André Elbaz nos presenta en 184 urnas funerarias, parte de su obra

El artista marroquí André Elbaz nos presenta aquí una obra suya titulada "Las urnas" con 184 urnas funerarias que están llenas de trozos rasgados de pinturas y dibujos del artista, que ha destruido por diversos motivos. Es una demostración de la muerte de todo, también del Arte, de la creatividad, de la sociedad, de la paz, de sus ideas e ideales.

Estas obras las realizó como reacción a los atentados del 11 de septiembre de 2001 en los EEUU, el ataque corrdinado y terrorista entre otros a los emblemas de los EEUU.

¿Qué queda tras la destrucción de lo que considerabas importante, fijo, casi eterno?

¿Qué se esconde debajo de la realidad de lo bonito?

Las técnicas para transmitir ideas son tan variadas que nunca dejamos de sorprendemos. En este caso y dentro del trabajo del marroquí Mustapha Akrim podemos ver un trabajo hecho con un andamio a modo de pared estucada al que han abierto un hueco y le han encolado una fotografía entre el estuco y la pared del fondo. Forma parte de un trabajo que llama "Historias Pluscuamperfectas" hecho entre los años 2018 y 2021.

Son imágenes de guerras, de conflictos contra la personas que enmarcadas dentro de esas roturas y destrozos cobran un dramatismo más remarcado, más duro. La fotografía detrás de un enlucido de pared, pero rota, deja ver que siempre detrás de lo limpio y organizado se esconde el dolor y los dramas que siempre quedan tapados en los conflictos.

Lo más curioso de este trabajo en el que el artista invita a los espectadores a rascar la pared, el estuco de la misma, pues en toda ella hay debajo fotografías que están esperando ser descubiertas. Vemos la verdad que queremos ver los que nos decidimos a rascar lo hermoso, pero que tapa la realidad.

5.000 años de Arte en Jabugo, Huelva

Hace unos 5.000 años al menos, era ya habitual que en las cuevas en donde se vivía se utilizaran ídolos simbólicos como si fueran Dioses a los que adorar. El Arte prehistórico ya existía como existía la religión y ambos muchas veces han ido de la mano. Simbolismo necesario para convencer a la sociedad, y Arte para dar forma a ese simbolismo.

Este ídolo es de una cueva de la localidad de Jabugo en Huelva, hecho en pizarra. Ya se observan técnicas de raspado, de construcción en relieve de los detalles, de una creación simétrica algo tosca y un uso de las imagen de los ojos como elemento casi perturbador. Puede ser un animal, una especie de búho, pero también una personas con máscara o/y con unas vestimentas de rituales, que infundieran poder y diferencia con el resto de las personas que allí vivían.

Estos ídolos no nacen para ser adorados sin intervención de otras personas. Siempre hay alguien entre los habitantes de la cueva y ese supuesto Dios, que ejerce de intermediario, de brujo, de sacerdote, que jugaban con el teatro de los miedos y las creencias.

Ana Mendieta y un dibujo significativo

La cubana y norteamericana Ana Mendieta que desgraciadamente estuvo muy pocos años creando obras de arte, estudió avanzada la mitad del siglo XX Arte en la Universidad de Iowa en donde abraza nuevos lenguajes de expresión en escultura, dibujo, pintura y vídeo abriendo camino a las performance para hablar de problemas sociales, sobre todo de la mujer y la discriminación racial de aquellos años en los EEUU. 

Entre finales de los años 70 y principios de los 80, hasta su fallecimiento en muy extrañas circunstancias, trabaja el Arte Feminista con fotografías, dibujos, arte con tierra o vídeos. Desgraciadamente al fallecer con 37 años es imposible adivinar hacia dónde hubiera seguido su obra y sus caminos abiertos. 

Aurèlia Muñoz y sus obras textiles que llenas espacios

Esta es una obra de las artista catalana Aurèlia Muñoz que de forma escultórica y utilizando cuerdas o telas, juega con las texturas, los espacios, las formas que dominan esos espacios a veces creando tensión para llenar los vacíos. Toda su obra, bien iluminada, crea ambientes de reflexión que son claramente artísticos.

