada. No quiero opinar tampoco sobre lo idóneo de estas figuras para un cartel, que al final siempre son herramientas informativas y para llamar la atención del espectador. Podríamos hablar del ARTE en el vestido, pero me sobran rosarios.

Quiero en cambio centrarme en algo que muchos de nosotros pensamos. En el papel de la religión sobre la mujer, como garantía de la familia más arcaica. Me da igual clase social, edad, tipo de religión. Incluso me da igual si son mujeres del pasado como estas o del presente como algunas que vemos por los grandes Centros Comerciales con la cara tapada. Todos hemos tenido abuelas en los años 60 que seguían vestidas de negro y con pañuelo en la cabeza. ¿Es positivo para la sociedad el papel que las religiones, todas, han ejercicio al menos sobre la mitad de la población del mundo?
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20.7.18

Daniel Sueiras y sus animales humanos

El artista español Daniel Sueiras Fanjul es un escultor y pintor que sabe adentrarse como nadie en ese aspecto animal del ser humano o en el aspecto humano de los animales, que nunca se sabe bien cuánta es nuestra diferencia. Intenta entender al ser vivo, con independencia de que hablemos o no, a través de nuevas miradas, de esas diferentes formas de ver la vida con preguntas ¿Y si un mono fuera capaz de ponerse corbata? ¿Y si a las personas nos salieran cuernos como a los ciervos?

Su trabajo como pintor y escultor produce personajes que juegan con el humor y la ironía para ofrecer una lectura de la vida diferente, una suma de ideas reflejadas en retratos o esculturas señoriales, poses clásicas y ropas de época que preguntan al espectador qué somos. 

Le han entrevistada hace poco y esta es parte de una de sus respuestas:

Lo que siempre me ha interesado es retratar a personas en modos que se hiciera visible su naturaleza animal, pero sobre todo me fascina el retrato y la psicología que trasciende de él. Algunas personas compran un retrato de un animal porque es gracioso o tierno, otros son conscientes de que detrás de la envoltura tierna o irónica hay un trasfondo mayor… para mí lo importante es que el trabajo está ahí, con múltiples lecturas quizá, pero con una clara intencionalidad también. He de reconocer que a día de hoy esta serie tiene algo de tragicomedia no ya solo en su estética y contenido, sino también en su propio proceso de gestación.

El artista Polin Yang pregunta: ¿Quien soy yo?

El artista chino Polin Yang es bastante más que un escultor de prestigio, es sobre todo un artista de Taiwan que lleva en las venas una mirada del mundo que trasciende al momento en el que vive, con una particular manera de comportarse con lentitud ante esta vida gris, creando obras que llenan espacios públicos y privados para dotarlos de una nueva mirada.

Sus obras muchas veces metálicas, son miradas especiales de la naturaleza donde intenta plasmar salidas y relaciones distintas con todo lo que nos rodea, para concienciarnos de que somos simplemente pequeños elementos que en la mayoría de las veces, solo somos capaces de estropear lo que nos envuelve.

La pregunta que se hace constantemente con sus obras es: 

¿Quien soy yo?

19.7.18

África fotografiada por Fabrice Meuwissen


El excelente fotógrafo de moda francés Fabrice Meuwissen nos transmitió esta imagen de un peinado afro en una modelo envuelta en unas luces maravillosas. 

África siempre está de moda, África es “la cueva” de donde es posible que vengamos todos nosotros andando lentamente por la vida. 

África es la esperanza de la comida y también la desesperanza de la libertad. 

A África solo se la puede amar, o incluso odiar con amor, pero nunca la dejamos por indiferente. 

Aunque hoy seamos blancos por fuera, somos africanos de especie y eso se lleva dentro.

Nota.: Que me perdone Fabrice Meuwissen por modificar su fondo. Necesitaba alargarlo para el espacio de la entrada.

