¿Hay que entender el Arte actual? ¿Es esa su función?


Reírse del Arte Contemporáneo entra dentro de los que buscamos con la provocación, pero hay que aclarar algunos puntos. Una cosa es provocar incluso rechazo, y otra sería no tener criterios suficientes para elegir. Lo peor de cualquier actividad es pasar desapercibido, así que la crítica de cualquier tipo siempre debe ser bien recibida.

El Arte actual nunca pretende SOLO ser entendido. Busca agradar o remover, provocar como decíamos o crear sensaciones nuevas. Nadie entiende la música en su totalidad (no hablo de la letra), y la música es admitida como motivadora, provocadora de sensaciones. 

Incluso no siempre la poesía busca ser entendida. Puede simplemente buscar el ser bella, el resultar sonora, agradable, envolvente. El abrir incluso nuevas formas de expresión. Algo que a veces (muy pocas) hace la literatura.

Un Museo es un contenedor, un almacén de obras. Y puede ser de historia y puede que algunos espectadores no les diga tampoco nada. Depende de varios factores. Que sea "fácil" no supone que sea ni agradable, ni que sea lo correcto. 

¿Por qué Kazimir Malevich inventó el Suprematismo?


Cuando Kazimir Malevich, pintor entre ruso y polaco, se puso a principios del siglo XX a trabajar la abstracción más abstracta (¿?) creó el Suprematismo, una escuela de abstracción total donde las figuras geométricas llenaban el espacio de la obra. 

Era la máxima expresión de "la nada", de las formas, el color, el espacio, la luz. Y a veces ni eso mismo. 

¿Y a dónde quería llegar Kazimir Malevich con aquella "nada"? 

¿Era una forma de provocar o de explorar ideas?

Kazimir Malevich era sobre todo era un teórico del Arte, de la expresión, del color y la formas, de la enseñanza artística y de sus exploraciones. 

Pero aquellos tiempos eran complicados para una Rusia (y Europa) que buscaba incidir en sus sociedades y sabían que a base de formas geométricas abstractas no era el mejor camino para convencer a la población de nada. 

Así que el propio Sistema político crea otras escuelas pictóricas que pudieran ser utilizadas mejor para mostrar las ideas. Y nacieron desde el Realismo Socialista, al Constructivismo o el Futurismo Ruso.

Nota.: Con la imagen de arriba hemos jugado girándola 90 grados a la izquierda. El autor buscaba el juego de formas, de espacios, de vacíos, así que cabe poder girar las obras según el momento. La imagen inferior es una mestra de "0.10. La última exposición futurista de pintura”, montada en la ciudad de Petrogrado en el año 1915 por Kazimir Malevich. 




Ejemplo del claroscuro en pintura. La Alcahueta


El claroscuro en el Arte es una decisión teatral, un juego de contrastes, es llevar ese contraste, la luz y la sombra, a sus máximas expresiones, a sus mayores diferencias. Los artistas que han utilizado el claroscuro como una herramienta para dramatizar las escenas saben que se logran relieves visuales que no se conseguirían de otra manera.

Los volúmenes salen de la escena empujados precisamente por ese claroscuro que convierte en más negros los negros y en más blancos los colores claros, al verlos el ojo humano rodeados de sus contrarios. 

Un claroscuro puede ser de blancos y negros, pero también de colores complementarios (o no) con sus matices. Caravaggio, Rembrandt, Zurbarán o Tintoretto fueron grandes maestros de esta técnica casi teatral de pintura, grabado, pero también de escultura y en la actualidad de fotografía.

Como ejemplo dejo una obra de Gerard van Honthorst del año 1625 titulada "La alcahueta" y donde ese contraste de negros y tonos carnes, de sombras y luz, nos lleva sin duda la mirada hacia la zona donde quiere el artista que miremos lo primero. Gerard van Honthorst fue un continuador de los modos pictóricos de Caravaggio.

Dibujo infantil de una tormenta en un bosque


Si volvemos al dibujo infantil, al Arte Primitivo de un niño de tres años y medio, volvemos a ver grafos similares a los de algunos artistas contemporáneos. Arte que se sigue manteniendo pues emana desde el interior del ser humano. Arte Brut si así lo queremos llamar, Arte Primitivo también, Arte Conceptual incluso pues lo que simplemente busca el niño, es decir la Persona Artista, es plasmar una idea.

Aquí vemos un bosque en otoño. Este niño vive en el campo, sabe lo que es caerse las hojas, lo que son las tormentas, que los árboles dejen caer unas hojas mientras otras todavía se mantienen en las ramas de diverso color entre verde y ya marrón. Sabe lo que es la tierra y el cielo y las hierbas secas del suelo en un amarillo cromo. Incluso sabe mezclar con la nube negra esas aguas azules que caen y algunos rayos que pinta de negro pues no tiene pintura blanca sobre papel blanco. Sintetiza, elige, simula. 

