"El canal de Gravelines" del puntillista Georges Seurat


El cuadro "El canal de Gravelines, Petit Fort Philippe" del pintor neoimpresionista Georges Seurat es un ejemplo contundente del puntillismo como podemos observar mejor en esta otra entrada. Pintado en el año 1890, un año antes de fallecer nos muestra un pequeño puerto francés de Gravelines al Norte de Francia.

En el puntillismo se busca que los puntos sean armónicos con sus puntos aledaños para formar en el ojo humano la impresión de que no existen puntos de colores sino manchas de color. Esto puede lograr si se hace bien una armonía de colores con mucha luz que deja ver suavemente las formas con sus colores, como si se hubiera pintado con tonos pasteles. Todo depende de las distancias de los distintos puntos y del tamaño de estos. Se juega con el blanco del lienzo para ofrecer estos tonos suaves y abiertos.

Es una obra sin personas, ya sean paseantes, pescadores o trabajadores del puerto, y esta manera de representar sus obras por Georges Seurat era típica de sus paisajes marinos, que siempre tenían una soledad luminosa.

Cartel del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2021


La cartelería es un termómetro del tiempo, de la sociedad y sus gustos, del Arte Menor del Diseño Gráfico y nuestros gustos estéticos. Me encanta la cartelería por lo que ice y representa, pues es mucho más que publicidad, que intentar vender un producto, unas fechas, unas fiestas.Este es el cartel del año 2021 del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña que se celebra en Sitges. El que siempre se ha llamado Festival de Cine Fantástico de Sitges.

Esa mezcla de doble personalidad jugada tan sutilmente en el cuadro cartel, y digo esto admitiendo la facilidad que tiene en su mensaje, pero podemos jugar a colocarlo en cualquiera de las dos posiciones, volteado 180 grados para que sin casi querer muestre uno y lo contrario.

El artista diseñador ha jugado con un pequeño detalle que obliga a mostrarlo así como lo vemos, dando prioridad a la noche. Todo se podría ver igual de bien si lo giramos excepto… el nombre de Sitges. Y claro, con todos los patrocinadores que están publicados abajo del cartel, aunque en la imagen que vemos arriba no están mostrados.

Cartel realizado por la agencia China Madrid mostrando la dualidad del Hombre Lobo y la normalidad, la noche y el día.

Puntillismo neoimpresionista. Ejemplos


Vamos a plantear por un momento un ejercicio visual, ajeno a la explicación de la autoría de la obra, de la que hablaré en una entrada posterior. Ahora solo vamos a ver lo que realmente es el puntillismo entre los neoimpresionistas, qué se desea buscar, qué técnica pinctórica utilizan y qué efecto hace en nuestra mente la obra si la observamos a una distancia adecuada.

Es un efecto similar al que observamos sin darnos cuenta en un impreso, en una revista, incluso más sobre todo si es una muy buena revista que imprime con trama estocástica o con lineaturas de 200 lpp. Su crean con masas de color de distinto tamaño (los pintores con pinceladas) los efectos de grises y tonos medios, que el ojo humano ya ve fundidos hasta observar una imagen donde no hay puntos, sino tonos medios perfectamente fundidos.

En este cuadro podemos ver el ejemplo de la obra real, el ejemplo de cómo más o menos lo vemos y configuramos en nuestro cerebro si se observa a una cierta distancia, y un detalle del tipo de pinceladas, para ver de qué técnica se alimentaban estos tipos de pintura, que de alguna forma siguen utilizándose, incluso de forma digital en algunas obras. 





Alfred Sisley y su obra La nieve en Louveciennes


Continuamos con obras del Impresionismo y en esta caso traigo otra pintura de las clásicas y conocidas titulada: La nieve en Louveciennes y pintada por el artista francés Alfred Sisley en el año 1875 aunque durante muchos años se consideró pintado en 1878. Una pintura de nieve invernal donde observamos en un camino cuesta arriba una campesina se aleja, con una cesta en el brazo. Envolviendo toda la obra nieve por todos los sitios ofreciendo un paisaje frío donde la mirada se nos va inevitablemente hacia la persona, la casi única nota de color de un cuadro de 61 centímetros de altura realizada en óleo.

Un paisaje poco atractivo por su frialdad  aunque sea una escena tranquila, vacía incluso, de otro mundo poco habitual, donde podemos apreciar como todo parece congelado, excesivamente quieto y parado, como esperando mejores tiempos.

Alfred Sisley fue un paisajista impresionista, quedan muy pocas obras suyas de periodos anteriores a este cuadro, pues fueron destrozados por la guerra con los prusianos. Aun así era un pintor de gran trabajo, aunque su fama importante como impresionista le vino tras su muerte en 1899



La Escarcha. Impresionismo de Camille Pissarro. Gelée blanche


Esta obra que vemos arriba se titula La Escarcha o Gelée Blanche y la pintó Camille Pissarro en el año 1873 con 43 años de edad, una obra impresionista no tan conocida como otras pero que también juega con las pinceladas que formarán objetos en la mirada del espectador más que en el propio cuadro que visto de cerca es la suma de pinceladas bastas. Es un óleo de algo menos de un metro de ancho en donde representa unos campos en el invierno que los deja por las mañanas llenos de escarcha blanca.

Sobre todo su obra más conocida representa a la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, o a las zonas urbanas de más vida nocturna representando a mujeres. 

Se le considera, junto con Claude Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los "problemáticos"  como Renoir, Degas o Cezanne. Como profesor de Arte tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, a su propio hijo Lucien Pissarro y a la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del anarquismo y del socialismo en unos años complejos y duros.

Édouard Manet: El pintor de la vida moderna. Almuerzo sobre la hierba


No todos los pintores impresionistas de sus inicios han logrado en la actualidad la misma fama con sus obras, y este cuadro titulado Le Déjeuner sur l'Herbe o Almuerzo sobre la hierba del francés Édouard Manet, pintado en el año 1863 sería un ejemplo de que la fama se mueve con los tiempos y los años. Fue una obra de gran crítica y rechazo en sus inicios, pues no se entendía que una mujer estuviera totalmente desnuda delante de dos hombres, todos ellos tumbados en el campo. Era un poco como una estampa pornográfica para aquellos años donde todo estaba permitido, pero no todo se podía mostrar a todo el mundo.

