Una hoja que no sabía si era tímida o estaba asustada

Pensó en asomarse del todo, pero enseguida se fue secando al calor de la tarde y al perder color le entró vergüenza en que la viéramos desnuda. 

Las hojas cortadas son como los tímidos, no siempre quieren dar la cara.

Eadweard Muybridge y sus fotografías en movimiento

En las últimas décadas del siglo XIX la fotografía se fue abriendo camino como herramienta múltiple que podría servir como vehículo artístico, pero a su vez como una manera de analizar los movimientos, las escenas con detalle, mezclando la fotografía con el también precursor cinematógrafo que se iba construyendo a su lado.

En el año 1872 el fotógrafo londinense Eadweard Muybridge quiso investigar esa mezcla de aquellos años entre fotografía estática y fotografía en movimiento y realizó un ejercicio que intentaba dar respuesta a sus amigos, aficionados a los caballos, que dudaban si estos al trotar tenían algunos instantes en los que no tocaban el suelo.

En los años posteriores siguió investigando esos movimientos de objetos ante el objetivo de una cámara, mejorando obturadores, exposiciones, modelos, etc. Se estaba deseando inventar el cine, la fotografía en movimiento. Fueran caballos, deportistas o bailarines. 

Hoy todo esto lo vemos tan sumamente antiguo que no nos produce atención, pero en realidad aquellos intentos suponían avanzar en el tiempo, acelerar los proyectos para que el cine se fuera abriendo paso, para que los tiempos en disfrutarlo fueran menores. 

Se nos ha muerto ET y la abuela de la Familia Gálvez

Cuando un artista de teatro, cine o televisión se muere, en realidad se mueren muchos personajes, muchas maneras de entender el Arte de la Interpretación, la capacidad de ser otra persona y convencerte como espectador de que ese actor es realmente el personaje que está creando.

Por eso hoy, cuando nos han avisado de que había fallecido Laura Gómez-Lacueva, en realidad también había muerto ET, una gran parte de OregónTV, un personaje o diez que se nos metían en casa a la hora de la cena, para hacernos sonreír. 

Ya no se podrá recuperar sus maneras, sus personales formas de comportarse, diferente en cada uno de sus personajes. Se ha ido la abuela de la Familia Gálvez, se nos ha escapado ET y decenas de otras intervenciones maravillosas. Pero es lo que todos sabemos de antemano. Siempre nos queda el buen recuerdo.

Art Street sevillano y en cerámica

Volvemos al buen gusto, a la belleza, a ese Arte Urbano tan sencillo como una cerámica pegada en una pared para embellecer el espacio. Es Sevilla, es color, es otra vez Art Street pero español. Sencillo pero muy suficiente para agradar un paseo por las calle hermosas.

Escaparate casi Arte en una calle de Sevilla

Detalle de un escaparate de Sevilla. Una manera bella de remarcar un producto, de convertir un sencillo escaparate en una obra de arte visual, para remarcar el producto. Los múltiples usos del buen gusto, de la decoración, del diseño, se acercan cada vez más al Arte como elemento de buena mirada, de belleza.

Figura y Fondo. ¿Y si no queremos diferenciarlas?

Hablábamos en otra entrada de la diferencia entre Figura y Fondo a la hora de analizar una obra pictórica o fotográfica, pero esta diferencia algunos artistas se la saltan para provocar en el espectador otras maneras de contemplación.

Decíamos que lo sencillo era trabajar los diferentes planos visuales, bien con desenfoques, con ausencia de detalles, de colores contrastados, etc. 

Pero a veces al artista le interesa que no exista esa diferencia clara, o incluso que no haya un solo plano de figura sino dos o más, para que sea el espectador quien decida qué plano con figura considera más importante y sea el primero en observar.

Todo esto al mirar un cuadro o una fotografía lo hacemos (casi) sin darnos cuenta, elegimos sin casi percibirlo por motivos diversos, es en parte nuestra propia formación visual la que nos lleva a elegir, a fijarnos con más o menos atención en una parte u otra de la obra.

Lo sencillo es esbozar, casi bocetar la parte que queremos dejar como Fondo. Pero muchas otras veces deseamos que todo el conjunto esté igual en su relación entre los elementos o las escenas. Para tal vez incluso confundir al espectador.

En la realidad de la calle, del día a día, nosotros con la vista sí utilizamos esa capacidad. 

Miramos y sin darnos cuenta vemos unas partes perfectamente enfocadas y las convertimos en "figuras" mientras gran parte de esa mirada nos queda en el cerebro como desenfocada, como en un segundo plano, pues en realidad la vista es muy selectiva. 

Jugar en el arte plano a reforzar esas sensaciones visuales normales, es un ejercicio que ayudar a colocar como protagonista unas partes en contra de otras. Es simplemente simplificar la lectura de la obra.

En la obra que dejo como ejemplo hay hasta tres planos, las dos figuras grandes e importantes, el plano de los detalles que hay encima de la mesa, y el fondo que con sus detalles y su cielo potente, no quiere tampoco pasar desapercibido. Se lee la obra en tres lecturas distintas, y es otra manera de no querer diferenciar con claridad lo que es figura de lo que es fondo.

Arte Religioso, contemporáneo por Juan Manuel Núñez Báñez

Esta obra se titula "La conversión de San Francisco de Asís" y fue realizada en el año 2012 por el artista Juan Manuel Núñez Báñez. Un pintor contemporáneo de Palma del Contado en Huelva que demuestra que también las obras religiosas se puede contemplar desde una mirada moderna, actual. Esta obra se encuentra en el Monasterio de la Rábida, Palos de la Frontera.

