28.6.18

Lee Bul y su lucha por el feminismo desde el arte

Hemos cogido una sección de una obra de Lee Bul donde nos muestra en cristal y acrílico una construcción de una ciudad futurista que resulta cuando menos diferente a lo visto en otras obras parecidas. Lee Bul la ha llamado “Después de Bruno Taut. Devoción a la deriva” y la presentó en el año 2013 bajo la propiedad conjunta de The New Art Gallery, Walsall y Birmingham Museum Trust.

Lee Bul es una artista escultora de Corea del Sur que intenta reflejarnos sociedades futuristas donde la opresión a las mujeres no exista, donde no haya una autoridad patriarcal, donde no exista marginación, donde la cultura sea popular y respetada.

Y lo hace a través de esculturas frías, mecánicas, jugando incluso con provocaciones desde todos los sentidos, con olores a podrido cuando quiere reflejar la insoportable sensación de que no estamos limpiando la sociedad de caos y mierda. Sus paisajes utópicos son como sueños, pero son un primer paso para demostrar que incluso los sueños pueden empezar a tomar forma y fuerza.

27.6.18

La hermosura de los reflejos cambian la mirada

Los reflejos cambian las formas, hasta no reconocernos. Para vosotros esto es lo real, no hay otra forma de verlo. Para los que estén ahora allí es de otra forma. Depende de donde estemos, vemos las cosas de una manera o de otra.

Es la biblioteca pública de Birmingham, un hermoso edificio tanto por fuera como por dentro. 

25.6.18

Carlos Amorales, un artista mexicano diferente

En el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México podemos disfrutar de una exposición del artista local Carlos Amorales, titulada “Axiomas para la acción (1996-2018)” que es una revisión de veintidós años de carrera de Carlos Amorales que nos muestra diversos aspectos conceptuales su trabajo.

La exposición está concebida como un guión y una lista de obras que cada visitante podrá visitar de modo variable, que cada montador de la exposición podrá instalar de diferente manera para que el conjunto sea libre y adaptado al local. Son obras en las que no importa su orden cronológico, y que todas ellas se complementan o no. Todo es cambiante, todo depende, y de esa forma cada montaje final es diferente al anterior.

En realidad el autor intenta que sea la suma del todo lo que se observe, convergiendo las partes hasta formar un conjunto que se modula según el espacio y el local que lo contiene. Una especie de mesa revuelta, donde el espectador está viendo algo totalmente original. Una historia creada para ese espacio, para ese tiempo.

Hay una plaga de mariposas nocturnas titulada Black Cloud (2007), el conjunto del proyecto La vida en los pliegues (2017) y una instalación llamada Aprende a joderte (2018) con la que contradice los fundamentos estéticos y conceptuales de su propia práctica artística para encontrarles una aplicación inversa.

23.6.18

Tengo diplopía y veo el doble que tú. Dos cosas

Como no sabemos bien qué vemos y cómo vemos, no podemos asegurar cómo somos. 

¿Qué es el verde o el naranja? Pues depende de tus ojos. 

¿Cuánto veas, hasta dónde ves? ¿En comparación con quien? ¿Y si no viéramos recto sino inclinado y nuestro cerebro nos hubiera convencido de lo contrario?

Cuando se tiene una diplopía como yo, puedes ver de dos formas diferentes, cerrando un ojo o el otro. Pero yo nunca sabré cual de los dos es el real, es el ojo que me muestra lo que estás viendo tú. 

O incluso tal vez ninguno de los dos.

22.6.18

Cuentas personales sin saldos reales

Las cuentas personales no siempre son números, incluso a veces no son ni personales. Tampoco todas las cuentas personales tienen haber ni debe. Son apuntes en el libro de la memoria. 

Pasamos, pasan, nos vemos, los vemos, nos ven. Y nos apuntamos en el libro de la memoria.

Hay saldos duraderos, saldos efímeros, saldos que pasan desapercibidos pero se quedan…, y hay saldos finales. La suma de todos ellos. 

¿Y si los metemos en una bolsa de basura y los tiramos al cubo? Por seguir jugando con los recuerdos o los no recuerdos.

Curiosamente, dentro podría haber personas

Simples formas urbanas, juegos de formas y colores, que se elevan desde la ciudad grande. Insisten en desear llegar al cielo, de conquistar las alturas cuando el suelo es escaso y muy caro. Con los cristales se forman colores y con ellos sensaciones que van cambiando según los días.

Curiosamente, dentro podría haber personas.

