Una ventana de la artista zaragozana Pilar Moré

La artista zaragozana Pilar Moré nos deja en esta ocasión "La ventana" realizada en técnicas mixtas, para disfrutar de sus miradas, de sus obras, de sus formas a veces usaves, a veces agresivas y rotas, contundente sobre su propio espacio. Una ventana que como muchas de ellas muestra y deja mirar, sirve para mirar y para ser visto, para ver y para que te vean. 

Cuando digo "que nos deja" quiero decir que nos ofrece, nos muestra, nos entrega como espectadores para que contemplemos sus trabajos. 

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The artist Pilar Moré from Zaragoza, on this occasion leaves us "The window" made in mixed techniques, to enjoy her looks, her works, her sometimes soft, sometimes aggressive and broken forms, forceful on her own space.

A window that, like many of them, shows and lets you look, serves to observe and to be seen, to see and to be looked at.

When I say "that she leaves us" I mean that she offers us, she shows us, she gives us as spectators so that we can contemplate her work.

Crear es descubrir, es ilusionarte con algo nuevo, es inventar y explorar

Crear es descubrir, es ilusionarse con algo nuevo, es inventar y explorar, es adentrarse en un nuevo mundo que está creando desde la nada o desde la modificación. Crear Arte es dejarse sorprender, y sobre todo es entrar a construir en un mundo que desconoces y que lo vas explorando según avanzas. 

Normalmente entendemos lo que conocemos bien, pero el acto de Crear Arte es explorar nuevas opciones desde lo conocido, buscando algo nuevo, transformando lo conocido. 

Para sorprender, lo primero es quedar sorprendido tú. 

Y la sorpresa puede venir de cualquier punto de vista, desde el cambio de lo establecido, desde la utilización de una técnica nueva. 

No te preocupes en crear algo maravilloso, sino en crear algo nuevo, descubrir nuevos caminos, sorprenderte tú mismo. Luego con el tiempo, a veces con las horas, decidirás si eso nuevo merece la pena mostrarlo o es mejor destruirlo. 

Déjalo que respire y luego decide.

La escultura que vemos es de Joan Miró y se encuentra en las calles de New York.

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To create is to discover, it is to get excited about something new, it is to invent and explore, it is to enter a new world that you are creating from nothing or from modification. To create Art is to be surprised, and above all it is to enter to build in a world that you do not know and that you explore as you advance.

Normally we understand what we know well, but the act of Creating Art is to explore new options from the known, looking for something new, transforming the known.

To surprise, the first thing is to be surprised yourself.

And the surprise can come from any point of view, from the change of the established, from the use of a new technique.

Don't worry about creating something wonderful, but about creating something new, discovering new paths, surprising yourself. Then over time, sometimes with hours, you will decide if that new is worth showing or is better destroyed.

Let it breathe and then decide.

The sculpture we see is by Joan Miró and is found on the streets of New York.

La Estatua de la Libertad es un icono de todos. No es solo de EEUU

 

Hay iconos con los que vivimos sin pretenderlo, señales de que algo superior existe, como es la libertad o la religión, la justicia o la sociedad, el amor y la familia. Da igual si podemos abrazarla o no, sabemos que existe y si convertimos en icono el deseo, aunque nos parezca lejano, sabemos que existe. 

EEUU no es marchamo de libertad, pero da igual eso, pues ese Nuevo Mundo que musicalizó Dvorak sigue existiendo en el interior de estos siglos. Da igual si está muy lejano. 

Necesitamos creernos lo que nos han dicho que existe como icono, necesitamos verlo sin verlo, para admitir que existe al menos. 

Y si se tiene la oportunidad de observarlo de cerca, de tocarlo incluso, da igual si está en un país sin justicia racial o social, pues este icono pertenece a una generación y a unos siglos determinados. 

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There are icons with which we live without intending it, signs that something superior exists, such as freedom or religion, justice or society, love and family. It does not matter if we can embrace it or not, we know that it exists and if we make desire an icon, even if it seems distant, we know that it exists.

The US is not a hallmark of freedom, but that doesn't matter, because that New World that Dvorak set to music continues to exist within these centuries. It does not matter if it is far away.

