31.1.18

Taller de escritura gratuito. Sencillo y entretenido

Hace ya un tiempo realicé en otro blog una serie de ejercicios destinados a construir una pequeña herramienta para aprender a escribir mejor, sobre todo basándose en la práctica constante e intensa de la escritura y en la corrección personal de lo escrito. Un Taller de Escritura gratuito, sencillo y para los que comienzan a querer escribir cada vez mejor.

Nadie mejor que nosotros mismos para corregir y modificar. Aunque es cierto que si se alcanza un cierto nivel intermedio, hay que contar con otras personas que hagan sobre todo de correctores de estilo.

Pero cuando se comienza, hay que contar primero con la auto corrección, y luego con la lectura de amigos o parejas y escucharlos bien, para modificar aspectos diversos. Escribir es complicado pero es muy beneficioso y gratificante, por lo que no hay que pensar en escribir muy bien, sino en aprender a escribir cada día mejor. 

La Lonja y los ilustradores aragoneses. Imprescindible

Si mezclamos dos bloques de altísima calidad, tienen que salir un resultado fabuloso. Y es lo que ha hecho La Lonja de Zaragoza, gestionada por el Ayuntamiento y el colectivo de Ilustradores de Aragón, con una exposición titulada “Paseando las miradas” donde 33 ilustradores nos muestran algunos de sus mejores trabajos, no siempre actuales, para que nos podamos hacer una idea de su trabajo de gran calidad.

Aragón es tierra de grandes ilustradores, no solo exportables sino exportados por todo el mundo. De grandes artistas que se ganan el trabajo con sus obras para libros o montajes audiovisuales, muy originales y de una gran calidad, comparable a la mejor del mundo. 

Profesionales del arte de la ilustración, tal vez empujados por ese mismo arte desarrollado por Goya en sus grabados. 

Imprescindible exposición.



Hostage, un cómic para adultos, una novela con arte

El cómic y la ilustración es sin duda una gran forma de arte, no menor sino pequeño y manejable, que explora una mezcla de literatura y dibujo. 

Hay cómic para niños, jóvenes o adultos. Hay cómic de humor o duro, de sexo o de grandes historias convertidas en ilustraciones. 

Cada vez más, el cómic es un recurso que crece por la mezcla de imágenes y pocos textos, donde las ilustraciones llenan la historia de forma visual. Es un buen momento para la creación y la multiplicación.

Esta página es del último libro “Hostage” del escritor y dibujante canadiense Guy Delisle, publicado en el 2017

— ¡Al final saldré de este infierno!. Maldición, ¡ya es hora!

Arte efímero, pues tal vez sea lo necesario

Ser efímero en el arte no tiene ninguna ventaja, pero es el concepto actual. Nada ni nadie hemos venido para quedarnos, y el arte siendo humano no debe ser igual. Aunque algunas obras de los prehistóricos sigan entre nosotros.

¿Qué quedará de nuestra generación dentro de varios siglos?
Posiblemente muy poco, pero tampoco nos tiene que importar, no estamos haciendo mucha calidad novedosa para que sea perviviente. 

Es posible que nos queda la teoría de todo y la práctica de nada.

30.1.18

La noche confunde y hay que bajarse de ella


Miré al agua

vi sombras fantasmales,

era la noche


Rosario Weiss, pintora reconocida

Las mujeres en el mundo del arte siempre han tenido un espacio mucho más pequeño que el que les debería corresponder por sus trabajos. En los viejos tiempos el papel social de la mujer no era ser reconocida como una persona creadora y artista, y los encargos raramente iban hacia mujeres que destacaran por sus bellas obras de arte.

La Biblioteca Nacional ha recuperado en una exposición la figura de Rosario Weiss, alumna particular de Francisco de Goya con el que convivió de niña mientras Goya era ya un anciano, y del que recibió apoyo pero sobre todo enseñanzas, pues era tratada como una hija del pintor aragonés, sin dejar claro que no lo fuera realmente. Cuando Goya murió, Rosario tenía solo 13 años de edad.

Rosario Weiss falleció muy joven, con 28 años, pero aun así ya era miembro de la Academia de San Fernando y había recibido numerosos encargos profesionales y de trabajo, entre ellos el de profesora de dibujo y música de las infantas Luisa Fernanda y de la futura Isabel II

Excelente copista desde muy niña, esto le sirvió para aprender a dominar el trazo y a que sus trabajos finales sean muy parecidos en su dibujo y forma a los de su profesor de niña, Francisco de Goya

Logró vivir del arte en sus pocos años de vida, tanto como copista de cuadros famosos, como siendo artista original y de encargo o realizando dibujos de moda.

La imagen superior es un cuadro suyo titulado "La Tirana". Los inferiores son dibujos de moda para catálogos de la época.


El bebedor de Absenta, de Manet

La obra “El bebedor de Absenta” de Edouard Manet representa una de las obras clave de la pintura moderna, del inicio del impresionismo, pintada en el año 1859 al óleo para el Salón de París de ese año.

París en aquellos años era la meca del arte y el jurado claro y contundente de lo que se entendía como academicismo y por ello en arte válido, o lo que se desecha por no representar la calidad que los oficialistas entendían como correcto. De aquellas rigideces surge el impresionismo como repulsa y rebelión al arte encorsetado, empujado por jóvenes pintores que no admitían el arte “viejo” y menos que se les coartaran las libertades de sobre qué pintar.

El bebedor de absenta no pasó el corte, fue rechazado y no tanto por su estilo de pintura como por retratar a una parte de la sociedad que para aquellos académicos de arte, no merecía ser representada en las obras de calidad.

