31.1.19

Qué tiene de común un niño, Goya, Picasso y Miró?

Estamos contemplando en la imagen de arriba cómo ve un niño entre los 3 y los 5 años la figura humana. Y cómo la representa sobre el papel. Es una mezcla entre su habilidad y lo que realmente él ve y esquematiza. Siempre en global, pues los niños no se fijan en las partes sino en el global. 

Para un niño que se pone a dibujar, una persona es una persona, un elemento. No es la suma de ojos, nariz, boca, etc. Por ello a la hora de dibujarlos lo hace sobre su totalidad. Y según crece en su formación completa añade a los elementos globales detalles variados que siguen sin ser partes independientes, sino detalles de lo global.

Por ello parte de la formación artística en edades tempranas que se basa en ensañarles a que se fijen en los detalles, es un pequeño fracaso pues en primer lugar el niño bebe de sus conocimientos globales y de su desarrollo en todas las áreas cognitivas, y en segundo lugar, pretender que se aparte del todo global, para centrarse en los detalles y las partes, logra lo contrario de lo que se pretende.
Enseñémosles formas, globalidades, sombras y luces, puntos de vista, y exijamos que cada vez sean más detalladas pero sin perder de vista que lo importante es su propio punto de vista “del todo”. Que hay que pulir, sin duda, pero que nunca deberíamos dominar o retorcer.

El niño cuando dibuja una persona, para él, todos los elementos tienen igual de importantes. Si dibuja una familia todos sus integrantes están diciendo cosas. Si dibuja un árbol tiene la misma importancia el tronco como las hojas o las ramas.

A partir de estos detalles o brochazos, cabe preguntarnos de qué manera veía Miró o Picasso o Goya lo que ellos pintaban. Tal vez así entendemos mejor sus formas, sus pinturas esas obras que a veces nos parecen brochazos sin sentido. 

En realidad les ha costado muchos años desaprender lo mal que habían aprendido a pintar y dibujar, para volver al dibujo y pintura de su niñez, al imaginativo y esquemático al máximo, con formas que pueden estar queriendo decir lo mismo que si tuvieran todos los detalles máximos de la cara y las manos.

¿Para qué queremos mostrar (por obligación) todo tipo de arrugas de la frente de un personaje que no conocemos, si lo que nos interesa decir es que había amor entre dos personas afines, mientras ellos miraban entrelazados por una ventana y un jarrón de bellas formas estaba sobre la mesa, contrapesando las formas y los colores?

Esta misma explicación anterior sirve para una obra de Miró de Picasso o de Goya, y los tres harían obras muy diferentes, y además es posible que en los tres casos se saltaran a la bartola los detalles, para profundizar más sobre las formas, las miradas, las posturas. Para lo “exacto” está la fotografía.

30.1.19

Una herida abierta por efecto de la edad

Tras las aperturas se abre la luz, pero no siempre.

Escondida en la pared permanecía la salida.

Sin aquellas rajas de la piel, no era posible entender la pared cuarteada.

Debajo del color, existía la calma negra.

No hay que prestar atención, no la recoge, no la necesita.

Con el tiempo todo el color envejecerá, pero quedará el negro.

Las grietas cuarteadas son efecto de la edad. No sabemos de qué edad.

Nadie más se ha dado cuenta de este cuarteado. Sólo tú.


Arte urbano en Glasgow, la antigua Bilbao de Escocia

Hace unas décadas se podía afirmar sin ambages la existencia de duplas en forma de ciudades pijas o históricas residenciales junto a ciudades obreras, industriales y contaminadas. Siderúrgicas.

El caso Bilbao-Donosti encontraba ecos en los casos Belfast del Titanic-Dublin Guiness, Glasgow Celtics-Edinburgo Hamlets o, en otro tipo de liga, el Zaragoza-Huesca de regional preferente.

Ahora bien, Bilbao se guardaba en la carta un sector cuaternario en forma de sede de instituciones bancarias, unos distritos como Deusto y Neguri –los de mayor renta per cápita del Estado- o poderse favorecer a través de amnistías fiscales del cupo de instituciones deportivas, culturales y de transportes hacia su playa que no le corresponderían por población. Así, el sorpasso de agua limpia, gabarras de diseño, paseo hacia el Abra con arquitectura de calidad y hoteles y pintxos con más ocupación y más caros que su vecina se ha dado.

Para revisar qué fue Bilbao hay que pasarse por Glasgow, ciudad a la que frecuento en youtube.

Allí se ha invertido algo y tiene también enormes centros comerciales para su mermada clase media, como en Zaragoza, pero la gaélica Glesga sufre y produce desempleo y antologías de la desesperación como Trainspotting. O como las letras de Amy McDonald…

And you singing the song thinking this is the life
And you wake up in the morning and your head feels twice the size
Where you gonna go, where you gonna go, where you gonna sleep tonight?

Es un escenario de relevo de la Dublin sórdida de Joyce o del London modo contaminación china presente de Dickens. Ciudad curiosa para ver estuarios herrumbrosos, refinerías horrorosas pero que cuenta de cuando fue rica fletando esclavos o acero con el Glasgow Subway, uno de los primeros del mundo y de color naranja.

Además cuenta con su época de esplendor Eiffel de teatros, bibliotecas e instalaciones muy coloniales modo Pale Ale, encantadoras. También Bilbao tuvo siempre Abando, pero color gris smog.

Glasgow nos ha dado mucho, ha sonado enormemente en Aragón y cada corazón. De entre su impresionante pléyade de músicos, me quedo entre todos con los Franz Ferdinand y con La Cadena de Jesús y María (en inglés y fundamentales en sus respectivos géneros).

Además y nadie lo diría, de Glasgow es el inapelable blanco con alma de Tennessee sir Mark Knopfler –que representa a ese escocés navegante por las aguas musicales que surca al revés la Corriente del Golfo que dulcifica a su ciudad-.

Merecería serlo por pitera el indómito escocés militante, pero nacido en England, el chaval de barrio duro y encantador llamado Rod Stewart . Pero resulta que proviene de la culta y renacentista Edinburgo. Es normal que carraspee para equilibrar tanto encanto.

Pues nadie vería a Erentxun baracaldés ni a Fito rivalizando en elegancia con Xavi Alonso o pasándose mucho por Mugaritz pero… en Escocia sí que caben excepciones y finura de gintonic especiado, modo Texas o Simple Minds, que sale de sus chimeneas. Siempre con carácter de comedores de haggis.