We need to believe what we have been told exists as an icon, we need to see it without seeing it, to admit that it exists at least.

And if you have the opportunity to observe it closely, even touch it, it does not matter if you are in a country without racial or social justice, because this icon belongs to a certain generation and centuries.

Pongamos que estos maderos miran a la Estatua de la Libertad

"La poesía es la expresión de la belleza mediante palabras combinadas con arte” - José Luis Borges

¿Y si el Arte Contemporáneo fuera solo una forma de mirar?

Es muy posible que esta explicación de una viñeta de MAX sea el punto de vista del Arte Contemporáneo más acertada. El personaje se asombra ante una exposición de Piet Mondrian y decide comprarse una escuadra y el cartabón, pero de regreso a su casa se encuentra con una exposición de Jackson Pollock y entonces cambiarlo todo por el color revuelto, por las formas, por los brochazos "no rectos" o si, por el anti dibujo para que el siempre se necesita saber dibujar muy bien. 

No hay que olvidar que por ejemplo —como muchos otros— Piet Mondrian aunque lo conocemos mucho más por sus obras geométricas tiene cuadros en los que demuestra que sabe dominar excelentemente la figuración, por ejemplo en un cuadro titulado "Cesta con manzanas".

La distancia entre Mondrian y Pollock no es tanta. Buscan sintetizar, impresionar, simplificar incluso la capacidad de minimizar los huecos entre espacios, las formas, el color. 

Abajo dejo la "Cesta con Manzanas" de Piet Mondrian y una de sus clásicas obras geométricas.

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It is quite possible that this explanation of a MAX vignette is the most accurate point of view of Contemporary Art. The character is amazed at an exhibition by Piet Mondrian and decides to buy a square and the bevel, but on his return home he finds an exhibition by Jackson Pollock and then decides to change everything for the mixed color, for the shapes, for the brush strokes "not straight" or yes, because of the anti drawing so that he always needs to know how to draw very well.

We must not forget that for example -like many others- Piet Mondrian, although we know him much more for his geometric works, has paintings in which he shows that he knows how to master figuration excellently, for example in a painting entitled "Basket with apples ".

The distance between Mondrian and Pollock is not that long. They seek to synthesize, impress, simplify even the ability to minimize the gaps between spaces, shapes, color. 

Below is Piet Mondrian's "Basket of Apples" and one of his classic geometric works. 

Nos pueden doblar, pero doblegar es más difícil

Un hierro doblado nos indica la capacidad que todos tenemos de adaptarnos a las fuerzas extremas de los elementos básicos, el fuego, el agua, el viento, la fuerza exterior que nos doblega aunque no nos guste. Pero muchas veces, doblados, somos incluso más hermosos que antes, y podemos seguir estando izados sobre el aire marcando espacios y deseos. Porque nos doblen no nos doblegan, si acaso nos cambian de forma.

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A bent iron indicates the capacity that we all have to adapt to the extreme forces of the basic elements, fire, water, wind, the external force that bends us even if we do not like it. But many times, folded, we are even more beautiful than before, and we can continue to be hoisted on the air, marking spaces and desires. Because they bend us, they do not bend us, if they change us in shape.

Diego Rivera no siempre fue muralista de contenidos políticos

El artista mexicano Diego Rivera es reconocido sobre todo por sus enormes murales distribuidos por América con un claro mensaje reivindicativo de los humildes contra el Poder, sobre todo en sus primeras décadas de arte y luchas contra lo establecido, aunque en las últimas épocas de su vida se le acusó de lo contrario. Y sí, también es conocido por ser el marido de la artista Frida Kahlo, pero aquí intentamos hablar de Arte.

Esta obra es un cuadro titulado "La jarra" del año 1917 en una época en que Diego Rivera estuvo por europa aprendiendo técnicas, sobre todo cubistas y con fuertes colores basándose en trabajos de Pablo Picasso, Juan Gris o Georges Braque. Periodo en el que trabaja sobre todo con colores puros, vivos y fuertes de color en línea con los trabajos de Juan Gris, sin olvidar que los detalles se podían resolver con técnicas puntillistas.

Esta obra se conserva en el Museo Reina Sofía de Madrid.