No fue una simple decoradora de espacios como a veces se dijo, sino una artista que creaba obras que llenaban espacios sobre todo en el  siglo XX. 

Una constructora de tapices en tres dimensiones, que con sus volúmenes se escapaban de la pared para llenar incluso habitaciones enteras. 

El Arte Textil, muchas veces poco valorado, es una expresión a la altura de otros materiales, aunque se haya utilizado poco y se considera un material efímero. 

En el techo de los soportales de Bilbao, hay sorpresas

En los soportales que hay enfrente del Mercado de Abastos de Bilbao, del Mercado Central, si miras a los techos de esta zona con soportales te puedes encontrar obras artísticas maravillosas que no siempre observamos, pues hay que levantar la cabeza. El urbanismo nos cobija con Arte Urbano en el Bilbao más turístico de antes, no del de ahora.

Bilbao es una ciudad para perderse, y sobre todo para ir encontrando pequeños lugares escondidos.

Paisaje de Madrid de Salvador Dalí

No es fácil adivinar que esta obra es de Salvador Dalí, es un cuadro de Dalí de joven, de entre 18 y 19 años de edad. Es un cuadro que se escapa de las claras influencias surrealistas de Dalí, entra en el puntillismo y el cubismo, se aleja del figurativismo, y aunque su título nos da algunas pistas —Paisaje de Madrid— y por ello sabemos que es un paisaje, posiblemente desde alguna ventana de la Residencia de Estudiantes en donde pernoctaba, pero escapándose del dibujo que tan bien realizaba y buscando más el color, las formas, los impactos visuales.

Todos los artistas cambias sus técnicas, sus modos, sus temáticas a lo largo de su obra, todos abrazamos algunas formas que vamos olvidando para caer en otras. Aprendemos precisamente de practicar y de elegir.

Alcantarilla en Tokio por Pokemon

Encontrar alcantarillas originales en Japón, en Tokio, es muy sencillo, pero que estén limpias y conserven todos sus colores ya es algo más complejo, y poderlas fotografiar sin gente depende de las calles o barrios. Esta alcantarilla es de Tokio y es un "casi" anuncio de Pokemon. En realidad es mobiliario urbano en el que han utilizado un toque artesanal, casi artístico, para embellecer el suelo.

Desde Tokio, la fotografía es de @b3ndesuka

La importancia del Arte en los niños. Practicar y aprender practicando

Aprender a dibujar y pintar con pocos años es imprescindible para que aprendan psicomotricidad fina y gruesa, para que aprendan de colores, para abrir su imaginación y para que sepan dominar los espacios en blanco de una hoja o la colocación de las formas en ese espacio. 

Casi lo de menos es que aprendan a dibujar bien, pues eso viene de practicar, de exigirse así mismo que algo se parezca a algo, sea real o imaginativo

Un Robot Pintador, declarándonos la Guerra

En los Artes Urbanos diseminados por las ciudades puedes encontrar pequeñas obras, como ninot en dos dimensiones, que te llaman la atención enseguida. Este Robot Pintador, que asemejar ser un Rey del spray es uno de esos. ¿Será un autorretrato? 

Advierte de que viene de una cápsula espacial que es "La Guerra" pero no sucede nada, guerras hay tantas que ya no importan si vienen en amarillo o si son secretas. Como en los cristales de las gafas se reflejan las calles zaragozanas, podemos asegurar que no es un futuro (o presente) distópico e imposible, sino que este Robot Pintador está deseando actuar ahora mismo.

Los 76 días de Susana Blasco

La artista aragonesa Susana Blasco dice de ella misma que es diseñadora gráfica, ilustradora, collagista, afiladora de cuchillas, zaragozana, londinense, bilbaína y cualquier cosa que le apetezca. Amante de piedras, papeles y tijeras. Colecciona fuegos lentos. Le gusta el juego y el vino y tiene alma de marinero.