Ese conjunto de avatares culturales han convertido asimismo a Glasgow en una de las principales potencias europeas de arte urbano. En las ciudades feas y duras, siempre asoladas por las crisis, abundan espacios y talento para expresar necesarias huídas oníricas.

Elegimos al poeta SMUG para representar a su ciudad en nuestro contexto, brillante y colorista. Es un descriptor de marinos varados sin barco en el que faenar, heridos por la luz y el frío de Escocia. Un arte detallado y figurativo sin relación con la sorpresa de Bansky, descriptivo y al servicio de la ciudad.

29.01 Luis Iribarren

Nota.: Este graffiti es del artista Smug, antes nombrado.

28.1.19

Torre Agbar, puntillismo urbano en un enorme lienzo catalán

Puntillismo urbano de nombre Agbar (Aguas de Barcelona), lienzo enorme de un arquitecto artista, trabajo contra el aire del profesor Fermín Vázquez Huarte-Mendicoa

Torre Agbar en la Barcelona más moderna, la que mira al mar sin dejar de estar en su tierra. Ejemplo claro del europeísmo de la Cataluña más abierta, la moderna, la que sigue creyendo en la España europea. 

¿Nadie se atreve a continuar hacia el mar con ejemplos mayores que eclipsen el cierre de puertas e ideas?

Los pájaros falsos que no querían volver a volar

El efecto era enternecedor, sencillo y tramposo. Unos pájaros recortados y pegados en una pared tras un cable de la luz para semejar una rama. Maravillosa simplicidad para crear sensaciones naturales en una calle cualquiera de Barcelona.

27.1.19

Arte urbano en las traseras del Ágora y el Partenón en Atenas

Arte urbano en Exarchia, en Plaka y Monasteri. Pinturas de W.D., de INO sobre todo, del simpar Achilles en profundo viaje homérico.

Segunda visita al arte urbano en erupción necesaria en Europa, del que levanta sunamis por inesperado y no subvencionado, que todo cambie superficialmente para que nada cambie. No es el caso griego.

Qué ha sido de las políticas de resistencia en la soberanía de Tsipras se manifiesta en que las medidas neo-impuestas por Deutche Bank –y Santander Bank, que es la novia del mar…- se las vote la derecha de los economistas contratados, sí Guindos, por Lehmann Brothers…

Requiem por Varoufakis y Márkaris, elevándose Costa Gavras y Theodorakis con sus 95 años de 1,95. Depositando su enorme herencia sobre los coros épicos y la sublime y poderosa voz de Yiannis Kotsiras, su San Juan del Apocalipsis en Patmos. Cuando nada nos queda, cantando el mal se espanta.

Los hombres de negro han respetado la nómina de Alexis, encumbrado al Olimpo por alcanzar un dórico acuerdo con Macedonia.

Eso sí, han dejado un paisaje cicatrizado, de postguerra, gris-Zaragoza-años 80. Hasta los salmonetes han palidecido y mudado a un color paloma-Averly.

La reacción contra el bajonazo, el gatillazo, el siemensazo (no transición en Hispania, también provincia sajona bárbara) ha sido en Atenas artística, no se ha hecho esperar. No ha sido neoplatónica porque lo cotizado no hay que esperar al otro mundo para que nos lo devuelvan.

Espoleados por el citado Márkaris, los hijos y nietos no herederos de la rapiña Onassis-Papandreu no se han conformado con incendiar con bengalas el pabellón del Olimpiakóoooos. El equipo de los estibadores del Pireo, repetido en el Fenerbahce de la Bizancio turca, aunque les joda reconocerlo.

El escenario del desolado paisaje social griego, convertido en color contra el negro Unión Europea, ha sido precisamente esos barrios de capas populares modo Valdefierro o el Carmelo que gozan de las mejores vistas de la Acrópolis y se han quedado a mitad de camino de la especulación, como residencia de esos ancianos de dificultad y jubilación reducida.

Al menos, el tiempo de vergüenza y no saber a quién votar que les quede, porque nadie les representa, se lo han llenado de vida sus nietos putativos. Vayamos con un fragmento de Elytis, pensamiento clásico hecho duda socrática en griego moderno:


Éste, este mundo * es el mundo de siempre
El que saquea el placer * el que viola las fuentes
El de encima de los Cataclismos * el de debajo de los Huracanes
El ganchudo, el torcido * el tupido, el rubio
De noche con la flauta * de día con la cítara
En el pavimento de las ciudades * en el barbecho de los campos


23.01 Luis Iribarren

Manos prehistóricas en negativo de Cantabria

Estas manos pintadas sobre roca son una réplica exacta de las auténticas y que se pueden ver en una exposición sobre el arte humano. Sería una representación artística con unos 40.000 años de antigüedad, que se realizó en la Cueva de El Castillo en Cantabria (España).

Había dos tipos de manos, en negativo realizas poniendo la mano sobre la piedra y soplando a su alrededor a modo de aerógrafo una serie de pigmentos minerales que han llagado hasta nosotros.

Y en positivo, manchando la mano de esos pigmentos y a modo de tampón pintando sobre las paredes con las manos manchadas de pintura creemos que en polvo.

En estos meses últimos se ha encontrado en la Cueva de Altamira, cercana a esta, unas manos de niño, algo muy poco habitual.

¿Qué querían transmitirnos aquellas personas de hace 40.000 años con estas manos? ¿Era poder, religión, espiritualidad, magia, decoración?

Estas representaciones pictóricas se siguen haciendo hoy en día entre tribus primitivas americanos y australianos, que siguen quedando en algunos escondidos lugares. Y la respuesta de ellos a su significado es que se emplean como cultos sagrados y rituales. 

Pero más curioso todavía es recordar que estas manos prehistóricas tan antiguas en cuevas, solo se han encontrado y/o conservado en el sur de Francia y en el norte de España. Que se hagan en la actualidad en lugares tan lejanos, por tribus primitivas actuales nos podría indicar la naturaleza ancestral e interna de la inteligencia humana y su necesidad de dejar constancia de su existencia.

Calle, bastón, radio y boina. Eso puede ser la libertad

Toda la vida incluido el campamento de invierno de este sesudo exlegionario estaba sobre la acera. Le gusta bailar y cantar por las calles de Madrid al ritmo de su pequeña radio casi siempre encendida. El conjunto es claramente un grito a la libertad individual más simple. Calle, bastón, radio y boina.

La oscuridad y el silencio a veces van unidos

Sueñas con la luz cuando no la tienes, pero la disfrutas cuando ya la posees y te envuelve. Sin luz todo es más cercano, todo parece casi del mismo tamaño, del que puede abarcar tus manos. Lo que es más grande no se ve cuando estás a oscuras. 