El Pilar de Zaragoza, muy mal iluminado

La basílica de El Pilar de Zaragoza es así de bella…, si hay luz suficiente. Los altos, las cúpulas donde están las pinturas de Goya o de otros grandes artistas están siempre muy mal iluminadas. Nos dirán que es para el mantenimiento y conservación, obviando que hay sistemas de iluminación que no les afectan, y si de eso nos tuviéramos que fiar, no existirían museos. Comparamos su iluminación con decenas de otros templos repartidos por Europa, y seguimos sin entenderlo. Sin luz, no hay arte.

Esta capilla está nada más entrar a la derecha, desde la puerta más cercana al ayuntamiento. Como era el día de la Virgen del Carmen, tuvimos suerte y estaba mejor iluminada. Como es un lugar privado, no cabe quejarse. 
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18.7.18

Miquel Fuster y sus dibujos literarios

El artista dibujante Miquel Fuster es un profesional del cómic, dibujante y pintor que he pasado 15 años de su vida en la calle. Hoy a través de su blog nos deja pensamientos y sus obras, para aprender de su mirada, de su personal manera de entender lo que algunos ven y otros simplemente miramos. Junto al dibujo de arriba Miquel nos ha dejado este texto:

"Amortajadas las pupilas, por calles y lugares polvorientos, voy caminando solo, desfallecido y triste bajo un sol que abraza y me sofoca y mi alma ausente que ya no resucita.

En el camino bajo ramas resecas, mortal el sol, la tierra arde. Y un aire abrazador fugado del infierno que llega silencioso para besarme con un beso de fuego que deja cicatriz.

El cielo es un mar de fuego refulgente. Las ropas empapadas de un sudor pegajoso. La boca reseca amarga como hiel que se abre como una vieja herida anestesiada. La vida pisoteada que interroga y continúa buscando.

Los sueños y esperanzas, la gloria y la alegría se fueron alejando en lentas procesiones y escucho los ecos de voces no olvidadas que un día fueron mías.

El calor me ahoga y me obnubila. Colores lejanos flotan y se confunden alrededor de mí. Se convierten en ojos que me miran fijamente queriendo adivinar. Formas como presencias espectrales. Proféticas imágenes nocturnas, sombras ciegas sin luz fundidas en la noche de la desesperación. Laberinto de sueños erráticos. Lucha de resistencia y destrucción. Remolinos que giran sin cesar y a través de los cuales me interno en el vacío.

El horrible calor que me oprime. Las moscas que me desquician… y los mosquitos. Los mosquitos, tantísimos que por mucho que me agite y los aplaste siempre me veo cubierto de ellos. Siempre más, muchos más. Punzadas dolorosas que me enloquecen. Sufriéndolos de la mañana a la noche y de la noche a la mañana…

Mosquitos hinchados con gotas de mi sangre que revolotean tristes ante mí, junto a un muro sombrío donde ya no cae el sol luminoso de los días felices".

Lara Cobden y su extraño Eden Alternativo

Lara Cobden es una pintora figurativa que vive y trabaja en la ciudad de Norfolk, en el Este de Inglaterra y sus obras son una respuesta al mundo natural que la rodea. a sus sueños, a ese realismo mágico y familiar donde manipula la realidad que le envuelve para ponerle su propia imaginación y convertirla en nubes llenas de sueños.

Esta obra al óleo sobre madera de Lara Codben titulada "Alternative Eden", fue seleccionada en el año 2016 para el Premio Lynn Painter-Stainers, en Mall Galleries. Y como artista ha sido la ganadora del Premio The Artist en la exposición anual 2017 de la Sociedad de Mujeres Artistas. Son cuadros como fotografías imaginarias que crea desde una imaginación solada.

Sobre esta obra ha dicho: “La boda de un amigo, en un agradable día de julio. Era la pose impar y el color saturado que tenía un atractivo tan peculiar para mí. Un sentido de teatro con una ligera amenaza indeterminada”.

Carta de un padre sin hijo

No nos gustan las firmas en las paredes. Creemos que ensucian y ni aportan nada ni al arte ni al urbanismo. Pero sabemos que es otra forma de gritar de jóvenes a los que no les gusta el mundo en el que están y se rebelan a su modo, con spray y equivocándose. Pero aunque insistamos sobre esto, debemos comprender sus acciones para resolverlas. En la imagen vemos a color una de sus firmas y en blanco y negro el trabajo último del trío de amigos.