21.6.18

Se puede ser Arte y Basura a la vez?

También el ARTE puede ser basura, o también la basura puede ser ARTE. Depende de la mirada, de lo que nos produzca al contemplarlo. No hay nada fijo. Muchos pensaréis que la basura, aunque la vistamos de colores, sigue siendo basura. Os diría que muchas veces el ARTE aunque lo pongamos colgado en un Museo, no deja de ser basura. Y ARTE. Las dos cosas.

No es incompatible ser ARTE y ser BASURA a la vez.
Nadie somos una sola cosa. Ni tan siquiera nadie somos de un sólo sexo. Creo.

20.6.18

Víctor Mira y un Comedor de Patatas del año 1993

El artista zaragozano nacido en Galicia Víctor Mira tiene ahora una exposición en el Museo Goya de Zaragoza donde se pueden ver parte de sus obras. Pintor, escultor, grabador o escritor, tuvo siempre una relación intensa con su Zaragoza, aunque viviera en Barcelona o en Alemania, donde dio volumen a sus trabajos y su carrera.

En el año 2003 es designado por la feria ARCO como el mejor artista vivo español, y embarcado en el proyecto Disparates de Fuendetodos. En noviembre de ese año, fallecía en Alemania. Os dejo arriba la obra de 1993 titulada “Comedores de patatas”.

Artista expresionista abstracto, surrealista a veces, era un gran admirador y estudioso de la obra de Goya, de la que a veces bebía para seguir trabajando en sus planteamientos pictóricos. Fueros sus obras basadas en Goya las que culminaron su obra, trágicamente acabada mucho antes de tiempo.

Qué piensa el protagonista de este cuadro?

El Museo de Arte de Cataluña y el programa “This is Art” de canal 0 de Movistar en el capítulo dedicado a la Soledad sacaron a esta obra de los almacenes del Museo para enfrentarla en la calle con diversos paseantes de Barcelona, y preguntarles qué les sugiere este cuadro, esta imagen. Y las opiniones fueron de lo más variado. Es un cuadro del pintor Luis Masriera y Roses, del año 1898 y titulada “Pájaro de desván”.

Es una buena pregunta. Qué piensa el protagonista? Qué hay en el cuadro que mira? Qué pinta la soga que se ve a su izquierda? Qué quiso representar el artista con las colillas que hay en el suelo? Indica algo el título de la obra?

La edad del artista cuando la pintó y la del protagonista del cuadro, parecen coincidir. Realismo moderno, con algún mensaje que no resulta sencillo de adivinar. Sin duda el joven lleva un buen rato sentado encima de la cómoda, parece el estudio del pintor, la cuerda podría no decir nada o ser una herramienta para elevar los cuadros, podría estar mirándose en el cuadro ya pintado pues también es de un tamaño similar al real, parece tener frío en el local pues lleva dos pantalones. ¿Pero qué piensa el protagonista?

El éxito de la imagen en el catolicismo

El arte religioso está compuesto de viñetas de las historias que se querían contar a los feligreses. Pero es sobre todo el arte católico el que más conocemos, pues en la mayoría de las religiones no se ha dado la misma importancia a la representación de escena religiosas, como en el catolicismo.

Muy posiblemente gran parte del éxito de alguna religión ha sido saber explicar con imágenes —a las personas de cultura escasa que no sabían leer— las ideas que se contenían en sus historias.

El judaísmo o el islam no emplean imágenes para intentar explicar sus mensajes. Lo hacen con la palabra y con los textos sagrados.

18.6.18

El viñedo rojo cerca de Arlés, única obra vendida en vida de van Gogh

Vincent van Gogh pintó más de ochocientas sesenta pinturas al óleo y más de mil seiscientas páginas con acuarelas, dibujos y bocetos varios. Una enorme obra de la que Vincent van Gogh solo fue capaz de vender en vida una única obra: El viñedo rojo cerca de Arlés (1888) un cuadro que presentó junto a otras cinco creaciones propias, en la muy prestigiosa exposición Les XX en Bruselas a principios de 1890, pocos meses antes de morir de un disparo que él mismo se realizó no se sabe bien si de forma fortuita o por suicidio, a los 37 años de edad. 

El viñedo rojo cerca de Arlés es la obra que se puede ver al inicio de la entrada.

