28.2.18

Juan Uslé todavía no ha aprendido a pintar. Y se alegra

El artista cántabro Juan Uslé nos deja esta obra titulada “Oda” y realizada en el año 1993, perteneciente al Congreso de los Diputados, para disfrutar de su trabajo abstracto expresionista, donde mezcla la pintura con sensaciones musicales, líricas, de movimientos con formas o líneas. 

Leamos algunas frases de este muy reconocido artista contemporáneo.

Todavía no he aprendido a pintar, y me alegro. Cuando veo que existe un gran dominio, un gran manejo de las técnicas, sobre todo para decir lo que claramente se tiene en la cabeza, me mosqueo. Necesito seguir descubriendo. Seguir encontrando muchos “uslés”. No necesito pensar que he pintado la obra maestra, porque sé que no lo he hecho. Pero sí que voy hacia ella. Siento que estoy en los mejores años y en la mejor profesión, porque es la que siempre he deseado y que nunca me creí que podría ejercer del todo. Me negué a ser Juan Uslé e inventé otros nombres. Descubrí al capitán Nemo, que me llevaba en una nave a un lugar desconocido donde no sabía qué pasaba. Cuando en Nueva York comencé con los cuadros negros y tormentosos; cuando, según los críticos, se me acabaron las imágenes, y Juan Uslé se quedó amnésico, después de esa fase, Nemo me ayudó a encontrar la luz.
Soy pintor y soy lento. La pintura es el medio lento por excelencia. Pese a todo, o por eso, sus posibilidades son infinitas. Sin embargo tenemos ese complejo, sobre todo en España, de que los pintores somos antiguos y dependemos de la tradición. No se trata de ser un virtuoso pero sí de tener un lenguaje y profundizar lo más posible. O sea, poder acercarte al vacío tan esencial que todos los seres humanos llevamos dentro. La pintura es un medio muy válido para hacer la gran revolución; una revolución que siempre ha estado pendiente: que el ser humano se pregunte y se entienda a sí mismo.


Fuente del texto: El País

Bóveda del Congreso de los Diputados en Madrid

La bóveda del Congreso de los Diputados de España, edificio inaugurado en el año 1850 fue pintada al fresco por Carlos Luis de Ribera y Fieve (artista español nacido en Roma y que fue pintor de Cámara durante el reinado de Isabel II) tiene cinco grandes cuadros históricos:, cuatro sobre la historia de la Legislación Española (grecorromana, goda, aragonesa y restauración) y el quinto dedicado a españoles célebres; rodeando estos cuadros diversas alegorías de las virtudes; alrededor de las tribunas se encuentran los escudos provinciales.

El medallón central de la bóveda nos muestra a Isabel II acompañada del Cid, Colón, Saavedra Fajardo, Campomanes, Jovellanos, Mariana Pineda, Cervantes, Lope, Juan de Herrera, Velázquez y Berruguete.


27.2.18

Kehinde Wiley y su retrato oficial de Obama

El artista norteamericano Kehinde Wiley ha realizado un retrato oficial de Barack Obama que fue presentado el lunes, durante una ceremonia en la Galería Smithsonian National Portrait, en Washington DC mostrando a un Obama de aspecto serio, sentado en una silla de madera delicadamente detallada sobre un fondo de hojas brillantes y flores vivas.

Los pies de la silla y las suelas de los zapatos negros de Obama flotan casi artificialmente sobre el fondo, reflejando tal vez el realismo del sueño del poder, rodeado tal vez de la que fue la capacidad de Obama por dejar un millar de flores de expectativas positivas, nacidas de la floración de su mandato.

Lirios, jazmines o crisantemos sobre un campo verde mostrando la historia deslumbrante que lo entregó a él a los brazos de su nación. Y que hoy ya fuera del poder, se muestra algo alegre, pero duro y acontecido por el futuro.

Diego Rivera y su mural censurado en 1933

En tiempos de censuras artísticas, algunos periodistas viejos como yo han querido quitar importancia a lo que nos sucede en España, hablando de otros ejemplos de censura artística. Por ejemplo en los EEUU y por parte de la familia Rockefeller. Las comparaciones son odiosas, más si las hacemos con un encargo privado para su enorme edificio de oficinas en New York, donde el que paga puede poner lo que le salga del bolsillo.

Diego Rivera era uno de los artistas mexicanos más conocidos internacionalmente cuando le encargaron un mural para decorar el vestíbulo del Rockefeller Center, que acababa de edificarse en el centro de Nueva York.

Diego Rivera creó un mural que llamó “El hombre en el cruce de caminos”, lleno de simbolismo, con una inspiración comunista y en el que aparecieron las imágenes de Trotsky, Lenin y Karl Marx. Todo esto pensaba instalarlo en la entrada del edificio privado de unos de los mayores íconos del capitalismo: la familia de multimillonarios Rockefeller. Pero la familia al darse cuenta de la intención solicitó al artista que reemplazara la cara de Lenin con la de un trabajador anónimo.