Teruel soplando el aire de la vida

Arte Urbano en Teruel, soplando el viento o creando la vida, papel de Dios insuflando una nueva Creación en las calles de la ciudad de Teruel. Art Street callejero. 

Belleza mínima, comedor de un monasterio

 Los que le buscan: su corazón vivirá

Es un sencillo comedor de un monasterio franciscano, sobriedad, sencillez y a su vez una belleza de lo mínimo, del plato o cuenco para la comida y una taza o jarra para la bebida. Silencio, tranquilidad, oración consigo mismo y a veces en grupo, y poco más. Es en Palos de la Frontera, pero podría ser cualquier otro monasterio. Los utensilios son de atrezo, no son las reales pues cada persona llevaba las suyas desde su celda y se las limpiaba él mismo. 

¿Qué es la belleza? ¿Cuántas bellezas hay?

Nadie sabe bien qué es la belleza. Lo intuimos, creemos saberlo, pero en realidad cada uno de nosotros tiene una explicación diferente si lo intentara explicar. La belleza no es una, son una por cada persona. 

Demonio urbano en las calles zaragozanas

Este demonio urbano que se puede ver en alguna calle de Zaragoza bebe de la tradición del Arte Urbano más americano, y que puede producir las dudas de si realmente tiene un valor u otro. Todo lo que es provocar, en el Arte, tiene un valor interesante, y esta obra efímera entre dos escaparates de tiendas de Arte, sin duda provoca y nos lleva a calles de New York de hace unas décadas.

Tapiz de un cartón de Goya. La gallina ciega

 

De la Real Fábrica de Tapices de España dejo este tapiz de "La Gallina Ciega" de un cartón y una obra de Francisco de Goya. El tapiz se fabricó en los años 80 del siglo XX en una calidad de 90 hilos en lana y seda con un tamaño de metro y medio de lado. 

En los tapices, según el tipo de hilo utilizado, su densidad y el tamaño final de la obra, se logran más y mejores detalles o por el contrario, la misma sensación pero con menos detalle fino.

Tú… no te desenfoques nunca

Un desenfocado alumbra, remarca, indica, señala y selecciona. Un desenfocado nos lleva a un punto y se olvida del resto. Nunca estés desenfocado, por si acaso.

Caras casi humanas por Zaragoza

Por las calles te puedes encontrar numerosos ejemplos de Arte urbano, de rostros deformados que te observan en ese Art Street que está creciendo en algunas ciudades. Estos son de Zaragoza, de la Magdalena. Un buen ejemplo, un sano modelo de Arte Efímero.

¿Qué es realmente, si no es un cruces de caminos?

Podríamos decir que está en todos los sitios, pero tampoco sabríamos decir ni quien ni qué. Los símbolos como los iconos realmente no existen como tal, somos nosotros los que los elevamos a esos espacios mentales. 

¿Qué es realmente, sino un cruces de caminos?

Arte en la piel, de los precolombinos

Con los datos recogidos por las propias primeras expediciones de los españoles que llegaron a América se ha podido reconstruir la imagen de aquellas primeras personas que se encontraron en la tierra que para ellos era desconocida, una Centro América cercana a la zona de Cuba o de Santo Domingo. Posiblemente en la zona actual de las Bahamas. No hay completa seguridad.

En el museo de las Tres Carabelas que existe en palos, en la zona desde donde partió Colón con sus carabelas hay una representación de esas personas. os dejo la del hombre. Y quiero hacer notar sus pinturas corporales como ejemplo de Arte personal para decorarse las personas. Una señal de identidad, de prestigio, de significado incierto, pero sin duda estético.

Puntos iguales de tamaño en cuatro colores y perfectamente distribuidos para remarcar el cuerpo, incluidas algunas líneas en la cara. Parecen similares en las mujeres, pero es cierto que en los hombres y a modo de "galones" algunos podían llevar más marcas indicando su estatus o poder. 

El Arte decorando ambientes y espacios

En el mundo de la decoración de ambientes también entra el Arte y su capacidad de transformar espacios para crear sensaciones. En realidad eso s el Arte, una herramienta de transformación del entorno, para hablar con otra manera de expresión.

Esto es una cafetería, era una pared blanca y aburrida. Un poco de ambiente con una obra puntillista que es una copia impresa y enmarcada, una iluminación, y hemos utilizado el arte para crear un ambiente. A su alrededor personas que ante una simple pared blanca no sentirían lo mismo que ante este espacio, aunque ellos mismos ni lo noten.

Otra gran ventaja del Arte. No siempre tenemos que notar su presencia, su influencia. Pero existe ese poder de envolvernos y de mover nuestras sensaciones, incluso aunque creamos que no. 

Arte Religioso contemporáneo. Alfio Rapisardi

Se sigue haciendo Arte Religioso en este siglo XXI, arte religioso que se ha sabido adaptar a las nuevas tendencias incluso casi cubistas, para seguir mostrando sensaciones, sentimientos, modos de expresión. Y eso habla muy bien de los artistas, del Arte en general y también de la propia religión que admite los cambios en el Arte mucho mejor que en otras facetas de su propia vida organizativa. 

Esta obra es del pintor de Florencia Alfio Rapisardi.