The Mexican artist Diego Rivera is recognized above all for his huge murals distributed throughout America with a clear message of protest from the humble against Power, especially in his first decades of art and struggles against the establishment, although in the last stages of his life he was accused of the opposite. And yes, he is also known to be the husband of the artist Frida Kahlo, but here we try to talk about Art.

This work is a painting entitled "The jug" from 1917 at a time when Diego Rivera was in Europe learning techniques, especially cubists and with strong colors based on works by Pablo Picasso, Juan Gris or Georges Braque. Period in which he works mainly with pure, vivid and strong colors in line with the works of Juan Gris, without forgetting that the details could be resolved with pointillist techniques.

This work is kept in the Reina Sofía Museum in Madrid.

Käthe Kollwitz y un autorretrato en xilografía

La artista alemana Käthe Kollwitz hizo este Autorretrato como parte de sus trabajos de xilografía y grabados. La dulzura que se logra en los grabados de muy diversas técnicas no está en sus trazos, que suelen ser duros y rotundos a veces, sino en su proceso pues siendo largo y de diversas técnicas que se juntan hasta lograr el resultado final, te convierten en un artista de laboratorio, de la impresión privada, y nada es más grato que ver salir desde un papel en blanco un ejemplar impreso con tu obra y hecho todo por tí mismo.

Käthe Kollwitz vivió (casi) los años de gloria de todo tipo de grabado técnico, bien en madera, o como litografías y en estos tiempos hay cuatro museos en Alemania dedicados en exclusiva a su obra lo que nos da idea de su importancia como artista global, pues hizo pintura, escultura y grabado entre las últimas décadas del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. Pacifista y progresista supo reflejar los sufrimientos de la mujer en aquellos años tan duros de las Guerras Mundiales en obras que respiran dolor y a veces desesperanza.

La historia de Don Quijote de la China, desde la versión de Lin Shu

Hoy el diario El País nos habla de un libro editado en castellano desde una versión en chino de El Quijote de la Mancha, que un intelectual mandarín tradujo con ayuda pues no sabía castellano y lo adaptó a una obra distinta con textos más familiares para sus culturas y formas de entender el idioma castellano de época en el que está escrito originalmente El Quijote.

Este es el comienzo traducido al castellano de El Quijote escrito en mandarín por Lin Shu: “En La Mancha había un lugar cuyo nombre no es preciso que mencione, Situado a medias entre Aragón y Castilla. En aquel lugar vivía un hombre apegado a las antiguas tradiciones que gustaba de usar lanza y adarga, caballo veloz y perro cazador". Aquel libro lo tituló: La historia del Caballero Encantado, o Moxia Zhuan.

Un Quijote al que Lin Shu apellida Quisada y no Quijano pero del que se sigue manteniendo su espíritu aunque se haya visto mover entre idiomas en unos contextos sin traductores especialistas, hasta que hemos llegado a este momento. Incluso se olvida del original para hacer correcciones de sentido común o adaptados hacia su propio sentir filosófico.

Sin duda este nuevo libro de El Quijote tras pasar por las manos de los chinos será un ejemplo de que lo mismo puede ser también lo diferente, y que las copias de las copias no es que sean mejores, sino que pueden complementar los originales.

En la imagen que vemos arriba podemos observar una ilustración de este libro realizada por el ilustrador Liu Bangyi.

Esoterismo en la obra surrealista del artista argentino Xul Solar

El artista argentino Óscar Agustín Alejandro Schulz Solari más conocido por su seudónimo Xul Solar nos dejó esta obra que se conserva en el Museo Reina Sofía de Madrid, titulada "Contrapunto de montes y Yara", una acuarela del año 1948 de 48 centímetros de ancho en donde se mezcla el surrealismo, el dadaísmo o incluso el expresionismo junto a su propio interés por la religión o las ciencias astrológicas. 

Un paisaje lleno de objetos con el que Xul Solar intenta expresar un esoterismo común, básico, simbólico y silencioso para intentar explicar que todo el universo es común a todos nosotros. Que podemos subir y bajar sin dejar el camino, que las puertas de entrada y salida muchas veces no están a la vista lejana y que solo las podemos contemplar cuando ya estamos encima de ellas, cerca y camino de tomar decisiones.