Rivera le contestó: Prefiero estar muerto que mutilar mi obra, pero le propongo una salida intermedia: ¿por qué no ponemos del otro lado a algún héroe de Estados Unidos y el mundo capitalista, como puede ser Abraham Lincoln? Los Rockefeller se negaron.

El mural fue terminado en el año 1933 y fue cubierto con una lona. Ocho meses después, los Rockefeller ordenaron a los obreros del edificio que destruyeran el mural, una acción que Rivera calificó como “vandalismo cultural”.

Afortunadamente, un asistente de Rivera fotografió todo el proceso de elaboración del mural y Rivera pudo usar las imágenes para repintar su obra en el Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México. Ahí fue renombrado como “El hombre, controlador del Universo”.

Los peligros del plástico con los indios americanos

Y llegamos con nuestras bolsas de plástico y acabamos con los nativos, mientras mirábamos hacia otro lado. 

La modernidad siempre se disfraza de plástico, pues es lo más barato para disimular.

Y si tiene colores que nos distraigan a todos…, pues mucho mejor, y así la vista se nos va detrás de los colores.

Grito con muchas intenciones

Una simple frase esconde todo un mensaje de amor, de inteligencia social, de oportunidad e innovación, de emprendimiento persona. No sé si es copiada, si es original, si se hizo con una doble intención o es una simple casualidad. De todos modos es un grito precioso. 

Pero también puede ser un "pedir perdón". No lo sabemos.

Tres cosas que son finitas y lo sabemos

Hay tres cosas en la vida que se van y no regresas jamás. Las palabras, el tiempo y las oportunidades. Todas van pasando entre nosotros, se agotan sin advertir hasta que sucede la última, que tampoco avisa. Hay que estar preparado.

26.2.18

Vincent van Gogh y Paul Gauguin, fotografiados

En esta imagen podemos ver a Vincent van Gogh (tercera desde la izquierda) y a Paul Gauguin (totalmente a la derecha) sobre una mesa de charla y reflexión, con botellas y tabacos. 

Es una fotografía del año 1887 realizada directamente en positivo falso (melanotipo o ambrotipo) y que se veía correctamente al ponerse sobre un fondo negro, en este caso una cartulina negra por debajo que hace el efecto de negativar el negativo transparente, para convertirlo en positivo.

Quedan las almas atrapadas en los solares?

En todas las casas quedan los recuerdos de sus habitantes, los fantasmas de su presencia. Quedan sus recuerdos. 

¿Y en los solares? 

Si nos convertimos en almas y no queremos movernos del último lugar, ¿permanecemos allí aunque se transforme?

Y la hoja se secó para volar más fácil


Amarillo lima

Verde fondo teatro

Siena tostada

Blanco ala de mosca

Marrón cerezo

Verde botella sidra

Una suma excesivamente acompañada

No siempre podemos razonar lo que vemos. Una suma con más de 50 años es una suma imposible. ¿Qué pretendía sumar? Ya nunca lo sabremos. Una suma no es legible pues no se puede razonar. Son simples números vacíos.

¿Hay algo más? No.

25.2.18

Algo más que un gusano en una pared


Sabores gusanos, intentos por picar en el anzuelo como pez despistado. Tomates rojos fritos y dispuestos para el cocido de verduras. Una pared. Algo más. 

¡¡Saaabor!! 

Unos ojos atentamente dispuestos a mirarnos.

24.2.18

Dudar es de dudosos. Eso como poco


Siempre dudamos, incluso para los asuntos más leves. En la duda está la selección y con ella a veces el camino correcto o el fracaso. Dudar es de humanos que tienen dos posibilidades y las dos les parece casi igual de buenas. Los que no ven tanto, esos…, esos no dudan.

Animales artistas del caos, capaces de hacer líneas

A veces el caos animal te lo encuentras tras cualquier puerta vieja. Esto sucede por meterme donde no me llaman. 

Tras inspeccionar bien las huellas del destrozo, no he sabido identificar al violento artista de las líneas rotas. 

Estoy entre unos ratones que no querían papel de libro y sí de cartón de archivador, o bien unos gatos con ganas de arañar para afilarse las armas. Llamaré al CSI.

23.2.18

Es revolucionaria. Pero es muy simple

Prohibido prohibir, decían algunos jóvenes locos que enseguida se hicieron mayores. Ahora está prohibido no prohibir, incluso es recomendable prohibir para sentirse útil. 

Así que si nos encontramos una obra de arte como esta, sin duda, hay que llevarla a ARCO. Es revolucionaria. Es literatura de la buena.