Sus trabajos fotográficos, claramente surrealistas muy reales, es de admirar y de seguir de cerca, pues en la línea del fotógrafo Chema Madoz, ejerce un punto de vista muy actual y osado.

La obra que vemos se titula "76 días".

Censurar portadas de disco es de idiotas sociales

Esta portada del disco O Zaguer Chilo Vol. 5 ha levantado polémica en Aragón por la retirada de su web por parte del Ayuntamiento de Zaragoza, a instancias de VOX que la considera ofensiva. Vemos a una joven mujer en cuclillas, con el traje aragonés y orinando en la calle. No voy a entrar en el buen o mal gusto de esta obra que he servido para publicitar un nuevo disco con música en aragonés de 20 grupos de Aragón.

En realidad esta portada bebe de otra portada similar del año 2001 que el grupo aragonés Ixo Rai! hizo para su disco "Con el agua al cuello" en donde también se veía a un hombre joven aragonés, orinando agachado. 

Censurar portadas de discos puede ser el inicio de una tontería peligrosa. Si a los posibles compradores o simpatizantes de esta música les desagrada la imagen, el diseño, lo habitual es que como ya son adultos, no quieran comprar el disco. Así que cualquier ocasión de censurar un diseño me parece de idiotas, pues es tratar a la sociedad como a críos de parvulario. 

Puede gustarnos mucho, poco o nada, pero ya somos adultos para decidir qué compramos, qué vemos, y qué nos deben mostrar en el Arte y en los diseños. Estar bajo el yugo de los que mandan, para decirnos qué debemos ver y qué debe estar prohibido, es muy peligroso.

Por cierto, mear, lo que se dice orinar, lo hacemos todos. Incluido el censor.

Pepe Viyuela y su Tartufo, un lujo de Arte Teatral

Volver al teatro como espectador tras unos meses apagado, es volver a la vida, es reencontrarte otra vez con el Arte más vivo, más presencial, una de las formas más antiguas de crear Arte y de vivirlo y compartirlo. Estuve viendo Tartufo de Moliere, interpretado entre otros por Pepe Viyuela, una readaptación del clásico que conserva perfectamente la historia, que se mueve en una modernidad muy bien estructurada, nada aburrida, y aunque mantiene el verso en sus textos clásicos, sabe jugar con los espectadores y llevarnos a su punto de vista actualizado.

El trabajo de Pepe Viyuela es muy bueno, alejado de histrionismos, el de María Rivera es —dentro de su papel menor— un trabajo muy bueno, dentro de una decoración muy bien elegida con algunos pequeños defectos en el sonido, sin ninguna importancia.

Quiero destacar una pregunta con su respuesta de la obra de ayer por su contenido básico en la obra y en lo que representamos todos en esta vida. La respuesta no es del todo correcta por su tamaño, pero posiblemente lo es por su clave.

—¿Pero quién es Tartufo realmente?

—Tartufo somos todos.

Alejandro Monge y sus dineros de verdad

Hace ya una década que descubrí a Alejandro Monge en una exposición de pintura, de un cuadro retrato en concreto, que me señalo su gran arte y capacidad para encontrar miradas y transmitirlas al espectador. Poco a poco he ido describiendo su faceta de escultor y pintor, por separado o mezcladas ambas técnicas de creación, y este aragonés ya internacional sabe jugar con sus miradas y con las muestras, para provocar. Y que cada uno se provoque con lo que quiera.

Este buen montón de dinero real, no sirve para comprar nada que no sean sensaciones. Es dinero real pero no es de papel. Pero nadie dijo que el dinero tenía que ser de papel, de hecho ahora ya nos pagan y pagamos a golpe de "clic" y a todos nos parece maravilloso. 

Es dinero real porque nos lo creemos, sabemos que estamos viendo dinero, pintado pero dinero, pues nadie ha visto nunca tanto junto, excepto en este caso de dinero de verdad. Todo es de verdad en la vida, incluso todo a veces puede parecernos de mentira. Eso depende del momento, de la situación, de las ganas que tengamos en dejarnos engañar. 