Curiosamente cuando estás a oscuras es posible que el tiempo pase más rápido, porque lo controlas de otra manera, desde otro espacio tiempo. 

La oscuridad y el silencio parecen sinónimos, por eso cuando se está a oscuras, para ver un poco más hay que tener música cerca que te susurre al oído.

26.1.19

Bucarest, capital europea del arte urbano

Una denuncia dacia del nepotismo y la corrupción. Dedicado a Nicolae, de Sibiu, y a Sandra, de Langa y donde ella quiere

Le debo una visita a Transilvania y Bucarest. Como también se las debo a Medellín, Dakar, Orán o Quito. No son paraísos precisamente, pero sí que son los lugares de origen de muchos convecinos nuestros.

He visto sus caras de ojos vidriados cuando les he preguntado por ellos en Delicias, he compartido ese no viaje que constituye su único viaje y para el que necesitan 5.000 rabiosos euros de Cofidís prostitución.

El que hacen para que sus propias familias les sangren, sin ponerse en su lugar de nacidos en tierra caliente. En Mercazaragoza a las 4 de la mañana, sabañones en el alma y la decisión siempre a punto de tomar de volver a la Chinandega de la violencia mara-sandinista.

Son los paraísos que quiero visitar, los que he visto a través de los ojos de esa gente emigrada. Cantón, Ciudad de Panamá, Sinaloa… como también Torrecilla del Rebollar, Langa del Castillo o Berlanga de Duero.

Quizá comience entonces por Rumanía, para que no quiten el vuelo directo a Cluj-Napoca y Bucarest. 

Puede que vaya en bucle, entrando por un sitio y saliendo por otro. Dejándome Timisoara, de donde era la bellísima rumana con pómulos tártaro magiares Ana, que me ponía excelentes cafés en inglés. A la que regalé las obras completas de Shakespeare y se echó a llorar de impotencia por los pasos enormes atrás que estaba dando. Pero quien tiene retiene.

Le debo ese viaje a Dacia, por mi enorme querencia a Cioran, uno de mis autores favoritos. Porque reviso Mircea Eliade como escritor de sangre. Porque adoro a la poetisa de Sibiu, Herta Müller…

También porque ya no me molesta e incluso me atraen las incisiones que el brutalismo de Ciauciescu causó a la París del Este, al casco urbano de Bucarest. Ciudad antes planificada modo Viena y llena de una brillantísima comunidad musical judía.

Esas contradicciones son vida, pertenecen también a la historia de Zaragoza –apertura de la Plaza del Pilar y San Vicente de Paúl en fechas recientes-.
A diferencia de la brillante iniciativa Asalto, tanto Detroit como Bucarest son las dos capitales del arte urbano mundial porque tiene sentido. 

Porque precisamente denuncian las heridas de dicho brutalismo, en vida pública evidentes convirtiéndola en un lamento poético de vida privada. En la honda del insomnio de Cioran y la poesía de Hertha, tan cerca a la Ajmátova.

Los alemanes del Bánato pasaron a ser, obviamente, los malos. El abuelo de Niko luchando para Hitler en Georgia… Abrid las orejas, son historias que están enriqueciendo Aragón.
23/01 Luis Iribarren

25.1.19

Caminando sin rumbo, buscando la salida

Caminando por la vida sin rumbo, buscando la salida y dejando atrás al mundo. No mirando a los laterales no vayamos a encontrarnos con luces que nos distraigan. 

Ya tendremos tiempo de observar lo andado cuando tengamos que descansar.

24.1.19

Julia mira en su interior y Jaume Plensa crea

Esta imagen tratada para enfatizar la escultura alargada de una mujer realizada por Jaume Plensa me trae al recuerdo esas cabezas de personas que intentan sobresalir para mirar mejor, nunca para ser vistas. 

Julia, que así se llama tiene 12 metros de altura y quiere ser vista con serenidad, aunque el mismo Jaume Plensa nos dice que…: "Julia está dirigida al corazón de nuestro ser", para que entendamos mejor su mirada casi interna, casi hacia dentro.

22.1.19

Verdades como granadas, algo sobre el cine de Farhadi

A mí, que me gusta el brutalismo, es ahora cuando la figura de Pablo Iglesias, el abandonado al que le quiten lo bailau, me pone. Me pone pensar cómo serían los edificios severos y racionalistas de la Pablo Iglesias Allee en Seseña.

Parece que no va a poder ser, parece que la vida se le escapa y todo va a ir a manifiestamente peor hasta desconcharse su chalé por falta de mantenimiento. Acabará de atrezzo de una película de Farhadi, donde sus personajes dicen lo mismo de Teherán.

Cuidado, dejad de destrozar este cine barrocos para bien como Darín y Penélope, a la que no le ha pasado nada de lo que finge.

No vengarse contra lo inexorable, guardar las buenas formas ó respetar a cualquier autoridad impostada sin rebelarse era propio de nuestros padres. Es un talante que todavía se percibe en los personajes de otra generación que los principales del iraní. Se mantienen inasequibles al desaliento de romper con las instituciones –y solo me refiero a sus familias-, por mucho que sean chíitas y les condicione en su vida cotidiana en edificios de estuco y vencejo.

El germen de la búsqueda de racionalidad, de dación de educación para laminar presiones políticas a la clase media baja, también se encuentra en ese cine Ladoire pero presente.

En cada película se percibe la delgada línea roja del imposible mantenimiento de las parejas que dialogan, la mujer no aceptando ya monólogos interiores de macho-alfa en la intimidad, sino en forma de interjección. Sí todavía en vida pública… (¿y nosotros, dónde estamos?)

Mientras se perciben y padecen no siempre de manera estoica, nunca se puede porque las películas solamente son un resumen de dos horas, las excepciones a cargo de quien desde tu barrio, grupo de teatro o pueblo tiene belleza natural descomunal, falta de escrúpulos o, simplemente, cae en tentaciones programadas desde la propia troika de Jomeini… 

Si en Irán puede pasar, cuántas no separaciones con puta o puto eslavo no habremos no visto en la Zaragoza de la no EXPO… Y lo mejor fueron los que se quedaron con las ganas que los alentaron…

Me gusta Irán por palestino-aragonés, por zaratustriano, por la forma de mirar de sus habitantes. Porque me encantaría que en Aragón se replantaran granados y parras en todos los pueblos. Porque debemos a la uva de Shyraz haber ennoblecido a la garnacha.

Porque toda la música y poesía de la corte del Taj Mahal se cantaba en urdu y en ese parsi poético, al que da Farhadi contrapunto sin renunciar al metro, con sus trenzados guiones de vidas personales en el alambre.