Qué es ARTE y cuando algo es ARTE?

Como estamos en tiempos de censuras, siempre hay personas (y más ahora) que se preguntan y lanzan incluso sus propias respuestas al aire sobre qué es (para ellos) el ARTE y qué debemos concebir como ARTE, intentando adoctrinar y acotar la actividad artística, sin darse cuenta que el arte es inmenso. El ARTE puede estar en el cielo, pero hay cielos que son una mierda y no nos dicen nada. No todo es arte, pero muchas cosas son arte y no sucede nada por ello.

Sin duda alguna la obra censurada en ARCO es (hoy) ARTE, lo que tal vez nos puede llevar a pensar que hace una semana, antes de ser censurado, no fuera ARTE, sino algo más banal. Un trabajo que sin leerlo nos pasaría desapercibido. Y cualquier creación que pasa sin pena ni gloria, no es ARTE. Al menos ya hemos dicho qué NO ES ARTE. Sigamos.

¿Qué es ARTE y cuando se es ARTE?

Una actividad o un producto que sea capaz de motivar, de provocar, de comunicar, de resultar estético, bello o agradable, de incluso ser horroroso y que se salga de lo lógico, puede y debe ser ARTE.

Y como todo en la vida, hay ARTE bueno o ARTE malo, hay arte agradable y arte muy desagradable. ¿Quien dijo que el arte (todo el arte) tiene que ser válido, algo a tener en cuenta?

Para hacer arte podemos emplear nuestras manos, nuestras ideas, nuestra formación o incluso nuestra mala hostia o nuestra particular forma de ver la sociedad. El arte es parte de nuestra cultura y por eso va cambiando, se transforma, tiene el valor de la intemporalidad, y por eso es posible que dentro de unas décadas o siglos, el arte actual sea considerado una mierda, o incluso que sea considerado otra mierda el arte religioso y repetitivo de la Edad Media. No lo sabemos. No tenemos ni idea qué pensarán de nosotros o de los renacentistas o egipcios en el siglo XXX. Si es que queda algo de todos nosotros.

Transmitimos ideas con el ARTE, pero también malas babas, quejas, críticas o simplemente decoraciones. Los que critican al ARTE lo adoran mucho más que los que nos dedicamos a crearlo. Para muchos de nosotros el ARTE es parte de nuestra forma de ver. Simplemente eso. Sea escribiendo, creando música, pintando o dibujando, creando obras teatrales o de ballet o simplemente provocando. Ojo, cuidadín, que provocar a muchos no es fácil. Provocar a una persona sí, provocar a miles de personas es todo un ARTE.

Durante muchos años el ARTE se empleaba para crear fieles, para casi obligar a leer a los que no sabían leer. Para meter miedo con los demonios. Y hoy nadie duda de que aquellas obras son arte. Como es arte lo que los prehistóricos dejaron escrito en las paredes de las cuevas empleando sus dedos. No se nos tiene que romper la crisma por pensar que eso es arte, como lo es construir platos de tortilla deconstruida. El ARTE también se puede comer.

Pero lo más curioso es que si tú, como espectador o como ciudadano, no quieres que eso sea ARTE tampoco pasa nada. El ARTE lo es por tí, para tí. Eres tú quien lo construye con tu mirada. No es obligatorio leer una novela o ver un cuadro. Tampoco lo es que lo consideres ARTE. Yo no te obligo. Así que al menos, no me obligues a mi a NO considerar ARTE lo que me da la real gana que sea ARTE. Si yo considero ARTE algo que tú no consideras arte, no sucede nada. El ARTE puede ser ambivalente, incluso debe ser las dos cosas a la vez. SÍ o NO.

Si como persona haces cualquier actividad con ganas de que trascienda, eso es ARTE.

Si te estás “expresionando”, y lo haces bien y con ganas de hacerlo mejor todavía, y logras impresionar o provocar, hacer dudar o sonreír, realmente estás haciendo ARTE. Pero no te preocupes, eso no quiere decir que vayas a pasar a la historia.

Todos hacemos arte, la inmensa mayoría ni nos damos cuenta. Pero no todos somos capaces de recortarlo, mostrarlo a los demás y provocar con ello “algo”. Muchas veces el ARTE es simplemente encuadrar, parar el momento, elegir el punto de vista, entregar limpio de polvo y suciedad algo muy elemental y que separado de su hábitat común se convierte en “otra cosa”. Incluso es ARTE simplificar tanto, tanto…, que hemos convertido un árbol en dos manchas cuadradas, una negra y otra roja. Simplificar también es ARTE.