Es un clásico bebedor que tiene el rostro algo desdibujado, lo que todavía enardece más a los críticos de entonces. Le queda el contenido de la copa, pues la botella está vacía, pero la obra juega muy bien tanto con los claroscuros como con las profun didades de campo al poner diversos objetos en distintos planos, obteniendo con ello un efecto de relieve.

Manet intente representar a los bajos fondos de París, con una figura oscura y algo triste, dura en la mirada, pero sobre todo sin detalles, con manchas de color y de sombras, con una marcada luz que viniendo de un lado alumbraba al personaje y a su botella en el suelo. Y lo pinta con capa y sombrero alto de copa, como a los grandes hombres de la sociedad parisina. Y lo hace además de cuerpo entero y a tamaño natural, algo que parecía destinado solo a los grandes personajes. Pero era un simple borracho para los cerrados artistas que juzgaban las obras de otros. 

El bebedor de absenta permanece, y posiblemente muchas de las obras de aquellos juzgadores, se hayan perdido para siempre.

29.1.18

Un día, todos fuimos peces


El artista brasileño 
Ernesto Neto presenta en Barcelona "Um dia todos fomos peixes" hasta marzo de 2018 en la Blueproject Foundation, una instalación sensorial, colorista y creada alrededor de los conceptos del agua de mar, de la tierra y de nuestras relaciones con la naturaleza. Su texto de presentación os lo dejo a continuación.

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(Texto escrito por Ernesto Neto para la exposición “Um dia todos fomos peixes”).

“Un huevo, una tierra, tierra huevo, tierra madre, mientras nos enzarzamos en las políticas del día a día, los pajaritos vuelan por el aire, los peces nadan en el ancho mar, el viejo océano, siempre estamos navegando el noble océano de donde la vida vino, un horizonte inalcanzable nos espera en el infinito, agua aire, agua aire, en un continuo vaivén, un respirar eterno, agua aire agua aire, volcado el azul; de dónde viene este azul? de dónde viene este blue? agua aire, agua aire, en el silencio me pregunto, en el silencio me conecto, pies en la tierra, cabeza en el aire, corazón en medio del camino. Centro de equilibrio, de fuerza y verdad, la mente miente, el corazón no miente, conectado entre cielo y mar, recibo la cura y las enseñanzas de nuestros ancestrales peces que un día fuimos, flotando en el mar, los cristales que nos purifican y re-equilibran nuestro cuerpo, nuestra continuidad entre el cielo y la tierra. Delante del cyber griterío del día a día, del tiempo arrancado a nuestras vidas es bueno hacer silencio, respirar, sentir nuestro entorno, el ritmo sereno del aquí y ahora; cuando paramos, el mundo gira y al girar tenemos un ritmo, una cadencia, un movimiento orgánico, que nos trae sabiduría, una sabiduría no racional, una sabiduría espiritual, esta es la dimensión perdida, el eslabón perdido hacia el eterno retorno, hacia el Uróboros, hacia el sentimiento del infinito dentro de uno mismo, el encuentro del todo con sus partes, más allá del estado dialéctico del lenguaje y sus limitaciones para abordar la magia del arte. Arte agua arte aire arte. Dentro del pez, sueños ancestrales, dentro del pez me relajo y siento, no pienso, sólo siento, el aire, el agua, el tiempo, siento dentro de mí toda una eternidad, siento mis poros respirando, siento la vida, la tierra, el océano, oscuro, misterioso y tierno, mojado e infinito, un océano dentro otro fuera, siento mis dedos, siento el tamborilear del croché, me siento yo mismo y a los demás, me siento otro yo, siento el habla, siento un canto perdido, encuentro, siento la sal en la lengua, qué lengua hablamos pez, eterno tierno pez, enséñanos pez, peces, pez nadando, nada pez, gracias pez, un día todos fuimos peces.”



El arte se mueve a la velocidad de la sociedad

Lo que surgió como la decoración exterior de un bar para jóvenes sedientos de marcha, una vez convertido en local famoso, fue perdiendo la calidad primera en su trabajo de forja y de pintura mural, hasta convertirse en un caos, en una sopa de “cosas” que desvirtúa el conjunto inicial gasta convertirlo en "otra" cosa diferente. 

Pero tal vez, por qué no, este resultado final le vaya más a la zona, al servicio nocturno de bebidas. Y lo digo sin acritud, desde el punto de vista artístico.

El arte está también para acompañar los lugares donde se deposita. Una obra muy diferente quedaría desvirtuada en su ambiente, si se coloca en un lugar donde no debe estar. Incluso se podría decir que el arte se transforma con arreglo a sus usos.

El arte hoy es efímero, porque la vida actual es líquida, efímera, sin tempos ni tiempos. Nada es para tanto como parece cuando nace. Las velocidad en la actualidad son mucho mayores.


La pintura ha muerto. Viva el Arte

En el último siglo el Arte Moderno se dedicó a minimizar sus composiciones, a ir restándole lo superfluo, y a dejar solo la esencia de lo pretendido. A un árbol le íbamos quitando su estructura, sus numerosas ramas todas iguales, hasta dejarlo en una serie de cubos y líneas que representaban espacios y elementos.

Pero con estas ideas en realidad lo que estábamos realizando era acabar con la pintura. ¿Qué se puede quitar o modificar o transformar, cuando ya solo has dejado un elemento?

La luz pasaba a ser un cuadro en blanco y la sombra o la nocturnidad un cuadro en negro. Llegados a este punto, o se vuelve atrás y se retoman otras caligrafías artísticas, o es imposible seguir avanzando y modificando. Creando escuelas nuevas.

De todo esto nace el posmodernismo. O el Arte Posmoderno.