Art Street de Phlegm en Manchester

En el Arte Urbano es importante la firma de las obras, pero no con nombre que también, sino con la propia personalidad del artista, con su forma de trabajar los murales, los modos y formas en que es capaz de crear los conjuntos artísticos.

El artista galés Phlegm (Flema en castellano) es un clásico en el Reino Unido y muy reconocidas sus obras por ser casi todas en blanco y negro. Grandes dibujos que simulando viñetas de cómic transmiten historias entre surrealistas y futuristas de un mundo imaginario que sin duda atrapa.

La mayoría de las obras de arte urbano de Phlegm se basan estrictamente en la ilustración y dibujo. Deja sus obras de Art Street y murales para su arte basándose en dibujos animados. De hecho, la mayoría de sus grandes personajes se originan en sus propios cómics que se auto publica y a menudo los pintan en los murales muy grandes simplemente con spray.

El artista galés Phlegm prefiere pintar su trabajo en papel para los cómic con tinta india negra y un bolígrafo. Utiliza el color solo cuando está serigrafiando o pintando murales grandes y otros objetos.

La imagen que vemos arriba muestra una sección de un gran mural dividido en varias escenas que está en el barrio de West Didsbury en Manchester.

Teruel y su Arte Urbano amable

El Arte Urbano, el Art Street más básico, en un arte que sirve y mucho para humanizar las ciudades. También en Teruel hay Arte Urbano y es ejemplar en sus mensajes y detalles. Esta obra es de West del año 2022 y representa junto a otras obras de su entorno, un grito a la convivencia en las ciudades más amables.

Nota.: La fotografía es del turolense Miguel Puente Ajovín

La Grenouillère, de Renoir y de Monet

El cuadro "La Grenouillère" fue pintada a la vez por dos artistas muy conocidos y amigos que se llevaron al mismo lugar sus herramientas de pintura para plasmar la misma escena. El resultado siendo similar es claramente distinto, no tanto en sus técnicas que eran similares, como en la selección del encuadre, el tratamiento en la escena de las personas o del color y contraste del suelo de las barcas para dar mayor o menor protagonismo visual a una parte u a otra del cuadro. 

El de arriba es de Auguste Renoir, y el de abajo de Claude Monet. Pintados ambos en 1869.

A este último no le debió gustar especialmente el resultado pues advertía que era un simple boceto para una obra grande que no se conserva. 

Es una obra doble de los comienzos del impresionismo, pintadas al natural, de forma rápida, y en donde había que elegir sobre todo las posiciones de los elementos que se movían, pues el tiempo aunque breve era suficiente para que nadie ni nada permaneciera estático. 

Renoir quiso detallar más los vestidos y la reunión o fiesta de las personas, mientras que Monet jugó más con la estética limpia, con un círculo al que rodeaban elementos que se dirigían hacia él. 

Todo parece obligarnos con sus líneas a tener que mirar el boceto de Claude Monet.  En cambio el de Auguste Renoir juega más con un movimiento lateral que desde la derecha nos obliga a mirar la escena central. 

Para finalizar, solo un pequeño detalle. El tratamiento del agua del lago y sus brillos es tremendamente similar en ambas obras. 

La primavera vuelve abriendo árboles

Y poco a poco se fue abriendo la vida primaveral y los árboles volvieron a recuperar sus formas de siempre. Hay que seguir creyendo en la recuperación, pues sucede cada periodo de fríos y sin preguntar por el tipo de soluciones. Sucede y nos asombra.

Una cerámica de Joan Miró. ¿Es un error?

Esta pieza es un disco de cerámica creado por Joan Miró. Hubo un tiempo que muchos artistas como Picasso, Dalí o Miró caían deseosos en crear también en cerámica, no solo sobre lienzo o creando esculturas. Eran años en los que casi todos los de la misma época intentaban crear con las técnicas muy similares.

Pero quería hablar de esta cerámica de Miró desde otro punto de vista.

No todas las obras de un autor conocido y reconocido pueden tener el mismo valor, y no hablo del económico sino del artístico. A veces se hacen obras u obritas que resulta algo defectuosas. Sobre todo con el paso del tiempo.

Es un Miró, sí, pero no es un gran Miró aunque haya salido de su taller, de sus manos. Es una cerámica incluso bastante infantil para el tipo de obra que hacía Miró. 

Es un surrealismo que (creo) ha soportado mal el paso del lienzo a la cerámica, es muy posible que lo que cada uno de nosotros somos capaces de hacer bien en una base, con unos materiales, sea complicadísimo repetir con otros medios.

A veces el propio mercantilismo o las personas que rodean a los propios artistas, les obligan a entrar en otros campos con tal de fabricar obras, más que de crear obras. Y entonces se pierde valor de muchas de ellas.

No hablo de lo sencillo que puede resultar hacer un tipo de obra, por ejemplo este que vemos, sino del valor visual, estético o incluso provocativo y novedoso del mismo. El peso del traslado de las ideas hacia la ceramica, no le ha favorecido a Miró en este caso. 

Una ilustración con IA Inteligencia Artificial para el Día del Padre

Esta ilustración es Inteligencia Artificial. ¿Es sólo Inteligencia Artificial? Pues no, claro, es una ilustración digital creada por un programa a la orden de uno de mis hijos diciéndole entre otras cosas que hiciera un dibujo de un padre acompañando a su hijo a dibujar. Es un pequeño dibujo que regala un hijo a su padre en el Día del Padre.

