31.5.20

La belleza es imposible de clasificar. Una simple hoja

A veces la belleza está en una simple hoja de zarza, de mora, de una simple maceta que intenta tener frutos y busca el sol para verdear. Pueden ser contrastes, colores, detalles o simple estado de ánimo del espectador. La belleza es imposible de clasificar.

30.5.20

Arte con Flores y Hojas Secas. Nueva forma de conservar la naturaleza

Hay pequeñas obras artesanas que deberían entrar en el mundo del Arte como otras técnicas bien reconocidas. Hoy os dejo una muestra de arte con flores secas. 

Otra manera muy antigua de crear belleza, que se utilizaba en Egipto, Roma o Grecia, en el Oriente para aprovechar las virtudes de tener cerca la naturaleza, bien como flores cortadas, cuadros florales o simples montajes de flores secas sobre una base para conservarlas más tiempo.

Con técnicas de prensado de flores y de conservación posterior se logran herbolarios que luego sirven para ir eligiendo ejemplares y ser utilizados como si fueran pinceladas de color y formas para crear composiciones naturales pegadas sobre bases de papel natural.

29.5.20

¿Os apetece un cava por la mañana?

Vamos a empezar bien el día. Para desayunar una copa de cava ya filtrado, fresco y franco. Pero como ahora todo es virtual, no hay realidad que llevarnos a la boca pues incluso muchas de ellas suenan a falso, nos lo vamos a imaginar. Para desayunar casi mejor un cava rosado seco y natural. Catalán, por supuesto.

28.5.20

1490 en una prensa de uvas catalanas muy mayor

Fotografiar números es también una afición, una manía, un juego. Este 1490 es curioso pues su dueño dice que es auténtico, que si dice 1490 es porque se hizo en el año 1490. Es una prensa de vino de la zona de Blanes en La Selva, en Cataluña, y perfectamente cuidada para que no sufra más de lo debida está en un museo privado de una bodega de cava catalán. 

Quien trabajó esta prensa enorme de vino no sabía que América estaba esperando a ser América, con sus patatas, sus pimientos y sus oros. Cosas imposibles de imaginar.

27.5.20

¿Por qué los que nos hablan al oído son mucho más pequeños que nosotros?

¿A vosotros os han hablado alguna vez al oído? O incluso vamos a ser más reales. ¿Vosotros mismos os habléis hablado a vosotros mismos al oído?

Hablarse al oído es buscar nuevas perspectivas, escuchar o escucharte con nuevas propuestas. nadie habla al oído de nadie para decirle lo mismo. 

¿Por qué los que nos hablan al oído son mucho más pequeños que nosotros mismos? ¿Tan poca consideración les tenemos?

¿Es posible inventar ventanas e impedir asomarse?

Miles de personas asomándose a la vez a las… ¿pero si esas ventanas no permiten asomarse?

¿Cómo es posible inventar ventanas e impedir asomarse? ¿Para qué sirve una ventana si no es posible abrirla de par en par para que entre el aire?

En el piso 146 era imposible abrir la ventana, creo que para que no saltaran las ratas. O incluso las personas. Cosas de New York.

26.5.20

Un gorrión dormido en la ciudad más conocida

Incluso los gorriones se pueden dormir en New York. Cansados ya de mirar y ver, de volar y revolar, se duermen. 

Nada es bello eternamente, nada es capaz de ilusionar para siempre. 

Tenemos que estar constantemente buscando nuevos alicientes para seguir llenado las energías de conquista.

El aragonés Paco Rallo y sus confinamientos escultóricos

Hace tantos años que conozco al artista Paco Rallo que casi me preocupo por mi edad. Pero tuve la suerte por mi trabajo de conocer a muchos artistas aragoneses de los años 70 y 80, incluso algunos de los 90, como para saber que Aragón ha sido y es tierra olvidada pero muy fructífera a la hora de lograr que el Arte se mantenga y crezca con gran calidad. No voy a dar nombres, pero Paco Rallo estaría entre ellos aunque no haya ido mucho a New York.

La pandemia le pilló con una pequeña exposición en La Azucarera del Barrio Jesús. Una muestra que aunaba dos espacios. El suyo, el del artista que nos enseña sus obras y sus ideas profundas sobre la soledad o la relación entre personas, y por otra parte el espacio físico de la propia Azucarera que tiene la suerte de ir viendo poco a poco como le acuden artistas a dejarnos sus obras para poner en valor el espacio.

El Arte debe repartirse, impregnar los aires urbanos sea en la calle o dentro de edificios públicos. El Arte hay que enfrentarlo contra/sobre/con las personas para que habla o chille, para que sepa y quiera transmitir sus discursos.