Arabella Dorman y su instalación "Suspendidos"

La artista británica Arabella Dorman ha presentado hasta mitad de mayo de 2018 en la catedral de Canterbury, Inglaterra, una instalación suspendida del techo con 1.400 artículos de ropa de desecho, que ha encontrado en las playas de la isla griega de Lesbos y que habían sido utilizadas por refugiados que deseaban llegar a Europa jugándose su vida.

La obra estará suspendida tres meses sobre el suelo, y se compone también de una iluminación central que representa la luz de la esperanza frente a la sombra que van emanando las propias ropas hacia el exterior de la instalación.

La muy conocida fotógrafa Arabella Dorman dijo: “Mi interés radica en los hombres, las mujeres y los niños detrás de los titulares, las historias individuales detrás de la política. Trato de iluminar y revelar el rostro humano del conflicto, y para encontrar la luz en los rincones más oscuros de la existencia “.

Arabella Dorman es sobre todo retratista de guerra, muy reconocida y respetada en todo el mundo, y sobre todo desde las Fuerzas Armadas, la iglesia e instituciones públicas y privadas inglesas, pues sabe reflejar desde los propios campos de batalla la dureza de las situaciones personales en los campos de conflicto, donde todos son en realidad víctimas de guerras que ni los soldados ni los civiles han provocado. Las guerras nacen y crecen en despachos, no entre el barro y el hambre.

Nosotros también, Antonio

La última viñeta de Antonio Fraguas, Forges, publicada hoy en El País.

— Nosotros también, Antonio

Mezclando todo se puede hacer una sopa. Incluso triste

Está todo tan revuelto, que con cualquier cosa se puede hacer sopa y parecer una deconstrucción moderna. Por si hay duda se puede emplear la posverdad como aderezo.

La culpa no es de Aristóteles

Cuando leí La Política por primera vez me la creía. Ahora la empleo para tomar apuntes. Ya no queda nada de aquella ilusión inicial. Y la culpa no es de Aristóteles.

22.2.18

Mi Quijote es a colores, pero ya no lo entiendo

No he podido escribir El Quijote, ya estaba escrito. pero en cambio sí he podido escribir sobre El Quijote. Por algo se empieza. 

Se ha muerto Forges. Se ha ido a su isla desierta

Se nos ha muerto Antonio, el Forges, el que decoraba con su sabiduría casi lo único serio de la página de la Editorial de El País. Forges era más que un artista del dibujo y la micro literatura, era un cirujano de la sociedad, un tipo que se las sabía casi todas. Bueno en realidad no ha muerto para nosotros, lo ha hecho para su familia. Para nosotros nos sigue quedando su gran obra.

21.2.18

Susana Vacas y sus diminutas figuras

La artista Susana Vacas interviene en el rincón de CUBIT de Zaragoza, el Córner MIZ, con un bosque de figuras gamelán. Nacemos chiquitos, y aunque nos movemos enseguida, vivimos rodeados de paredes, de techos, detenidos, imposibles de fugarnos. Así que convertirnos en un acetato recortado era sencillo para Susana Vacas, simplemente había que mirar hacia dentro y buscarnos. 

Somos como marionetas que flotamos en el aire, sobre nubes sin forma ni color, como títeres movidos por no sabemos bien qué energía.

Somos pequeños, somos objetos y somos juegos. 

Como pequeños granos de arena de un mar que no somos capaces de ver nunca. Debe ser tan inmenso que no lo adivinamos. Pero nos contiene. Pero sin los granitos de arena, el agua no se contendría y se saldría de su espacio. La arena es necesaria, aunque seamos la suma de pequeños granitos diminutos.


European dream, peligrosa escultura no censurada

Dice el artista zaragozano Alejandro Monge en la edición de Heraldo que “El dinero es el dios de la sociedad contemporánea y mueve la vida de mucha gente”, y no lo han censurado como a su compañero artista, Santiago Sierra. Es mucho más peligroso lo que nos dice Alejandro Monge. Mucho más.

El caso es que este zaragozano expone a la venta en el stand de la Galería 3 Punts en Art Madrid. Y además lo hace con una obra titulada “European dream” que es una escultura de miles de billetes de euro, rescatados de un incendio. El valor del dinero, incluso quemado, manchado, es inmenso.

Y encima Alejandro nos viene a decir que el dinero son en realidad horas de trabajo. Es decir, simplificando, el dinero son horas de vida. Nos compran vida con los fajos de billetes. Bueno, en realidad con ceros y uno que nos apuntan en unos papeles.

Que sepamos que es un trabajo inmenso, laborioso e impresionante. Y que es un artista zaragozano con mucho futuro. Pero cuidado, es peligrosísimo, habla de dinero y de trabajo. ¡¡Uff!!