Ya ha desaparecido la pintura anclada en un cuadro, en un soporte rectangular. Desaparece también el concepto de mercado artístico pues las creaciones suelen ser efímeras y no están realizadas para durar en el tiempo. Se construyen performance, representaciones artísticas que invaden los espacios saliendo de las paredes, se emplea más todavía un lenguaje libre y crítico, consumista por el momento actual pero a la vez sarcástico con el sistema, todo parece relativo e incluso a veces irrespetuoso.

Surgen figuras como Ai Weiwei, Honore Fragonard o como Damien Hirst. Arte que ya no es solo inentendible para la sociedad, sino que incluso al no entenderse en nada, produce rechazo. Pero no todo es igual de provocativo, o al menos, no todo se mueve en la misma dirección artística.

Muerta la pintura ¿qué queda? ¿Sólo el formol y los cadáveres? ¿la provocación por la provocación?

Cuando el artista chino Ai Weiwei presentó en la Tate de Londres su montaje "Sunflower Seeds" en la Sala de Turbinas, llenando una sala de un millón de semillas de girasol hechas en cerámica y pintadas para convertirlas en pipas casi reales, además de provocar con la presentación de su obra que se podía pisar, nos estaba diciendo muchas más cosas. Había empleado a personas casi como esclavos para realizar ese increíble número de pequeñas cerámicas a muy poco coste. La crítica era precisamente esa, la globalización y el esclavismo de unas personas que trabajaban para malvivir.

Pero si vemos su obra desde una cierta distancia (como en la imagen) vemos que el suelo de la gran sala es un lienzo. Y que los espectadores son las pinceladas de la obra. Somos nosotros, moviéndonos, los que vamos creando miles y miles de cuadros diferentes, como pequeñas manchas de color sobre un lienzo igual.

Este verano en el MoMA de New York el artista cubano Félix González-Torres nos mostró un trabajo parecido. En un rectángulo perfecto y sobre el suelo de la sala de unos 30 metros cuadrados, había metido miles de caramelos todos iguales. E invitaba al espectador a coger parte de la obra, a llevarse la obra a su casa. Un caramelo era una parte de la obra del artista. Yo tengo su obra en mi mesa de despacho. Y no pienso comérmela.

Sus trabajos empleando elementos pequeños que forman espacios propios y formas con piezas muy comunes son también una constante en su obra.

¿Quiere decir que efectivamente la pintura ha muerto? Pues posiblemente no, pero los artistas rompedores del momento actual no son pintores. La pintura les resta libertad de creación. ¿Qué vendrá después? Pues nadie lo sabe, depende, todo evoluciona y el Arte sin duda más y por delante. DEpende de la sociedad que vayamos creando.

Desde Valencia con estupor de admiración


Dulce monstruo


frío elemento de

cemento blanco

28.1.18

El adelantador de los tiempos. Emilio Gastón

Para cerrar la semana y prepararnos para la próxima os dejo un poema de Emilio Gastón, publicado en El Eco de los Libres, publicado por el Ateneo de Jaca (Huesca)


Tres variables para provocar aprendizaje

Hoy son tantas las herramientas de que disponemos para crear o modificar lo que tenemos entre manos, que tan solo es necesario tener ideas y desear darles formas. He elegido una imagen sin mucho sentido, un paseo por la orilla de la playa de Malvarrosa de Valencia en una mañana de enero. Nada interesante, pues deseaba precisamente jugar con algo más o menos aburrido.

A partir de esa imagen, que podría ser la de arriba a la izquierda, he realizado tres variables simplemente con retoques simples, sin filtros especiales. En la cuarta imagen sí he cambiado canales para darle otros aspecto.

A partir de estas cuatro imágenes sí se puede hablar ya de sensaciones, de explicaciones o de motivaciones para acompañar un texto. Una es casi un nocturno, otra es una imagen fría, mientras que la última es una imagen que llama el desconcierto, a lo imposible, al juego.

Este ejercicio es muy sencillo y no dice nada. Pero si somos capaces de acompañarlo de “algo más”, o si somos capaces de hacer los mismos efectos a imágenes que sí digan algo, o simplemente creamos series de imágenes que se ayudan las unas a las otras, ya estaríamos creando algo más interesante.

Tenemos pues que aprender a realizar lo que queremos hacer, sabiendo que medios tenemos muchos. Tenemos que saber qué queremos y de qué forma lo queremos presentar. Y tenemos que darle sentido y forma completa para que “el todo” se acompañe él solo de cada una de sus partes.

Banksy y su niño gritando: Dibuja el puente levantado!

No siempre ser concejal garantiza que se tenga sensibilidad, cultura artística o inteligencia social. Eso depende. Un concejal del Partido Conservador de la ciudad de Hull en Reino Unido, una ciudad con algo más de medio millón de habitantes y con fama de aburrida, se ha empeñado en "limpiar" un mural del conocido (y desconocido) pintor callejero Banksy que ha aparecido en la localidad, al considerar el regidor que en realidad no se trata de "verdadero arte" sino de manchas.

El propio Banksy ha publicado en su cuenta oficial de la red social Instagram dos imágenes de su nueva obra, asegurando que son suyas y que la ha pintado sobre el muro de un puente en desuso. Curiosamente el concejal ha intentado explicar su decisión, cayendo en la mayor de las tonterías. Creer que por ser algo “diferente” debe retirarse.

"Creo que se debe limpiar. Se debería sacar una fotografía (del mural) y conservarla, porque no creo que Banksy carezca de talento. Pero comparar a Banksy con, por ejemplo, el verdadero arte que se puede ver en la Ferens Art Gallery (museo local con obras que se remontan al siglo XVI), que en ocasiones es completamente fascinante, es juzgar las cosas desde estándares distintos", aseguró el concejal.