La familia y la pareja no son en Teherán esa solución desesperada de contrapunto a un Estado, porque el mismo está compuesto por delatores. Sociedad española de origen.

El primer origen de la delación se halla residenciado en la propia familia a la que hay que negarle toda explicación de vida personal. La intimidad no existe en esas barras de bar de pueblo-tribu de donde todos provenimos, al necesitar tu propia familia edificarse sobre tí como mitología de venganza de tanta humillación nunca devuelta. La de fregar suelos de rodillas, la de ir a lavar sábanas en agua de nieve para comer.

Farhadi soy yo. Koreeda, no. También soy Pawlikowski y Saura, no Buñuel. No estoy para hostias de reirme de algunas cosas.

22/01 Luis Iribarren.

Lee Ufan y sus montajes de paisajes artificiales

El poeta, filósofo, profesor y artista coreano Lee Ufan que vive desde hace años en Japón presentará en breve la exposición “El tiempo de permanencia” desde el 27 de febrero al 30 de septiembre en el Centro Pompidou de Metz

Artista contracultural trabaja en sus esculturas con materiales naturales que unidos a otros industriales crea relaciones de elementos y paisajes artificiales que inciden sobre los espacios donde se colocan, creando o modificando paisajes que obligan a tenerlos que tocar si es posible, para formar parte de ellos.

En la imagen superior vemos una simple piedra colocada sobre unos cristales y titulada “Relato - Existencia”, Es del año 2014.

En la imagen inferior se muestra un boceto de una instalación a realizar en el año 2018, con arena en el suelo de la habitación sobre la que se colocan tiras de alambre formando una especie de pequeño bosque o de césped con hierbas altas.


21.1.19

Daku y su Arte Urbano en la India

El artista hindú Daku (de identidad real desconocida y cuyo sinónimo significa bandido, aunque ha participado en diversas exposiciones por medio mundo) ha montado en la ciudad india de Panjim una especie de red de pesca con letras invertidas que al recibir la luz del sol producen en sombra sobre el suelo largos poemas en inglés proyectados por las calzadas de las calles céntricas. 

Arte Urbano que juega con las luces naturales de la zona, arte efímero que además de agradar al paseante le resta potencia al sol para hacer más humano el paseo por las calles.


"El tiempo vuela sobre nosotros, pero deja atrás su sombra"

"El tiempo se desvanece"

"El tiempo es una ilusión"

“El tiempo hace maravillas"

"El tiempo se mueve"

“El tiempo lo cambia todo”

19.1.19

Joan Rabascall y su obra Jazz Hot de 1966

Desde el MACBA de Barcelona, una obra de un artista catalán que siempre ha trabajado la crítica social, Joan Rabascall, con una obra creada en el año 1966 mientras vivía y trabajaba en París y que tituló Jazz Hot. Un jazz caliente por las piernas de las señoritas pataleando encima de la basura. 

Un collage montado sobre madera donde se mezcla su arte crítico con las modas, y su concepto abstracto del trasfondo con el que encierra sus obras, muchas veces mezcla también de un surrealismo francés que acompaña a su obra.

Curiosamente esta obra figura colocada de esta forma en una exposición de Madrid titulada “París Pese a todo” donde se muestra la contribución de los artistas extranjeros que después de la Segunda Guerra Mundial trabajaron en París, ciudad que conservaba todavía un misticismo real vinculado a su encarnación moderna como Ciudad de la Luz desde el siglo XIX. 

Pero en el catálogo digital del MACBA, propietario de la obra, figura esta obra girada 180 grados. Yo os la dejo tal y como la he visto al natural en Madrid. Pero tengo dudas.

Carlos Saura, de devoción oscense y profeta en tu tierra

De extensísima obra, el momento vital de Carlos Saura previo al Estado de las Autonomías le da una condición como creador no demasiado aragonesa, para bien. De aspiración y ejecución universales.

Sin embargo, en todas sus obras están presentes paisajes resecos y áridos, no terminados. Reflejan sed o sed de buen sexo, da lo mismo. Denuncian postureo y en toda ellas sus protagonistas son lazarillos o déspotas del siglo de Oro, trasladados al franquismo o transicionados.

Hay una opresión de ciudad pequeña somarda, pero también una búsqueda oscense y curiosa sobre nuevos temas, nuevas relaciones con productores, fotógrafos, actrices. Una senda interminable y bifurcada de caminos por recorrer.

Por eso, pone su foco en otros temas fijando la grandeza de España en la grandeza improvisadora de sus genios.

Entre toda su obra, es imprescindible revisitar para un aragonés, ese genial personaje compuesto por Paco Rabal en “Goya en Burdeos”. Por común Semana Santa, capacidad para el desparrame y volcanismo, los actores y actrices murcianos vuelan dirigidos por aragoneses.

Su “Jota de Saura” es una magnífica revisión visual donde destaca sobremanera, me llamó mucho la atención, su parentesco con la tarantela del napolitano Pignatelli. O sus antecedentes en la jota mudéjar, lo que la emparenta en vibrato con el flamenco, pasión del cineasta oscense que ha nutrido con varias joyas visuales.

El Auditorio de Huesca pasará, de manera más que merecida, a portar el nombre de este inaudito, somarda, inquieto, profundo, críptico, tenso, oscuro, brillante, nítido, resuelto y humano fotógrafo de la generación del hambre de postguerra del Coso oscense.

Escaseces y estrecheces que llevó al cine como si de alegorías goyescas se tratara, tratándolas indirectamente. Indagando sobre el valor de origen árabe de todo arte producido al sur de Pirineos Sur, de la bestialidad y olor a sangre de tanta vida no vivida. De tanto seguir vivos como maldición bíblica para padecer España.

Es un precioso homenaje en vida. Como lo ha sido para él casi estrenar su faceta de director teatral en el Teatro Olimpia con “El Coronel No Tiene Quien Le Escriba”, representación pilotada por el genial y nunca hortero actor Juan Diego.

14/01 Luis Iribarren

18.1.19

El topo que quería saber quién…, un libro de maravillosas mierdas

A veces un simple título, una frase, mueven dudas y por ello preguntas. El topo que quería saber quién se había hecho aquello en su cabeza. Una belleza de topo muy cabreado pues en apariencia se le habían cagado sobre su cabeza. Un topo algo miope que no entendía quien le había depositado encima aquella mierda que encima de molestar, olía mal.