España vuela a 1950 Censura en ARCO

La censura vuelve a España para vergüenza de todos y se explaya hacia el mundo desde ARCo en Madrid, que sale tocado cuando no hundido en su prestigio. La obra de Santiago Sierra: 'Presos políticos', que se iba a exponer en ARCO Madrid 2018, ha sido retirada del stand de la galería Helga de Alvear, donde se exponía, el mismo día de la inauguración. Por su parte desde la institución ferial Ifema, en cuyos pabellones se desarrolla la feria a partir de hoy, aseguran que lo solicitan porque "la polémica suscitada perjudica la visibilidad del resto de obras de la feria de arte".

La obra se componía de 24 fotografías pixeladas digitalmente y con una breve explicación de los motivos por los que habían sido encarcelados los personajes retratados. Todas las personas que aparecen en la obra no tienen nombre, sino asignado un número. Sin embargo, los pies de cada foto son lo suficientemente explicativos como para que se pueda adivinar de quién se trata. Se vendía en 80.000 euros y efectivamente, ya está vendida.

ARCO es una feria, un mercado de arte, un lugar para comprar y vender. ¿Por qué se solicita retirar una obra de arte de un reconocido fotógrafo, de un mercadillo de obras de arte? Pues la respuesta ha sido muy simple.  
Excesivamente simple. “La exhibición de estas piezas, está perjudicando la visibilidad del conjunto de los contenidos que reúne ARCO Madrid 2018".

Lo que ha perjudicado los contenidos de ARCO 2018 es la retirada de una obra artística por censura, de un mercado de arte. Puede no gustar, puede que no sea tan importante como para que salga en todos los medios de comunicación del mundo. Pero ahora ya le han hecho los tontos de la sociedad, la propaganda que tal vez no se merecía. Estamos imbéciles y nos acercamos a una velocidad que da miedo al año 1950. O a 1940.


Colgajos con sangre de nariz


Siena madera

Verde oliva cascada

Crema de pies ténues

Azul cobalto claro

Verde esmeralda lavada

Rojo sangre de nariz

20.2.18

Un estudiante descansando de estudiar. Obra a ocho menos

De la nueva Facultad de Económicas de Zaragoza he recogido esta sección de una obra grande que cubre casi toda una pared. Creo que está pintada o creada a ocho manos, pero no lo sé seguro. Esta sección, de un joven estudiante descansando en un banco, me ha gustado tanto en esa sensación como en su tratamiento pictórico, sencillo, suave y moderno.

Ella Fontanals-Cisneros y el Arte Contemporáneo iberoamericano

La mecenas y coleccionista cubana, venezolana y española Ella Fontanals-Cisneros posee una de las colecciones privadas más importantes del mundo de arte contemporáneo latinoamericano y de fotografía. Y está a punto de cerrar un acuerdo con el Ministerio de Cultura de España para ceder parte de su obra y pueda ser expuesta de forma permanente en el Edificio Tabacalera, muy cercano al Museo Reina Sofía de Madrid, para poder abrir en el 2020 una ampliación o un nuevo espacio expositivo de gran calidad en Arte Contemporáneo, en Madrid y formando sinergias con el Reina Sofía.

Vendría a llenar un hueco que aunque representado, no lo está en toda su amplitud y calidad, como es el Arte Contemporáneo y Moderno de Iberoamérica. Una excelente noticia que ampliará la famosa Milla del Arte de Madrid, con apoyo desde el Ayuntamiento de Madrid, y sin duda del Gobierno de España, que sabe de la importancia de impulsar más si cabe toda esa zona madrileña, casi única en el mundo.

En la imagen parte de la fachada del Edificio Tabacalera de Madrid.

Huir lentamente sigue siendo huir

Quiso huir de las manchas, pero caían excesivamente rápidas sobre él. Así que se desplazó lentamente para que no se notara que escapaba. Nunca sabremos si al final las manchas le alcanzaron por detrás.

19.2.18

Miró, Gargallo, Magritte, Hugnet. Vaya décadas

Unas hojas del libro de Joan Miró “Érase una pequeña urraca” con unas ilustraciones pintadas en el año 1928 nos ofrece una mirada de libro de artista de un genio joven, con 35 años, que mezclaba la literatura y la ilustración. Ya era muy reconocido, había expuesto en Europa varias veces, dejaba de trabajar en el estudio taller de Pablo Gargallo en París y se había trasladado a Bélgica a conocer sobre todo la obra de René Magritte y a entablar amistad con el genio belga.


Por aquellos años el artista y poeta Georges Hugnet, surrealista como Magritte, dijo de Miró: Miró ha querido asesinar la pintura, la ha asesinado con medios plásticos, mediante una plástica que es una de las más expresivas de nuestro tiempo. La ha asesinado, quizá, porque no quería doblegarse a sus exigencias, a su estética, a un programa demasiado estrecho para dar vía libre a sus aspiraciones y a su sed.