Hace un mes, tres jóvenes de Brixton muy cerca de Londres murieron arrollados por un tren mientras hacían Street Art de firmas en su ciudad. Eran Alberto Fresneda Carrasco (Trip) de 19 años, Harrison Scott-Hood (Lover) de 23 años y Jack Gilbert (K-Bag) de la misma edad. Hoy el padre del primero, periodista, escribe en El Mundo un artículo de opinión. Os dejo un pequeño párrafo:

Enfilaron esa noche hacia Brixton y estuvieron bebiendo en un pub, en compañía de otros tres amigos que luego se descolgaron. La idea de adentrarse en la peligrosa encrucijada de trenes de Loughborough Junction la llevaban meditando seguramente desde hacía tiempo. Al fin y cabo, era uno de los lugares predilectos de los 'escritores' del sur de Londres, rivalizando con sus 'tags' en el borde de las vías. ¿Qué arrastró a nuestros tres hijos hasta aquella encrucijada mortal en el sur de Londres? ¿Por qué se jugaron de esa manera la vida? ¿Qué necesidad tenían de llevar su inquietud artística hasta ese extremo? Su 'última misión' ha sido pintar sus nombres en el lado de un puente a 350 yardas de donde todos murieron

17.7.18

El estudio del artista Chema Madoz

Siempre he pensado que ver los talleres, los estudios de otros profesionales es una de las mejores formas de aprender. Complejo de explicar, pero cuando se está trabajando en una actividad y se ven los talleres de otros compañeros se entiende mejor que nadie qué es cada cosa, de qué forma se está empleando, qué herramientas se utilizan y para qué. Un taller de la competencia es una maravillosa escuela para aprender copiando.

Esta imagen es del estudio del fotógrafo Chema Madoz y la ha publicado en la exposición de La Lonja de Zaragoza. Los que somos artistas y fotógrafos sabemos leer en la imagen de cualquier estudio de trabajo muchas más líneas que el resto. Y somos capaces de aprender de lo que estamos viendo. Gracias por la formación. Sabemos que no será tu único espacio, pero es maravilloso verlo.

Chema Madoz en Zaragoza, para jugar con todos

De la excelente exposición del fotógrafo Chema Madoz que tenemos en La Lonja de Zaragoza este verano, no es posible resaltar ninguna obra. Muchas son muy conocidas, otras sorprenden, el montaje final es entretenido y bello, juega con nosotros como sabe jugar con los espectadores el joven artista reconocido por casi todos. 

Un lujo tenerlo este verano en Zaragoza.

Pero yo me quedo hoy con la representación de sus portadas, de lo que serían casi carteles anunciadores de sus obras. Os dejo estos 24 ejemplos del trabajo de Chema Madoz, como la combinación perfecta para conocerlo.

Cuidado con la playa. Te puedes quedar petrificado

Queremos playa ¿verdad? Nos apetece tumbarnos en la arena y tomar el sol ¿verdad? Pues venga, pero ojo, no nos quedemos fijos ni dormidos pues el sol de verano es terrible para la vida del humano. Te puedes quedar petrificado.

Un caballo de la marca Suzuki. Descansando

Los caballos también descansan aunque sean metálicos. Les da por tumbarse en el suelo, se pliegan sobre sí mismos y descansan hasta oxidarse. Pero enseguida se ponen derechos a poco que los azuces con el acelerador. Es lo que tienen.

Paridora de monstruos pequeños

Hoy martes dejamos unos monstruos paridores de esos libros raros que seguimos casi sin desentrañar. Mezcla de persona, caballo, león, parían demonios y monstruos que enseguida salían a meternos miedo. Tranquilos todos, que no crecían mucho.

16.7.18

El porno es el marketing de la prostitución

La literatura puede ser libros de 800 páginas o frases de una decena de palabras. La poesía puede ser rimada o dolorida. Los gritos pueden ser guturales o explicativos. Las miradas pueden ser torcidas o entreabiertas. 

Todo depende. Y a veces no sabemos de qué depende.

De qué debe temblar o temer Poni?