El Arte Plástico y estático no goza siempre de las mismas posibilidades que el Arte en Movimiento, pues cada tiempo prima unas formas determinadas. Pero lo curioso es que el Arte EScénico se va en minutos, desaparece enseguida, mientras que el Arte Estático dura años, meses, horas cuando menos para ser visitado, sufrido o gozado.

Las ciudades deben recuperar su espacio como Museos Urbanos vivos, más cuando ya sabemos que será complicado en un periodo rápido, volver a las grandes exposiciones de muchos visitantes en importantes Museos. Pero la calle es de todos y para todos. ¿Por qué creemos que el Street Art está triunfando incluso como reclamo turístico en algunas ciudades?

El Arte debe salir a la calle, debe encontrarse al espectador. Y Paco Rallo sabe mucho de eso, pues no ha dejado de analizar el legado de su padre, y sabe también que a través del Diseño Gráfico del que tan experto es, la función es la de mostrar las ideas en la calle, no solo en espacios cerrados.


No sé cómo se llama esa enfermedad. Pero existe

Los arcos siempre han existido, incluso en el futuro imaginado. A veces se nos olvida que el primer arco fue el costillar de Adán aunque a veces dudo con razón sobre la existencia de un Adán tonto que comía manzanas. Y es posible que Dios fuera el primer artista creando arcos.

Este arco está —sin ser arco— en New York, y es obra de un español. Simplemente es que los españoles valemos mucho más solos que acompañados de muchos españoles. No sé cómo se llama esa enfermedad.

Los arcos son siempre Arte, incluso cuando decimos que algo "nos lo pasamos por el Arco del Triunfo" estamos haciendo arte verbal. Somos la leche haciendo arcos verbales.

La Cla o La Claca de Joan Miró de 1972

Esta obra de Joan Miró con casi 80 años de edad indica lo profundas que eran sus ideas sobre el arte, sobre el alfabeto que había elegido como motivo de vida para sus obras. Lo realizó en el año 1972 y lo tituló "Claca" que sería una palabra catalana que indica mas o menos "La Clá" o los aplaudidores. Ese ruido de cháchara, de aplausos que acompaña a una obra de teatro en algunas escenas o al final, pero que en realidad es un acto organizado, pagado o no, para que las obras tengan efusión.

Santiago Ramón y Cajal, investigador aragonés de la fotografía


Este autorretrato de Santiago Ramón y Cajal en su laboratorio de Valencia hacia 1885, como es lógico en blanco y negro pero coloreado a mano por Rafael Navarrete es la imagen de un hombre muy olvidado incluso en España, no en Aragón, que además de ser precursor en los estudios científicos, de la vacunación como método para prevenir enfermedades graves, fue un gran fotógrafo de laboratorio e investigador de la fotografía durante toda su vida.


El Premio Nobel considerado fundador de la neurología moderna fue también pionero de la fotografía en España. Estudioso de las funciones de la Cámara Oscura sin objetivos para proyectar imágenes una vez estudiando en Huesca siguió de niño investigando sobre los colores, sobre gamas cromáticas hasta que en la adolescencia conoció las técnicas del daguerrotipo y el colodión húmedo. La fotografía ya le acompañó todo la vida como mucho más que una afición que incluso utilizó en sus investigaciones científicas. 

Pero a su vez la fotografía fué un complemento económico pues junto a su esposa Silveria Farañás se dedicó a fabricar y vender placas de vidrio para hacer fotografías al bromuro gelatinoso. Escribió un libro sobre la fotografía en el año 1912 y siguió investigando sobre fotografía, métodos y procedimientos, durante toda su vida, insistiendo sobre todo en que la fotografía en blanco y negro se convirtiera en fotografía a color.

La imagen que vemos, un autorretrato de Santiago Ramón y Cajal muy aficionado a ellos para probar nuevos materiales, ha sido publicada por El País. 



25.5.20

¿New York es atractiva por ella o por nosotros al caer en sus trampas?

Podría ser cualquier ciudad pero era "la" ciudad, y cualquier cosa en ella sirve para asombrar aunque sea de lo más común. ¿Es atractiva por ella o por nosotros? Tal vez sea nuestra propia predisposición a dejarnos sorprender.

¿Se puede pecar de pensamiento? Y a mi qué me importa

Una simple textura nos puede llevar a pensar en sexo, en formas suaves, en recuerdos y pensamientos. Ahora que todo está tasado para que nada parezca la verdad y así poder jugar con mentiras, nos tenemos que ir imaginando todo de poco en poco, para no pecar. ¿Qué es pecar?