Rojo peligroso de mirar. De comer, ni te cuento


Amarillo bandera

Rojo sexo

Verde botella

Ocre siena

Rosa tapiz

Verde haba

La música para bebés y niños es un ARTE

La música sería uno de las artes más cercanas al nacimiento. Dicen que los fetos, antes de nacer, ya entienden de música, la escuchan y reaccionan. Antes de que un niño sepa utilizar un lápiz para escribir rayas, ya lo utiliza para hacer sonidos.

Así que unos cuentos que muestran fracciones de música clásica con el dedo del bebé tocando un botón, es un lujo. Sobre todo si se tematizan por autores o por temas.

Fijaros en esta hoja de un cuento. Tocando abajo a la derecha, en una zona rugosa, suena una fracción de la Sonata número 16 en C major de Mozart. E invita al niño que sepa leer o al que le cuenten lo que pone en el texto, a…, hacer tonterías. Esto es arte del precioso ¿no?

18.2.18

Hablando de la belleza y del arte. Cuatro sabios

La música es el alimento terrestre más bello. La música es esencial. Igual que reclamo al cubismo como padre. Por la música y por el cubismo entiendo esa intuición tan hermosa de Platón: «Lo bueno es aquello que enseña la belleza de lo simétrico». Martín Chirino.

La belleza es aquella idea que al relacionarse con las cosas sensibles hace aparecer a la idea en cuestión como deseable. Su característica fundamental es la luminosidad, y su función la de despertar el amor, la vía que lleva al conocimiento del “bien” mismo. Platón.

No es la simetría o la proporción de los cuerpos lo que les aporta belleza; hay muchas cosas que son simétricas pero no por ello son bellas. Las cosas de este mundo son bellas en cuanto participan del modelo de Belleza. Lo feo sería todo aquello que no participa de una idea, de una razón, o lo que está muy alejado de esa idea, que no siguió el modelo arquetípico. El alma es capaz de reconocer todas las bellezas, incluso la belleza de los cuerpos. El alma, cuando ve algo bello, se siente atraída por ello, lo acoge, lo integra a sí misma; en cambio, si tropieza con lo feo, se aleja, reniega de ello porque no sintoniza. El alma procede de una esencia superior, y cuando ve cualquier cosa que se parece a ella, aunque sea una huella, una sombra, vibra en sintonía con eso, lo atrae hacia sí y se acuerda de sí misma y de lo que le es propio. El alma, en función de lo despierta que esté, es capaz de ver la idea que está oculta en las cosas sensibles bellas. Estas están gobernadas por una medida numérica, no en cualquier proporción, sino en la que esté de acuerdo con la acción dominadora de la idea. Plotino.

Es bello lo que es valioso por sí mismo y a la vez nos agrada, lo que es apreciado por sí mismo y nos proporciona placer o admiración, sin importarnos si es útil o no. De este modo, todo lo bello es bueno pero no todo lo bueno es bello, sino solo lo que a su vez es agradable.
Las cualidades que deciden sobre lo que es bello son su orden y la dimensión. Orden es la disposición adecuada, la forma con moderación. La proporción hace a las cosas bellas no porque sean perfectas en sí, sino porque se ajusta a la naturaleza y al objetivo de las cosas.
La dimensión es en este contexto que otorga la medida apropiada para cada objeto. Los objetos grandes gustan más que los pequeños pero los objetos bellos no pueden ser excesivamente grandes. Solo puede ser bello lo que es perceptible para los sentidos y la razón. 


El arte es una actividad humana que se diferencia de la naturaleza, y reside en un proceso de producción y no en lo que ya existe. Cada arte es una producción, pero no cada producción es un arte: solo lo es la producción basada en el instinto más el conocimiento. El ejercicio es esencial: el arte puede y debe ser aprendido, pero también son indispensables las capacidades innatas adquiridas mediante la experiencia. La habilidad requerida se obtiene con la práctica. El ejercicio es esencial: el arte puede y debe ser aprendido, pero también son indispensables las capacidades innatas. Aristóteles.



Cada uno puede elegir lo que quiera

A veces el arte no tiene nada que ver con los sabores, incluso ni con los colores. Tampoco con las texturas por obligación. En este platito ha juntado 4 colores, 4 sabores y 4 texturas. La mezcla de todos ellos pude crear decenas y decenas de pequeñas combinaciones.

Rojo, amarillo, verde y negro.

Picante, dulce, agrio, ácido.

Crujiente, líquido, blando, duro.


Podría ser que alguno fuera caliente y otro muy frío. Dos de ellos tienen cáscara, piel otro. Y a partir de todos estos elementos lo que tenemos es una posibilidad de construcción. Cada uno la podemos entender como queramos. Incluso asquearse con ella, sentir náuseas, disfrutar de una parte, rechazar el resto o mezclar los cuatro elementos hasta formar una masa gris o amarronada.