El programa no tiene Inteligencia ni artificial ni mucho menos natural, no tiene ni gusto artístico ni inteligencia artística. Copia, selecciona con arreglo a las órdenes que recibe. Un padre medio calvo, con bigote y gafas, un dibujo en tonos cálidos, etc. Aunque en realidad parece más un abuelo con el nieto.

Y el programa de IA interpreta las órdenes que recibe. Es un criado nuestro, un esclavo Artificial con poca inteligencia, excepto que sabe utilizar la que antes le han metido unas personas en sus tripas en forma de almacén.

En el Arte se necesita Sensibilidad, capacidad de Ver y saber Mirar, Estética y Buen Gusto, capacidad de Expresión propia, y gran parte de estas cualidades todavía no se pueden concebir desde la IA. Eso no quiere decir que con un tiempo se siga avanzando, ni tampoco que no sean capaces de reconvertir oficios y profesiones. 

Por cierto, si nos fijamos bien en la ilustración, vemos que la mano derecha del niño está mal hecha con los dedos torcidos y el lápiz que sujeta es imposible. Tampoco parece muy natural la lámpara de luz ni el resto de herramientas para dibujar. El niño parece que lleva coleta o es niña con cada y corte de pelo de niño si eso se puede decir en estos tiempos raros. La mano izquierda tiene dedos extraños y la posición de las páginas en su zona centro resulta como poco rara. Y la mano del adulto tiene seis dedos. Efectivamente, todo queda muy artificial.

Si este dibujo fuera un encargo, sería desechado. O lo que es casi lo mismo. Ningún dibujante lo hubiera hecho con tantos errores. Pero claro, este dibujo es gratis.

¿El Arte Grandioso vale más por su tamaño?

Desde siempre el Arte tiene en la grandiosidad uno de sus elementos casi imprescindibles para provocar. Una idea, si es grande, parece que es más sencillo de que nos impresione a los humanos. Es tanto como reconocer que somos pequeños y lo enorme nos asombra.

Lo que vemos es la obra "La materia del tiempo" de Richard Serra, estadounidense de padre español, escultor muy reconocido por sus obras en acero corten. 

Esta obra impresiona simplemente al verla desde lejos, en su conjunto, sin entrar a valorar su valor como idea. Por ser grandiosa ya impresiona. Pero esto mismo sucede con muchas otras obras de pintura, las prestamos atención entre otros motivos, por su tamaño.

Es tanto como asumir que estas grandes obras no son para poderlas tener en casa, en la oficina, en un lugar pequeños. Se deben disfrutar en grandes espacios. ¿En museos solo?

Hay artistas que crean obras pictóricas de diez metros cuadrados. Parecen hechas específicamente para grandes edificios oficiales. Pero en realidad eso es otro campo mental, posiblemente movido por decisiones mercantiles. El Arte pequeño, a veces casi en miniatura, existe y tiene su propio mercado. 

No sabemos hacia dónde se moverá en la próximas décadas la pintura. Hoy es grande, posiblemente para diferenciarse de la fotografía que solo en poco casos es grande. Pero posiblemente sea cuestión de tiempo, de modelos de impresión y de sensores fotográficos más precisos para grandes (enormes) ampliaciones. 

El detalle lo vemos no tanto por sus píxeles de calidad como por la distancia a la que contemplamos la obra. Una que sea muy grande la veremos a más distancia y por ello los detalles los contemplamos de otra manera. 

Esto no lleva a la otra consideración. Si esta escultura de Richard Serra en vez de 10 metros de altura tuviera 30 centímetros, lo único que cambiaría sería su dificultad en realizarla… y la distancia a la que la contemplaríamos. La idea sería la misma, el concepto y la provocación podría ser la misma. O no, pues a veces necesitamos el tamaño para dejarnos impresionar. 

 

Material artístico ¿Cómo lo compro? ¿Qué compro?

Un error grave a la hora de dibujar y pintar es empezar con herramientas, colores y soportes de mala calidad. No voy a recomendar ni los mejores ni los medianos, pero NUNCA utilices los malos, los que podríamos llamar “escolares” y que en realidad no sirven ni para los escolares. La fuerza del color, su durabilidad con la luz, son muy escasas en la mayoría de los casos.

La base, sea papel para dibujar o lienzo para pintar es fundamental que sea de una cierta calidad, que sirve para aguantar bien el color, la luz, la humedad. 

Los colores sean acuarelas, acrílicos u óleos, deben ser de una marca como mínimo conocida por sus muchos años de trabajo para el arte. 

No voy a dar marcas y estoy seguro que ya conoces las mejores, pero (lo siento) cuanto más caras mejor (dentro de tu presupuesto), y cuanto más baratas entre peor y mucho peor. 

En las tiendas de Arte no te van a engañar (creo) aunque lo que te ofrezcan sea más caro de lo que te imaginas. Entra, pregunta y decide. Pero estás viendo y comprando un producto diferente. 

Huye de los productos de centros comerciales en el montón (a veces Lidl sí ofrece productos muy baratos y de calidad regular que pueden servir para empezar sobre todo en lienzos, papel y pinceles) y huye de lápices de marcas desconocidas. En pinceles hay muchas diferencias de calidad y dureza del pelo, y por ello también de precio. Pero sería el gasto en el que sí puedes sopesar ir al de medio precio, en cambio en los colores, casi nunca.