Esta obra es del zaragozano artista y profesor de arte: Javier Joven Araus. La ha titulado “Temor y temblor para Poni”, realizada en acrílico en el año 2018. Sin duda un artista del que veremos grandes obras y proyectos, pues sus trabajos hasta la fecha nos indican que sabe muy bien qué debe tocar con sus manos.

15.7.18

Castillos en las arenas de Valencia. Arte efímero

Los castillos de arena son también una constante en los veranos playeros, algunos auténticos trabajos artesanos cuando no ya con algunas miradas artísticas. Este ejemplo es de La Marina en Valencia, de este mismo fin de semana. Una forma de agradar el entorno, intentando ganarse con ellos algunas recompensas de los turistas. Arte de arena, un ejemplo de arte efímero como tantos otros, de los que nos suelen pasar desapercibidos. Y por cierto, de los que como en este caso, llevan encima muchas horas de trabajo.
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14.7.18

El Monstruo del barrio de Delicias de Zaragoza

Por las grandes ciudades se escondes pequeños monstruos que se crean para asustarnos por ls noches.  Son como gotas de agua y de miedo, dispuestas a sorprendernos. Pero siempre es cuestión de la mirada que le ponemos al intento.  Algunos simplemente veremos agradables notas de Street Art o incluso de humor callejero.

¿Y si…, y si lo irreal fuera real?

El artista francés Bruno Pontiroli es un creador surrealista de una pintura con varias miradas distintas, en la que pone el mundo del revés. El surrealismo, la falta de lógica, el absurdo, la ironía, las paradojas y las historias sin sentido aparente forman parte de sus obras y de sus retorcidos personajes.

Su trabajo parece influenciado por grandes de la pintura como Goya, Picasso o Dalí, con una técnica detallada, depurada y precisa, y una paleta de color que varía de una obra a otra, pero siempre estudiada hasta el más mínimo detalle. Es trabajo detallista donde lo único que es ficción es el motivo final, pues todo lo demás parece totalmente real. Busca elementos naturales, conocidos por todos…, y les da la vuelta para mostrarlos desde otros puntos de vista.

 ¿Y si…, y si lo irreal fuera real? 

Pues sí, tal vez haya que preguntarse muchas más veces, sobre lo más obvio.

13.7.18

La sonrisa es el idioma de las personas

Escribir es gritar, es intentar abrir el aire y que suene la voz del que escribe. 


Leer es cazar, tal vez sin rumbo fijo, buscando algo mejor que el vacío, con el que llenarse.


Quien lee da valor al que escribe. Es así de sencillo. Y de complicado de lograr.

¿Qué cinco libros en castellano hay que leer? Según Jordi Llovet

Le preguntan en La Vanguardia al profesor de literatura Jordi Llovet: ¿Qué cinco libros en lengua castellana debería haber leído toda persona culta?


El Quijote de Cervantes 

Los poemas de San Juan de la Cruz 

El Teatro crítico universal, de Feijoo 

Desolación de la quimera, de Cernuda 

La prosa de Juan Benet

Carta a los tontos con spray que joden obras de arte en la calle


Para los tontos que compran spray y no se enteran de nada. ¿Quien coño os ha dicho que es lógico pintarrajear así una obra de arte callejera? Os gastáis un dinero en botes de spray para hacer esto en vez de tomaros unas cervezas, lo que demuestras que sois tontos del cerebro. Hostias, dejar en paz lo que otras personas, también con spray, hacen por el Street Art, que no tiene nada que ver con la mierda que hacéis vosotros con las firmas de los cojones. Ya sé que os pone leer esto, en caso de que seáis capaces de haber aprendido a leer. Así que disfrutar, pero tranquilos, os estáis jodiendo vosotros mismos. La autora (EricaConC) hizo fotos de esta obra y las tiene guardadas en su portafolios. Y yo todavía he sido capaz de hacer mis fotos y retocarlas para borrar vuestras mierdas. La obra de arte sigue existiendo limpia, excepto para los vecinos de la zona, que la tienen que ver estropeada por culpa de unos tontos con spray. Vosotros mismos.