¿Y lo rosa qué es? El niño no está en el bosque solo disfrutando de la tormenta. Lo ve todo desde el corral de su casa, desde lo que podríamos llamar jardín. Y allí hay un cactus grande. ¿Y por qué lo pinta de rosa? Pues porque el ya sabe que el cactus es un elemento diferenciador. lo pone incluso en el centro de la escena. No encaja bien en el bosque que observa desde su casa. Y el color rosa aunque no se parezca en nada al cactus real, es el único color diferenciador de la naturaleza. Él no lo sabe, realmente él cree no saberlo. pero su interior le dicta que de los colores que tiene en la mano, él único que no ha utilizado es el rosa. Así que si quiere remarcar el cactus, hay que hacerlo en rosa, para que se vea.

Simpleza, economía de las ideas, interiorismo mental puesta a trabajar para dejar salir lo que realmente él está viendo. No hay tanta distancia entre un dibujo infantil y algunas obras surrealistas basadas en conceptos, en minimalismo incluso naif.




Gran Lona gris para Kassel; de Antoni Tàpies


Gran Lona gris para Kassel - 1964 - Antoni Tàpies

La obra de Antoni Tàpies "Grande toile pour Kassel" fue realizado para la Documenta III y presenta, a pesar de estar realizado en una sola pieza, una clara estructura de tríptico, dividido en tres secciones verticales con sutiles intervenciones horizontales.

La importancia de la zona central de la obra de Antoni Tàpies ha sido desplazado al exterior, hacia el rectángulo gris más oscuro y roto que parece caerse descompensado a la izquierda, dejando el centro sin su importancia, es decir, negando en su práctica abstracta uno de los principios estructurales de la estética occidental del contrapeso, enfatizando el vaciamiento, la ausencia y el silencio del arte oriental, tan apreciado por el maestro catalán. 

La superficie del enorme lienzo (son cuatro metros de anchura) se resuelve entre una matizada gama de grises neutros y la frágil estructura de madera y cuerdas que forman el relieve. La renuncia al color no debe entenderse en la línea de la opción reduccionista, sino más bien en el interior de una economía de la expresión: obviando el color.

De esta forma Antoni Tàpies consigue que el campo pictórico se enriquezca con la sutileza de levísimos contrastes de tono, de textura y de arquitectura en su composición total, renunciando al aspecto más inmediato  del color, construyendo un espacio de "sensibilidades" para el espectador que le obliga a tener que repensar toda la obra. 

¿Podríamos imaginarnos a Felipe II sin sombrero?


Retrato imaginario de Felipe II, Número 3 - 1967 - Antonio Saura



Escultura a Largo Caballero en Madrid. Ahora se han fijado en ella los tontos


Cuando el escultor José Noja Ortega realizó la obra dedicada a Largo Caballero en Madrid nunca pensó que su trabajo pasaría a ocupar más información por su destrucción que por su trabajo en sí mismo. Son cosas de esta sociedad inculta a la que hemos llevado casi al abismo.

Lo de menos es saber quién fue Francisco Largo Caballero ni por qué está junto al Ministerio de Trabajo. Lo importante para los tontos de la incultura es joder al que consideran enemigo utilizando la historia. En breve nos liaremos —tras Colón y las figuras del siglo XX— con las figuras de los romanos, o las religiosas, para terminar destruyendo las pinturas rupestres, pues vete a saber con qué intenciones las hicieron. 

¿Pero estas prácticas no las habían realizado hace poco los fanáticos de una religión y nos pareció una barbaridad histórica?




Los fantasmas de Dalí y Duchamp se hablan, pero no se entienden


Podría parecer que el Humor no tiene mucha cabida en un blog de Arte, pero es un error, por un lado porque el humor es muchas veces Arte con propiedad para ser tratado de Arte. Pero si además habla de Arte Contemporáneo, más todavía.

Encuentro entre los fantasmas de Dalí (Don Salvador) y Duchamp (el provocador Marcel). Viñeta de El País Semanal

Enhiesto surtidor de sombra y sueño… el ciprés esbelto


Todas las culturas tenemos nuestros árboles para vivir y morir, para abrazar o dejarse abrazar. Derechos o copiosos, esbeltos o secos, grises o de colores. Es la naturaleza de la que venimos, a la que volvemos, de la que vivimos.

Gerardo Diego como poeta trabajó muy bien el modernismo que rompía con el simbolismo clásico para adentrarse más en ese mundo casi surrealista que otros trabajaron mucho más que él como Vicente Aleixandre.

Pero Gerardo Diego nos dejó bellos ejemplos de esa nueva poesía nada empalagosa que se adentra en la Poesía Visual, en el dibujo con palabras, en elegir las menos palabras posibles para decir lo más posible.