Nadie nos obliga a comérnoslo con los ojos. Nadie a que lo admiremos o a que nos guste. Tampoco a que lo odiemos. Todo lo que a partir de este momento suceda con estos cuatro elementos dependerá de cada uno de nosotros. Podemos escribir decenas de relatos, de cuadros o fotografías. O ninguna.

Yo por ejemplo me quedaría con los brillos del platito de cristal. Cada uno puede elegir lo que quiera.

17.2.18

El futuro no es lo que sucederá


El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que estamos haciendo ahora entre todos. 

Si quieres vivir el futuro, dedícate a trabajar el presente edificando ahora, lo que quieras para luego.


La levedad del interior que no imaginamos

Creo que nadie se puede asomar, pero hay tal exceso de posibilidades que uno ya duda.


Me gustaría verlo desde dentro, para saber si los peatones también se ven azules y con cuadros, como sucede desde fuera.


Estoy seguro que dentro es todo con menos posibilidades de agradar la vista.

Juan José Millás podría ser un pájaro

El genio de Juan José Millás ha publicado la novela ‘Que nadie duerma'. Él no. Él si acaso las sueña y las intenta escribir. 

Os dejo una pregunta y respuesta suya, de una entrevista de El País.

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¿Podríamos decir entonces que, como el personaje de la novela ‘Que nadie duerma', en cierto modo Millás se ha vuelto pájaro?

Sí, porque la novela en parte es producto también de un momento en el que empecé a leer cosas sobre pájaros; me quedé fascinado por ese mundo tan poco conocido, de su inteligencia, y supe que hay gente rara que son observadores de pájaros, que viajan, emigran con los pájaros buscando comportamientos. En cierto modo me he convertido en pájaro escribiendo esta novela.
De pájaro tengo la nostalgia de no haber sido pájaro. Tengo un cuento, quizá real, en el que digo que un día me llevó mi padre a la sierra de Madrid. Volvimos al atardecer, paró en un sitio, nos quedamos mirando en ese momento en que la tarde parece que se detiene, un poco en penumbra. Y mi padre dijo: “Cuando yo no esté, te pares en un sitio como éste y cuando veas un pájaro, ese pájaro seré yo”.

16.2.18

Y si no estamos aquí, o incluso no estamos en ningún lugar?

Ni sabemos bien hacia donde vamos, ni tan siquiera desde donde venimos. Nos lo creemos todo, pues nos han enseñado a mirar de una forma determinada

Pero igual no es cierto nada.

De lo que estoy seguro es de que hay muchas formas de mirar y la mayoría ni las conocemos.

15.2.18

(·nt·) ENTE de Ernesto Sarasa. El mundo en Zaragoza

A Ernesto Sarasa lo conocí, creo, entrando por la puerta de Brut Scanner. Recuerdo que vino presentado por alguien. Y durante unos años encajamos entre profesionales diferentes (él era cliente y yo proveedor), pues sus trabajos eran distintos al de mis otros clientes, ordenados, limpios, suaves, algo blandos y dulces, pero contrastaban muy bien con él, que en aquellos años viejos, era exigente y sabía bien qué quería. Ya entonces sabía que dentro había un gran artista.

Han pasado unos 25 años o más, y me lo vuelvo a encontrar en Etopia de Zaragoza, en una exposición contundente, dura, nada pastelosa, moderna y rompedora, excelente y espléndida.

(·nt·) ENTE es una instalación para entrar y soñar. Para dejarte llevar por la música y la imagen en pareja y sin molestarse nada. Para dormirte entre sueños de otro siglo tal vez por venir. Para admitir que estás formando parte como espectador y actor secundario de un juego artístico que está a la altura de lo mejor que hoy se hace en el mundo.

Ernesto Sarasa me ha sorprendido gratamente. O no. No estoy seguro, pues podría darme pena que se impusiera ese mundo oscuro aunque esté lleno de almohadas para descansar. Si hace 25 años me hubieran preguntado por Ernesto Sarasa y su siglo XXI y sus artes, hubiera dicho que lo veía amable, con mucha luz y poco color pero muy bien elegido, con nada de negro. Con sonrisas y suavidades contundentes.

Pero el ARTE es lo que tiene, que a la vez que transforma sociedades, nos va transformando a todos nosotros.

La instalación me ha gustado, y está en línea con lo mejor que se puede ver por New York o por Europa, que serían los focos en los que todos caemos. Pero el vídeo de la entrada a la sala me ha parecido excepcional. Ese vídeo tiene mil posibilidades a tamaño grande, o más todavía en directo y en vivo. Gonzalo Catalinas dejado llevar por Ernesto Sarasa, me ha parecido un ente capaz de llevarnos a otra mirada, a otro mundo cada vez más posible.