Todos los artistas crean por dos motivos muy claros, pero que no siempre se dan a la vez. Por el placer de construir y mostrar las ideas propias, y por que sean vistas por otras personas. Muchas veces para que tu obra sea conocida necesitas venderte, estar en el mercado. Y eso Vincent van Gogh lo consiguió en vida muy a medias, pues aunque empezaba a mostrarse en exposiciones, no pudo poner en valor su obra. Ni de forma económica ni de forma de respeto artístico consensuado. Su primera exposición la realizó un año antes de morir.

17.6.18

Qué era el arte para Víctor Mira?

Me he consagrado al ARTE que es mi razón de ser y lo que constituye.

No hay nada más grande que esta calma, que esta pasión que surge como fuerza impetuosa.

Víctor Mira

Un culo. Un simple culo de Eduardo Urculo

Esta escultura está en una calle de Oviedo, una ciudad que sabe cuidar su urbanismo llenándolo de esculturas que algunas de ellas se han hecho famosas por su personalidad. Este es una de ellas, en la calle Pelayo de Oviedo.

La obra es del reconocido artista asturiano Eduardo Urculo, realizada en el año 2001 y su título no dice todo. “Culis Monumentalibus”. Falleció en el año 2003, y podemos considerar a esta obra una de las últimas por él creadas. Perteneció al Equipo Crónica.

16.6.18

Antonio Suárez y sus cerámicas en Oviedo

En la calle Uría de Oviedo, en la zona de la entrada al parque que llaman Campo de San Francisco, enfrente del Teatro Campoamor en una zona que llaman Paseo de los Álamos, se puede ver en el suelo de la larga orilla del parque una serie de grandes cerámicas realizadas en mármol de tres colores de la que os dejo una muestra.

Creo que son 69 grandes piezas de cerámica del artista Antonio Suárez (integrante del Grupo El Paso), que sirven de pavimento para los peatones, con dibujos abstractos en negro y rojo sobre blanco. Y llevan décadas casi pasando desapercibidas en un lugar muy centrico de Oviedo. Fueron restauradas en el año 2010. Su creación es de finales de los años 50 del siglo XX.


Muro homenaje a Winnie Madikizela Mandela

Este muro está dedicado en Sudáfrica a la esposa de Mandela, a Winnie Madikizela Mandela. Una trabajadora por la sociedad que además de estar al lado de Nelson Mandela en los peores años, supo defender a sus ciudadanos negros desde la injusticia social que suponía hacerlo desde una condiciones tremendas en unos años durísimos. Encarcelada, desterrada, torturada, aislada en zonas rurales, censurada para que no interviniera en política, era conocida por sus seguidores como “Madre de la nueva Nación”.

Es un muro homenaje donde en su recuerdo se dice que ella no murió, que ella multiplicó su trabajo, sus ideas, entre todos y todas sus seguidoras.

Nota.: Imagen de Luis Iribarren

Por qué Miró pintó así? Arte inconsciente y espiritual

Es la portada de un libro, ilustrado por Joan Miró con sus clásicas formas de ver los espacios y las formas. Miró simplifica al máximo sus formas de hablar con trazos y formas, es la vuelta al arte infantil tras un largo camino de aprendizaje. Parecería que Miró no sabía dibujar, no era capaz de entender otras formas, pero en realidad simplemente empleaba un grafismo, un idioma muy primitivo, casi prehistórico, plano, sin sombras ni relieves, acudiendo a expresar de una forma intuitiva lo que en cada momento sentía.

Es un arte no occidental, muy popular y en apariencia muy sencillo de realizar, muy universal pues todas las culturas lo entenderían aunque no les gustase, donde las manchas violentas o sacadas del interior se mezclan con líneas o formas comunes que están mucho más sopesadas y repetitivas en sus obras. 

Es una obra libre, personal, que no busca agradar sino casi insultar al espectador para que salga de su espacio tranquilo y se enfrente a su inconsciente más viejo, más prehistórico, más espiritual y religioso incluso.

15.6.18

Arte de Numancia en cerámica. Más de 2.000 años

Este dibujo de una vasija encontrada en Numancia, cerca de Soria, es de época celtíbera, con una edad de al menos 2.200 años. Fue destruida en el 133 a.C. por los romanos. Una ciudad que tuvo que soportar 20 años de asedios hasta que fue dominada por las tropas romanas. Por eso es normal que gran parte de sus inscripciones y dibujos sean con motivos guerreros, de lucha, simples y fáciles de realizar para las técnicas que hoy conocemos.

Pero estamos hablando de unos tiempos muy antiguos, con cerámicas realizadas a mano, posiblemente antes de la implantación del torno como elemento imprescindible, decoradas con los artistas de la ciudad que eran capaces de crear dibujos sencillos que han perdurado.