La mujer que nos mira a los espectadores es la modelo de Édouard Manet llamada Victorine Meurent que pone el rostro mientras que se asegura que el cuerpo es mucho más parecido al de la esposa del pintor llamada Suzanne Leenhoff

Los hombres son el hermano del Édouard Manet y el escultor Ferdinand Leenhoff que era hermano de su esposa. Incluso la modelo del fondo es reconocible como Alexandrine Zola la esposa posterior a esta fecha del escritor Émile Zola.

Es otra visión fotográfica de un escenario casi de estudio, de un paisaje que se representa como si fuera una fotografía en cuanto a iluminación y formas que simulan un bodegón con personas. Es una obra grande de 2,65 metros de anchura hecha con pinceladas gruesas y casi nada difuminadas. 

Curiosamente la obra además de un bodegón con frutas, la ropa de la modelo por el suelo, una barca algo desproporcionada contiene un pájaro en lo alto y una rana abajo a la izquierda que casi no se logra ver. Una ave volando que parece simular al Espíritu Santo y una rana que representa a las mujeres libres de la época que iban de fiesta en fiesta por las noches parisinas.

Esta obra ha sido replicada por muy diversos autores desde entonces, buscando otros puntos de vista y con otras técnicas o modos. Desde Picasso a Monet, desde Alain Jacquet a J. Seward, de este picnic campestre que tanta sensibilidad movió en aquellos años. Pero el primero fue Édouard Manet, al que se consideraba "El pintor de la vida moderna".

El sol del membrillo. Antonio López y Víctor Erice




Esta obra se titula “El sol del membrillo” y se construyó por Antonio López casi en exclusiva para la película del mismo título de Víctor Erice. La película es la mirada de un extraño que simplemente observa al artista en su día a día, creando algo que no existe, un membrillero iluminado por el sol de la mañana. Y es que aunque el árbol con sus membrillos sí parece existir, en realidad no existe más que a lo sumo un par de horas cada día bueno de luz y sol, el resto es imaginación de Antonio López.

Es imposible poder explicar qué siente un artista en los momentos en que está pintando una obra, en los que se la va imaginando poco a poco, aunque todavía no exista, aquello que nos quiere mostrar. La ve, observa la obra ya terminada aunque en realidad solo haya construido unos trazos y todo el resto está en la mente del artista. Ve las formas, los colores, las luces y como estas modulan los objetos y los llenan de color. De un color que solo esta en la mente y en la idea del artista. 

Antonio López es un pintor lento, muy lento de pincelada rápida. Pero mira los detalles decenas de veces, los remira y agarra con su pincel mientras va realizando marcas sobre sus objetos para asegurarse de su posición, de su forma, de sus equilibrios. No tenemos ocasión de poder comparar. 

¿Qué técnicas emplearía Goya para pintar su Maja Desnuda? ¿Y Velázquez para Las Meninas? 

¿De qué manera mezclaban los colores, tomaban referencias, se movían sobre el escenario de la obra, sobre la distancia que siempre hay entre el modelo y el lienzo? 

¿Qué rodeaba a Picasso o a Degas mientras hacían sus obras más famosas? 

¿Qué sonidos acompañaban a cada artista mientras estaba creando la obra que ahora contemplamos en silencio?

Impresionismo en "Los bebedores de absenta" de Edgar Degas


Si antes hablaba un poco del Impresionismo con una obra de Claude Monet, ahora creo que es obligatorio ver una obra de otro pintor impresionista que es también una de las más conocidas de los finales del siglo XIX, la que llamamos "La absenta" o "Los bebedores de absenta" o incluso "En un café" o "El ajenjo" y pintado en el año 1873 por Edgar Degas

En este conocido cuadro de Edgar Degas podemos ver a dos personajes, una mujer y un hombre, sentados en una mesa de un café urbano posiblemente de París, con la mirada perdida, desolados y sin saber que expresión tienen, por lo que casi siempre se ha dicho que en realidad eran dos personas ya algo borrachas que estaban como perdidas.

Es casi una fotografía instantánea que busca retratar un momento habitual en según qué locales a ciertas horas. Las copas, la botella, el color de lo que la mujer bebe hace pensar que podría ser absenta, anís verde. Sabemos que ella era la actriz Ellen André y él era el pintor Marcellín Desboutin. 

Muestra también la soledad de una época en París, el aislamiento de dos personajes que además están descentrados en la obra que deja un gran espacio a la izquierda del cuadro mientras corta al personaje masculino. No gustó nada en sus presentaciones de los primeros años pues representaba el vicio, la frialdad humana, el aislamiento. 

Impresionismo inicial y puro de Claude Monet



De los grandes artistas tendemos a reconocer y conocer con rotundidad unas pocas de sus obras, pero en muchos casos realizaron cientos de ellas y solo las pocas que el propio mercado reconoce como las mejores, son las que todos nosotros tenemos en el recuerdo. Del pintor impresionistas Claude Monet tenemos muchas referencias de campos de naturaleza, e incluso varios de ellos con títulos muy similares. Le encantaban las flores pintando con sus colores los lienzos de los campos.

Esta obra titulada: Las Amapolas, o El Paseo o Les Coquelicots en el francés original se pintó en el año 1873. Era un joven Claude Monet que con 33 años ya había elegido su modelo de pintura, su modo de expresión. 

Claude Monet juega con la composición, con dos parejas de personas —posiblemente la de primer plano sea su propia esposa y su hijo— que dividen la obra en dos campos distintos —tres si añadimos el cielo—. A la izquierda los rojos de las amapolas y a la derecha nuestra un campo de hierbas verdes azuladas a la vista del espectador hecho con manchas de colores que quedan mezclados en nuestros ojos. 

Para cortar con el horizonte y dar entrada al cielo, una hilera de árboles, una casa y la segunda pareja de personas.

Como se trabaja sin detalles —buscando que sea el ojo del espectador el que consiga ver las mezclas de colores, los detalles del conjunto— los rostros de las personas no tiene más que manchas en bruto, pues no interesa ver nada que no sea la impresión de un paisaje hermoso donde los colores en pequeñas pinceladas se van mezclando para formar las hierbas, las zonas con flores o los distintos planos de la obra. 

No era puntillismo, era impresionismo inicial.