Los niños tienen que conocer todo lo que contiene la vida. Pero en pocas ocasiones les mostramos de qué forma son las deposiciones de los diferentes animales. Y esta es una de las pocas. Un libro didáctico donde se nos muestra, se les muestra a los niños, las diferentes maneras en las que hacen “caca” los distintos animales, para que el topo sepa al final quién le ha hecho esa marranada encima de su cabeza.

Los niños tienen una relación con las “cacas” algo diferentes a los adultos. dicen que se vuelven a recuperar en la senectud. Mientras tanto, en los años intermedios, siempre nos quedará este libro. Este maravilloso libro que habla de las mierdas de diferentes animales.

Dicen que es ARTE con Inteligencia Artificial

La Inteligencia Artificial la queremos utilizar para todo, empezando por ponerle un nombre equivocado. No creo que se pueda llamar “inteligencia” a algo que de entrada además de ser artificial, es programada, por mucho que ahora ya estamos empezando a programarla para que pueda tomar sus propias decisiones.

Estos dibujos los quieren presentar como el inicio de la Inteligencia Artificial en el ARTE. Volvemos a otro error, sin que eso nos diga que no seamos capaces de avanzar en procedimientos artísticos artificiales que sean algo más eficaces.

Estos dibujos de personas están realizados por robot, por máquinas. Pero si nos ponemos a pensar un poco más, hace años que una máquina llamada cámara de fotografía es capaz de dibujarnos con luz tal y como somos. Esta IA no ha logrado gran cosa.

Estamos programando máquinas que sepan mezclar colores, crear formas, copiar lo que ven. 

¿Pero dónde queda la imaginación, el sentimiento que le producen las luces o las formas? 

Podremos lograr que máquinas sean capaces de copiar a lo que los humanos ya estamos haciendo. 

¿Serán algún día capaces de ir más allá y crear algo totalmente diferente, algo para lo que no han sido programadas?

17.1.19

Carlota me dio este poema. Y no sabía que lo iba a leer

Ser poeta no es un oficio, ni una gana, ni un deseo. Es una necesidad. Carlota me la encontré en una plaza de Madrid como quien no quiere la cosa, pues fue uno de esos encuentros más causales y casuales que nadie puede imaginar. Una encuesta que termina con la entrega de un poema. ¿En qué mundo se cree que vive Carlota?

Y Carlota era poeta…, aunque no fuera esa mañana de poeta sino de estudiante en prácticas. Pero en la despedida me entregó un poema sin saber que yo lo iba a publicar aquí. Incluso es muy posible que Carlota pensara en su interior que aquel papel nunca nadie lo leería.

No sabía ni sabe quién soy. Pero me dio su poema para que lo leyera. 

¿En qué mundo se cree que vive Carlota? Ella cree todavía en este mundo…, efectivamente es joven y eso es muy bueno.

Carlota vive en un mundo muy parecido al mío, pero ella no lo sabe, vive creyendo que es posible incidir en el mundo, que la palabra y los sentimiento, las sensaciones, sirven para hacer el mundo más bueno, más humano, más sencillo para poder vivir. 

Pero ni Carlota ni yo tenemos razón. Aunque nos da igual no tenerla.

Un poema es una arma de guerra. Hay muchos poetas que murieron por la palabra y la libertad, más que literatos de prosa. Es mucho más peligrosa la poesía pues sale desde el corazón y llega más dentro.

No sé si Carlota leerá estas líneas, nunca nos volveremos a ver. Son esas minúsculas partículas de vida que un día se entrecruzan como una chispa, y punto. 

Como dice ella…:

"Tú…, sonríe"

13.1.19

La Santa Muerte, de fiesta y juerga. Artesanía o Arte

La Santa Muerte, Santísima Muerte o Muerte es un icono popular mexicano y de zonas limítrofes incluso hasta Brasil y que personifica la muerte y que es objeto de culto en diversos periodos cada año. 

Hay zonas donde la Muerte es un estado más de cada persona como lo es la vida, y estar muerto sigue siendo una estancia en el mundo que sirve para poder estar entre ellos, venerarlos, procesionarlos y tenerlos cerca. 

Aquellas culturas prehispánicas tenían cuatro tipos de “Lugares Eternos” a donde iban los muertos, no como nosotros que en teoría tenemos dos, el Cielo y el Infierno. Según la edad y el tipo de fallecimiento, iban a un lugar u otro, no por lo que hubieran hecho en vida.

Alrededor de estos rituales actuales debemos entender también ciertos recuerdos de las culturas mayas y aztecas (incluso purépecha, nahua y totonaca), que curiosamente celebraban el 2 de noviembre como Día de la Muerte, y que han ido permaneciendo en estas zonas durante siglos. 

Culturas y religiones prehispánicas donde el color, la cera y la luz en la oscuridad, las fiestas alrededor de los difuntos, eran de uso habitual.

Quien controlaba la muerte tenía el poder de controlar la vida y por eso santeros y similares se han ido apoderando y reconstruyendo viejas creencias, para tener poder sobre las personas que siguen creyendo en estas celebraciones.

Alrededor de todas ellas hay manifestaciones artísticas o artesanas, que ayudan a no olvidar los fundamentos y a servir como iconos venerados, como en la religión católica sucede con los santos. Y no debemos olvidar que muchas de estas prácticas se juntan en México con las prácticas católicas.

Esqueletos con guadañas, santerías, inframundos, imágenes que representan fiestas de cuerpos esqueléticos vestidos con colores muy vivos y bebiendo o comiendo, rodean estas prácticas de sensaciones complejas de entender para los países que no los practican. 

Las Almas de los muertos vuelven ese día para estar entre sus familiares vivos, para celebrar la visita con fiestas, bebidas y comidas especiales.

12.1.19

La sencilla Barceloneta. Arte simple en la calle

Nada más simple que esta forma de realizar una decoración sobre un elemento urbano. Es la Barceloneta de Barcelona, un icono que se mantiene aunque con la pérdida de su saber especial a partir de los años 90. 

Existir existe, pero el arte social de la Barceloneta es distinto. Aquella era ARTE y lo actual es artesanía y si acaso gastronomía cara. 

Por ello que se acompañe de pequeños detalles casi en blanco y negro nos lleva a la Barceloneta de la noche, Art Street catalán fácil, que intenta demostrarnos que el arte se lleva dentro, incluso en las playas de siempre.

Nota.: La imagen es de Luis Iribarren

11.1.19

Los clavos doblados son temporales, pero son

Con los años todo se dobla en la vida, incluso la espalda. Y me dicen que también los pensamientos, las ganas, las fuerzas para mirar recto. Pero aunque estemos doblados, debemos seguir estando, dando muestra de que somos duros y férreos.