De lo que no me cabe duda es de que surgirán voluntarios que desearán llevarse la obra a su casa para venderla. Pero creo que en este caso no es muy fácil, pues el dibujo de Banksy sin el grafitti pintado abajo y sobre el que cabalga el niño, la obra no tiene el mismo sentido.

La pintura está sobre las bases de un puente abandonado sobre el río Humber de la localidad de Hull y el niño grita en plan guerrero: ¡Dibuja el puente levantado! mientras levanta una espada de madera que lleva un lápiz de color en la punta.


Chiamonwu Ifeyinwa y sus dibujos hiperrealistas

Cuando estás aprendiendo arte, que te hagan trabaja con lápices en blanco y negro, con carboncillos y difuminos, te cansa sobremanera. Pero estos dibujos hiperrealistas de la artista nigeriana Chiamonwu Ifeyinwa Joy que con 23 años están sorprendiendo por su calidad y sus encuadres y miradas de los personajes, que se inspiran en su cultura Igbo y en las tradiciones que forman parte de ella, están realizados con grafito y lápices de diferentes durezas.

"Para una gran obra de arte, me toma alrededor de un mes completarla. Para un lienzo mediano o pequeño, puede tomar hasta dos o tres semanas. Decido qué dibujar por cuánto me conmueve y me fascina el tema u objeto. Cuánto me habla a nivel personal, espiritual y creativo. Todas mis obras de arte cuentan una historia”.

Chiamonwu Ifeyinwa Joy no estudió arte, pero ahora dibuja profesionalmente y muestra sus obras impresionantes, que también vende ya a sus clientes de galerías, además de moverse muy bien en redes sociales dando a conocer sus obras. 


27.1.18

Jaume Plensa, grabador y poeta además de escultor

Jaume Plensa además de un gran escultor muy reconocido, es también un grabador (e incluso un poeta) y tiene numerosas obras realizadas en serigrafía o en aguafuertes. Obra diferente, obra menor si queremos catalogarlas por su tamaño o por su precio, obra realizada tal vez para los inversionistas o para los que deseen tener una pequeña colección de arte que resulte asequible a los bolsillos de clase media.

Esta obra mixta que vemos arriba la ha titulado “Alban Berg” dedicada al compositor musical de su mismo nombre, y se realizaron de ella en el año 2008 un total de 50 ejemplares firmados y numerados.
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Cada ser humano es un “lugar”. 

Cada mujer, hombre, niño, viejo 

es un espacio habitable en sí mismo que se desplaza y desarrolla;

un “lugar” en tiempo, en geografía, en volumen y en color.



                          JAUME PLENSA, 2000

26.1.18

Arte complicado de David Ostrowski

David Ostrowski es un artista alemán que está siendo ahora más conocido en los medios de comunicación por el gusto de Ivanka Trump hacia sus obras, que por estos trabajos como creaciones minimalistas y diferentes. Obras rápidas, donde los elementos brillan precisamente por su ausencia. Cuanto menos mejor.
Hace un trabajo al revés. En vez de borrar, simplemente selecciona y pinta lo mínimo, generalmente con aerosoles como si fuera Art Street, pero con muy pocas líneas, colores o elementos, y sobre lienzos.

Intenta pintar sin control, precisamente para encontrar el descontrol y la aleatoriedad relativa en sus obras. Para ello emplea la mano izquierda con el spray (es diestro) buscando que el resultado le sorprenda lo primero a él mismo. No busca lo que al final hace, sino crear casi aleatoriamente y sin control, buscando los errores de un trabajo ilógico que no emplea todas las posibilidades para crear un abstracto mal hecho, en un intento precisamente de olvidarse de la pintura como elemento vehicular del resultado final.

Cuanto menos y si aparece como un error, mucho mejor.
A veces nos podemos preguntar dónde se esconde lo bello. Es posible que en cualquier acto tonto, en cualquier movimiento ilógico podamos encontrar lo bello, lo curioso, lo diferente. Para ello es fundamental crear pocos elementos, para que el espectador no se distraiga con ellos. De esta forma deja de intentar entenderse la obra, pues no hay donde fijarse para buscar explicación. 

Un simple disparo de su mano equivocada, con un spray, y a esperar que aquella mancha nos motive. 

Así de sencillo. Un gesto espontáneo que al final crea elementos que cada uno de nosotros, como espectadores, podemos entender o abominar.

Nada es el principio del fin, sino al revés, todo es el comienzo de algo. 

Y esto es perfecto pues entenderlo ayuda a seguir creando posibilidades nuevas.

Ernest Zacharevic y su Street Art en relieve

El artista lituano Ernest Zacharevic y también conocido solo como Zach, es uno de los artistas urbanos más relevantes del momento actual. Reside en la ciudad de Penang, en Malasia, lugar donde es ya toda una celebridad por la numerosa cantidad de grandes murales pintados por este artista en las paredes que encuentra vacías.

Ernest Zacharevic tiene una amplia formación en bellas artes y en la pintura tradicional. Se graduó en la Escuela Nacional de Artes gráficas en la ciudad de Vilnius (Lituania) en 2005, estudió un master de artes gráficas y creación de obra gráfica en la misma ciudad un año más tarde y posteriormente se marchó a Londres para matricularse en la Escuela de artes gráficas de Middlesex University.

Zacharevic no tiene su mayor influencia y sus comienzos artísticos en el Street Art, aunque sea el medio empleado para dar rienda suelta a su inspiración artística. Su mayor motivación para pintar en la calle es la de llegar a un público más amplio y menos segmentado que el que puede acceder al arte convencional y comercial a través de Galerías de Arte o de subastas..