Los apellidos del Arte: ismo. Goya reinterpretado por Lalo Cruces


El Arte está lleno de muchos “ismos” como apellidos que intentan encasillar a las distintas maneras de crear arte, de ser distintos a otros artistas o grupos de artistas. Pero estos apellidos no son compartimentos estancos y fijos, y todos ellos contienen muchas formas similares pero distintas de hacer y crear Arte, pues cada artista impregna con su sensibilidad y técnicas cualquier apellido que se le quiera poner a sus obras.

Muchos artistas huyen de estar encasillados en un ismo particular y de hecho n este siglo XXI ya casi no se utilizan para el Arte Moderno, Actual o Contemporáneo. Se da el caso de que figuras hoy muy reconocidas dentro de una familia artística determinada, nunca en vida supieron de que se les incluiría en un ismo que al final determina y encasilla.

O tenemos muchos artistas que han ido pasando por diferentes formas y maneras de crear, y es imposible al final encasillarlos en ningún apellido artístico pues ellos mismos nunca pretendieron eso, o incluso huyeron de eso.

¿Se hace en el siglo XXI impresionismo? Pues si. Como Goya hizo surrealismo cuando quiso. Algunos tipos de Performance ya los hacían los griegos clásicos o los árabes de hace diez siglos. En realidad el Arte cambia pero sobre todo se actualiza hacia el espectador, no tanto en contenidos ni en formas, como en detalles y en técnicas según los nuevos adelantos

Nota.: La escultura de un Goya reinterpretado es del artista Lalo Cruces para el 275 aniversario de Goya, instalada temporalmente en la plaza de La Seo de Zaragoza.

Alex Katz y sus sonrisas extrañas y muy serias


Esta obra es del artista de New York: Alex Katz de su serie "Smiles" realizada en los años 1993 y 1994. Su título es "Katryn sonríe" realizado en óleo sobre lienzo de lino. Alex Katz nacido en 1924 es un precursor del Arte Pop con obras planas casi siempre sobre madera y cuyas obras están en los más importantes museos del mundo. Además de pintor es diseñador, escultor y pintor gráfico. Pintor y escultor figurativo refleja a sus personajes como ensimismados, fríos, ajenos al mundo que los está mirando.

Alex Katz pinta preferentemente retratos y realiza primero un boceto, lo trabaja de nuevo antes de llevarlo al lienzo. Pinta, sin interpretar, la imagen fría del sujeto, sus inquietudes, la expresión misteriosa de las miradas. Sus personajes se destacan sobre fondos a la vez abstractos y muy coloreados, o serios y que nos distraigan. Alex Katz es sensible a los detalles de la moda de cada etapa (peinados, vestimentas, signos…) lo mismo que a los símbolos de su época. El artista pinta en menor medida paisajes, flores y marinas.

Alex Katz comenzó a pintar a finales de los años 50 del siglo XX, empleando en sus obras la figuración, los fondos planos, los colores suaves y la iconografía extraída del cine y la televisión. Antes que Andy Warhol. Antes que Wesselmann. En esos años, los expresionistas abstractos devoraban Manhattan y alrededores pero Katz marchó en dirección contraria.

"El arte, a veces, fascina porque no se entiende. Nos enseñaron que la belleza es para siempre, pero en verdad es algo cambiante y fugaz. Mi obra está hecha de pequeños detalles a gran escala. Y aún aprendo pintando. Y aún dudo. Dudo mucho. Creo que es esa misma duda la que me sostiene. He pasado la vida huyendo de Picasso, aunque mi artista de referencia es Matisse. El problema es que Picasso nos ha obligado a orbitar a su alrededor. Y de algún modo ahí seguimos. Prefiero el trabajo de creadores como Franz Kline. El pop llegó como un movimiento de estilo muy personal, accesible para todos, masivo... Fue una reacción inevitable ante el exceso pretencioso del expresionismo abstracto. Digamos que el Pop fue útil".



Distancias entre Arte y Artesanía. Punto de Cruz


La distancia entre el Arte y la artesanía no es solo una mayúscula de mas o de menos, es sobre todo que el Arte crea algo nuevo y la artesanía copia con técnicas diversas y logrando más de un ejemplar. Pero tampoco es tan sencillo esto, pues los tapices suelen ser obras terminadas que se basan en cartones pintados con anterioridad y en realidad son una copia de estos cartones de la que se pueden lograr varios ejemplares. Incluso de cuadros al óleo en la antigüedad se solían hacer varios ejemplares muy similares cuando los talleres de los grandes pintores trabajaban por encargo para las grandes familias ricas. Todo queda diluido.

Sin entrar a valorar que una obra única y original puede ser peor estéticamente hablando, que una obra de artesanía no industrial que nos puede motivar o provocar mucho más. El uso de máscaras para pintar con spray por algunos grafiteros de renombre no convierte a sus obras de Street Art en artesanía. Las técnicas son simples herramientas para lograr un fin.

Esto que vemos es punto de cruz, una técnica para crear pequeños (o grandes) trabajos con hilos gruesos de algodón y lanas que asemeja a los tapices convencionales o al menos se acerca algo con bordados que utilizan distintas técnicas finales. 

Pueden ser trabajos que copian obras ya impresas, o pueden ser trabajos originales que partan de unas ideas que se trasladan a esta técnica que entonces deja de ser artesana para convertirse en artística.

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The distance between Art and crafts is not just a capital letter of more or less, it is above all that Art creates something new and crafts copies with different techniques and achieving more than one copy. But this is not so simple either, as tapestries are usually finished works that are based on previously painted cartons and are actually a copy of these cartons from which several copies can be obtained. Even oil paintings in ancient times used to make several very similar copies when the workshops of the great painters worked on commission for the great wealthy families. Everything is diluted.

Without going into evaluating that a unique and original work can be aesthetically worse than a non-industrial handicraft work that can motivate us or provoke much more. The use of spray painting masks by some reputable graffiti artists does not turn their Street Art works into handicraft. Techniques are simple tools to achieve an end.

What we see is cross stitch, a technique to create small (or large) works with thick threads of cotton and wool that resembles conventional tapestries or at least comes somewhat closer with embroidery that uses different final techniques.

They can be works that copy works already printed, or they can be original works that start from ideas that are transferred to this technique that then ceases to be artisan to become artistic.

Street Art en los soportales de La Ribera de Bilbao


Enfrente del Mercado de la Ribera de Bilbao están los soportales de la vieja calle de la Ribera decorados con elegantes pinturas en los techos de estos soportales de La Ribera de Bilbao, también llamados Arcos de la Ribera. 