No mires nunca acrílicos para escayola si quieres pintar de verdad en papel o lienzo. 

Entre las acuarelas las diferencias son enormes de calidad y de color.

Los colores baratos en general (óleo, acrílico o acuarelas) no tienen fuerza, se desvaneces con el paso de los meses, no mezclan bien, se agrisan y no son capaces de hacer mezclas vivas y con colores limpios.

Es mucho mejor tener media docena de buenos colores y aprender a mezclarlos que tener 24 colores malos que no sirven más que para ofrecer resultados grises y sin contraste.

Al igual es bueno tener buenas tintas, buenos lápices, incluso buenas gomas de borrar. No es una tontería tener materiales bueno aunque tu idea no sea la de hacer algo bueno. 

Es que si utilizas materiales pobres te vas a cansar pues verás que lo que te sale de tus manos no es lo que deseas.

Si compras cuadernos de dibujo deben soportar bien los viajes, el borrar y el utilizar a veces agua o no. Tintas y lápiz, distintas herramientas.

Y estos pequeños consejos sirven para tus materiales pero también o casi más todavía para los materiales que vayas a regalar. Cualquiera que empiece a dibujar o pintar debe hacerlo con materiales que estén fabricados para eso.

No soportarías ir a casa de un amigo a tomar una copa y que esta bebida fuera de garrafón. 

Así que no hagas eso mismo a la hora de regalar unos lápices. Otra cosa es regalar materiales o herramientas complementarias, por ejemplo una pluma de caña o unas limas, pero incluso un sacaminas no es igual si es capaz de sacar mina fina a los lápices o si los rompe por una cuchilla mal afilada. 

Al final lo barato siempre es muy caro.

Niños en un Museo. ¿Para qué sirve?

Nada representa mejor el futuro del Arte que ver a un grupo de niños visitando un Museo. Sentados en el suelo del museo como tomando posesión del espacio, sabiendo que es un lugar como todos los demás, al que no hay que tener miedo de pisar y disfrutar.

Los niños en el Arte y en la Vida, son el futuro, así que todo lo que trabajemos con ellos, por ellos, siempre será poco.

De los 17 niños de la imagen junto a sus dos profesoras, es posible que al menos uno de ellos haga algo relacionado con el Arte en toda su vida, pero no será su forma de vida. 

Y también es posible que dos de ellos sepan disfrutar del Teatro, del Arte en general o incluso de la literatura leída que parece lo más sencillo de todo el proceso de disfrute de ls numerosas formas de tener Arte entre las manos.

Y aun así hay que seguir trabajando con los niños todas las opciones del Arte. Hacérselo entretenido y atrevido. Festivo y bello. Pues eso es el Arte, un método de expresión y contemplación hecho para divertirnos haciéndonos pensar. 

El Arte lleva entre nosotros miles de años, así que no tenemos temor a su desaparición. Pero es cierto que en periodos de crisis global, se transforma, cambia, refleja esos trastornos sociales pues es parte de esa sociedad.

El Arte que vaya surgiendo, que ya está surgiendo, en este Siglo XXI, será distinto. No sabemos todavía hacia dónde se moverá, qué intentará mover y transformar, o incluso tampoco sabemos si no dará pasos hacia atrás buscando caminos olvidados. De todo ha sucedido en los siglos de la historia. 

Y serán esos niños los que propiciarán esos cambios, de modos, de lectura, de creación y expresión.

¿Quieres aprender a dibujar mejor? Consejos sencillos

¿Quieres aprender a dibujar mejor de lo que ya haces? Vamos a ver algunos pequeños consejos para aprender a base de practicar.

Lo primero es practicar, enseñar a la mano, conocer bien las herramientas, llenar papeles de dibujos sin importancia, seguir dibujando aunque creas que eso no vale nada. Como en muchas otras cosas, aprender a dibujar se logra dibujando.

Dibuja todos los días, dibuja al menos una hora al día, dibuja árboles, pequeños paisajes, bocetos, figuras, texturas, caricaturas, copia de un tebeo, intenta retratar la figura de una persona de un anuncio.

Busca un dibujo de Joan Miró o de Antonia Saura y cópialo. No es copiar, es aprender. Copia poniendo encima del original un papel de copia para ver los trazos, y luego vuelve a realizar la copia del dibujo a mano alzada, y no te preocupes del resultado.

Busca dibujos de otros artistas, grabados antiguos, busca obras de Goya y copia sus rostros. Sus formas corporales, sus movimientos. Aprende de las formas de sus texturas, de sus vestidos, de sus gestos.

Practica con lápiz o con pluma o rotulador. Cambia de herramienta, intenta hacer lo mismo con diversos métodos, con diferentes herramientas, aprende a diferenciar lo que se logra con cada tipo de lápiz, de pluma, de rotulador y pintura de colores. Incluso vuelve al carboncillo para dominar las sombras.

No lo hagas siempre en negro, intenta dibujar en colores sepias, rojos, azules, grises. Cambia matices. pero de momento siempre a un solo color. 

Un consejo para que no te rindas antes de lo previsto. Utiliza materiales de verdad, de calidad, tanto en papeles como un lápices o plumas y tintas. Lo peor es cansarte de los resultados por no estar utilizando los materiales necesarios.

Practica mano, déjate llevar, da soltura a tu mano aunque lo que consigas no sea un trabajo efectista. La mano debe parecer que trabaja libremente, pero en realidad debes saber dominarla. Ella no debe ser quien haga lo que quiera, pero debe parecerlo.