Cuando realiza obras en las calles explora con anterioridad la localización, el entorno, toma fotos del lugar, estudia el tipo de personas que pasan por el barrio para saber qué encaja en ese lugar.

A la hora de crear sus trabajos además de utilizar las clásicas pinturas de murales para realizar una obra plana, añade elementos que acompañan a la obra, o utiliza elementos del entorno para que formen parte de la misma, creando relieves que añaden vida a la obra final. El trabajo de Ernest Zacharevic se ha expuesto en numerosas galerías repartidas por todo el mundo.

El cómic como arte de explorar verdades. Quino

El cómic es arte de la explicación, de la sonrisa leve, de la ternura y el dolor, de la exploración de lo brutal, de las auténticas verdades dibujadas con arte. 

Esa mezcla de literatura incluso a veces sin palabras y de dibujos con muchas palabras, recrea la vida misma desde otra óptica, desde otro punto de vista.

Efectivamente, por eso mismo es arte. No porque esté mejor o peor dibujado, sino por lo que explora, por lo que logra motivar en el espectador con unos trazos, con un encuadre y una selección del artista.

Quino además de Mafalda creó muy diversos trabajos. Cuando hizo desaparecer a Mafalda muchos pensamos que era un error. ¿Cómo es posible que en su mayor éxito, decida alguien suprimir un personaje? La respuesta era clara. Porque ya no le aportaba al autor lo que este quería decir y transmitir. 

Todo se agota, o marca señales de agotamiento. Y en esos casos lo mejor es seguir explorando.

Richard Serra y su puntal de dos piezas

Richard Serra, escultor americano de padre español, nos dejó en el año 1968 esta escultura provocadora. Diferente al resto de obras que todos tenemos en la mente cuando pensamos en Richard Serra.

Es pequeña si la comparamos con esos largos y enormes caminos de hierro, o esas piezas de acero que pone en plazas queriendo comerse al cielo.

Cada obra tiene que vivir en el lugar donde se ubica. 

Debería ser construida según el habitáculo donde vaya a terminar asentada. Pero la pregunta sería otra.

En esta obra titulada “Puntal” si nos olvidamos del título ¿qué es más importante, la plancha de la pared o el puntal cilíndrico que la sujeta?

Uno sin el otro no tienen sentido. La idea es pensar que la plancha está en el aire, sujeta por el puntal. Sin este, la pieza estaría tirada por el suelo. Pero sin la plancha cuadrada el puntal se quedaría sin sentido, no tendría trabajo que realizar. Se necesitan ambos para juntos, formar una idea, un sentido. Una utilidad.



Estallan las flores en el pensamiento


Provocar color

invierno se muere

riamos juntos

25.1.18

Emilio Gastón. Poeta de los nubepensadores

Hoy ipsofactamente continuemos

nuestra simple faena de vivir.



Exijamos aumentos de guitarra

reparto equitativo de canciones

y tractores a plazos,

porque la tierra es más de quien la canta 

que no de quien la compra.



Los nubepensadores no tienen sindicato.



Esperadme en la cueva del minero

y haced mío su cabreo profundo.



Tenemos que hacer juntos muchas cosas,

soñadores del mundo, ¿nos unimos?




        Emilio Gastón


Art Spiegelman y el cómic serio, como arte emergente

El cómic es sin duda una forma de arte que mezcla como otras disciplinas diversas formas y herramientas para trasmitir. En este caso es sin duda la mezcla de literatura y dibujo o pintura. Estas dos páginas son del libro “Maus. Relato de un superviviente” de Art Spiegelman, que obtuvo el Premio Pulitzer 1992 a la mejor obra de ficción. Estas tiras o historietas duras y poco cómicas sobre el holocausto, se publicaron durante los años 1980 hasta 1991 en la revista Raw publicada entre él mismo y su esposa.

Art Spiegelman o Itzhak Avraham (su nombre real) nació en Suecia de una familia polaca que emigró al poco de nacer su hijo a los EEUU, donde ha realizado toda su formación y trabajos artísticos. Vanguardista y exigente con sus trabajos, trabajó durante bastantes años en el New Yorker, aunque su revista RAW es junto al libro Maus, por lo que más se le reconoce fuera de los EEUU.



24.1.18

Iñaki Villuendas y su Premio Feroz al mejor cartel por Handia

El diseñador zaragozano Iñaki Villuendas ha recibido el Premio Feroz, la antesala de los Goya, al Mejor Cartel de Cine 2018 por su trabajo en la película “Handia”. Joven y conocido, casi reconocido, ha logrado ya varios premios y mucho trabajo por sus creaciones artísticas en cartelería, un trabajo no siempre bien valorado, pero que sin duda bebe de las creaciones más novedosas donde se aúna el arte y la publicidad, el diseño y la creación artística.

En la imagen os dejo el trabajo del cartel para la película Handia, premiado esta semana y el cartel de la película canadiense Enemy (El hombre duplicado) del año 2013.

Para qué sirve un portapaz? Hablemos de arte

Voy hablar de ARTE y no de religión, aunque durante muchos siglos la religión y el arte fueran de la mano y casi siempre excesivamente unidos. Hoy he descubierto un objeto nuevo y quiero enseñaros uno de ellos, por su curiosidad y también, porqué no, por su originalidad de uso.

Es un portapaz. Nombre sin duda bello aunque su uso resulta curioso y desde la óptica del siglo XXI con poco sentido.

Un “portapaz” era y es un objeto de gran valor simbólico y en muchos casos artístico, que se empleaba generalmente en las celebraciones de los católicos para “darse la Paz”. Hoy la paz nos la damos con un abrazo, dándonos la mano y un cordial saludo físico, pero hubo siglos e incluso décadas no tan lejanas, donde tocarse era casi pecado. Así que nada de darse la paz con un contacto entre personas.