Ennio Morricone se retira en el Jiloca y Villastar

La música de Ennio Morricone es para oírla buen rato seguido. Fragmentada o no, en pincho por esa red de carreteras tranquilas que pretende auspiciar el Gobierno de Aragón.

Como el country o Chris Isaak, es un reposado deleite que no permite disfrutar del paisaje con música de fondo envolvente. Quemando, eso sí, delictivo combustible fósil.

Qué sería de determinadas películas sin banda sonora… El cine de Lubitsch o en cualquier película donde salga Cary Grant o Edward G. Robinson no se resentiría mucho… Sin embargo, otras obras están concebidas como arte total, como una amalgama de excelente guión y recreación histórica, pulida fotografía, cuidado en localización (lo que en Aragón es un activo conocido), sutil combinación de actores noveles y veteranos y envoltorio musical a esa altura. Algo más costoso y complicado. Refinado en muchas ocasiones.

Es el cine donde encajan las músicas encargadas a Morricone, muy luminosas y espaciales. Contrarias a las armonías postmodernas. Hijas de los mejores estribillos operísticos. Da la sensación de que las hubiera hecho también gratis con mucho gusto.

El romano Morricone ha compuesto una música figurativa, semejante a la pintura de Morandi. Modo artesano renacentista al servicio.

Como no se puede negar la influencia del paisaje almeriense a su nítida y vibrante concepción musical, procedemos a viajar a la alta meseta del Jiloca en su compañía, divisando cerros con penachos de montes negros. Esculpidos por la luz de cierzo y altura. Viendo a ambos lados pinos cabeceros y tierras de arcilla oscuras, productoras de sabrosas patatas. Antes de remolacha en su punto de azúcar.

Dos imágenes casarán con la audición de un pincho en que no pueden faltar fragmentos de “La Misión”, “Django Desencadenado” o “Los Intocables de Elliot Ness”. Son los de la chimenea de la Azucarera de Santa Eulalia y la de la rambla de Barrachina de Villastar, donde detener el coche y oírlo a todo trapo. Música envolvente de capas arcillosas multicolores.

Como homenaje a aquella antigua forma de ocio, recuperada a través de iniciativas de cine clubs televisivos, un almuerzo loso antiguos bares de Monreal del Campo o Caminreal a base de longaniza azafranada y patata trufada.

Y una visita a su mítica estación en desuso, escuchando obviamente “Cinema Paradiso” para que nos vuelvan las arrugas que tuvimos de niños, las de las tardes de única merienda con pan con vino de garnacha y azúcar.

Salve Ennio. Desde este rincón de la Tarraconensis, futuro reino, por ti romanizado.

10/01 Luis Iribarren.

9.1.19

¿Qué significa el arte para usted? Responde Giorgio Spanu

Espacios, formas, volúmenes, detalles, colores, luces y sombras. Simplemente eso. El coleccionista Giorgio Spanu, coleccionista de arte italiano con una gran cantidad de arte moderno en New York, responde a la clásica pregunta, qué es el arte.

¿Qué significa el arte para usted?
A primera vista, el arte puede parecer inexplicable y, para muchos, seguirá siendo un auténtico misterio filosófico. De todos modos, yo considero que el arte es la verdad, y que ésta no reconoce fronteras y, por tanto, es universal. Además, el arte sirve para recordarme quién soy. Y creo que, como disciplina, debe encontrar sus raíces en la tradición popular y así transmitir mensajes fuertes desde el punto de vista político y social. Pese a lo cual el buen arte también debería tener la habilidad de inspirar y de provocar. Pero, ante todo, es una experiencia personal. Por ello uno debe recordar que “lo que sostiene al artista, es la mirada de amor en los ojos del espectador”.

Arte religioso contemporáneo en Almería

También el arte religioso ha ido evolucionando y ha entrado en las imágenes que reflejan historias sagradas, realizadas por artistas jóvenes. No siempre entran en las iglesias, y muchas veces se siguen quedando en los pasillos de los edificios, en zonas muy laterales, pues a mucho católicos sobre todo les parece una incorrección estas miradas religiosas que emplean el arte contemporáneo para reflejar ideas sagradas.

Esta resurrección de Cristo es un ejemplo visto en Almería, de cuadros colocados en los pasillos de un iglesia, en este caso tal vez por no encajar en la iglesia.

7.1.19

Karl Lagerfeld y su moda en pendientes y pulseras. 1984

Hablamos muy poco de moda y es una actividad claramente ligada al arte desde unos puntos de vista similares, empleando a las personas como portadoras de sus creaciones, en vez de lienzos o metales, paredes y calles. Así que tal vez y haciendo un guiño a la moda ya pasada para no caer en los errores de quien no sabe lo suficiente para hablar de este tema, os dejo un trabajo del diseñador Karl Lagerfeld.

El diseñador alemán Karl Lagerfeld conocido como “El Kaiser de la moda” aunque llevaba bastantes años trabajando para diferentes marcas de prestigio creó en los años 80 su propia línea de productos con su apellido como marca: “Lagerfeld” para crear ropa y complementos. 

Y entre ellos os dejo una muestra del año 1984 donde jugaba con elementos de costura para crear joyas de nuevo diseño utilizando elementos comunes de las costureras, como antes hizo con herramientas de fontaneros o de electricistas. Originales sí eran, complejos de llevar es posible que también.

Familia Real de Antonio López y tomar apuntes del natural

Durante siglos las obras de arte se empezaban a crear con apuntes del natural que tomaba el artista para luego en el estudio realizar la obra, o completarla cuando menos. Era una manera de captar lo que se veía y guardarlo en un lugar físico además de en la memoria fotográfica de cada uno, incluso cuando esta palabra ni podía existir.

Se tomaba nota con pocas líneas, con esbozos en la mayoría de los casos, de las formas, del encuadre y se le añadían (o no) notas de color o notas escritas para recordar qué había en esa escena que resultaba atractiva para quien la estaba construyendo en un boceto. Muchas veces aquellos bocetos terminaban en el estudio convertidos en dibujos mucho más detallados, desde donde se seleccionan entre varios de ellos del mismo tema, cual se iban a convertir finalmente en una obra terminada, fuera pintura o escultura.

Pero en las últimas décadas es la fotografía la que ha ocupado el lugar de los bocetos, de los apuntes al natural. Casi nadie toma apuntes, excepto de lo más burdo y para ver tipo de composiciones que no existen y por ello no se pueden fotografiar. Hay que recordar que en una obra podemos crear lo que no existe y por ello aquello que no es posible ser fotografiado. Y para ello si necesitaremos componer el conjunto en algo más que nuestra propia memoria. 