¿Juega el Arte Contemporáneo con nuestro propio tamaño?

En el Arte actual una de las constantes que más se utiliza sobre todo en instalaciones y escultura es el TAMAÑO como elemento visual diferenciador, como el motivo con el que llamar la atención del espectador. Todos tenemos constancia del tamaño de los objetos cotidianos, pero si vemos una cuerda de dos metros de grosos, o cientos de hilos finos revueltos o un montaje con una piedra de río de seis metros de altura, solo por eso, ya nos llama la atención y la mirada. No se necesita más, que mostrar algo que es inusual, simplemente por el tamaño, por la posición, por la repetición hasta formar un núcleo de muchas cosas comunes.

Comparamos visualmente el tamaño de lo que vemos con el tamaño de lo que realmente creemos que debería tener el objeto, y sin querer nuestro cerebro se admira. Algo se sale de lo habitual y lo valoramos de otra manera. Sería algo similar si para entrar a una exposición tuviéramos que agacharnos para atravesar una puerta de 1 metro de altura o si al penetrar en su interior viéramos una muñeca de 5 metros de altura. Todos estos pequeños trucos visuales intervienen en la mirada del Arte Contemporáneo mucho más que hace unas décadas.

La pintura plana no ha muerto, pero han ido surgiendo nuevas opciones de instalaciones que logran convertirnos en espectadores diferentes. No somos ya la poderosa persona que entra a admirar algo desde la prepotencia de que somos los dueños de la situación y de nuestro tiempo. Ahora podemos vernos apabullados por lo que vemos pues nos sentimos mucho más pequeños o como poco dentro de un espacio extraño donde nada es lo que parece, no es lo que creíamos.

Las cerillas de Claes Oldenburg es un ejemplo, pero también las cabezas femeninas de Jaume Plensa o la silla rota de Daniel Berset de Ginebra, o las otras cabezas en el suelo de Samuel Salcedo. En todos estos casos y ante elementos habituales, somos simplemente unos personajes de la instalación artística que resultamos diminutos y lo notamos. La obra nos apabulla y eso es lo que se busca, hacernos sentir más pequeños para que repensemos qué somos en realidad.

¿Qué es el Hilo de Plata para los artistas?

El arte es inagotable. Pero hay que tener concentración y muchas ganas de trabajar para no perder el hilo de plata, del que hablaba la artista americana Agnes Martin, y seguir buscando a través de esa idea que consideras "buena" para crear alrededor de ella tu propia serie de trabajos. 

No hay que rendirse si se tarda en encontrar es Línea Personal de trabajo original, no es sencillo, y no sirve de nada si aparece la idea y no nos pilla trabajando. 

Hay que estar con todos los ojos interiores del cerebro atentos, para saber cazar al vuelo cualquier idea que nos parezca interesante. Y con ella analizar, explorar, bocetar, ser críticos con sus posibilidades y darle un margen de actuación en positivo.

El "Hilo de Plata" es el camino leve que se abre en un momento dado, y que nos enseña un camino que hay que seguir hasta convertirse en un cordón, en una soga de la que disfrutar y crear a nuestro gusto. Incluso dicen, que algunos llegan a poder vivir de ese hilo de plata que algún día encontraron y decidieron seguir.

La imagen que vemos es una obra de la artista Agnes Martin titulada: "My Back to the World" y creada en el año 1997.

Las Formas en el Arte ayudan a crear emoción y atención

En Plástica y por ello en el Arte, las Formas son imprescindibles. Nuestra vista se tiene que centrar en objetos y la forma de esos objetos —o la forma de esos NO objetos— son fundamentales para que algo nos guste o nos disguste visualmente. 

Para que prestemos atención al conjunto, para que algo nos atrape y nos lleve a dedicarle unos segundos de atención.

Tendríamos que romper con el mantra de los segundos de atención (aumentándolos), pero desgraciadamente no podemos aspirar a mucho más. 

Nos tenemos que conformar con atrapar al espectador esos segundos, aunque ya sabemos que si se quiere contemplar una imagen, una obra, se necesitan más de unos pocos segundos. 