Estos techos están decorados con obras de Justo San Felices (“Homenaje a las artes”), Roberto Zalbidea (“La Leyenda de Kixmi”), Ángel Cañada (“El ayer y el hoy del Bilbao Filarmónico”), Alejandro Quincoces (“Alegoría sobre un Bilbao imaginario”) y Ambrosio Ortega, “Brosio”, (“Haciendo país”).

La parte de una de estas obras que vemos arriba es del autor Alejandro Quincoces y su obra "Alegoría sobre un Bilbao imaginario" del año 1989

Rosetón vidriera de la catedral de Bilbao


Este rosetón de la catedral de Bilbao, una vidriera espléndida que da luz natural y tamizada al interior de la iglesia es de una belleza enorme visto desde la distancia del espectador de pie. Pero muchas veces hay que acercarse un poco para ver detalles que no son sencillos de contemplar. La catedral está dedicada a Santiago y es lógico que aparezca en el centro de esta vidriera eje de la nave de la catedral. Un Santiago a caballo atacando a los infieles. 



La vidriera de la Estación Abando Indalecio Prieto de Bilbao


Uno de los elementos artístico que vemos nada más llegar por tren a Bilbao es su inmensa vidriera de bienvenida. Hay bastantes ciudades por Europa y América que han utilizado las grandes vidrieras en estaciones de trenes como bienvenidas y entradas de luz a interiores oscuros. Esta vidriera de Bilbao fue construida en el año 1948 por Jesús Arrecubierta en el taller de la Unión de Artistas Vidrieros de Irún, copiando un diseño que hizo el diseñador paisajista y muralista de Irún Gaspar Montes Iturrioz

Son más de 250 metros cuadrados de vidriera con 301 piezas diferentes que representan las tradiciones de la industria y agricultura vasca, sus deportes y sus iconos en una variada temática sobre todo vizcaína. Y en lo alto de la vidriera la Basílica de Begoña presidiendo la entrada de luz y el reloj que marca las horas de las esperan para los viajes.


En el Bilbao más vigilado, unas manchas de color y textura


En el Bilbao más vigilado en la actualidad te puedes encontrar con detalles de gran calidad que pasan desapercibidos. ¿Y qué tienen estas manchas de arte? Pues es Arte Natural, es Arte Casual, es incluso Arte Brut y Arte Fotográfico. El Arte no está en la obra sino en la mirada de quien observa.

En el Bilbao más cuidado, en donde te piden el DNI para poder pasar, existen detalles contrastados de nudos y negros, de amarillos vivos y de vetas que se abren paso por la madera. Y yo, bien observado por gentes de bien me acerqué a ver los detalles y a pillarlos desprevenidos. Tengo como este una veintena. Pequeñas manchas hermosas que sirven para entender que la vida se compone de muchas pequeñas zonas de color.

El Arte y la Decoración. ¿Unidos y Amigos? ¿Se repelen?


Es muy complicado a veces diferenciar el concepto de Arte Motivador del Arte para Decorar, en el mejor sentido de la palabra. Una de las funciones del Arte es decorar nuestras vidas, llenarla de algún sentido lúdico, festivo o sentimental. Cuando nos está motivando o provocando, cuando nos entra dentro estaríamos deseoso de que eso sucediera muchas veces o ninguna.

El Arte ha decorado y decora iglesias a base de explicar con imágenes lo que no se sabía leer de los libros. El Arte se utiliza para muchas funciones, y en parte muchas de ellas son similares al hecho de acompañar, complementar, decorar nuestras vidas.

Esta entrada de un hotel de Bilbao podría tener el cuadro que tiene, podría tener otro o incluso podría estar vacía la pared o con una mínima expresión. 

En cada caso la entrada al hotel sería diferente. Los clientes sin casa percibirlo entrarías de otra manera. No todas las decoraciones se dejan notar fácilmente por quien las observa de pasada. Pero están allí, ocupando un espacio visual al igual que una música ocupa un espacio sonoro.

El tamaño en el Arte sí importa, o casi mejor dicho, “los tamaños” pues no hay un estándar. Depende del uso, del espacio en donde vaya a estar y depende de lo que se pretenda desear con la obra. ¿Queremos verla a una cierta distancia o preferimos obligar al espectador a acercarse por algún motivo?

Una obra de Arte enmarca lo que le rodea, y lo que le rodea la enmarca a ella. Se complementan en el uso. Por eso hay que analizar qué se pretende lograr, en dónde va colocada, qué deseamos que perciba el espectador, qué elementos rodearán la obra en cuanto a formas y colores e incluso en cuanto a edad.

Un tapiz retablo en Huesca. Siglo XVI de Quinten Matsys


Este tapiz de la Virgen y San Vicente está en el Museo de Huesca y representa a la Virgen con el Niño Jesús frente a San Vicente Mártir que va vestido de diácono y con la rueda de molino que simboliza el martirio que sufrió. En la zona izquierda aparece San Erasmo de Formia más conocido por San Telmo o San Elmo, con un texto que asocia a la Virgen con San Ramón. En la zona de la derecha está San Valero.

Este tapiz es de la primera mitad del siglo XVI atribuido el cuadro de donde se logra el tapiz a Quinten Matsys o a su taller y se hizo en Amberes, en los Países Bajos y mezcla diseños italiano como la cortina y las columnas, peo en cambio la forma de plegar las telas es de tradición flamenca. Este tapiz, posiblemente utilizado como retablo frontal de algún altar, se encargó por el donante D. Pedro Agustín Albanell, Prior de Roda de Isábena y Obispo de Huesca Jaca cuando estaban unidas en el mismo obispado, y cuyas armas podemos ver en los arcos.

Huesca y su Arte Urbano que desaparece



Es la realidad aunque nos duela, el Arte Moderno, el Street Art de más calidad desaparecerá en pocos meses y será sustituido por otras obras. Nace para morir, no quedará en los museos ni en los despachos de postín. Este muro es de la ciudad de Huesca, un trabajo más cuidado que muchas obras que cuelgan en museos, pero cuando nace el Arte Urbano sabe que es efímero y que en breve tiempo desaparecerá. 

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It is reality, although it hurts us, Modern Art, the highest quality Street Art will disappear in a few months and will be replaced by other works. Born to die, it will not remain in museums or posh offices. This wall is from the city of Huesca, a more careful work than many works that hang in museums, but when Urban Art was born it knew that it was ephemeral and that it would soon disappear.