¿Qué tiene que ver una escarpia con un desnudo o con un grupo social oprimido?

Henrik Olesen es un artista danés que expuso en el Museo Reina Sofía de Madrid en el verano del 2019. Sus obras no pueden pasar desapercibidas aunque sean en muchos casos de pequeño tamaño. Utiliza materiales baratos y corrientes para elaborar mezclas, elementos simples, collages, carteles, textos, esculturas, instalaciones que parecen arquitectónicas y que examinan la cultura contemporánea y la propaganda social, cuestionando lo cotidiano en las estructuras familiares, la construcción de las identidades, los medios de comunicación, incluso la propia historia del arte.

No pasan desapercibidas porque para muchos espectadores son obras sin ningún valor. Hay que decirlo así de simple.

Al ver sus obras la primera impresión que se recibe es la de preguntarse: ¿Y esto es Arte para estar en un Gran Museo? Y la respuesta siempre es SI pues ya ha expuesto en los mejores Museos del mundo. En teoría la respuesta no contiene una verdad absoluta, pero hay que seguir explorando el asunto un poco más.

¿Es necesario plantear elementos artísticos y que sean reconocidos como de gran valor porque tienen 30 metros de altura y materiales nobles y caros, para reflejar una idea y que esta sea valorada por ser enorme? 

¿Es posible hacer lo mismo con unas simples y muy baratas cajitas de cartón de 10 centímetros de altura? 

¿El tamaño importa en el Arte?

A partir de esta simplificación del tamaño de la obra nos podemos plantear lo que deseemos sin mayores problemas. ¿Qué son los objetos cotidianos? ¿Pueden contener otras cosas, ser de otra forma, servir para otros cometidos?

¿Qué es una escarpia? 

¿Y cien escarpias? 

No, cien escarpias pueden ser una sola escarpia multiplicada por cien o un nuevo elemento que ya no tenga nada que ver con el uso de una escarpia. Es el uso y no la forma lo que da valor al elemento. Un elemento no siempre es la décima parte de diez elementos.

¿Puede ser una escarpia la representación de un cuerpo desnudo? Y en ese caso: ¿Diez escarpias serían en ese caso diez cuerpos desnudos o una multitud de personas desnudas ante el mundo, ante la opresión, ante la injusticia?

Lo voy a plantear más sencillo. La A para los occidentales siempre nos dice A. No entendemos otra explicación a la A. pero hay muchas otras formas de decir A. Desde los íberos a los árabes, chinos, etruscos o egipcios. No siempre la simple y fácil A es entendida como A. 

No siempre una simple escarpia puede entenderse como una escarpia.

La obra que vemos arriba está titulada: "Superficies pintadas a mano", es del año 2018, y se ha expuesto en Berlín, Madrid, Colonia y New York-


Iremos aprendiendo. O tal vez no

Poco a poco vamos recobrando la nueva forma de ver lo cotidiano. Es curioso que nos tengan que apagar la luz para que demos valor al sol y aprendamos a movernos en la oscuridad. Pero a veces necesitamos estar un poco desenfocados para que nos encontremos con lo que en realidad nos vale para seguir moviendo la rueda de la vida. Iremos aprendiendo. O tal vez no.

24.5.20

Si eres católico sufrirás mucho. Está escrito en el Arte

En el Arte hay que enfatizar, hay que demostrar que la idea es sublime y contundente, que lo que se quiere decir se dice sin ninguna duda y remarcando bien el mensaje. De eso sabia mucho la religión en años viejos, cuando explicaba el sufrimiento como redención de penas, cuando el pecado trae castigo y a veces repartido para todos.

Este Cristo es de la ciudad de Braga en Portugal. Sus heridas no dejan dudas, sufrió. Y se enfatiza, se remarca casi hasta la obscenidad. Muy pocas religiones (o ninguna) marca tan rotundamente los sufrimientos de pertenecer a ella como la Católica.

¿Qué esconden estos balcones portugueses?

No sabemos qué esconden estas balconadas de la ciudad portuguesa de Braga, seguro que mucha vida privada, mucha oscuridad, bastante calma y silencio. Maravilloso y a su vez curiosa balconada que invita a quedar atrapdo dentro sin querer mirar la calle. ¿Qué existirá dentro de ese cerramiento verde cían?

23.5.20

Portugal es el vecino amable. Un café en Braga

Un café en Braga, Portugal. Un lugar para la calma, el silencio, saboreando las letras y la tranquilidad. Portugal el calma, es también eficacia y suavidad. Portugal es el vecino amable. Es la música son sentimientos y el vino. Es el mar y los ríos conocidos que se hacen grandes. Portugal bien merece una visita para esconderse.