Un ejemplo de ello fue el cuadro de la Familia Real.

Esta obra, además de ser pintada en varias épocas muy distantes en el tiempo, ni nunca posaron juntas las personas para la pintura, y donde ni tan siquiera posaron de forma individual excepto para sesiones de fotografía. 

Hoy por lo general y para cualquier obra de estudio se parte de un boceto de la composición del conjunto, de la luz, del punto de vista, y se le van añadiendo rostros, tamaños, vestidos, posiciones, colores que encajen en el conjunto. Y para todo ello más que apuntes del natural, lo que se hace son apuntes inventados pero apuntes al fin, para valorar los resultados en la composición final.

En este caso en concreto Antonio López inició los primeros apuntes del natural el 24 de diciembre de 1993 cuando se trasladó con dos amigos al Palacio de la Zarzuela para realizar una sesión de fotos de los Reyes y sus hijos y que duró más de dos horas. Aquellos apuntes no gustaron al artista y se repitieron en el estudio de Antonio López más de seis meses después. Fueron fotografiados por separado y en conjunto, con diversos trajes y tipos de luz, e incluso a la Reina Sofía la hizo volver en más ocasiones con diversos trajes, para elegir lo que mejor encaja en la composición.

Para la composición de los cinco personajes del cuadro La Familia Real, Antonio López trabajó las figuras en fotografías a tamaño real sobre madera de tablex individuales que luego disponía para ver su encaje en la composición. El que menos varió en su posición en estos veinte años de larga trayectoria pictórica para un cuadro que consideraba muy importante, fue Juan Carlos I, que siempre ha ocupado el centro de la composición. El resto de los personajes fueron recolocados en múltiples ocasiones.

Esta es claramente una obra (casi) fallida de Antonio López pues fue terminada en el año 2014, más de 20 años después de los primeros bocetos y apuntes, lo que sin duda se nota en el resultado final, que parece como falso, pasado de fecha, postizo.

Algo que se necesita siempre en un boceto es reflejar la frescura del momento, cazar el instante. Y en este caso se notan los añadidos, los “pegotes” en el boceto, en la idea. Una señal de que esta obra no convencía a Antonio López, pero que tenía que entregarla pues estaba contratada y pagada. Tan es así que en la presentación final de la obra, el artista no estuvo presente. Parecería que no la quisiera admitir como suya.


Virgen del Pilar, en Ejea de los Caballeros, Monasterio de la Oliva

Esta imagen de la Virgen del Pilar es del siglo XVII realizada en un alabastro posteriormente pintado. Se encuentra en Ejea de los Caballeros, en el Santuario de la Virgen de la Oliva. La Virgen del Pilar tiene muchas representaciones, no todas idénticas como es lógico, y por eso nos podemos encontrar con obras que a veces son auténticas bellezas en el arte aragonés del alabastro, como es en este caso. Material maravilloso para labrar con detalle y para poder colorear con posterioridad.

Steve Gibson y sus palomas tranquilas

El escultor inglés pero afincado en Zaragoza Steve Gibson nos dejó hace unos meses este montaje donde combinaba parte de sus variadas obras, pero donde sobresalió según mis gustos la presencia de decenas de palomas sobre el suelo por donde tenemos que caminar para contemplar el resto de sus obras.

Era una mezcla de escultura, performance, osadía y provocación, más en una Zaragoza donde las palomas son todo un símbolo que por cierto se va perdiendo. Arte por los suelos para hacernos creer que se puede llegar a volar con él.

5.1.19

La belleza de los fríos de postguerra

Algunos días como hoy recuerdan ya solo de forma aislada los tiempos de Mingote y del frío de postguerra. De sopa boba de autarquía, de España tan grande que se cerraba por hambre excepto para un 20% de sus no votantes. En la ciudad se pasaba una modalidad de hambre con escaparates colmenera y sórdida, todo fue una Ciudad Sabañón hasta en la costa valenciana republicana.

Winners only, no time for loosers cause we are the Champions... Que dijo Freddy Mercury con ironía y malicia indias para que lo repitiera Zapatero, el de la reforma laboral ilustrada y desmemoriada históricamente.

Son días puntuales de estornudo por ataque de francoil que ya no duran dos meses. También lo son de particular y ruda belleza, helando hasta almorzar y luego todo el día. Como dice el profeta Jiménez Losantos de los que considera tontos.

Es un frío que dobla y nos hace cheposos a los fatos. Con su propia terminología como cencellada o candelones, que produce las estampas de páramo más bellas, aportando ese blanco roto casi irreal y nunca ficticio.

Son inversiones de arcoíris por confusión de colores por toma de tierra.

Hielos para matar el tiempo con cuentos de abuelo anafalbeto, fogaril con cadiera y cocinilla de bandeja de porcelana y con fruta para poncho, con los animales en la cuadra calentando la casa. El perro ratonero aburrido haciendo su orgulloso oficio. Las preciadas dos latas de olivas sevillanas rellenas, una para ahogar los ratones, la otra para fregar y lavarse.

Esos días tan magníficamente cincelados por Delibes, siempre pertechado sin goretex en cada amanecer castellano. Ya documentalizados con montaje por Rodríguez de la Fuente.

Estos tiempos de boira con cencellada que le recuerdan a mi madre el año en que yo nací en enero, días de necesario movimiento con espasmos para liberarse en caso de pobreza energética, de pasear por la tarde por centros comerciales calefactados por el Protocolo de Kyoto.

Días de quemar carrasca de monte comunal limpiado de rama baja, y calentarse con el astral haciendo zocas.

En definitiva, días cortos y blancos para revisar “El Verdugo” de Berlanga, “Ojos Negros” de Nikita Mikhalkov o “Doctor Zhivago” del glamuroso maestro inglés David Lean que hacía películas modo motores Rolls Royce, precisas y con el sello de elegancia fotográfica no Kodak correspondiente.

Tomar un té cargado con leche, un poco de huevas de caviar del Grado con vodka a mitad de película, mientras se ve la escarcha de las ramas o en el bulbo de las rosas desde una ventana traslúcida de vaho de alabastro.

Qué música escuchar en Aragón en estos caso para calentar el espíritu. En materia de elegancia yo me iría por los zaragozanos Tachenko o por los catalanes en castellà de La Casa Azul y el muy grande Guillem Vilella enderezando la dirección contra el hielo.