Y sí, el Arte está para engañarnos, pero para engañarnos y provocarnos positivamente. 

Un barco de hotel, decorando la vida

Hay una gran extensión del Arte sencillo, del que no aspira a pasar a la fama sino a ser agradable, sencillo, arte casi decorativo que es también una manera de alegrar las vidas urbanas o de estancias en donde hay que estar mucho tiempo.

Son detalles con miradas originales como este cuadro acuarela de una marina puesto en una habitación de hotel. Este espacio puede ser una gran sala de tranquilidad, y es seguro que esta obra es mirada por más segundos de los que le dedicamos a cualquier obra famoso en una visita a un Museo de nombre conocido.

Es un ejemplo de la relatividad de los objetos y de las decisiones que tomamos sobre ellos. 

Hay que aprovechar las tardes de café y las noches locas

Desde el año 1996 el grupo musical La Fuga de Reinosa (Cantabria) van desgranando música y textos para en sus más de 500 conciertos a sus espaldas en una decena de giras y con nueve discos publicados regalan rock and roll y sensación de tener que seguir vivos a costa de lo que sea. 

Este texto lo pillé en un bar zaragozano, y nos habla utilizando una letra de La Fuga, de eso, de aprovechar las tardes de café y las noches locas. Eso es vivir y vivir mejor de lo que abunda por el mundo actual, duro y casi distópico.

Flores del maíz, de la artista Despa Hondros

Esta obra realizada por la artista australiana Despa Hondros se titula "Acianos" o "Flores del maíz" y realizado en 2021 es un dibujo hecho con grafito y lápices de colores en un tamaño algo menor al A3.

La obra de Despa Hondros refleja los bloques de construcción de los fenómenos naturales, utilizando formas elementales. Sus dibujos invitan al espectador a reflexionar sobre la variación ilimitada que existe en estructuras naturales y originales aparentemente idénticas tanto a nivel micro como macro.

Su deseo obsesivo de representar esta sutil variación, produce obras que atraen al espectador a examinar más de cerca el dibujo y ser recompensado con la complejidad y el intenso detalle de la imagen.

Hondros ha mostrado sus obras en una serie de exposiciones en Australia, incluyendo Brightspace Gallery, Victoria, Long Gallery, Hobart, Tasmania, Adelaide Perry Gallery, NSW, Mornington Regional Gallery, Victoria, 45 Downstairs Gallery, Melbourne y Flinders Lane Gallery, Melbourne, entre otras. 

También fue finalista de una serie de premios de arte, incluido el Premio de Arte de Ciencias Naturales Waterhouse 2014, Australia Meridional y el Premio Hutchins 2015, Hobart, Tasmania.

Pablo Picasso y un dibujo de un preso de Auschwitz

Pablo Picasso asistió al Congreso de Intelectuales en Defensa de la Paz en el año 1948 en Bratislava para conocer de primera mano los desastres, las barbaridades de los campos de exterminio de Alemania en la II Guerra Mundial. Aquellos días visito el campo de exterminio de Auschwitz y siete años después creo un dibujo de un preso para un cartel que iba destinado a conmemorar el décimo aniversario de la liberación del campo.

Esta es una litografía del año 1955 que se conserva en el Museo del campo de exterminio de Auschwitz Birkenau.

Abraham Walkowitz e Isadora Duncan en una misma obra

Este expresivo dibujo lo realizó el siberiano ruso americano Abraham Walkowitz en el año 1906, y representa a la bailarina Isadora Duncan. Una bailarina que revolucionó las formas de moverse en el escenario, mezcla de baile y gimnasia que por aquellos años no se conocía ni practicaba. Era danzar con la vida, moverse a ritmo muy rápido, que posteriormente se ha ido copiando, pero de los que Isadora fue precursora.