Decir NO es muy sencillo, son dos letras

No. No y no. A veces decir NO es complicado, por eso tendemos a esconderlo detrás de circunloquios complejos. Es muy sencillo. Decir NO son dos letras. Y si acaso luego… una explicación leve. Es mucho más complicado decir SI con responsabilidad.

Parece que vuelve el Madrid escondido, confinado. El de todos

Parece que vuelve el Madrid escondido, el Madrid confinado, el Madrid de todos. ¿Quién llego a pensar que Madrid era solo de los madrileños? 

Madrid es de todos y que lo veamos salir de su escondite debería alegrarnos a todos pues supone vencer la enfermedad.

Vuelve a alzar su estrella hacia el cielo buscando otra vez la normalidad de su historia. Simplemente eso.

Siempre nos quedará el placer de nuestras ciudades conocidas y reconocidas, cercanas o lejanas. Tras inventar la globalización (casi) todos tenemos decenas de ciudades que son nuestras. Y que incluso nos pertenecen pues una ciudad no tiene precio pero sí valor.

Volveremos pronto a Madrid para poder reconocer que somos capaces de vencer las dificultades.

¿El valor de una obra de Arte es su dificultad, sus técnicas, sus materiales?

Del escultor americano John Fisher vemos ahora una escultura que está en la ciudad portuguesa de Braga. Es una mujer desnuda y de costado, que en un principio parecía de mármol más estando colocada en un espacio público. Pero un desconchón accidental nos muestra que en realidad es de madera y luego lacada con polvo de mármol por encima para asemejar que toda ella es de una pieza de mármol.

¿Resta valor artístico a la obra que esté hecha en madera o en mármol? Pues si nos atenemos a la contemplación no, tendría que darnos igual si es un material noble o un trampantojo. Pero es posible (o no) que las autoridades públicas que encargaron la obra no supieran bien distinguir las diferentes técnicas de trabajo del artista. ¿Pagaron por mármol o por madera lacada?

Pero si volvemos al aspecto artístico, que sea más complejo o menos la técnica utilizada no resta valor a la obra. Un simple dibujo con plumilla puede ser una maravilla, como lo es una obra de Jackson Pollock aunque ya todos sepamos que es pintura chorreada encima de los lienzos. Ni el tiempo que se tarda en hacer una obra ni sus técnicas son elementos que deberían dar o restar valor.

Pero aquí entra el “mercado” que es quien pone precio, confundiendo precio con valor. Y ya no caben muchas más opiniones. En cualquier caso esta obra de John Fisher necesita una reparación (algo complejo por derechos de autor en todas las obras artísticas) para que siga pareciendo que está hecha en mármol.

22.5.20

A veces las texturas dejan huecos para pasar el color

"Soldaduras estañadas" - 2019 - Zaragoza




Una bailarina alargando su brazo. Una sombra

Es un gesto. Es una sombra. Es Miró. Es una escultura en bronce que no vemos. Es la expresión de un movimiento. Es una bailarina alargando su brazo para demostrar que el movimiento de una escultura produce sombras. Es simplemente Arte. Una mirada.

Simplemente la nada, aunque debajo haya algo

Simplemente 00, doble cero, la nada remarcada, el vacío dejado escrito para que lo veamos bien. 

¿Y qué existe debajo del vacío, de la nada? 

Posiblemente otra nada. 

¿Es posible tener varias nada? 

Si hay varias tal vez ya no sea nada sino algo que se multiplica.


No queda claro qué es. Pero lo parece

Corte Rotura. Pedro Gato. Basura. Podría ser lo que es, pero no queda claro. De cualquier manera es Diseño e incluso Fotografía.

21.5.20

¿Para qué creemos que sirve el Arte? ¿Sólo para crear Arte?


"Si el objeto del Arte es el objeto del Arte, 

entonces el Arte no existe fuera del Arte"

¿Para qué creemos que sirve el Arte? ¿Sólo para crear Arte? Es poca cosa, el Arte trasciende fuera del Arte y por ello estamos seguro que su función no es simplemente crear sino mostrar, hablar, expresarse, intervenir, incluso interferir en la marcha de todos nosotros.

Otra cosa es que todos nos demos cuenta de ello. 


Lo bueno del Arte es que a veces juega con los silencios y pueden pensar (muchos) que somos unos inútiles y que no servimos para nada. 

Muchos mejor así. Es un camino que nos dejan despejado.