No te canses en dibujar, es el inicio de pintar. Aunque luego quieras pintar manchas abstractas deben saber dominar el dibujo, las formas, los contornos, los volúmenes, las luces y sombras. 

Aprender hoy, muchas veces, es ver en internet opciones, ver trabajos de otros artistas, ver tutoriales, vídeos, consejos. Es practicar sin parar jugando a dibujar, pues lo mejor para no aburrirte es disfrutar del Arte como si fuera un gran juego personal.

Para ver que el dibujo no tiene que ser siempre retrato o cerámicas puestas sobre una encimera os dejo una obra de Joan Miró titulada "El despertar de madame Bou-Bou al alba" y así podemos ver que el simple dibujo tiene campos de trabajo que son tremendos y muy distintos unos de los otros.

Copiar los dibujos de Joan Miró es un ejercicio muy sencillo para ir dominando herramientas y la propia manera de ver y de transmitir con la mano.

Melocotones rosas y nada dulces

Son melocotones, pero en cambio vosotros estáis viendo flores rosas. Una equivocación como otra cualquiera. Son melocotones. Luego viene la metamorfosis, el camino natural de ese milagro que llamamos naturaleza, y le añaden a los pétalos textura, grosos, dulzura e incluso color amarillo. Son melocotones, os lo juro.

Diferencias entre Figura y Fondo. Saura y Rothko

En casi todas las obras pictóricas y fotográficas intentamos construir los elementos con al menos dos diferenciaciones claras. Los que serían "figuras" o elementos principales, y los que serían "fondos" o elementos secundarios. Entre ellos y para diferenciarlos a veces colocamos claramente lo que llamaríamos "contornos" y otras veces nos los tenemos que imaginar.

Pero esa diferencia entre figura principal y fondo no siempre es clara, incluso no siempre existe. Y a veces se juega con la ambivalencia de no querer indicar con claridad qué es figura y qué es fondo. Ambos elementos o zonas pueden ser una cosa y la contraria, incluso dependiendo del espectador y de su percepción.

Aquello que realmente significa algo importante debería ser la figura. Y aquello que envuelve pero no vemos en una primera vista, en un primer instante, sería el fondo.

Para ello a veces utilizamos en las técnicas pictóricas y fotográficas diversas herramientas visuales. Damos el detalle a la figura y desenfocamos el fondo. O damos color a uno y saturamos mucho menos aquello que no deseamos que sea principal. O desde hace siglos, damos luz a la figura y sombra a los fondos.

Las figuras siempre deben estar delante de los fondos, deben verse más y ser las que dirijan nuestra forma de mirar, de interpretar. Pero no siempre los fondos son las traseras de las figuras.

Una figura debe contener los detalles, y ser la fuerza del conjunto, la precisión de la escena, los elementos que configuran los motivos, casi los títulos.

Pero a veces en muchas obras abstractas todo esto se diluye. ¿Qué es lo principal y qué el fondo? Si vemos la imagen de arriba, de Mark Rothko del año 1952 no lo sabemos decir pues el artista letón no quiso en sus obras plantear esas divisiones. Eran manchas, color, formas, espacios.

Si miramos con más detenimiento esta obra de Rothko "Sin título" sí veremos que las tres franjas de color se hacen sobre un fondo casi neutro. Tenemos pues una disimulación de lo que se considera figura y fondo, pero existe.

En la obra de abajo, de Antonio Saura del año 1997 y titulada "Karl-Johann Strasse II" vemos mucho más claramente qué son las figuras y el fondo. Pero debemos admitir que no en todos los ejemplos posibles esta división entre figura y fondo es tan sencilla de ver y admitir. 

Por cierto, Antonio Saura utiliza también y mucho los "Contornos" para separar las figuras de los fondos, a base de líneas negras.

¿Qué decisión deberíamos tomar?

 

Abrir las puertas es mucho más complicado que cerrarlas. Pero hay que aprender a cerraras bien, para que no se abran, o por si necesitas volver a entrar por ellas.

Jean-Michel Basquiat y los inicios comerciales del arte callejero

Mirar con calma la imagen de arriba, la obra de Arte de arriba. Sí, cierto, creemos todos que hemos visto paredes así, pintadas de forma aleatoria, en decenas de lugares de nuestra ciudad. Parece un caos, parece basura manchando paredes, puertas y calles.

Pero nos equivocamos.

Otra cosa es saber por qué nos equivocamos.

Esta obra está en el Museo Guggenheim de Bilbao, que es posible que eso tampoco os diga nada. Que no sea un detalle a tener en cuenta, pues sois muchos los que opináis que en los Museos hay muchas mierdas escondidas. Y a veces, sí, podéis tener razón.

Pero este cuadro doble tiene un valor tremendo, muy alto. Podría tener un valor entre 30 y 80 millones de euros. En realidad hasta que no se subastan no es sencillo ponerle precio a una obra de este tipo. Única.

El del grafitero y artista neoyorkino Jean-Michel Basquiat sobre el que muchos marchantes habían puesto la esperanza de que se fuera a convertir en un Picasso americano. Murió con 27 años por sobredosis.

Empezó en el submundo de New York pintando trenes con el artista Al Díaz con quien formó el Grupo SAMO (sigla de SAMe Old shit, es decir, "la misma mierda de siempre"), con el que ambos firmaban la obras de calle.