Abraham Walkowitz fue pintor y dibujante, modernista y abstracto, y tuvo que emigrar muy joven a los EEUU desde Rusia por motivos religiosos de su familia, en donde estudió en New York

Abraham Walkowitz dijo de Isadora Duncan: "Ella no tenía leyes. No bailaba de acuerdo con las reglas. Ella creó. Su cuerpo era música". 

Se conocen unos 5.000 dibujos de la bailarina Isadora Duncan, realizados por Walkowitz, a quien conoció en el estudio de Auguste Rodin en París en 1906.

En 1909 comenzó a hacer aguafuertes y durante la siguiente década produjo numerosos monotipos, a menudo eligiendo como tema los edificios de la ciudad de Nueva York y las vistas al río. También exploró el tema de la ciudad de Nueva York en dibujos al carboncillo.

¿A veces hay que dosificar la libertad individual?

Pocas veces ponemos detalles literarios, pequeñas luces y frases de algunas obras poco conocidas. Esta es del autor Oliverio Constante, de su relato corto "Un alto en el vacío" publicado por la Comisión de Mujeres del Picarral de Zaragoza en el año 2002.

¿A veces hay que dosificar la libertad individual? Bueno, nos lo podemos preguntar, y en otro momento todos nosotros respondernos.

Luis Gordillo y la distancia y el color

Entrevistaba en El País al artista Luis Gordillo y comenzaban con estas dos preguntas.:

P. ¿A cuántos metros hay que mirar sus cuadros?

R. A distancia, seis metros. Yo me alejo de ellos para pintarlos.

P. ¿Así que se pinta con el ojo, no con la mano?

R. Efectivamente. Sirve para acertar con el color. Yo soy muy anticuado en eso. Puedo tardar mucho tiempo en fabricar un tono. Yo en los setenta partía de dibujos, hoy eso no tiene nada que ver con lo que hago ahora. Antes de empezar un cuadro tengo montones de imágenes en mi cabeza. O alrededor: fotografías, recortes de prensa. Todo ese material se convierte en un collage y de ahí proyecto algo.

Ambos temas me parecen interesantes, diferentes, pero que llegan al núcleo del Arte. La "distancia" y el "color". ¿Cómo crear un color en la distancia, para ver en la distancia, rodeado de otros colores que le influyen? Ningún color es como se crea, sino como lo vemos, influido por el resto, por la luz, por los contrastes, por sus formas. Es poco diferencia, pero se agranda cuando nos alejamos, cuando tomamos conciencia del espacio entre nosotros y esa mancha de color.

Arriba podemos ver un grabado de Luis Gordillo titulado "Alucinado".

Los pájaros muertos, de Pablo Picasso

Esta obra de Pablo Picasso se titula "Los pájaros muertos" y fue pintada en el año 1912 en óleo sobre lienzo. Un clásico bodegón cubista de Picasso de color apagado en donde muestra diversos objetos desde una perspectiva frontal y única, sin relieves en un espacio casi plano lleno de formas geométricas. Se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Un árbol con 24 años encima de mis huesos

A lo largo de la vida de cualquier personas que nos podemos dedicar al Arte desde diferente perspectivas, hay cambios de tendencias, de modos, de técnicas. En mi caso desde una pintura más figurativa, bodegones o no, me escapé hacia un surrealismo de doble mirada, casi poético, para luego irme hacia este expresionismo que casi es con el que acabé mi periodo de pintura, con algunos intentos de crear texturas con formas, antes de volver a caer prendido de la fotografía con la que comencé hace más de 50 años. Una barbaridad. Simples aficiones.

No está claro qué nos mueve a los pintores, a los creadores, a cerrar etapas y abrir otras. Posiblemente cada uno de nosotros tendremos unas motivaciones. La fecha de cada cambio es posiblemente un indicativo interesante para descubrir motivos. Pero creo que en el fondo, sea fotografía o pintura surrealista, se sigue hablando de las mismas cosas, o al menos el autor cree hablar de las mismas cosas, creemos estar expresándonos igual, con el consiguiente peso de los años.