Nota.: La imagen es del libro "Pintar Palabras" del Instituto Cervantes

Picasso peligra en Oslo, Noruega. Sin lógica

En 1969, Picasso y su antiguo colaborador, el artista noruego Carl Nesjar, crearon cinco murales en los muros de hormigón interiores y exteriores de Y-Block y H-Block, dos edificios modernistas en el distrito Regjeringskvartalet de Oslo en Noruega diseñados por el arquitecto noruego Erling Viksjø. 

Cuando estos edificios iban a ser declarados Monumentos del Patrimonio noruego, un atentado en 2011 les produjo daños en alguna parte de la estructura por las explosiones, lo que los vació de uso y en el 2014 fueron declarados en ruina para ser derruidos.

Pero los edificios siguen en pie, y derruirlos es darle otra razón más al terrorismo que puede acabar con el Arte incluso una década después del atentado, sin que nadie se obligue a salvar al menos parte de estos murales y los traslade a otro edificio.

¿Alguien se imagina hoy que las Pinturas Negras de Goya se hubieran derruido con el edificio, en vez de salvarlas para muestra de todas las generaciones futuras y ser conservadas parcialmente en el Museo del Prado? 


A los ilustradores de las Artes Gráficas. Gracias

Desde los años 30 y hasta bien entrados los 70, todas las agencias de publicidad, editoriales, imprentas e incluso fotograbados, tenían varios dibujantes en nómina o similar, para realizar decenas y decenas de dibujos para revistas, libros, publicidades, etc. 

El mundo de la ilustración era muy distinto al de ahora, no existía la informática y todo se hacía a manos, incluidos los retoques de imágenes, los difuminados al aerógrafo y las ilustraciones pues era más sencillo una ilustración que una fotografía y además tenía más calidad final.

Había grandes artistas, todos ellos muy especializados en alguna temática o en algunas técnicas distintas de la ilustración, de la cartelería, del anuncio publicitario o del retoque. Y los tiempos de entrega también eran otros muy diferentes a los actuales.

Esta ilustración que vemos es del invierno de 1948, realizada para la revista Lecturas para ilustrar un cuento titulado Regalo de Reyes. La ilustración era de Lozano Olivares. Era impresión tipográfica a dos colores.

Anwar Jalal Shemza y su "Muro" o su "Meem Two 1967”

El artista pakistaní e inglés Anwar Jalal Shemza pintó la obra de arriba obra titulada “El Muro” en un ejemplo curioso de un cubismo que podríamos decir árabe o islámico, mezclando rasgos y trazos de la caligrafía árabe más de las zonas de Pakistán, con el cubismo de los años 50 y 60 del siglo XX.

Escritor, poeta, grabador y artista pictórico falleció joven, a los 56 años, dejándonos sin su obra más asentada de esos años maduros que todos los artistas disfrutan en sus años calmados. En sus últimos años de vida fue también profesor de Arte.
La obra que podemos ver abajo se titula “Dos M 1967 - Meem Two 1967” y está realizada en el año 1967 mostrando un trabajo geométrico de la letra M (Meem) con las que realiza un diseño islámico con figuras geométricas que pueden insinuar formas diversas sobre un fondo gris neutro.

Construye y deconstruye formas con signos, con caligrafías o formas geométricas, para mostrar figuras y formas que transmiten sensaciones y sentimientos sin salirse de lo que realmente son, simples formas que se posicionan sobre un fondo apagado que no dice nada hasta que recibe esas manchas y formas que también son colores. 

Son trabajo planos, casi de diseño abstracto pero sin dejar nunca los motivos de su cultura islámica como parte fundamental de sus herramientas expresivas. 


Crear Arte es seguir jugando como un niño

Para disfrutar del Arte, incluso creándolo, no hay que ser Goya, como para disfrutar de la cocina no hay que ser Ferran Adrià. Se puede crear y disfrutar de lo que tus manos crean sin aspirar a ser el mejor del mundo. Simplemente siendo un aficionado al Arte y a la creación, sea pintura, literatura, fotografía o música.

Este ejemplo que vemos arriba es muy válido para entender todo lo que intento explicar. Es un dibujo de Andreu Buenafuente, que luego se ha convertido en la portada de su último libro. Además de periodista y humorista, es un creador nato que siempre está jugando con las pinturas. 

Y digo bien. Jugando. ¿Hay algo más maravilloso que siendo adulto poder seguir jugando con lo mismo que cuando eras niño?

Crear Arte puede ser una actividad más que podemos (debemos) practicar en nuestra cueva y disfrutar de ello sin aspirar a nada más. Si acaso a que tus obras queden colgadas en tus paredes, a que se conserven unos años.