Pero supieron arrimarse a sus trabajos, a su inteligencia social y artística, personas que en aquellos años empezaban a despuntar como Madonna o Andy Warhol. Eran los tiempos —finales de los años 70 y años 80, finales de la Guerra Fría— en los que desde EEUU se deseaba impresionar al mundo en todos los campos culturales, musicales o artísticos.

Esta obra de arriba, titulada "El hombre de Nápoles" y realizada en el año 1982 en acrílico sobre madera utilizando algunos collages, es un ejemplo de los inicios de un modelo de Arte que todavía continúa entre nosotros, por nuestras calles de todo el mundo. No les damos valor, pero en cambio sí hemos tenido otros ejemplos, de los que bebe el Art Street, que por ser pioneros, sí lo tienen y mucho.

Las texturas como efectos visuales. Haz tu carta de texturas

Una parte importante de toda obra de arte son las texturas, las simulaciones casi siempre en plano, de relieves y volúmenes a base de crear texturas. Que por cierto pueden ser de muchos tipos y técnicas. Pero en su conjunto tratan de imitar la realidad, como poco engañando a la vista de quien contempla, aunque a veces se trabaja con texturas para imitar de la forma más real posible la propia textura de lo que se desea mostrar.

Hay que engañar aunque sea levemente, de que aquello que parece plano, en realidad es una representación de algo en relieve.

Según hemos ido avanzando con los siglos en opciones y herramientas, se han ido acompañando las representaciones artísticas con diversas maneras de crear texturas. 

Hace siglos todo dependía de la habilidad del pintor, del escultor. Hacía rugosidades en casi un mismo plano, y en el caso de la escultura permitiendo en la imitación que fueran realmente texturas.

Hoy con todo muy evolucionado, las texturas pueden partir de herramientas digitales, pero hace unos pocos siglos, con los grabados sobre un papel totalmente plano, simular volúmenes con líneas siempre en blanco papel y tinta oscura, era complejo, era cuestión de saber dominar bien el grosor y la dirección de los trazos. 

Un ejercicio que todos nosotros deberíamos hacer es tener una carta de texturas propias. Unas muestras de las texturas que nosotros sabemos y podemos crear, para tenerlas visualmente cerca, utilizar esas técnicas, modificarlas según las necesidades.

Un óleo o acrílicos mezclado con serrín, con arena de mar, con polvo de piedra, logra unas texturas muy distintas. La base se convierte así en un elemento que admite el color con su propia textura.

El uso de centenares de pinceles digitales, comprados, copiados o creados por nosotros en los programas de edición de imágenes, nos permiten no sola ya simular texturas de lienzos, de base o de lápices y pinceles, sino mezclarlos entre sí, con saturación diversa, opacidad entre ellos, tipo de mezcla de capas, etc. 

Una acuarela juega con el agua para crear texturas, pero también las aguadas de tinta permiten técnicas muy similares en donde mezclamos medios líquidos con medios sólidos, como pueden ser rotuladores, pinceles o lápices. 

Los mismos lápices de colores pueden ser acuarelables, y en esa opción lo pueden ser con diversas técnicas. Humedeciendo la pintura o en seco pintando sobre una base húmeda. 

Los resultados sin diferentes y por eso es importante que conozcamos todas las opciones y tengamos nuestra propia Carta de Texturas para saber de qué manera se logran los efectos.

Cada soporte crea unos efectos diferentes, pero sobre cada soporte también cada medio de color actúa de modos distintos, y a su vez también cambian si interactúas sobre estas mezclas. 

No es lo mismo —por poner un ejemplo sencillo— pintar con lápices acuarelables secos sobre un papel húmedo y sobre al que luego le pasamos la mano para difuminar; que hacer ese difuminado complementario con una esponja, un plástico fino arrugado, etc. 

No queda igual una acuarela con mucha agua que con poca, sobre papel seco que sobre papel húmedo, sobre papel al que presionas o prensas casi en seco a si lo haces prensando en húmedo reciente.

Incluso tampoco es lo mismo una obra terminada sin añadirle nada más, que una obra a la que ya finalmente acabada le sumamos veladuras de color para lograr efectos diversos, para envejecer, para colorear suavemente, etc. 

Esas veladuras también puedes ser texturizadas, aportar efecto de textura a la obra.

Museo Guggenheim de Bilbao, hecho para impresionar

Hay arquitectura y hay arte que juegan con lo grandioso para impresionar. En estos casos, el tamaño sí importa pues nos convierte en diminutos, en espectadores débiles, sencillos, impresionables.

El Museo Guggenheim de Bilbao está hecho para eso, aunque a veces casi deja pequeñito al contenido. Eso obliga a tener que llenarlo de elementos que también impresionen, si hacemos salas con los Grabados de Goya, posiblemente desmerecen si no los vestimos con elementos que hagan juego con el continente.

Los espectadores de un Museo siempre formamos parte de la obra, de la del contenido y de la del continente. Nosotros somos los que nos movemos, y el resto el que permanece quieto. por ello también ese continente necesita ser tremendamente distinto según el punto de vista que pongamos nosotros como espectadores.

Una escultura o una arquitectura no tiene un único punto de vista para observar, sus formas cambian y mucho incluso según tu propia altura como persona. Y todo eso se tiene en cuanta a la hora de crear, de montar, de iluminar.