Pero vivimos en un tiempo de desecho. De urgencia tonta.

Así que hay que jugar con las formas, con el color, con los contrastes, con las diferencias, con incluso el engaño para atrapar la atención. 

Pero por otra parte, nos debería dar igual cuantos segundos le dedican los espectadores a una obra, pues quien le dedique menos de los necesarios, es él quien se lo pierde, y además no aportaría mucho a todo este conglomerado que forma el Arte. 

Ojo, no como negocio, sino como placer. El Arte —y por eso las formas— tiene que ser atrevido, es simplemente placer, gusto, hermosura, tranquilidad, emoción.

Un túnel de New York escapando al galope

Los túneles de las grandes ciudades son muchas veces pequeños museos al aire libre, elegidos por los artistas urbanos para que sus obras permanezcan más tiempo alejados de las inclemencias del tiempo, sobre todo de las lluvias. Que sea el Street Art un Arte Efímero no quiere decir que no se cuide la duración en el tiempo de su trabajo. Este túnel estaba en New York. el túnel seguirá, la obra ya no está tan claro pues han pasado tres años. pero la pregunta es sencilla: ¿Cuántos desearíamos tener esta obra colocada en nuestros salones?

Goya, el Museo del Prado y su "Aníbal vencedor en Italia"

La obra final de Francisco de Goya titulada: "Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes" ha sido adquirida por el Museo del Prado, una obra de 1770 y muy reconocida de Goya. De este mismo cuadro que ahora y desde el año 2011 se puede contemplar en el propio Museo del Prado se conservan dos bocetos, uno de ellos en el Museo de Zaragoza y otro que se subastó en Nueva York en enero de 2020. 

Goya presentó esta obra para un concurso en la Academia de Parma pero no ganó el concurso pues le achacaron una falta de realismo en el colorido y el detalle, aunque sí obtuvo una mención especial del jurado. 

La obra final tiene un tamaño tres veces mayor que el boceto que se guarda en el Museo de Zaragoza, y de cara a este aniversario de Goya en el 275 aniversario de su nacimiento, sería un honor para Zaragoza poder disponer de esta obra cedida por el Museo del Prado y que se podría disponer junto al boceto que ya se conserva en Zaragoza en su Museo de Bellas Artes. 

Arquitectura al servicio de una marca. BMW y Munich

No hablamos muchas veces de un Arte enorme que vemos sin casi fijarnos. La Arquitectura, el Arte de llena espacios vacíos con ideas y diseños que trascienden, que pueden impresionar sin dejar nunca de ser útiles. La Arquitectura bella, también tiene que ser utilizable pues si no se convierte en Escultura. Un edificio aunque nos parezca muy extraño por fuera, debe tener unos espacios muy útiles en su interior, ser funcional aunque sea disfuncional desde la mirada exterior.

Este edificio forma parte del Museo BMW en Munich (Alemania) y además de impresionar desde fuera, impresiona al entrar por su espacios, su sentido práctico para ofrecer al visitante la sensación enorme de calidad, de lujo, de diferencia. Que al final es lo que se busca con la marca, demostrar todo eso y por ello el edificio debía contener esas mismas sensaciones.

¿Cuánta distancia hay entre Goya y Picasso? Fueron 125 años de diferencia en estas obras

Este grabado es el número 30 de Los Desastres de la Guerra de Francisco de Goya. Una obra donde se observa los estragos de un bombardeo de la artillería a un edificio particular, a la población civil. Personas muertas en el suelo, tumbadas, destrozadas junto a sus ambientes de hogar en un blando y negro de líneas, de trazos duros, en donde se percibe el horror en toda su crudeza.

Y abajo vemos el Guernica de Pablo Picasso, con la misma temática, muy similares formas y trazados. Incluso algunos rostros se parece y mucho y forma de tratar el horroroso tema.

El Guernica se hizo en la primavera del año 1937. Los Desastres de la Guerra se hicieron entre 1810 y 1815. Más de 120 años de distancia entre la obra de Goya y la de Picasso. Nadie copió a nadie, pero resulta curioso esta similitud.