20.5.20

Y aquel día nos hizo frío y yo me quedé en casa

"Agua de Birmingham" - 2014 - Reino Unido







Black and dusk pink. Negro y rosa oscuro. Terry Frost

Esta obra del artista Terry Frost realizada en el año 1978 al óleo es un trabajo abstracto donde trabaja con muy limitado número de colores y sobre todo el blanco y el negro, para enfatizar las formas giratorias que parecen reventar los marcos del lienzo y salirse de él. Es como una explosión de formas que quieren salir de la obra para seguir girando en el espacio donde se encuentra el espectador.

El título de la obra es: Black and dusk pink, Negro y rosa oscuro.

Fondo y Figura. Composición artística básica

Todo lo que vemos se compone de un FONDO y una FIGURA, de un envoltorio que a veces vemos desenfocado aunque no lo notemos lo cual es la medida de que para nuestro cerebro está desenfocado, y una figura principal que es lo que nos atrapa, nos llama la atención. Esto sucede en la vida de casi todos los estadios, momentos, situaciones. 

Un FONDO y una FIGURA. En el cine, en literatura, cuando paseamos o cuando comemos un plato en un restaurante. El ambiente y lo sustancioso.

En ARTE esto es fundamental casi siempre. A la figura principal, a lo que queremos destacar le tenemos que poner un fondo, un envoltorio, un ambiente, un espacio.

Cuando en una película “el malo” asesina a la viejecita, todo lo que rodea la escena es el ambiente, y nada de todo eso que vemos existía antes de rodarse la escena. Si aparece un vaso o un trapo de cocina es porque el director ha querido que estuviera para crear ambiente, para complementar el fondo. Si está a la derecha o a la izquierda, grande o pequeño, sobre fondo blanco o negro, de color fuerte o apastelado, es una decisión que se toma.

En un cuadro sucede lo mismo. Son las normas de composición más básicas, y sirven para indicarle al cerebro, al espectador, en qué contexto debe observar todo lo que ve, pero sobre todo “LA FIGURA”. La misma figura (o la misma escena del asesinato) sobre otro fondo, otro ambiente, nos diría otra cosa distinta. 

Por eso el FONDO es tan importante pues enmarca la FIGURA hasta darle sentido, y sobre todo para remarcarla, o para difuminarla. El FONDO ayuda a dar importancia a la FIGURA, pero sobre todo para medir esa importancia, para que sea más o menos, con arreglo a lo que quiere el artista que crea.

La obra que vemos arriba se titula “El Campeón o El Vencedor”, es del año 1824 del artista inglés Charles Lock Eastlake.

Reflexiones sobre el papel de los Museos en el siglo XXI

Hay miles, decenas de miles de artistas distintos con obras totalmente diferentes entre ellas. Es imposible verlas todas. Pero en los museos de todo el mundo solo hay unos pocos centenares de artistas. En cada museo hay algunos centenares de ellos en el mejor de los casos, algunas decenas en la mayoría.

Si los Museos tras esa prometida Nueva Normalidad van a ser edificios que simplemente muestren las obras que tienen en sus almacenes, ya conocidas en casi todos los casos, excelentes sin duda pero ya vistas, elegidas y por ellos dejando fuera a miles de artistas… ¿merecerá la pena ir de visita a los Museos?

A su vez hay que poner en valor a los Museos como templos de Cultura pero también de educación, de pedagogía sobre la historia, el arte, la sociedad en la que vivimos. 

Y si admitimos todo esto, edificios públicos (o privados) pero imprescindibles para crecer como sociedad, tenemos que buscar alternativas a esa Nueva Normalidad que puede ser complicada para muchos elementos sociales, incluidos los Museos.

Tal vez tengan que ser pretenciosos tanto en su exterior como en algunas muestras temporales que intentaban sobre todo ser comerciales. Tal vez su papel en el futuro sea el de “mostrar” tendencias y modos distintos a lo que tienen en su almacén, complementos educativos a su cometido fijo, multiplicadores de posibilidades para nuevos artistas.

Y a su vez tienen que aprender a saber rotar casi constantemente su propio stock de obras para resultar vivo y diferente en el tiempo, donde además de los elementos propios del museo debe saber sacarles un partido pedagógico pero también lúdico, que resulten distintos. 

Cada Museo debería ser cuatro veces al año diferente para que se mantuviera vivo, y en ese trabajo tanto la dirección del Museo como los especialistas propios tienen mucho que decir y que trabajar.

La obra que vemos arriba es del artista medio griego medio italiano Giorgio de Chirico del año 1957 y muestra una Isla de Venecia.