Dibujo de Manuel Meijide, simulando la batalla que vemos en el vaso de Numancia

14.6.18

¿A qué sabrá besarte sin ganas? ¿Quién a quién?

A veces una frase en una pared te deja como boquiabierto, con la duda de si es una frase original de quien la ha escrito o es copiada de algún texto y es una cita conocida. La duda no ofende, pero molesta un poco.

Esta frase la encontré en una calle de Valladolid.

¿A qué sabrá besarte sin ganas? Modler

Tal y como están las cosas en los actuales tiempos, besarte sin ganas es complicado, nos besamos cada vez menos y lo que te rondaré. Confundimos las churras con las merinas. Pero sin entrar en los fondos, es una frase gritona, un suspiro de duda, un pensamiento sin respuesta. ¿Es posible besar a otra persona sin ganas? ¿Y para qué?

Cristo de la Cepa, de Valladolid

Dicen las viejas historias sin autentificar, que allá por los tiempos en los que los judíos vivían en España, había en Toledo un judío que gustaba de mofarse de los cristianos pues como muchos de ellos no se creía que Jesucristo fuera realmente el verdadero Mesías y que hubiera muerto en la cruz.

Mientras podaba una de sus extensas viñas, le llamó la atención un objeto extraño que apareció sobre una de sus cepas y al acercarse vio que era un crucifijo. Al verlo, cayó de repente de rodillas, y anonadado tomó en sus manos la efigie y la besó inundando de lágrimas el momento y convirtiéndose al cristianismo en ese instante; y cuentan esas viejas historias de conversiones milagreras que fue tal su fama que el propio Cardenal Arzobispo de Toledo, D. Sancho Rojas, le dio el bautismo al judío convertido.

Este Cardenal fue trasladado a Valladolid donde fundó el monasterio de San Benito el Real y en donde entregó el milagroso crucifijo que se había llevado de recuerdo, del que vemos la imagen real de Jesús, y que a partir de ese momento le llamó “Santísimo Cristo de la Cepa” que empezó a recibir culto católico a finales del año 1739.

En el siglo XVIII fue sacado el crucifijo varias veces en rogativas por Valladolid para salvar a la ciudad de sequías pertinentes o impertinentes, inundaciones o para salvar cosechas ante veranos muy secos. En el año 1835 se trasladó hasta la Catedral, como uno de los mayores tesoros de la piedad vallisoletana.

Como es lógico suponer y respetar, la FÉ está para eso, para emplearla o no emplearla; y como uno mismo —que ha vivido junto al mar o en tierras de Soria—, ha visto raíces parecidas en ambas zonas geográficas, y nunca he supuesto que se me estaba apareciendo ni Cristo ni santo conocido, tengo mis dudas, con el respeto correspondiente que deben tener todos los que crean que realmente es un Cristo aparecido.

Pero a la vez me supone simpatía la obra que se conserva en la Catedral de Valladolid dentro de una urna de cristal, con su explicación correspondiente que más o menos os he transcrito. Que cada una o uno rece o llore, piense u opine. Repito, es la fé y en este caso una obra artística, aunque sea construida por la propia naturaleza de forma casual o no. La altura de la figura es de unos 20 centímetros.

La Cultura se merece más trabajo y calidad distribuida por todo

Màxim Huerta se equivocó cuando hace ya muchos años consultó con su asesor de qué forma se pueden pagar menos impuestos. Y se volvió a equivocar cuando decidió ponerle una demanda a Hacienda para que le dieran los juzgados la razón. Y tras una sentencia con palabras duras y claras, se volvió a equivocar cuando decisión aceptar el cargo de Ministro de un gobierno socialista. Y se equivocó otra vez más cuando no le dijo al Presidente Pedro Sánchez que tenía sobre su cabeza una sentencia muy fea. Y terminó equivocándose en una semana de Pasión cuando en sus palabras de despedida puso adjetivos calificativos que aunque le salieran del corazón nunca debían salir de su boca.

El nuevo Ministro de Cultura José Guirao Cabrera me gusta (también me gustaba Màxim Huerta) por los buenos momentos que ya me ha ofrecido en sus trabajos anteriores. Soy asiduo del Reina Sofía y de la Casa Encendida, cercanos espacios de arte contemporáneo y de modernidad contemplativa y formativa, y sus trabajos siempre me han parecido muy interesantes, como me lo parecen los actuales con otros directores. 