Un beso de Bridget Riley, para demostrar lo sencillo (o no) que es crear

Esta obra titulada "Beso" o "Kiss" en su idioma de creación es de la artista británica Bridget Riley, un guache en blanco y negro hecho en el año 1961 y que provocó el lanzamiento de su carrera como artista con una obra realmente muy sencilla pero a su vez efectiva. 

Es la clásica lucha entre la mancha y la luz, entre el blanco y el negro, entre la forma y el vacío. Esta obra "Kiss"  fue la primera de sus principales pinturas abstractas y puso a la artista en el camino artístico que le ha valido el reconocimiento internacional.

En su obra Bridget Riley continúa utilizando la geometría y en gran medida el blanco y negro o los colores primarios o secundarios, en un arte cinético, Op Art, que juega con los ojos y la mirada del espectador al que se lleva hacia sus terrenos interiores.

El Arte unifica la manera interna y ancestral de reflexionar

Si antes de la llegada de los europeos a Iberoamérica ya existían pinturas rupestres o petroglifos como el que vemos en la imagen hecho por los Chorotegas y Nicaraos, podemos asegurar sobre todo viendo sus pinturas y comparando figuras y movimientos, que lo que entendían hace miles de años los artistas que pintaban en paredes o rocas era muy similar aunque estuvieran a miles de kilómetros de distancia y no supieran de la existencia mutua en el planeta, con lo que se hacía en Francia, España o Alemania. La representación de la realidad pero también de sus Dioses es bastante similar.

El Arte en aquellos tiempos siendo simple, unificaba ideas que nunca se había puesto de acuerdo. O eso creemos hasta ahora. No se trataba —por imposibilidad de copiarse— de seguir escuelas primitivas, sino de pensar y representar esos pensamientos simples, y en eso coincidían bastante.

El uso de la Geometría, de la repetición, de la distribución de espacios y figuras, es algo que lleva entre nosotros miles de años.

¿Cuándo una obra de Arte está mal o está bien construida?

Esta viñeta refleja mucho más que un punto de vista humorístico de una realidad, es gran parte de la sustancia del Arte en general, de la creación de todo tipo de nuevos caminos. Se crea desde el sentimiento, la necesidad, las ganas, la formación. Por eso es muy complicado lograr criticar en positivo lo que se crea por otros, criticar para para que logren construir algo mejor, opinar para enseñar y formar en el mundo del Arte. La viñeta simplifica la realidad pues lo que vemos es un profesor y un alumno, y en esa relación sí cabe la rectificación, la opinión. Pero no de forma total, sino matizada.

NUNCA ESTÁ MAL una obra de Arte. Puede no ser comprendida, puede que no nos guste o no se logre representar lo que en apariencia se pretende. Es posible que no se dominen las técnicas básicas para lograr un objetivo suficiente. Pero no falla la idea, el proceso creativo en sí, sino las técnicas y habilidades para lograr unos objetivos válidos. 

Algo está bien o mal… no por lo que nos parezca, sino por creer que no se han alcanzado los procesos mínimos que pretendía el artista. 

Nunca estará bien o mal simplemente porque el espectador de la obra de Arte, de la empresa, de la relación o de cualquier tipo de creación humana, logre entenderla con facilidad o no sea entendida bajo ningún concepto. 

Que no seamos capaces de entender una obra no quiere decir que está mal, sino si acaso, que los que estamos mal somos nosotros como espectadores pues no sabemos descifran lo que nos dice. Siempre que las técnicas utilizadas lo han sido con una formación y cuidado el manos mínimo.

¿Quieres aprender a mirar? En el Arte es básico

La educación artística se basa sobre todo en aprender a mirar. Que parece algo obvio a la vez que tonto, pero si no somos capaces de educar la mirada, ni sabremos observar, comprender, entender, crear o disfrutar de lo mirado. Nuestra mirada capta TODO pero solo vemos una parte, aquella para la que estamos educados en la forma de ver. Todo lo que nos rodea los miramos, pero solo una parte seleccionada de antemano la vemos. 

MIRAR es al final lo que nos conduce a VER.