19.5.20

Era Mary Wigman cuando volaba como bruja y en silencio

La bailarina alemana Karoline Sophie Marie Wiegmann conocida más como Mary Wigman nos dejó este texto explicando lo que sentía al bailar. Artista expresionista y dadaísta, supo entregar con su danza esas expresiones artísticas más dirigidas hacia la pintura. Pero el Arte no tiene puertas ni cajones estancos.

La NO música, el NO sonido mientras ella se movía sobre el espacio del escenario marcaron sus formas de trabajo, de expresión, intentando volar simplemente con el dinamismo del movimiento. 

Las aves no necesitan música para moverse por el aire. Sus caídas y recuperaciones del suelo marcaban sin música unos movimientos que llenaban los momentos y daban plasticidad a lo que deseaba, que fuera eso simplemente, el movimiento, el que generara sensaciones, sin estar acompañada de música.

La fotografía como expresión artística de un siglo

Sin ninguna duda la fotografía es el Arte que más se está moviendo en estos principios del siglo XXI tocando todo tipo de técnicas y temáticas, abriéndose a toda forma de expresión artística, lo que ha convertido a la fotografía en la herramienta más poderosa (y sencilla) de expresión e información de nuestro tiempo.

Cuando dentro de unos siglos los futuros ciudadanos quieran entender los finales del siglo XX y al menos los principios del siglo XXI tendrán a su disposición la fotografía que se haya conservador como el mejor y más sencillo elementos de análisis. También en el campo del Arte y en la evolución de sus técnicas expresivas.

Será imposible entender estas décadas sin abrazar a todo lo construido con la fotografía, tanto por profesionales como por amateur, tanto en fotografía periodística como en fotografía artística. La gran duda es: ¿Se lograrán conservar las fotografías actuales tantos años como lo ha logrado la pintura?

Del artista australiano Trent Parke mostramos una fotografía "Sin Título" surrealista del año 2007 realizada en Australia del Sur.

Una flor nunca debe estar escondida ni tapada

Creo que una flor nunca debe estar escondida. Por eso tuve que mirar por detrás de los papeles viejos, buscando la salida hacia lo natural. Y allí estaba la belleza.


Once años después ya hay salidas, un orden dentro del desorden

La pequeña locura también es capaz de generar imágenes extrañas. Esta es una recreación de una serie de obras muy similares que realicé en el año 2009 hace 11 años, un periodo duro en mi vida que se saldó con una pequeña colección de obras en las que casi se puede ver el caos, la locura, el barullo mental.

Superado totalmente aquel espacio tiempo he vuelto a las andadas intentando recrear los mismos elementos, colores, formas. Pero utilizando otras herramientas para reflejar lo mismo. No sale. Aunque no se nota desde fuera la diferencia. No sale.

En esta obra actual hay caminos abiertos, hay salidas, hay incluso un orden dentro del desorden. 

No se trata de entenderlo, es un simple desahogo, pero es un ejemplo de que el Arte a veces sirve como terapia, como elemento de vaciamiento de la basura mental.

18.5.20

¿Quién vigila el Arte de los Museos en las noches de tormenta?

Entre las Tinieblas de un Museo de Bilbao logré atrapar el techo de los murciélagos pero no vi ninguno de ellos. ¿Quién vigila el Arte de los Museos en las noches de tormenta? Posiblemente las almas de otros artistas que saben que las formas y los colores se pueden escapar a poco que no haya espectadores observando su quietud. ¿Y en las noches de NO tormenta?

Los arcos tensados de la vida. Nuestros espacios

Los arcos tensados de un puente de Bilbao me recuerdas a los espacios compartimentados de la vida. No todos son iguales ni miran hacia el mismo horizonte. Cada uno tenemos el nuestro y no resulta fácil pasarnos de uno al otro. Por eso y aunque parezcan iguales y siendo diferentes, debemos disfrutar del nuestro sin fijarnos en el de los otros. No sirve para nada.

¿Qué deben ser los Museos en el siglo XXI?

Ahora que por culpa del virus han tenido que cerrar varios meses los Museos, cuando sabemos que abrirlos va a ser más complejo que cerrarlos y que algunos de ellos no podrán abrir en muchos meses o incluso nunca por sus costes inasumibles con pocos visitantes, es tal vez momento de preguntarnos por el papel que los Museos deben cumplir en e siglo XXI, sin duda distinto al que cumplieron en el XIX y en el XX, también distinto y adaptable según diversos modelos.

La primera pregunta que nos debemos hacer es. ¿Qué queremos que sea la Cultura? Y tras respondernos adaptar la respuesta a las diversas herramientas de que disponemos, donde sin duda están incluidos los Museos.