12.7.18

Gonzalo Tena, Premio Aragón Goya 2017

El pintor turolense Gonzalo Tena ha sido galardonado con el Premio Aragón Goya 2017 como representante del arte contemporáneo más relevante en Aragón y por su trabajo diferente y personal en el dibujo y la pintura, y su compromiso con Aragón. El jurado le ha concedido esta distinción por ser un referente en el contexto nacional y aragonés y por su compromiso con el territorio. Se reconoce también la calidad de su trabajo plástico desde sus inicios como integrante del grupo Trama y su personal y constante exploración de las relaciones entre palabra e imagen, trabajando en los últimos años el texto visual abstracto.

Estudió Bellas Artes en Valencia durante dos años y se trasladó a Barcelona en 1970 para continuar sus estudios académicos. Comienza entonces su obra muy abierta a la modernidad, libre e influenciada por el pop art. Un año después comenzaría un periodo en el que la obra de Gonzalo Tena cambia radicalmente, forma el Grupo de Trama, revista en la que recogen sus planteamientos teóricos y plástico, y con este grupo se convertiría en uno de los hitos artísticos de los años de la transición.

En el debate frente a los artistas conceptuales, predominantes en aquel momento, los miembros de Trama contaron con el apoyo de Antoni Tàpies quien, al conocer a Gonzalo Tena e identificarlo como pintor por sus pantalones y zapatos llenos de goterones le preguntó: “¿Pero es que aún hay gente que pinta?”


Daniel Sahún y dos expresionismos abstractos

Hace pocos días nos dejaba el artista zaragozano Daniel Sahún Pascual, uno de los fundadores del Grupo Zaragoza hasta el año 1967. Un artista autodidacta que estuvo aprendiendo toda su vida, aquí, en Barcelona, en París o con sus amigos artistas zaragozanos, que siempre trabajaban compartiendo.

En el año 1960 comienza de forma autodidacta sus primeras obras abstractas impregnadas de oscuros y colores muy vivos. En 1961 empieza a emplear arpilleras sin volumen pero llenas de marcas de cosidos, incisiones y agujeros, como disparos dramáticos. En el año 1962 incorpora arpilleras metálicas, para enfatizar el dramatismo de su obra como crítica contra la dictadura, potenciada por el juego de luces, sombras y la incorporación de objetos comunes como tornillos, molinillos de café y elementos de uso cotidiano o de derribos literales.

Desde 1963 hasta 1974 realiza tintas sobre papel (de la que os dejo dos ejemplos) dentro de un expresionismo abstracto, para pasar desde 1978 a 1985 a realizar formas planas que dibujan estructuras geométricas con impulsiva pincelada. El último período, de 1986 a 2000, trabaja la sugerencia espacial ya sin cuerpo geométrico que delimite el resto de la composición, predominando un raudal de trazos ràpidos que van componiendo cada obra llena de luz, color y libertad creativa.

Dijo y lo recogemos por su contundencia: “En mi pintura asoma la tragedia, el eco de la Guerra Civil, de eso no puedo desasirme, pero creo que soy un pintor sincero, vehemente, que busca y busca. Para mí pintar ha sido una de las razones de mi vida y una forma crítica y apasionada de estar en el mundo. La pintura me ha ayudado a vivir”.


11.7.18

Los Deberes del profesor Manolo. Arte emocional

Esta lista de Deberes para el Verano que presuntamente se les mandó a unos alumnos de 3º un profesor llamado Manolo, es sin duda una buena lista de intenciones para todos los niños que en verano disfrutan de al menos dos meses de cambio de actividad. Podría ser las tareas de un profesor de un colegio andaluz, pero sería lo de menos el nombre o el lugar, pues el sentido común de la lista supera los nombres, para simplemente decir qué es el ejemplo de la inteligencia emocional, de un profesor hacia sus alumnos.

No sé si es ARTE, lo que sí sé es que los niños que practiquen estos Deberes de Vacaciones llegarán a ser artistas o conocedores del ARTE o lo que es más importante, disfrutadores del ARTE en mayor medida que los que no lo hagan. Y lograr eso…, sí es ARTE.