Nota.: Las imágenes son de Luis Iribarren



Puerta de un escritorio en taracea, del siglo XVI


De finales del siglo XVI podemos ver este trabajo de ebanistería o taracea en la puerta de un escritorio posiblemente de un taller flamenco o alemán. Mueble de taracea en madera de pino, nogal y otras maderas, que estuvo en la Iglesia de San Juan Bautista en la localidad de Villafrades de Campos en Valladolid. Trabajo con las herramientas de aquellos siglos, realmente costoso.

Mayo 1904-1992, de Soledad Sevilla una idea de luz


La artista valenciana Soledad Sevilla montó en Almería y luego en Sevilla una instalación para mostrar sobre las arquitecturas desprovistas de sus decorados por expolio, una proyección de lo que se conserva en el Metropolitan de New York sobre las paredes desnudas. Es recrear, es soñar, es reconstruir con luz lo que por dinero se llevaron y se vendieron.

Cien años después nos queda la idea, el proyecto, la luz de lo que en su momento los coleccionistas compraban y vendían para satisfacer sus impulsos de Dioses. Era la recuperación de un patio perdido, era el jugar a ser otra vez dioses para devolver la usurpado a base de luz  y miradas.

Abstracción de luz, de emociones y miradas, de volver a construir ideas para comprobar que se puede (se tiene que…) seguir soñando.

Hace 50 años Mari Chordà creo este Juego Arte para niños


La artista tarraconense Mari Chordà Recasens realizó en el año 1969 este "Juguete para Ángela", una escultura en madera policromada con diferentes formas y colores, que en algunos aspectos recuerda a algunas formas de las creaciones de Jean Arp, poeta y escultor franacés.

Esta pintora, poeta y activista sociocultural feminista dedicó esta escultura casi juguete para motivar en el Arte a su propia hija. Un ejemplo muy sencillo de que con piezas y un lienzo se puede provocar que los niños vayan montando diversas figuras abstractas, dominando el espacio, combinando colores, llenando o vaciando las diversas zonas de un mismo espacio. 

La idea no es presentar al niño unas figuras reconocibles que pueda montar sobre una base, sino al contrario, figuras geométricas sin formas definidas, que se puedan emplear para hacer trabajos figurativos o trabajos abstractos de muy diversa escuela.

Dar, Recibir y Devolver. Obra de Laia Argüelles, premiada por la DPZ


La joven artista zaragozana Laia Argüelles nos plantea en el Premio Isabel de Portugal de la DPZ un tríptico, tres obras independientes a modo de carpetas (o cajas) en un cuaderno en impresión tipográfica que titula "Dar, Recibir y Devolver". Tres obras en una, que posiblemente quieran trasmitir los distintos caminos que se dan entre ese dar, recibir y devolver, las diferencias entre los tres pasos del intercambio.

La Diputación Provincial de Zaragoza dio este año de la Beca de artes plásticas y visuales Casa Velázquez a Laia Argüelles, elegida entre 18 aspirantes y que llevará a cabo el proyecto 'Nadar-Flotar-Hundirse' entre este septiembre y julio del 2021.

Casa Velázquez es una institución francesa con sede en Madrid y esta beca (dotada con 12.000 euros) supone que la artista disfrutará de un estudio propio en ella y podrá convivir con otros creadores que residen en allí, tanto españoles como franceses. El primer artista becado por la DPZ fue el oscense Pepe Cerdá en el año 1989.

Zaragoza y sus calles con poesías urbanas



Poesía Urbana dedicada a la Infancia - 2020 - Zaragoza




No sabe lo que es. No lo sabemos nadie


No sé lo que soy. Lo de artista es una pretensión. El arte, por llamarlo de alguna manera, se posa donde quiere, cuando quiere y cuando menos lo esperas.

                 Gonzalo Suarez, escritor y director de cine.

¿Por qué no queremos que el Arte Actual permanezca?


El Arte del siglo XXI tiene mucho de efímero, de líquido, de construir y deconstruir. De montar y desmontar para que nada quede. Es como un Arte inseguro, débil en su autoestima pero potente en sus formas, sin deseos de perdurar ni de permanecer con sus huellas en el tiempo. Es como si el Arte del Siglo XXI (y el final del siglo XX) deseara pasar desapercibido, consciente de que no se entenderá en el futuro.

La mayoría del Arte Contemporáneo que ahora creemos poner en valor es una mezcla de Arte imposible de mantener en el tiempo. Daría igual si son animales dentro de formol, montajes de elementos naturales rodeados de arenas y polvo de ladrillos, si son frases en una pared o Arte Urbano. 

Mientras seguimos descubriendo maravillas egipcias en las tumbas o mosaicos romanos en palacios, el Arte posterior lo vamos creando todos para que no permanezca. Dese Arte digital a montajes que desaparecen cuando se baja el telón, desde juegos de elementos sobre una mesa o en el suelo a formas de luces y espacios que configuran montajes de escenas efímeras.

¿Por qué no queremos que el Arte Actual permanezca? ¿No será que estamos totalmente convencidos de que no tiene valor?