En Huesca los pulpos callejeros anuncian pulpo a la plancha


En ese camino intermedio entre el Arte Urbano y el Arte Publicitario que a veces se juntan bastante y si hay duda revisar la cartelería de los últimos 100 años, te puedes encontrar ejemplos como este. Una gran pared de Huesca anunciando un bar restaurante en donde venden pulpo a la plancha y lo anuncian a lo grande para que se vea desde lejos. Toco el Arte la forma, toca la publicidad, es un uso intermedio. Un cuadro decora una pared de un despacho y lo vemos correcto. Este pulpo decora una calle para advertir de que allí podemos parar y descansar. Todos menos el pulpo. El Arte tiene muchas aristas.

Giorgio Morandi y sus bodegones llenos de silencio


A partir del 24 de septiembre de este 2021 vamos a poder ver en Madrid, en la Fundación Mapfre una exposición retrospectiva del artista italiano Giorgio Morandi uno de los artistas más significativos en la historia del arte del siglo XX en Italia. Pintor, profesor de Arte, grabador, dibujante escultor y artista gráfico, empezó dentro del Movimiento Futurista y el Novecento italiano, para terminar más en la Escuela Metafísica, donde trabajó sobre todo los bodegones de objetos normales y sencillos como un director teatral de vasos, botellas y utensilios de cocina que modelaba. Objetos cotidianos, flores y paisajes, en los que el pintor italiano juega con los colores, las formas y los volúmenes de manera armoniosa, buscando simplemente los silencios y las formas. 

La imagen de arriba nos muestra una obra que tituló Naturaleza Muerta realizada en el año 1941. 

"Uno descubre en el pintor la audacia del que es extemporáneo porque su arte brota de quién él es y no de lo que imponen otros" Antonio Muñoz Molina.

Don Bergland y el surrealismos con dudas y preguntas


Esta obra del artista canadiense Don Bergland y titulad "El escepticismo" se ha podido ver en el CAC de Málaga en una exposición titulada "El silencio de la eternidad" y forma parte de una serie de obras impresas con tintas pigmentadas sobre lienzo, tras crear sus cuadros de forma digital. 

Don Bergland crea arte surrealista puro y actual, en donde de forma teatral mueve a sus personajes hacia preguntas incómodas que tiene que ver con la inmortalidad, con el papel que cumplimos o no en esta sociedad, con lo que nos atrapa o retiene, lo que nos sorprende y asusta.

Juega digitalmente con sus decorados, sus luces y sombras, sus gestos y complementos, hasta lograr que el conjunto final hable y se exprese en silencio, para que sea el espectador quien intente responder lo que parecen preguntar los personajes.

Como en cualquier buena viñeta de humor, juega con pocos elementos, pocos personajes distintos, y muchas preguntas, muchas dudas, mucha acidez en sus planteamientos silenciosos. Parecen temas inocentes, fáciles, infantiles, parecen juegos de humor, pero en el fondo se esconden verdades filosóficas, dudas de la existencia. 

Si miramos esta obra podemos preguntarnos muchas cosas. Por ejemplo si nosotros somos las ovejas, que parece claro que sí. Y que estamos casi adorando a un poder falso que nos atrapa por sus posiciones y sus vestidos. Estamos viendo el teatro del Poder y nos quedamos absortos con el escepticismo contundente de saber o no saber si adorar a quien tiene lo elementos para ser respetado (traje, corbata, elegancia) aunque le falta la cabeza de pensar.

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This work by the Canadian artist Don Bergland and entitled "Skepticism" has been seen at the CAC in Malaga in an exhibition entitled "The silence of eternity" and is part of a series of works printed with pigmented inks on canvas, after creating your pictures digitally.

It is pure and current surrealism, where in a theatrical way it moves its characters towards uncomfortable questions that have to do with immortality, with the role that we fulfill or not in this society, with what traps or holds us, what surprises us and scares.

Play digitally with their sets, their lights and shadows, their gestures and accessories, until the final set speaks and expresses itself in silence, so that it is the viewer who tries to answer what the characters seem to ask.

As in any good humorous vignette, he plays with few elements, few different characters, and many questions, many doubts, a lot of acidity in his silent approaches. They seem like innocent, easy, childish themes, they seem like games of humor, but deep down they hide philosophical truths, doubts of existence.

If we look at this work we can ask ourselves many questions. For example, if we are the sheep, it seems clear that we are. And that we are almost worshiping a false power that traps us by their positions and their dresses. We are watching the theater of Power and we remain absorbed with the overwhelming skepticism of knowing or not knowing whether to adore someone who has the elements to be respected (suit, tie, elegance) even though he lacks the head to think.





Huesca y su Arte Urbano más moderno


No estamos poniendo en valor urbano del Arte, o el valor del Arte Urbano o del Street Art efímero que alguien muchas veces desinteresadamente hace en las calles de nuestras ciudades simplemente para disfrutar creando y sabiendo que añade un valor a una fachada, a un paseo. No sabemos todavía si el llamado Post-Graffiti o Street Art será considerado el Arte del siglo XXI, pero camino de ello lleva.

No existe un solo tipo de Street Art o Post-Graffiti , no hay una única manera de expresarse con el Arte Urbano, hay escuelas, tendencias, modos, espacios, calidades. Y eso es lo interesante, además de que existan muy diversos artistas, algunos ya con firma propia incluso en España.

Mi consejo es que estamos atentos a esta forma de Arte Moderno, pues será el tiempo futuro el que la pondrá en su lugar, aunque para entonces ya, no existan las obras que podemos ve ahora.

Esta obra de Arte Urbano que vemos arriba está en la ciudad de Huesca y es de la artista e_bhurton

Luis del Olmo Alonso se ha ido a dibujar a otra parte


Un dibujante de viñetas es un artista de la literatura y el dibujo que se gana la vida inventando la vida que ve pasar por sus ojos. Luis del Olmo Alonso era un dibujando vasco de periódicos, de poner un toque de alegría en miles de lectores todos los días. Y a sus 99 años se ha cansado de seguir dibujando. No sucede nada, es imposible dejar de crear aunque estés donde estés, eso va dentro de cada uno.