Ya no pueden ser meros almacenes ordenados de “productos” culturales maravillosamente viejos, aunque sin duda una parte de los actuales Museos pueden ser solo eso, y muchos otros no quieren ser más que simplemente eso. Para ser meros contenedores y pasillos o salas donde visitar al Arte o las Culturas anteriores ya tenemos todo el engranaje de internet y sus opciones on line. Su competencia puede ser complicada.

El papel del Museo como lugar que muestra “lo nuevo” también puede verse de alguna manera peleado con las Salas de Exposiciones, los Estadios de Artistas, las Fundaciones o las Galerías de Venta. 

Así que queda un espacio (en realidad muchos) que es el de “crear” Cultura y expandirla, servir de vehículo y herramienta para estar constantemente vivos, con temáticas y montajes que deben cambiar casi constantemente, para que el espectador vaya “al lugar” a dejarse sorprender, y no a ver lo que ya sabe de antemano que está allí conservado.

Muchos Museos entendieron este cambio desde finales del siglo XX, pero ahora será inevitable para todos. Y en todas las temáticas. Pero ello nos lleva a otro punto conflictivo. 

Este cambio supone más coste, unos presupuestos y unos técnicos diferentes y más amplios. Y entre esos costes están además los de los seguros, los del mantenimiento y cuidado de las obras, los de saber seleccionar bien lo que se intenta mostrar y cambiar algunos aspectos del trabajo pedagógico de los Museos.

Y en ese trabajo precisamente es donde tiene que venir el cambio más profundo. Más información de las obras y de los artistas, bien en el lugar o bien a través de folletos digitales. 

Más posibilidades de fotografiar las obras sin flash al menos una parte de ellas como ya sucede en algunos Museos que antes no dejaban fotografiar ninguna. Y un montaje mucho más novedoso, vivo y que mezcle disciplinas. 

No deben ser los museos meras paredes, habitaciones o vitrinas, sino una mezcla de posibilidades para que sea casi una aventura y sin duda un mar de sensaciones acudir a un Museo. 

No estoy hablando de convertirlos en Parques Temáticos, que eso es otra disciplina de ocio, sino de convertirlos en más visitables, mas útiles y de más amplio espectro formativo.

La obra que vemos arriba, un Popeye, es del artista americano conceptual pop Jeff Koons.

17.5.20

Incluso la naturaleza tiene su propio acné

"Manchas seborréicas naturales" - 2009 - Anzánigo




Aragón siempre tiene flores, incluso en el invierno

A veces una simple flor aragonesa nos muestra la sencilla forma de mantenerse erguida cumpliendo con su trabajo, el de simplemente decorar el campo. ¿Alguien se imagina el campo aragonés sin flores silvestres? No es posible, no es deseable, no es posible imaginárselo. Aragón siempre tiene flores, incluso en el invierno.

Estas flores en sus tres estados (antes, durante y después), son de Anzánigo, Huesca.

El tamaño de libertad que cada uno necesitamos, es distinto

A veces los alambres torcidos parecen indicar que alguien intentó salir de su escondite. Por pequeños que sean los huecos, todos sirven para imaginarse que huir es una última posibilidad para obtener más luz. 

Que no quepamos por ese hueco, nosotros, no quiere decir que no sean capaz de pasar por él otros seres humanos. 

El tamaño de libertad que cada uno necesitamos es muy distinto.

La arquitectura como elemento mezcla de arte privado y público

Hay ciudades a las que casi todo les sienta bien, formas, arquitecturas, colores, miradas, texturas. ¿Qué es el Arte Público? Un arquitecto crea un edificio por encargo privado, pero forma parte ya del urbanismo público, se convierte en una obra buena o mala, hermosa o no, del espacio de todos nosotros. Sigue siendo privado pero lo contemplamos de forma pública.

Su interior ya no, eso es otro tema donde la arquitectura ya no opina tanto, pero su exterior es un elemento de Arte estático que durará muchos años y se convertirá en icono de una calle o de una ciudad. Y su encargo, su decisión ha sido privada. Mientras que su contemplación y su puesta en valor será pública.

Vibraciones, del artista malagueño Enrique Brinkmann

Del artista andaluz Enrique Brinkmann os dejo una sección de una obra suya del año 1996 titulada "Vibraciones". Un óleo sobre lienzo que nos muestra sus construcciones y deconstrucciones su particular caos al que intenta poner orden y para ello nada como ver un detalle primero, ya que de esta forma veremos mejor su técnica y sus maneras de plasmar sus ideas.

Muy reconocido en los EEUU y en España creó en el año 1957 el Grupo Picasso con otros artistas malagueños en recuerdo de su vecino.