Tampoco desde la ventana hablaba nadie

Nos pusimos tumbados sobre el suelo negro, para ver la ventana de luces amarillas. No sabría decir cuanto tiempo estuvimos en silencio todos. Nosotros y la propia ventana.

Arte Único para un espectador único

Contemplando en solitario, levemente, admitiendo, absorbiendo, enterándose, escuchando, mirando para intentar entender, dejando pasar el tiempo para que te influye, te mueva del sitio, te provoque.

Nada como asistir a una representación realizada para ti. Contemplándola solo tú. Creyendo que solo estás con la obra, y dejándote llevar por sus impulsos. Arte Único para un espectador único.

Un chico chica con bigotes añadidos. Arte Urbano

La ambigüedad incluso en los muros, en los mensajes que aparentemente siempre han sido sencillos y contundentes. En el Arte Urbano todo se puede transformar y a este chico chica le han pintado bigote tal vez para disimularlos. Son los tiempos.

Un bello local de Sevilla, hermoso en su exterior

Podríamos asomarnos a este bar que en su exterior está decorado con obras bellas, pero es más lógico entrar y dejarse atrapar por sus elementos. 

Un local de ocio que es capaz de dar la bienvenida de esta manera, no debería defraudar nunca. 

Debemos controlar nuestra ira, para no perder

 

Una mariposa que no llegó muy lejos

Falsamente se quedó prendida de la pared, alguien la quiso depositar para engañarse. Y a fuerza de querer sorprender se quedó sorprendido. Ni un minuto se quiso estar quieta la mariposa de papel en su sitio. Una simple soplada de aire nuevo, y se puso a volar. No, no llegó muy lejos.

I Festival Internacional de Acuarela en Córdoba

Pintar con acuarelas es pintar con agua de colores, llenar el papel de oscuridad colorida para formar charquitos de colores que esperas levemente a que se sequen para que no se caigan del papel. 

Pintar con acuarela es pintar con luz líquida, es creerse un dios menor capaz de crear luces sin crear sombras en exceso. 

Pintar con acuarela es cazar el instante de forma rápida, para que no se vayan las luces y quede el movimiento.

El artista Carlos Pérez López desde Murcia trabaja el papel para llenarlo de luz con color y se ha llevado el Cuarto Premio en el I FESTIVAL INTERNACIONAL DE ACUARELA DE CÓRDOBA "Córdoba, Acuarela y Patrimonio de la Humanidad", organizado por Arte21.

Si pintar con agua es un lujo al tacto, hacerlo en Cordoba es un lujo para la vista y a poco que acompañe el tiempo para los olores incipientes a esos azahares que quieren nacer. 

Arte Natural en Doñana (Huelva)

Hay tantas maneras de ver Arte, de entender qué es el arte y el Arte, que deberíamos cambiar el nombre por el de Belleza. Esta imagen es del Parque de Doñana hace unos días, belleza natural en donde perderse simplemente contemplando.

Sigue siendo Arte aunque no lo haya escrito o pintado un artista con nombre, aunque sea la suma de elementos bellos que se mueven como por la casualidad de la vida. 

Fernando III de Castilla, recién nombrado Santo

Una obra de Bartolomé Esteban Murillo del año 1671 que se encuentra en la Catedral de Sevilla, un San Fernando vestido de militar y dominando el mundo con su espada. En realidad era el Rey Fernando III de Castilla apodado El Santo a través de las primeras gestiones del Papa Sixto V sobre todo por haber sido el Rey que reconquisto Sevilla, y al que se le fueron añadiendo milagros y obras de santidad para potenciar sus posibilidades.

El mismo año de este cuadro, el 1671, fue canonizado por el Papa Clemente X. Un Santo más, con la espada en la mano para mater infieles, es decir, personas que defendías otras opciones.

Zurbarán y los colores tramposos

Esta imagen nos muestra una obra de Francisco de Zurbarán sobre 1645 representando a la Virgen del Rosario. Una bella imagen de la escuela barroca sevillana. Pero vamos a comentar un poco levemente algo sobre el color, los colores de las obras de Arte y su influencia en nuestra percepción.

Arriba vemos la imagen tal y como nos la dejó Zurbarán hace 370 años. Y en las dos de abajo hemos modificado el color de alguna ropa de la virgen, unas pequeñas muestras de color para ver cómo nos cambia la percepción. O como NO nos cambia.

El color es el que ofrece una riqueza mayor a las obras pictóricas. Recordando siempre que el banco y el negro son también dos colores de nuestra paleta posible.

El artista tiene que elegir. En estos casos, pintura religiosa inventada, no existe modelo (más o menos) quien pinta decide qué colores le van mejor a la obra según varios elementos que le sirven para tomar la decisión. El fondo, el contexto, lo que desea matizar o destacar, los complementarios, si desea destacar una zona o al contrario desea que pase desapercibida para remarcar otras, etc.

Lo curioso es que en muchos de estos casos no habría consenso si preguntáramos. Es posible que cada uno de nosotros como espectadores, elegiríamos como mejor una opción u otra. Incluso es posible que cambiásemos de opinión según el día en el que nos encontramos.

He jugado con una pequeña trampa. El original de Zurbarán mantiene los dos colores de las ropas de la Virgen en la misma gama de colores, y los dos ejemplos que pongo debajo se mueven en gamas distintas, lo que represente que no nos guste tanto y nos resulte más chabacano. La obra original no desea que te fijes tanto en las ropas como en la propia imagen de la Virgen y del Niño.