El sacerdote besaba en el momento de “dar la Paz” el objeto que vemos en la imagen, lo pasaba a besar a todos los integrantes de la celebración y tras ellos a las primeras filas de los fieles asistentes. O bien se entregaba el portapaz a los fieles y ellos se lo iban pasando hasta terminar el recorrido. Depende del lugar y la asistencia.

Su función pues era la de transmitir la paz a los fieles antes de la comunión. Una tradición hebrea que se mantienen en la religión católica como gesto de comunión fraterna y perdón antes de acercarse a recibir la comunión.

El portapaz es una pieza pequeña que cuenta con un asa por detrás para sujetarlo cuando se da a besar a los fieles en el rito de dar la paz. En los siglos XVI y XVII se generalizó su uso, y empezaría a decaer a principios del XIX. 

Habitualmente había uno para los hombres y otro para las mujeres, para que no existiera contacto carnal incluso ni con un beso transmitido a un objeto, entre personas de diferente sexo. Por delante presentan una imagen devocional, habitualmente una Crucifixión o un Calvario, en el que la cruz está rodeada de la Virgen y San Juan.

La imagen que vemos arriba es la de un portapaz de finales del siglo XIV, mostrando el calvario y la decapitación de San Juan Bautista, de una parroquia de la localidad de Pina de Ebro (Zaragoza).


Nudos de atarte al cielo



Atados al mar

sujetando el cielo

dueños del aire




Eugène Delacroix y la importancia del dibujo

El dibujo tiene mucha importancia en toda creación artística, aunque no se emplee en la obra final. Pero la base es necesaria. Y el dibujo es imprescindible para aprender a modelar luces y sombras, para corregir, para mover elementos, elegir encuadres, etc. Pero tampoco hay que llegar hasta el extremo de la frase de más abajo.

“Si no tienes la suficiente técnica como para dibujar a un hombre saltando por una ventana, en el tiempo que le lleva a precipitarse desde un cuarto piso hasta que choca en el suelo…, nunca será capaz de generar obras pictóricas importantes”.

Eugène Delacroix, pintor francés del siglo XIX
Dibujar es sobre todo para muchos de nosotros, una excelente forma de relajación, pues con cualquier herramienta sencilla y con pocos elementos, puedes practicar y gozar de sus beneficios en cualquier lugar. Ensimismado, puedes entregarte a ver como tu papel vacío se va llenando de “tus cosas” como quien escribe, pero haciéndolo sin orden. En el dibujo no hay ese orden natural que tiene la escritura, de izquierda a derecha (en occidente) y de arriba abajo. En el dibujo puedes empezar en cualquier esquina y volver a otro lugar del lienzo, o romperlo, o rescatar uno viejo y añadir sombras, o borrar, o volver a la esquina del principio y retocar.

Incluso en el dibujo puedes emplear varios idiomas e ir cambiando entre ellos dentro de la misma hoja, y se sigue entendiendo todo como parte de ese “todo”. Puedes empezar con lápiz blando, continuar con lápiz duro o bolígrafo, para terminar dando color con acuarelas o con acrílicos muy lavados, o añadir color contundente, o unos toques de rotulador o de sanguina.

Como el dibujo tiene muy variadas técnicas, no sirve que me digas que no sabes dibujar. Si acaso te admitiré que me digas que has practicado poco o que no has encontrado todavía tu herramienta perfecta. Se puede dibujar lentamente o de forma muy rápida y en eso tiene mucho que decir la herramienta o el sistema del dibujo. Se puede dibujar de forma contundente o ir añadiendo poco a poco líneas y líneas sobre el mismo elemento hasta lograr lo que pretendes, y así disimular las equivocaciones.

¿Y quien dijo que no nos podemos ayudar de la fotografía para saber colocar bien los detalles, las proporciones, las formas reconocibles por la miradas crítica de los espectadores?

Emilio Gastón deja Aragón más vacío todavía

Se nos ha muerto a los aragoneses Emilio Gastón, que es como ver morir a un Justicia, a la Justicia, al Símbolo, al poeta. Otro poeta que se nos muere. Otra voz que se cierra. Otro hombre bueno que se apaga. 

¿Siguen quedando suficientes para mantener Aragón vivo?


Emilio Gastón además de jurista y político era un artista. 


Poeta y escultor, amor del hierro y de las palabras sueltas y breves en una escritura de la que os dejo una muestra. ¿De verdad creéis que siguen quedando hombres buenos y capaces, suficientes para mantener Aragón con vida y ganas?

23.1.18

Epitafio de Nicanor Parra. Suyo y para todos

Escribía esta mañana de Chile. Me acordé de Víctor Jara. Ahora me llega la muerte del poeta Nicanor Parra. Me vuelve Chile a la memoria. Me llega su hermana Violeta Parra al recuerdo. Os dejo un poema de Nicanor Parra, un Epitafio de su libro Poemas y antipoemas, un texto que sirve para casi todos. También para él.


Programación IAACC Pablo Serrano de Zaragoza 2018

El Gobierno de Aragón ha presentado hoy el calendario expositivo que el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza ha preparado para este año 2018. Un total de quince muestras temporales que tienen como objetivo ofrecer una visión general, completa e integrada del arte contemporáneo aragonés en el contexto español e internacional, poniendo en valor todas y cada uno de los fondos museográficos y documentales. Además, quiere que el IAACC Pablo Serrano sea un centro difusor y catalizador de la creación artística aragonesa y continuar siendo sede, referente cultural y lugar de encuentro para el desarrollo de actividades vinculadas a la cultura y al arte contemporáneo en todas sus manifestaciones.