Desde 1943 hasta este 2021 ha estado dibujando a Don Celes que dio la vuelta al mundo en infinidad de periódicos diversos. En el mundo gráfico lo importante para seguir creando todos los días historias nuevas es tener algunas en el cajón para esos días malos en los que no te viene nada. Y también soñar. Soñar por las noche ayuda a que al levantarte te aparezcan los personajes queriendo hablar de nuevo.

Las 3 versiones del cuadro de van Gogh, La Habitación de Arlés


Pocas obras hay tan conocidas como esta a nivel mundial. La Chambre à Arles Vincent van Gogh de las que existen tres versiones pintadas en pocos meses y a distintos tamaños. La primera versión está pintada a finales de 1888, la segunda en septiembre de 1889 y la tercera y más pequeña en el otoño de 1889. Las dos primeras obras tienen 90 centímetros de anchas. La tercera 74 centímetros de anchura.



La Habitación de Arlés o el dormitorio en donde descansaba el genial pintor en la ciudad francesa de Arlés es una obra muy utilizada en los colegios para enseñar a los niños Arte Contemporáneo e iniciarlos en el campo de la pintura, tanto de acrílicos u óleo como en acuarelas. Permite hablar de color, de su importancia en la construcción de volúmenes, y al ser una obra que semeja un estilo bastante naif, sirve para que los niños la acepten muy fácilmente y se avengan a intentar copiarla con todo lujo de detalles. En realidad es una obra de brochazos, de un impresionismo tardío pero fácil de copiar.




Malika Favre y el cartel de la Mercè 2021 para Barcelona


Que una ilustración para un cartel de fiestas logre muy pocas críticas casi parece un milagro. El trabajo de la diseñadora Malika Favre, autora del cartel de la Mercè 2021 para el barrio de la ciudad de Barcelona debe estar muy contenta de las alabanzas recibidas. No es lo habitual en ninguna ciudad.

La artista y diseñadora Malika Favre es hija de padre francés y madre argelina. Estudió diseño gráfico en Londres y en los últimos años se ha convertido en una ilustradora que acapara páginas en The New Yorker, The New York Times, Vogue, Vanity Fair. 

En todas sus obras aparecen formas geométricas que remiten a su interés por las matemáticas y las ciencias. Una de las características de sus obras son los colores, potentes, puros, que recuerdan el arte centroafricano, aunque en este trabajo ha suavizado algunos para acercarse más a los dorados.



Una Última Cena con 13 apóstoles, de Vicenzo Carducci


Este curioso
cuadro de la "Santa Cena" pintada por el artista Vicente Carducho de origen napolitano se encuentra en el retablo de la Iglesia y Convento de las Carboneras de Madrid. Hecho con una maestría para el dibujo, la perspectiva y el color tremenda, era el pintor en su época más reconocido de la escuela madrileña de pintura hasta que quedó desbancado por Diego Velázquez

En esta obra nos ha representado el momento de la Santa Cena en un gran lienzo donde la mesa no está en posición horizontal, sino vertical, con lo cual alarga el espacio y la perspectiva se hace más profunda, metiendo al espectador en el mismo momento en el cual estaban sucediendo los hechos del Cenáculo. 

La obra está realizada en el año 1634, ya en época de Felipe IV. Vicente Carducho se llamaba en realidad Vicenzo Carducci en su idioma natal, el napolitano. Se formó artísticamente junto a su hermano Bartolomé que ya trabajaba en el Escorial para Felipe II.

Un de las curiosidades de esta obra es que además de los 12 apóstoles y Jesús, hay un miembro más observando la escena, un perro pequeño que agachado parece vigilar a Judas que esconde entre sus piernas la bolsa con los dineros que le han dado por vender a Jesús de la que observamos sutílmente solo la cuerdecita de su cierre. 

¿En cuántas Últimas Cenas tenemos a un perro como espectador?

Roberto Matta y el surrealismo abstracto de su pintura


El artista chileno Roberto Matta está considerado unos de los últimos representantes del surrealismo más académico, disciplina artística que sigue viva tanto en pintores como en fotógrafos o escritores. Arquitecto, pintor y poeta, en las primeras décadas del siglo XX viajo por Europa conociendo a todas las figuras del Arte europeo de aquellos años, desde Picasso a Bretón, Lorca o Dalí entre otros, y colaborando en revistas, aprendiendo y practicando de los nuevos movimientos artísticos de la época. Tras su primer viaje por la Europa artística que giraba sobre París principalmente se marcha a New York en donde amplió sus exploraciones artísticas relacionándose con Jackson Pollock entre otros. Vuelve a Europa y se asienta en Italia pero sin dejar América de sus viajes y trabajos.

Roberto Matta fue Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el año 1995 y trabajó también el vídeo, el diseño de muebles e interiores, muy reconocidos trabajos en murales y algunos pequeños trabajos literarios. Su universo cósmico con manchas que perfilaba con maestría se componía de figuras imaginadas dentro de su espíritu libre y a la vez surrealista puro, dentro de un surrealismo que se movía hacia la abstracción.

Al final de la II Guerra Mundial elabora paisajes y figuras cada vez más monstruosas; como seres humanoides y torturados presentes en sus trabajos desde entonces. Su pintura se convierte en casi literatura, nacida de de los signos y desarrollada en el dinamismo de la acción pictórica. Pequeños seres monstruosos, mitad hombre y máquina, realizan sobre el lienzo su baile grotesco. Su sentido profundo es la crítica de la irracionalidad de la tecnología y de la sociedad moderna.

La obra al óleo que vemos arriba es del año 1986 y Roberto Matta la tituló: "Munda y desnuda, la Libertad contra la Opresión"

Frida Kahlo y su obra "Unos cuantos piquetitos" llena de sangre


En el Museo Dolores Olmedo de la ciudad de México D.F. podemos contemplar y sufrir esta obra de Frida Kahlo titulada "Unos cuantos piquetitos" donde podemos ver en todo su drama un asesinato de una mujer posiblemente por su propia pareja sentimental. Es un cuadro enmarcado, para representar el drama y la sangre salpicada sobre el marco. La mujer ha quedado convertida en un pelele doblado y destrozada a cuchilladas. Y el hombre permanece impasible, como si todo fuera de lo más normal.

Frida Kahlo leyó en un periódico mexicano la siguiente noticia: Un hombre mató a su mujer y en los tribunales se defendió diciendo que sólo le había dado «unos cuantos piquetitos». Según la policía, fueron veinte puñaladas. Y con esa noticia Frida Kahlo construyó esta mirada suya, dolorosa y triste.