Mirar algo es intentar dialogar con lo que vemos. Es prestar atención, adivinar qué hay detrás, dentro, debajo. Mirar no es prestar la vista unas décimas de segundo, es pararnos a contemplar y estar unos segundos queriendo VER lo que miramos. Hay que prestar atención si queremos ver, o no prestar atención si simplemente queremos mirar.

Lo que en décimas de segundo no vemos, lo descubrimos si estamos unos segundos delante de ello. No hablamos de minutos, hablamos de segundos y de saber mirar. Tenemos que VER el color, las formas, el espacio, la sensaciones, la apariencia que vemos que puede ser diferente a la que nos quieren mostrar, y debemos entender qué significa todo aquello en relación a su entorno, a su tiempo, al conjunto.

Y a partir de ese momento, desde el instante en que ya hemos VISTO tras MIRAR, todo nos puede influir o no, todo completa un nuevo mensaje que nos puede interesar o no, para bien o para mal. Pero al menos habremos logrado VER. No es sencillo aprender a mirar para lograr ver, pero es un reto muy interesante, para no perdernos detalle de la vida.

¿Quieres aprender a mirar? En el Arte es básico para seleccionar, para crearte tu propia obra en tu cabeza, para ser crítico con lo que ves. Ni todo le gusta a todos, ni todo es malo por no saber interpretarlo. Pero todo depende de la forma de mirar y de saber ver.

Nota.: La fachada de la imagen es del centro de Munich en Alemania

Fresco religioso alemán, solo para contemplar

Los frescos en las iglesias cristianas, sobre todo católicas, han sido durante siglos el ejemplo más claro de la utilización de la pintura y el Arte como herramienta de formación al pueblo, de lo que la religión cuenta y explica. Nada más sencillo para los sacerdotes que explicar a sus feligreses que alzaran su vista y miraran al Cielo para observar y aprender historias sagradas con multitud de interpretaciones, de iconos, de posibilidades. Allí se podían encontrar todas las Historias de los Testamentos, y además y sobre todo las que deseara explicar el predicador de cada momento.

Si observamos este fresco que se encuentra en Munich podemos ver además de su calidad artística y su belleza y muy buena conservación, que la obra contiene muchos elementos que se pueden utilizar para numerosas explicaciones. 

Seis mujeres, la paloma del Espíritu Santo, un corazón que ilumina, unos ángeles que contemplan, una lira, un casco guerrero con armas, hay frutas, una rama de laurel, un yunque, una palmera, una cruz, un pergamino que tendrá algunos textos, unas manos que señalan, etc.

Ninguno de los 8 personajes nos miran. Todo observan la escena y se miran entre ellos. Es como si nosotros no les importáramos, o como si ya supieran de antemano que nosotros no estamos aquí para intervenir sino para ser espectadores de lo que todos ellos hagan y digan. Somos "contempladores" de lo que se nos cuente.

Mark Tobey y sus caligrafías orientales en el expresionismo abstracto norteamericano

La práctica pictórica llevada a cabo por el norteamericano Mark Tobey (1890 - 1976) lo diferencia del expresionismo abstracto norteamericano al optar por los pequeños formatos y por unas pinceladas que no traducen el movimiento agitado y convulso del cuerpo, sino el de la mente. Esta obra Sin Titulo del año 1969 es una acuarela de 53 centímetros de ancha realizada en papel. 

Su propia filosofía oriental le llevó a trabajar obras íntimas sobre la meditación casi con caligrafías orientales superpuestas, con líneas y trazos que reflejaban idas y venidas, señales que ayudaban a meditar.

Es una mezcla de caligrafía, anotaciones incluso casi musicales (llegó a componer música), caminos e ideas que ayudan a concentrarse, trazos y formas débiles y pequeñas que evolucionan hacia el ensimismamiento del espectador. Mark Tobey fue uno de los fundadores de la «Free and Creative Art School» de Seattle y tuvo su obra mucha importancia en la construcción y formas artísticas de otros artistas como Jackson Pollock.