El IAACC Pablo Serrano ha recuperado espacios expositivos
o los ha dotado de un nuevo uso, y aí se permitirá mantener un número de proyectos expositivos temporales pero diversificando formatos y tamaño de los mismos.

La primera zona recuperada es el espacio de entrada, la antesala que se convierte en uno más de los ámbitos expositivos del IAACC Pablo Serrano, que pasa a denominarse “Espacio Pórtico”, donde los proyectos podrán jugar tanto con el espacio accesible como con los huecos que hasta ahora se encontraban ocultos tras lo vinilos retroiluminados.

A partir de verano, los espacios colaterales del interior de la planta baja acogerán también proyectos expositivos en un ámbito denominado “Sala 94”, al ser un espacio que se mantiene como sala de exposiciones desde que se inauguró el museo en 1994. El centro continuará organizando variedad de eventos (el año pasado superó los 100) así como potenciando las actividades didácticas para escolares y familias.

La programación expositiva se ha organizado en torno a siete líneas de trabajo para este 2018: 


Premio Aragón-Goya

Hitos del arte aragonés

Creadores aragoneses

Convocatorias abiertas de creación artística

Arte y compromiso social

Artes escénicas

Arte y literatura.


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Exposición premio Aragón-Goya.

Natalio Bayo. Variaciones goyescas. (31/01/2018 – 20/05/2018)

El 28 de noviembre de 2014 el Boletín Oficial de Aragón publicó el decreto por el que se otorgaba el Premio Aragón-Goya 2014 a Natalio Bayo Rodríguez destacando por parte del jurado "su vitalidad creativa, su versatilidad, su profundo conocimiento de toda la técnica y género artístico (dibujo, acuarela, óleo, grabado) y la creación de un universo plástico con un imaginario propio que incluye una visión personal de Goya y de Aragón". Con esta muestra vuelve a sus raíces con base en el dibujo combinado con técnicas mixtas y donde las estampas y las pinturas negras de Goya pasan por el filtro del artista.

Hitos del arte aragonés

Víctor Mira. Viaje de una generación (10/10/2018 – 06/01/2019)

La figura de Víctor Mira es siempre un referente en el panorama de las artes plásticas. En este caso se presenta su última gran obra, políptico de 8 metros titulado Moods. En torno a esta producción la muestra conformará un recorrido por producciones del artista no vistas en Zaragoza, como es el caso del político de 16 metros, La última cena, visto sólo en la galería de Miguel Marcos de Barcelona en 2002, o su serie Los golpeados, constituyendo una panorámica vital y artística de Víctor Mira. La muestra quedará recogida en un catálogo que contará con los textos de Mariano García.
Creadores aragoneses

Continuando con la línea de trabajo ya abierta en 2017, durante este año se seguirá apoyando la producción de obra a creadores aragoneses, siendo cuatro los artistas que este año expondrán en el IAACC Pablo Serrano:


Sergio Muro. Plain happy – Felicidad Absoluta. (24/01/2018 – 08/04/2018)

La muestra "Plain Happy" del creador poliédrico Sergio Muro es su proyecto más personal donde muestra todas sus caras creativas. El corpus de la muestra está compuesto por 4 murales, 8 lienzos de gran formato, 8 lienzos de pequeño formato, 9 tablas, 6 platos, una instalación de dibujos, una videocreación titulada "Yo soy la obra", 13 fotografías de sus performances de gran formato junto con más de 70 fotos de pequeño formato de sus acciones, 16 dibujos, tres vitrinas con objetos, 1 escultura, 5 video performances, dos videoclips y un disco de música. Además, habrá una programación donde sus artistas "fetiches" actuarán en la misma sala expositiva para que sea una exposición "viva" durante todos los fines de semana que dura la misma.


Cristina Huarte. Aún no estás sola. (25/04/2018 – 02/09/2018)

Es un proyecto biográfico que muestra un enigmático universo de relaciones tormentosas y violentas. La pintura y el dibujo son los medios que utiliza para crear a partir de sus recuerdos, a modo de diarios. Para este proyecto Huarte ha utilizado algunas figuras literarias que son clave y que acompañan su proceso artístico: Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Miguel Labordeta y Fernando Pessoa. La exposición constará de algunos escritos procedentes de los diarios de la artista, poemas de escritores, libros y objetos además de las propias obras pictóricas.


Yann Leto. Safari. (20/09/2018 – 04/02/2019)

Exposición compuesta exclusivamente por piezas y obras inéditas en la que se mezclará escultura y pintura. La fuerza creativa y el universo de Yann Leto se darán cita en las salas del IAACC Pablo Serrano buscando la complicidad e implicación del visitante.


Vicente García Plana. El objeto de la memoria (03/10/2018 – 10/02/2019)

El objeto encontrado es un proyecto ambicioso en el que el taller del artista se traslada al IAACC Pablo Serrano, se presenta el modo de trabajar de éste y finalmente se muestra el resultado. En el proyecto presentado por Vicente García Plana se plantea la publicación de un catálogo, actividades escolares y conferencias y actuaciones musicales a partir de “objetos encontrados”.


Convocatorias abiertas de creación artística

3 artistas / 6 espacios (15/05 – 19/08/2018)

En este 2018 el IAACC Pablo Serrano va a realizar una convocatoria pública abierta a artistas y se propone el reto de intervenir en seis de los espacios-urna existentes en la zona del IAACC Pablo Serrano que se denomina Espacio Pórtico. Serán asignados 2 espacios para cada artista, realizando la instalación de las propuestas artísticas entre el 15 y el 18 de mayo, Día Internacional de los Museos, inaugurando ese mismo día. El trabajo de los artistas será público, es decir, los visitantes podrán ver cómo realizan la instalación de sus obras. Las bases para la convocatoria se publicarán en torno a comienzos del mes de marzo de 2018 en la web del IAACC Pablo Serrano.