A veces en España no valoramos bien lo que tenemos, sobre todo sin antes compararlos con otras maravillas que se ofrecen por el mundo mundial y que están a la misma altura que las que hacemos en España.

José Casado del Alisal y sus obras en billetes

El pintor José Casado del Alisal pintó en el año 1866 esta obra titulada “Los dos caudillos” que se encuentra en el Museo del Prado. Nacido en Palencia es muy conocido por la obra “El juramento de las Cortes de Cádiz”, que decora el testero del hemiciclo del Congreso de los Diputados. 

También es célebre poor sus obras La leyenda del rey monje o La campana de Huesca, uno de los lienzos más truculentos y sobrecogedores de toda la pintura de historia española, basado en el sangriento episodio en que Ramiro II, rey de Aragón, consuma el escarmiento a los nobles aragoneses que se habían rebelado contra su autoridad degollando a los responsables y formando una gigantesca campana con sus cabezas. 

José Casado del Alisal logró con esta obra que vemos arriba un nuevo éxito pictórico al reducir los personajes a los estrictamente esenciales para la contar la historia. La situación de los protagonistas en primer término, la simplicidad del paisaje de fondo, el idealismo de los modelos humanos y la simplicidad de la composición, basada en el clásico orden de los elementos en diagonal en la que dispone las figuras importantes. 

En el principio del siglo XX era muy habitual elegir obras conocidas para plasmarlas en las traseras de los billetes españoles, como vemos en este ejemplo de un billete de 100 pesetas. De esta forma se ponía en valor las obras de artistas españoles y se trasladaban al conocimiento de más personas.


12.6.18

Cuido de quien me cuida. ¿Y el diecisiete?

Uno de su ciudad no lo sabe todo. Pero hay cosas que sí le sorprenden y le gustaría saber. La curiosidad mató al gato por meter su hocico donde no debía. O no, pues para eso tienen 7 vidas.

Este texto pintado en el suelo de una calle de mi barrio me produce curiosidad como poco. 

"Cuido de quien me cuida"

Parece una parte del texto de una canción rap del grupo Ocer y Rade. Pero el “diecisiete” me confunde, admitiendo que o es una firma no conocida o quiere decir algo más. La curiosidad del gato curioso.

9.6.18

Girolamo Mazzola y una aguada de Pitágoras


Es una sencilla aguada del artista italiano Girolamo Mazzola Bedoli, de la mitad del siglo XVI, mostrando a Pitágoras. Un trabajo donde combina el lápiz, la pluma con distintas graduaciones de aguada empleando una tinta amarronada sobre un papel basto y grueso con color de papel de estraza, y donde ha sacado algunas luces con un blanco de plomo para crear más relieve. El tamaño es algo superior a un A5, más bien pequeño, un posible boceto para un trabajo mayor.

Es una obra propiedad del Museo del Prado que ahora se puede contemplar en la exposición Cosmos.

8.6.18

Por esos días grises de cubos junto al mar

Llovían ideas pero ninguna cuajaba. No siempre se está despierto aunque se tengan los ojos abiertos. A veces no se está en lo que se celebra, o no se celebra donde se está. Y pareces apagado. 

6.6.18

Raquel Levit e Isidro Ferrer en un excelente cartel para Huesca 46

La cartelería es el anuncio primero de lo que viene detrás, el envoltorio, mucho más que el papel de envolver pues en realidad es el aviso, y con ello las intenciones de lo que contiene dentro. El Festival Internacional de Cine de Huesca que llega a su 46 edición tiene un prestigio bien ganado por su trabajo en todas sus facetas, incluida la selección de sus carteles y de los artistas que los realizan.

Este año ha elegido a la joven artista mexicana Raquel Levit Ruiz para realizar el diseño de la ilustración y al oscense Isidro Ferrer para terminar el cartel con la tipografía y los textos. Un auténtico acierto ambos.

Raquel Levit Ruiz como ilustradora afincada en New York conoce perfectamente la cruda realidad actual y sabe sacarle la crítica a los momentos más grises del actual momento. Reconocida en su ciudad, es con su juventud un gran valor en alza que además de prestigio otorga un ejemplo de contundente calidad en el cartel de Huesca 46.

De Isidro Ferrer poco se puede añadir. Un lujo que se ve en la distribución de los textos y en el detalle guiño del texto de la izquierda. Personalmente no me gusta (sólo un poco) el tipo de letra de las palabras Spain y el de la fecha, pero yo no soy (casi) nadie para juzgar esto, su motivo tendrá Isidro Ferrer aunque se me escape ahora mismo.