Si queremos música metálica, diferente y cálida en su gelidez y espectralidad siempre nos quedará Byörk o la genial guitarrista americana Mary Holvorson.

04.01 Luis Iribarren


En fotografía los momentos no se repiten

A veces las buenas imágenes se te escapan por no llevar las herramientas oportunas. Me sucedió en Amsterdam mientras íbamos a comer, con esta mezcla de realidad increíble. Una garza sobre el final de una escalera mirando de reojo, pero a su vez observada por un gato desde la ventana como preguntándose qué puñetas pinta este bicho tan grande cerca de mis posesiones. Iba sin cámara y el teléfono logró captar el momento, pero con una calidad muy mala. Ocasión perdida, aunque la supe pillar.

por eso en fotografía es imprescindible ir siempre con las herramientas mínimas. Hay cámaras de gran calidad, compactas de 1 pulgada, que te sacan de cualquier apuro y no ocupan casi espacio ni peso entre tus bolsillos. En este casi ni eso llevaba, efectivamente. Por falta de una batería de recambio.

Si vas a cazar imágenes, no te dejes en el hotel ni la cámara ni una batería de recambio perfectamente cargada. O luego soñarás con ello.

3.1.19

Flor que se transforma de diversos colores

La transformación sucede en todos los ámbitos de la vida. También en las flores. Este caso es curioso, según va creciendo se va convirtiendo en luz. La magia de la naturaleza que las personas no somos capaces de copiar. Rosa, morada, verde, amarilla, para terminar blanca. ¿Quien dijo que los artistas se equivocaban al interpretar los colores y las formas?

Una acuarela para turistas, muy bien ejecutada

Mostramos aquí una acuarela de calle, un paisaje de los que se hacen para turistas en las calles de las ciudades importantes de Europa. En este caso en Bruselas. pero es un obra con un encanto especial pues ha sabido trabajar muy bien los colores, la luz y la personalidad del momento, de una plaza muy grande y siempre llena de personas que miran a lo alto y no parecen ir a ningún sitio.  Cuatro manchas, cualos colores, cuatro figuras…, y efectivamente ya no es necesario nada más para crear una sensación de vida, de realidad vista con otros ojos.

Una obra rápida, barata y que cuando la veamos en nuestras casas nos llevará al recuerdo de un viaje.

Con la forma y el color, hablan los artistas un idioma suyo

Cuando estamos viendo una obra de arte lo que en realidad observamos son formas y colores. Formas a veces reconocibles y otras no tanto (o nada), diferentes entre ellas, como diferente es casi todo en la vida. ¿Hay una forma exclusiva de las flores? No, hay decenas y decenas de flores distintas. Y de colores muy variados. Excepto verdes. No hay flores verdes.

Lo mismo podemos decir de un cielo, un bosque, un paisaje o unas botellas. Y además todas estas posibilidades dependen del punto de vista del que las crea, de su iluminación, del entorno en donde se encuentren, incluso de la época del año.

Formas y colores que dependen del punto de vista que elige el artista, a la hora de mostrarnos esos elementos.

No existen pues estereotipos claros en la vida real, así que en el arte, que es creación y representación subjetiva de algo que observa un artista ajeno a nosotros que somos los espectadores, nunca los puede haber.

Si a eso le añadimos que cada artista ha decidido trabajar sus obras con unas técnicas o con otras diferentes, con una gama de colores seleccionada por él mismo, con una ideas imaginarias que confieren a toda su obra de un hilo conductor personal…, nos encontramos que nuestra obligación como espectadores es meternos en su mundo y descifrar lo que nos quiere transmitir.

Si leemos un texto árabe o chino, que no utilizan nuestro vocabulario, es muy complejo entenderlo si no nos ayudamos de “algo”. Pero es muy posible que entre todos esos grafismos “raros” se encuentren palabras hermosas, sentimientos, consejos, experiencias. Podemos intentar desentrañarlos o simplemente pasar de ellos pues no los queremos entender. Esa sí es nuestra decisión.

La imagen de arriba nos muestra una escultura en Bruselas que representa una tableta de chocolate con los colores de la bandera de Bélgica, en honor a una de sus industrias más conocidas.

2.1.19

Sergio Royo nos explica por qué eligió el género del cuento

El escritor zaragozano Sergio Royo ha sido entrevistado hoy en Heraldo de Aragón, en un diálogo corto, intimista, sincero y con la mirada puesta en su trabajo, en la literatura. Os dejo dos párrafos, donde se habla de escribir, aunque aquí podéis leer la entrevista al completo.

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¿Cómo nace el escritor?

Creo que tú no encuentras a la literatura, sino que la literatura te encuentra. Hubo cosas en mi vida que no comprendí, y cuando no comprendes algo, tienes que explorar cómo te sientes. A partir de ahí surgen inquietudes, formas de ver el mundo, y las sacas. En mi caso, la literatura es consecuencia no sé muy bien de qué.

¿Por qué eligió el género del cuento como expresión?

Porque el cuento es un fogonazo, una idea brillante, que permite focalizar tus esfuerzos durante un tiempo y después pasar a otra historia. Admiro a los aragoneses Carlos Castán y Óscar Sipán; me apasionan en su concepción de la nostalgia. Y admiro a Raymond Carver y Alice Munro, maestros de la brevedad. Los cuatro se fijan en lo cotidiano y en lo que a todos nos inquieta aunque lo hagan desde perspectivas distintas. El cuento tiene que rasgar.

El arte de los belenes napolitanos

Los belenes napolitanos son aquellos en los que vemos a las figuras recreadas con espectaculares vestimentas de tela formando escenas populares de la Italia de hace 1.000 años, con figuras de unos 20 centímetros de altura que llaman “pastori” cuyo cuerpo está formado de alambres forrados de estopa, y con las cabezas y las extremidades de madera, para poderlas dar movimiento y posición en los pesebres, imitando de forma natural los movimientos de las personas.

Estas figuras van vestidas con ricos trajes y llenas de complementos según la personalidad de cada una de ellas, formando escenas de mercado, de calle, de pastoreo, de músicos y danzantes, formando una iconografía llena de color y elementos menores, que nada tienen que ver con la presunta realidad de aquel Belén o Nazaret de hace 2.000 años.

Este tipo de montajes belenísticos del sur de Italia, tienen en la zona española de Valencia un tipo de figuras de Belén también vestidas con telas aunque basadas sus figuras más en la Palestina de aquellos años y con las figuras de barro. Pero su forma de vestimenta con telas endurecidas se asemeja a la napolitana, y ambas trabajan también el color a mano y los añadidos de complementos, con figuras populares muy realistas para formar escenas.