Frida Kahlo no quiso mostrar solo la imagen de un asesinato, quiso que nosotros como espectadores supiéramos que ese asesinato se había producido allí mismo, delante de nuestras miradas, y por eso lleno de sangre el marco ficticio de la obra. No era un cuadro, era un espejo. La mujer asesinada estaba delante de nosotros y sus restos nos envolvían. Y la cara de cínico del asesino también estaba allí, delante del espejo, mirando a la mujer pero con la sensación de que en cualquier momento nos puede mirar a nosotros.

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At the Dolores Olmedo Museum in Mexico City D.F. we can contemplate and suffer this work by Frida Kahlo entitled "A few piquetitos" where we can see in all her drama a murder of a woman possibly by her own sentimental partner. It is a framed painting, to represent the drama and the blood splattered on the frame. The woman has been turned into a dummy bent and smashed to pieces. And the man remains impassive, as if everything were the most normal.

Frida Kahlo read the following news in a Mexican newspaper: A man killed her wife and in court she defended herself saying that he had only given her "a few little peaks." According to the police, there were twenty stab wounds. And with that news, Frida Kahlo built this painful and sad look of hers.

Frida Kahlo did not want to show only the image of a murder, she wanted us as spectators to know that this murder had taken place right there, in front of our eyes, and that is why the fictional frame of the work filled with blood. It was not a painting, it was a mirror. The murdered woman was in front of us and her remains enveloped us. And the murderer's cynical face was also there, in front of the mirror, looking at the woman but with the feeling that at any moment she could look at us.

Lita Cabellut, una artista rompedora con casi todo


La artista aragonesa afincada en La Haya, Lita Cabellut, expone ahora en Amsterdam sus nuevas obras realizadas durante la primera parte de la pandemia de COVID en un montaje colección que ha titulado "Elección de los Recuerdos - Choice of Memories", donde muestra nuevas esculturas y las obras de grandes dimensiones. Esta que vemos la ha titulado "Misaki" donde Lita Cabellut utiliza una técnica innovadora que por medio de un craquelado incorporado a sus obras ya finalizadas de gran realismo hace aumentar el impacto visual de cada una de sus obras. Parte para sus obras de fotografías que reproduce con todo detalle y sobre las que aplica diversas técnicas de rotura, de incluso casi destrucción.

Pero la biografía artística de Lita Cabellut tiene sombras que emborronan en parte sus obras, algo que incluso vemos al final en sus trabajos. No todo parece real, no todo resulta maravillosamente espléndido para que sea la artista española más cotizada en el panorama artístico europeo de estos años.

El mundo del Arte Actual, vive en gran medida de mercados manipulados por los dineros, por las modas, por los listos que saben mover tendencias y crear nombres que les sirvan para sus intereses económicos. De momento nos quedaremos con las obras de Lita Cabellut y disfrutaremos de sus miradas artísticas diferentes aunque utilice técnicas muy viejas llevadas al punto de ruptura.

Las alcantarillas de Japón y sus diseños coloristas


No es la primera vez que hablamos aquí de las alcantarillas de Japón y es que nos sorprende que en el urbanismo de ir por los suelos, un país quiera agradar a sus transeúntes con diseños, coloridos, tiradas cortas para no repetir los motivos que funden en el metal de las alcantarillas. No sé si es un ejemplo, depende de las economías, pero sin duda es un detalle de calidad en la vida de las calles del Japón. Diseños que cambian según ciudades, barrios o zonas cercanas e interesantes para visitar en las ciudades. En realidad son un motivo de alerta, de aviso, de publicidad de sus lugares más conocidos en cada ciudad.

Por si hay duda de su interés, hay personas en Japón que coleccionan imágenes de las distintas alcantarillas japonesas y las ponen en conocimientos de sus lectores.

Cenicienta de Sony… ¿y por qué no es buena?


Esta semana se ha estrenado en Amazon Prime Video la película Cenicienta de Sony (Cinderella) basada en el cuento de su mismo nombre de Charles Perrault en el siglo XVII. Un rodaje que sufrió cortes debidos a la pandemia del COVID y que al final al logrado un producto muy bien hecho, que recibirá duras críticas son ninguna duda, pero que es muy agradable, entretenida y muy bien realidad en fotografía y efectos especiales, con unas actuaciones a la altura del producto final.

Es un cuento de hadas, un clásico, con un final muy conocido y que resulta imposible que te sorprenda, excepto por la calidad de las imágenes, de la música y de sus coreografías. Pero en estos tiempos tan negativos, cualquier atisbo de alegría, de positivismo, de locura imposible es de agradecer.

Hay cuatro personajes clave en la película que debo normar. Los tres ratones y el Hada Madrina. Nombrar a estos personajes secundarios no supone dejar atrás a los protagonistas, aunque a casi todos ellos les podríamos pedir algo más de credibilidad, aunque estemos dentro de un cuento de hadas. 

El trabajo en concreto de Billy Porter, dentro de su histrionismo lógico, es uno de los puntos de arranque para entender que todo es posible si lo vemos desde la alegría y la sonrisa, la música, el color y el movimiento. Que incluso Cenicienta, un cuento para niños, puede convertirse en un entretenimiento para adultos que están ya cansados de tanto pesimismo y tanta mala baba constante. 


¿Para qué sirve el Arte si no es para provocar?


El arte debe consolar a los perturbados, heridos, nerviosos, idos, desmotivados, simples, normales, cabreados, cazadores de nuevos aires, miradores de lo raro, sensibles, suaves, amantes del amor, luchadores de la habitual.

Y debe perturbar a los cómodos, a los ricos del dinero, a los violentos de pensamiento, a los censores, a los brutos, a los tontos bien formados, a los incultos que leen mucho, a los enfermos de normalidad, a los que siempre ríen por sentirse los dueños, a los poderosos infelices.

Una niña de 7 años contando una historia con un dibujo


En esta ventana vemos todo tipo de Arte, así que el arte infantil también debe tener cobertura. Es un inicio, es un Art Brut puro, un Art Naif original y además en este caso, va explicado. Es un dibujo que en realidad es un pequeño cuento contado por la niña, que explica la historia que ha dibujado. No es solo un dibujo simple, lo que nos lleva a la pequeña conclusión ya conocida de que casi nadie crea algo, Arte en este caso, sin que debajo subsista una historia.