Una lámina del libro “Acerca de la materia medicinal y de los venenos mortíferos”

Una página de libro, una ilustración de un libro del año 1555, es una bella obra de arte que ilustra lo que contiene dentro. O al menos nos muestra su calidad. Esta página es del libro de Pedacio Dioscórides titulado “Acerca de la materia medicinal y de los venenos mortíferos” traducido del griego al castellano. Dioscórides era un médico griego del siglo I que escribió este tratado de medicina natural y botánica empleada en las farmacias de hace veinte siglos. La edición que vemos en esta lámina es del siglo XVI posiblemente realizado el grabado en madera por algún artista flamenco de la época.

Un vagón de tren, muy bien pintado en Madrid

También los vagones de tren se pueden emplear como lienzos, pero cuidado, solo aquellos que ya están retirados de la circulación y se encuentran dispuestos en parques como elementos de adorno o de recuerdo no histórico. No hay que confundirse con otros vagones que se siguen utilizando o son elementos con un valor históricos claro. Tontos, por favor, los menos. Si no lo tienen claro, te pueden pintar las uñas antes de pintar un vagón de tren.

4.6.18

Podría estar mirando por dos sitios a la vez


A veces los bichos no tienen ni ojos, así que no sabemos si nos miran o si están de espaldas. Es lo que tienen los bichos, que pueden asustarnos de varias maneras. 

Este ya no tanto, pues le delataba el oro. Lo normal es que no tuviera ojos o estuvieran tapados por la noble melena de cantante pop. Parecía estar de frente, aparentando poder pasado de moda.

Pero los cuernos me mosquearon. ¿Y si los ojos son lo que nosotros vemos como cuernos? Pues me quedé con la duda. ¿Y si observa por la punta de cada cuerno…, qué ve…, si yo estoy de frente? ¿Me estará mirando?

Arte Urbano en el escaparatismo


Al arte urbano puede impregnar todas las calles de nuevas formas y colores, a costa de múltiples trabajos colectivos e individuales. El escaparatismo, el trabajo decorativo de las tiendas y comercios también debe utilizar el arte urbano como reclamo publicitario. Una pared gris es simplemente eso, un espacio sin atención. Pero esa misma esquina llena de figuras y colores, con formas que llamen la atención, llamará también la atención de la marca que lo sustenta.

La imagen es de la ciudad de Madrid.

3.6.18

El Tríptico de los Improperios de El Bosco. Miradas curiosas

Os dejo esta sección es de la obra “El Tríptico de los Improperios” que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Valencia, y atribuida en un principio a El Bosco y que hoy se cree es de un seguidor de su obra, de un alumno o un imitador de la época. 

Está fechada a principios del siglo XVI, y estuvo en el convento de Santo Domingo de Valencia, en lo que era la capilla de los Reyes. Los últimos estudios atribuyen la obra al taller de El Bosco, con posible participación del Maestro en parte de su elaboración.

Pero al margen del autor, hay algo muy interesante en esta obra, como en muchas de su época. Son los personajes, las caras, los gestos, sus ropas o sus cortes de pelo, sus miradas. Es un conjunto que casi parece fotográfico, incluso psicológico, donde se mezclan falsamente momentos históricos diversos, para hacer más creíble el conjunto a una sociedad no muy formada.

1.6.18

Los ángeles nos meten mucho miedo. ¿Eso es cristianismo?

Sin ninguna duda el ser humano ha jugado con los otros seres humanos a costa de meterles miedo, mucho miedo. Lo hizo desde hace muchos siglos y lo sigue haciendo ahora. Ya no decimos que viene el “Coco” sino que viene el político contrario a robarte tus ahorros. Es lo mismo.

Esta tabla nos muestra al Arcángel San Miguel, el enviado de Dios para hacer justicia, en una muestra que estaba en el convento de la Puridad de Valencia y que fue construido a principios del siglo XV para meter miedo a los fieles. El autor Jaume Mateu. Los pecadores somos los demonios, los tipos feos y derrotados. Es lo que nos pasa por follar fuera de tiempo o por no ir a misa. Calores, fuegos eternos, y cuchillas afiladas.

Lo que no encaja mucho es con el pensamiento del cristianismo lógico, el de Cristo, que amaba a todos por igual. Incluso a los pecadores…, pero sobre ese tema prefiero no meterme. Os lo dejo a vosotros.