Mod portrait 2017. Pintura realista. (30/05/2018 – 17/06/2018)

Al igual que en 2017, el IAACC Pablo Serrano acogerá la selección final de las obras participantes y premiadas en el concurso internacional de pintura en la modalidad de Retrato, y organizado por la Galería arte Libre en colaboración con el MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona) y la Fundació de les Arts i els Artistes.


Arte y compromiso social

ASPANOA. XXIII Exposición de Arte Contemporáneo. (17/04 – 29/04/2018)

Al igual que en ocasiones anteriores, el Departamento de Educación, Cultura y Deporte a través del IAACC Pablo Serrano, colabora con Aspanoa en su fines solidarios en beneficio de la citada asociación.

Ana Palacios. Niños esclavos. La puerta de atrás. (27/06/2018 – 30/09/2018)

Proyecto solidario y de sensibilización donde la autora busca dar visibilidad al grave problema del tráfico de menores utilizando la fuerza expresiva de la fotografía. El objetivo de la exposición es lograr una sensibilización social sobre esta situación, poner en valor el trabajo de las ONG que actúan directamente en el terreno y colaborar en la devolución de la dignidad de los niños esclavos. La muestra inicia su itinerancia en Zaragoza, ciudad natal de la fotógrafa.

Espacio visiones. El susurro en el paisaje. (29/08/2018 – 23/09/2018)

Proyecto expositivo que nace de los talleres de Land Art que Nacho Arantegui imparte en Espacio Visiones, dentro del proyecto europeo “ARTBILITIES: Everyone is an artist”, y de la convocatoria de Erasmus + de Cooperación para la Innovación y el intercambio de buenas prácticas, en la que la Fundación Rey Ardid participa junto a socios de Hungría, Italia, Portugal y la ciudad de Granada. Las obras han sido desarrolladas por personas que por su discapacidad o enfermedad mental son vulnerables o se encuentran en riesgo de exclusión social.
Artes escénicas

Miguel Fleta. El hombre y el mito. (16/05 – 14/10/2018)

Dentro de la consideración de todos los ámbitos de la cultura, y continuando con la colaboración existente entre el Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón con la Asociación Aragonesa de la Ópera Miguel Fleta, se realiza este proyecto expositivo como conmemoración del 80 aniversario del fallecimiento del tenor aragonés Miguel Fleta, en el cual rinde homenaje y pone en valor tanto la dimensión humana como la artística del tenor.


Arte y literatura

Revistas culturales. El papel de la diferencia (04/04/2018 – 06/05/2018)

Proyecto expositivo de la Asociación de Revistas Culturales de España vinculado a un encuentro profesional relacionado con las revistas culturales y la crítica y comunicación cultural. El seminario se desarrollará los días 3 y 4 de mayo en el propio IAACC Pablo Serrano.
Daniel Mordzinski. El fotógrafo de los escritores (31/10/2018 – 10/03/2019)

El "fotógrafo de los escritores" festejará en el IAACC Pablo Serrano el 40 aniversario de su proyecto de elaborar un “atlas humano” de la literatura iberoamericana. La muestra antológica reunirá una selección de cerca de 250 imágenes y constituirá una pasarela que propiciará el encuentro entre fotografía y literatura en español.


Te recuerdo…, Víctor Jara

Es fácil emocionarse, es fácil incluso romperme. Hoy lo he hecho escuchando la canción “Te recuerdo Amanda” de Víctor Jara y cantada en un vídeo de Operación Triunfo por la concursante Amaia. Para los sesentones esta canción y Víctor Jara era y es un símbolo a la libertad, al ponerse de pie y decir ¡basta ya!

Víctor Jara fue asesinado en 1973 en el campo de fútbol de Santiago de Chile, encerrado con otros miles de artistas, estudiantes de Universidad o políticos chilenos por apoyar a Salvador Allende. Los militares que apoyaban a Pinochet…, primero le machacaron las manos para que no pudiera volver a tocar la guitarra. 

Su arma. La música. Su voz. Su arma. Un artista.

Tras el Golpe de Estado de Pinochet se hizo algo muy curioso desde los estamentos militares golpistas. Se quemaron libros, se prohibió la nacionalidad a muchos intelectuales, se prohibía difundir sus canciones en las radios, y se destrozaron sus obras y sus discos maestros, para que no quedara nada de ellos. Había que acabar con la cultura del cristianismo social, del socialismo suave, de todo lo que no fuera obediencia ciega a los empresarios del cobre dirigidos desde arriba de América.

Y era imprescindible para Pinochet acabar con la cultura. Con el arte. 

A los militares chilenos en aquellos años les daba miedo el arte creativo, la formación y la cultura. Se había intentado por Salvador Allende que la educación formativa llegara a toda la sociedad chilena y eso era imperdonable. 

Prohibido aprender más de la cuenta.

El verso es una paloma
que busca donde anidar,
estalla y abre sus alas
para volar y volar.

Mi canto es un canto libre
que se quiere regalar
a quien estreche su mano,
a quien quiera disparar.

Mi canto es una cadena
sin comienzo ni final,
y en cada eslabón se encuentra
el canto de los demás.

Sigamos cantando juntos
a toda la humanidad,
que el canto es una paloma
que vuela para alcanzar,
estalla y abre sus alas
para volar y volar.

Mi canto es un canto libre.