Ilustración infantil del zaragozano Edu Flores

La ilustración de cuentos infantiles es un Arte de diseño y de creación, no del todo valorado. Hay que ser sinceros en esto. Como tampoco lo es todavía ni el clásico tebeo o las historias ilustradas para adultos. Ni quiere ser reconocido como literatura con mayúsculas, ni como arte pictórico o visual. Aunque cada vez más, se valora la calidad de muchos de los trabajos que se van presentando al mercado en todos los modos posibles.

Esta ilustración es del cuento infantil "Diaño de Alagón" una publicación animada desde el propio Ayuntamiento de Alagón y desde el Centro de Estudios e Investigaciones de Alagón, que con dibujos de Edu Flores y textos de Daniel Sancet Cueto han logrado un producto muy interesante, para niños y amigos de los niños.

El zaragozano Edu Flores es un ilustrador curtido en muchos trabajos de dibujo para libros infantiles con algunos premios en China, los EEUU e Italia. 

¿Activos y libres? ¿Y además dejarnos llevar?

No tenemos nada claro qué nos puede suceder si nos pudiéramos meter fisicamente dentro de un libro, si nos sintiéramos envueltos por las páginas, por los párrafos, si a nuestro alrededor tuviéramos todo el texto del mundo, casi imposible de leer. ¿Por dónde empezamos?

El Arte y las instituciones que creen en él como vehículo de transmisión, deben plantear a la sociedad cualquier escenario. Y que luego esa sociedad en forma de espectadores, elijan, decidan, seleccionen. 

Las personas debemos ser activas para dejarnos llevar. Algo que parece una dicotomía. ¿Activos y libres? ¿Y además dejarnos llevar?

Y para que eso suceda nuestra libertad debe estar constituida por la libertad de elección. 

Y para ello debemos tener diversas opciones de elección. 

Se puede ser libre, dejándonos llevar…, si antes hemos podido elegir libremente de quién nos quedemos dejar acompañar. 

Y eso puede, debe, ser el Arte. 

Múltiples opciones, que se impliquen y nos impliquen para que decidamos si quieres elegir una, que te ofrezcan diversas posibilidades de elección y de cambio según tú vayan cambiando. O que incluso te den la opción de no elegir ninguna.

Sumi-e o suibokuga, arte oriental hecho con tinta

El sumi-e o suibokuga, dibujos realizados con tinta tuvo su origen en China hace unos 1.400 años aunque su máximo esplendor rondó los siglos X al XIV que es cuando salió de China y se instalo en Japón de la mano de los monjes budistas Zen, haciéndose muy popular y creciendo en calidad y tradición, alcanzando su máximo exponente entre la sociedad del siglo XVI.

Normalmente se utiliza solo tinta negra que se flota sobre una piedra que hace de especie de lija y el polvo resultante se mezcla con agua hasta obtener grises o negros. Pero ahora ya es muy habitual utilizar tintas rojas y de otros colores.

El pincel en un principio era de pelo de conejo, tejón, ciervo, cerdo o incluso pelos de los bigotes de ratas, atados a un mando de caña de bambú.

Se pinta a pulso, a mano alzada sin apoyar la mano en el papel ni usar apoyos de madera y de una forma muy rápida para —dentro de la seguridad del trazo— lograr viveza y espontaneidad.

Son pinturas simples, casi siempre de naturaleza, reflejando el espíritu del artista en sus composiciones y en donde los vacíos, los blancos, tienen la misma importancia que el color, que la mancha. Se realizan en materiales muy alargados que luego se enrollan o se enmarcan.

La imagen que dejo es del artista japonés Kousei Takenaka y no es un sumo-e puro pues emplea algo de color en ciertos ejemplares. El original tiene bastante más blanco, papel, tanto por arriba como por abajo, lo he recortado para ver mejor los detalles de la obra.