Tinta china con pluma estilográfica a dos colores

La tinta china tiene muchas posibilidades artísticas, no solo es un elemento para escribir. Tanto la tinta auténticamente china realizada con materiales naturales como la que podemos encontrar de diversas marcas de calidad para plumas estilográficas.

Como un elemento líquido, podemos mezclarla ligeramente entre los diversos colores de tinta, aguarla hasta obtener diversos tonos, o emplearla tal cual viene en los botecitos.

Y la podemos utilizar con las propias plumas estilográficas, con plumines antiguos de diverso calibre y forma, pero también con pinceles o con plumas realizadas por nosotros mismos con cañitas, con plumas de ave a las que les haremos punta o incluso con ramas secas o palitos secos de diferentes grosor y dureza.

Un dibujo a tinta es un ejercicio muy fácil para aprender a dominar la mano. Permite mezclas con aguadas, con incluso acuarelas, añadir detalles con bolígrafos o con tintas de distinto color y aplicada con diferentes herramientas. Cada uno podemos practicar con diversos elementos, sin descuidar que también el papel condiciona los resultados finales, por grosor o textura o grano.

Os dejo un ejemplo rápido de un simple dibujo de un árbol, realizado con dos tonos de tinta china, con pluma estilográfica pura. Luego tiene un leva añadido de aguada de colores.

14.2.18

Alberto Arni. La ilustración musical en blanco y negro.

La ilustración juega con el humor, con la publicidad, con la literatura, con el dibujo y el color, para crear sensaciones variadas. Como muy variadas pueden ser las técnicas que se utilizan hoy en día. Digitales o de arte tradicional, para plasmar ideas e incluso reflexiones.

5 pointz o el debate del arte efímero

Los grafitis en New York ya no son lo que fueron. Todo evoluciona y ahora es más complicado encontrarlos por las calles más conocidas. Hay que ir a algunos barrios como Queens, uno de los distritos latinos y de jóvenes familias inmigrantes que siguen trabajando la pared. O buscar por debajo de puentes o de zonas poco transitadas.

Este edificio llamado artísticamente “5 pointz” (5 puntos o cinco barrios de la ciudad, desde donde venían músicos a ensayar) fue una fábrica de componentes musicales hoy abandonada y convertida en un gran lienzo turístico a donde acudían millones de turistas a ver el arte neoyorkino del grafitti.

En total se calculan en más de 350 murales distintos pintados en sus paredes, que iban cambiando con el tiempo, pues el arte callejero es efímero, como muy bien saben los que lo practican.

El dueño del edificio decidió demoler todo aquello y empezó por pintar de blanco el edificio destrozando las obras de arte, y los artistas interpusieron una demanda en 2003 (bajo la ley de derechos de artistas visuales, que protege de la destrucción intencionada o negligente de cualquier trabajo) que ha sentado precedente en New York pues ganaron y se les tendrá que indemnizar con casi 7 millones de dólares.

¿De quien es el arte callejero si es que es de alguien? ¿Qué es más importante, el espacio, el lienzo o las pinturas que contiene? ¿Puede llegar a ser un bien público el arte callejero? ¿Qué quedará dentro de dos siglos del arte del aerosol hecho en la calle para no ser conservado?


13.2.18

Somos tan débiles que no nos podemos comer los colores

Ninguno de los dos elementos está libre de pecado para ser mordido con ansiedad. Tú mismo. Elige. Pero con ambos irás al infierno. 

El más pecaminoso es la manzana. Si estás acompañado. 

Pero si estás abandonado a tu suerte, morder el cactus te puede dejar la boca hecha una mierda. 

Lo mejor es mirar es reconocer que somos débiles.


Qué es y para qué sirve el teatro?

Pocas veces hemos hablado del teatro, una de las artes más antiguas que existen y con buena vida. Y no es por falta de disfrute propio como espectador o incluso por alguna osadía personal con teatro leído. 

Pero no siempre es sencillo lograr imágenes que ilustren sensaciones de vida, en el teatro de los sentimientos.

La compañía Tranvía Teatro nos ha dejado este hermoso símbolo de máscara como ejemplo del teatro más real, del que se esconde dentro de personajes de carne y hueso que se tienen que creer sus vidas durante dos horas, para lograr que se las crean también los espectadores y, todos juntos, rían o lloren a la vez con la tragedia fingida.

¿Cómo podríamos creer en la vida de otros, en nuestra propia vida y sus circunstancia, sin esa capacidad de comparar que tiene el teatro? Son parábolas de vida, de cuando nadie sabía leer. O para cuando nadie quiere leer.