Puede parece increíble que con 7 años haya dibujado esa línea que parece de horizonte, pero no lo es, desentonaría para la edad, pero todo tiene explicación.

En realidad ha dibujado a una tía suya a la que le ha escondido un tesoro (el bolso y la llave) entre las hierbas, y le ofrece el plano del camino que debe hacer para encontrarlo (la línea que parece el horizonte) hasta llegar a la X que es donde está escondido el tesoro.

¿Y por qué ha dibujado el tesoro en un lugar alejado de la X? Pues porque el tesoro está en la X pero si no se sabe qué se busca no se puede encontrar y por eso lo ha dibujado, para que vea la tía la forma que tiene el tesoro.

Como es lógico, entre todos nosotros lograremos tras muchos esfuerzos colectivos que esta niña según vaya creciendo se olvide de sueños, de cuentos y de tesoros, y se centre en trabajar mucho y en comprar más todavía, para ver si es posible que lo más pronto posible firme una hipoteca muy larga. Y que se deje de mierdas de dibujos, que eso, dicen, no lleva a ningún lugar. Somos así de listillos.

Mariano Tobeñas, pintor zaragozano que triunfó en Cuba


Mariano Tobeñas Mirabent
fue un pintor nacido en Zaragoza en el año 1881 y que tras vivir varios años en Calatayud tuvo que emigrar a Cuba a los 22 años, el país de su madre ya fallecida al casarse su padre (militar español) con otro mujer que no lo admitía como hijo. En Aragón había sido alumno de Pintura y había logrado en aquellos años ser licenciado en Bachiller de Ciencias y Letras. 

Se asienta como maestro de Matemáticas en la localidad de El Jíbaro y allí queda atrapado de los paisajes de la zona y decide pintarlos, recreando la selva de la zona, los verdes de las palmeras y las auas de ríos como nadie en aquel principio del siglo XX. Se consagró como paisajista mayor rural de la zona de Sancti Spíritus y logró varios premios y reconocimientos a su trabajo artístico. Fue uno de los pintores más destacados del centro de la isla en la primera mitad del siglo XX.

Helga Stentzel: "La Fotógrafa Surrealista del Hogar"


La fotógrafa rusa Helga Stentzel es conocida como "La Fotógrafa Surrealista del Hogar" pues gran parte de sus trabajos son montajes con productos básicos de cualquier vivienda que ella monta en una escenografía para simular escenas y trampantojos. 

Además de la fotografía también es diseñadora y hace vídeos con similar temática. Comenzó como Directora de Arte en publicidad y hoy sorprende con sus trabajos fotográficos por la sencillez de sus elementos y los teatral de sus montajes. Crea personajes con elementos de lo más diversos, dándoles una vida nueva.

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The Russian photographer Helga Stentzel is known as "The Surrealist Home Photographer" since much of her works are assemblies with basic products of any house that she assembles in a set to simulate scenes and trompe l'oeil.

In addition to photography, she is also a designer and makes videos with a similar theme. She began as an Art Director in advertising and today surprises with her photographic work due to the simplicity of her elements and the theatrical productions of her. She creates characters with the most diverse elements, giving them a new life.



Oana Stoian, una fotógrafa surrealista rumana


Una fotografía bella de la artista rumana nacida en Lugaj: Oana Stoian, para comprobar como un desnudo puede ser muchas más cosas que un desnudo. En este caso son formas, es belleza, es estructura y misterio. 

De hecho sus obras (primero fue pintora)muestran una abstracción de la realidad, una pérdida de identidad  real de los objetos que fotografía en el contexto de misteriosas escenas montadas para ver lo normal de una forma totalmente distinta, con diferentes diálogos con la escena primero y con el espectador después.

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A beautiful photograph of the Romanian artist born in Lugaj: Oana Stoian to see how a nude can be much more than a nude. In this case they are forms, it is beauty, it is structure and mystery. 

In fact, her works (she was a painter at first) show an abstraction of reality, a loss of real identity of the objects she photographs in the context of mysterious scenes staged to see the normal in a totally different way, with different dialogues with the first scene. and with the viewer afterwards.

Perplejidad ante el Arte Griego o el Arte Contemporáneo


Hay muchas ocasiones para quedarnos perplejos ante algo. Por ejemplo ante lo que no esperamos encontrarnos. ¿Es posible encontrarnos con una escultura de mármol que se ponga a pescar delante de nosotros? Este sería un ejemplo en el que nos quedaríamos perplejos.

Si es una escultura antigua, de Arte Griego por ejemplo, nos quedaremos perplejos. No la entenderemos. Pero si es una obra artística contemporánea ya no, ya la observaremos con otros ojos intentando saber qué nos quiere decir el artista pues ha podido querer jugar con nosotros, con su obra, son  lo que se espera de ella. 

Esta es parte del juego artístico que el Arte Contemporáneo nos plantea a veces. Mostrarnos secuencias, imágenes distintas a las que esperamos ver, a las habituales, a veces impactantes, y que nos pueden dejar perplejos. No se busca otra cosa que lograr lo que es otras épocas de nuestra historia sería imposible.

La artista Nuria Román y su: Arte para la Vida


Desde Baleares nos llega este trabajo de la artista Nuria Román, Arte para la Vida, un péndulo del 2020 donde nos quiere llevar al pensamiento de que nada es estable, nada es fijo, todo es capaz de moverse a nuestro alrededor y cambiar nuestra percepción de lo que nos rodea. Esta artista que vive en Menorca pero ha ido acumulando experiencias en Holanda o los EEUU trabaja la piedra, la cerámica la pintura y la escultura en un trabajo completo y complejo donde experimenta con encontrar los caminos de expresión y relación de la mujer con el mundo, las distintas relaciones que se dan entre el Norte y el Sur o entre las vidas urbanas y rurales.

Nos dice en una clara declaración de intenciones que.: Hay caminos del arte que están sin explorar, hay que tratar de abrir esos nuevos caminos. Creo en el Poder del Arte como herramienta para transformar y comunicar. El Arte debe ser algo cotidiano, cercano y popular (para el pueblo). Se debe hacer Arte igual que se hace pan cada día. El arte tiene la capacidad de abrir caminos, unir diferencias y despertar al entendimiento.