Eusebio Sempere jugando con el color y la luz, de forma muy sencilla

De Eusebio Sempere esta obra del año 1950 en acuarela sobre papel "Sin título", una ora de Arte no figurativo en donde quiere jugar con el color, la luz, los espacios, con planos y líneas simples que se quieren mezclar sin tocarse, buscando colorear esos espacios casi superpuestos según a qué distancia se observen. Elementos simples, alegres, fáciles con los que busca una profundidad sin sombras, como jugando con el color para obtener esa profundidad. 

Ayudad a Madrid. Cartel de la Guerra en España

Dentro de estos pocos carteles que estoy dejando en los últimos días, los de la Guerra Civil en España ma parecen muy ilustrativos del diseño sencillo, fácil, efectivo, moderno para su época, en donde se utilizaba no solo ese espacio artístico del diseño rápido, sino además el mensaje acompañado de texturas o de colores.

Este cartel pedía ayudar a Madrid y a su defensa, para intentar ganar la guerra desde el envío de trenes, camiones con soldados y armas que debían enviar desde otros territorios, colocando sus banderas como señal. 

La Junta Delegada de Defensa de Madrid, encargó el cartel al sindicato de Bellas Artes de UGT y lo diseño Rivadeneira. 

Dentro y Fuera. Dibujo de Ugo Guarino

Es un doble dibujo del libro "Lo inadecuado" publicado en el año 2011 con dibujos del pintor, escultor y dibujante Italiano Ugo Guarino que realizó entre los años 1977 y 1980. No hay nada que explicar, es sentido común, es ese cuidado que no siempre tenemos, para discernir qué es verdadero y qué es manipulación de los que nos dominan.

Los primeros éxitos artísticos de Ugo Guarino son a finales de la década de 1940, cuando participa en una exposición colectiva que tiene lugar en Trieste. Lino Carpinteri, director de La Cittadella, un periódico satírico de la ciudad, reparó en su obra y lo invitó a colaborar en sus páginas. Ya en julio de 1945 bajo la apariencia de un periódico estudiantil titulado "Caleidoscopio", nace este periódico que rápidamente se ganó la simpatía de un público vasto y leal también por su línea editorial y política caracterizada por el rechazo de cualquier condicionamiento ideológico. También en Trieste, pero ya en 1953, tendría la ocasión de mostrar sus dibujos en una exposición individual. 

En aquella época, Ugo Guarino bebe del arte italiano y europeo de su tiempo, gracias a sus constantes visitas a la Bienal de Venecia. Recordaba, con no poco entusiasmo, la muestra de Pablo Picasso que pudo verse en el Palazzo Reale de Milán. Sus formas de ver la sociedad le van llevando hacia la ilustración social, hacia ese trabajo de denuncia crítica imaginaria pero real, literaria y surrealista a veces.

Manolo Quejido y un cartel de 1982 para un Festival

El artista sevillano Manuel (Manolo) Quejido Villarejo, pintor y diseñador al que el Museo Reina Sofía de Madrid le dedicará una gran exposición el próximo mes de octubre de 2022 en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro, realizó en 1982 este colorido boceto para el cartel del Festival de Primavera del Museo Español de Arte Contemporáneo, con esos iconos y guiños de aquellos años de movida, con motos y velocidad.

Integrante de la llamada Nueva Figuración de Madrid forma parte de ese grupo de artistas de los años 70 que trabajan los inicios de la función social del Arte desde donde trabaja la provocación, el Pop Art y unos nuevos expresionismos que a veces van llegando ya desde los EEUU.

Cartel de la Guerra en España, del año 1937

Recordando lo que sucede ahora en Ucrania me ha venido al recuerdo la España de la Guerra mal llamada Civil. Una guerra llena también de arte y de carteles, para intentar motivar y dar razones. En realidad como en Ucrania, solo hay sangre, muertos, destrucción y sinrazones.

En esta cartel del año 1937, con un año de guerra ya, se animaba a los militares y a los campesinos a que se fueran al frente de batalla, para defender una República ya muy herida. Este cartel se fabricó en Cataluña, diseñado por Puyol en el verano de ese 1937.