La naturaleza según Mi-Kyoung Lee, como recurso de creación

Esta obra de la artista Mi-Kyoung Lee "Sin título" es una muestra de su tipo de trabajo creativo, dentro de un proceso repetitivo de hacer grandes obras con pequeños elementos repetidos, con marcas que según la propia autora: "…han sido una gran fortaleza en mi trabajo. Permito que mi intelecto y mi cuerpo sigan los procesos rítmicos de repetición, comprendiendo las relaciones entre herramienta y material, material y proceso, imagen y contenido. El proceso constante de creación de arte es una ceremonia ritual. Todo mi cuerpo y mi alma puramente unidos. La inspiración detrás de mis imágenes se despliega con la misteriosa vida humana. La naturaleza se convierte en el motivo fundamental para construir las esculturas y la instalación". 

Para Mi-Kyoung Lee y para muchos otros artistas, la naturaleza es un recurso importante para curar la obsesión humana por el materialismo. Es un elemento imprescindible y un recordatorio constante de estas obsesiones.

¿De quién deberían ser los restos arqueológicos o artísticos encontrados a lo largo de la historia?

Nos lo preguntamos muchas veces y nos respondemos de distinta manera según tiempos históricos. ¿De quién es, quién debe ser el propietario de los vestigios históricos que aparecen en un territorio determinado? La respuesta casi siempre es la misma: Del país en donde se encuentran estos hallazgos. 

Y alegamos siempre que el espolio de los países ricos en la historia, han esquilmado robando literalmente las bellezas de países pobres que en siglos pasados no pudieron dedicarse a poner en valor su historia escondida en las arenas o en las iglesias románicas o en castillos de la Edad Media.

No parece haber mucha duda. Pero la hay. 

En realidad estos vestigios, hallazgos, parte de nuestra historia antigua NO NOS PERTENECEN a los actuales habitantes de nuestros espacios geográficos. Somos los que tenemos la obligación de conservarlos, pero no deberíamos ser los propietarios. Así que los restos históricos de Egipto por poner un ejemplo deberían ser de Egipto. Pero sobre todo debería ser de la Humanidad en su conjunto histórico y futuro.

La duda surge cuando hacemos prevalecer este principio de que en realidad no son de Egipto sino de toda la civilización actual y futura. Que por volver al mismo ejemplo, Egipto hoy es Egipto, pero en el futuro no sabemos qué será, de qué manera se puede trocear o engrandecer, y sobre todo qué futuro le depararán a su historia, los que vayan viniendo detrás. 

¿Siempre se conservarán los vestigios históricos y arqueológicos y artísticos con los mismos criterios, si entran en juego otros criterios diferentes?

Ejemplos tenemos en algunos países francamente muy importantes en la historia de la humanidad con sus vestigios arqueológicos. Pero también los podemos tener con algunos usos y abusos de algunos dirigentes belicistas de la Europa del siglo XX con el Arte en general. Incluso sabemos que algunos de estos elementos muy importantes en la Historia Universal se han vendido a particulares para obtener dinero con el que comprar armas.

De entrada creo que los Museos no deberían ser de nadie, sino de la Humanidad. Que a partir de un nivel de calidad estos espacios museísticos y de recuperación deberían ser Patrimonio de la Humanidad, de todos, y aplicarles una protección extraordinaria, incluida la de no poderse mover o cambiar de lugar de forma permanente lo que en ellos contienen. Y sin duda ser de acceso gratuito para todos los habitantes del Planeta. Y tener procesos muy seguros de conservación pero a la vez de préstamos y de formación pedagógica. 

Un astronauta que se transforma en algo poco serio. Mal vamos en el espacio vacío

Un hombre de nada es una figura extraña que se mueve entre el todo y la nada más absoluta, entre lo imposible y lo necesario, entre la necesario pero no posible y lo innecesario pero hermoso. Y algo le está sucediendo a este figura de astronauta que no sabemos bien si se ha ido transformando él, o lo hemos ido transformando nosotros. Así, de esta guisa, ningún marciano nos va a prestar atención.

¿Quieres empezar una colección de Arte Contemporáneo? ¿Por dónde empiezo?

Cedido por la Galería Kafell presentamos una obra de MIPE que titula Flores y que se ha donado para Aspanoa. Una obra en apariencia sencilla pero que contiene todos los elementos para destacar sobre otras. Juega con las formas, con el objeto principal, con el color, con su distribución con el grafismo. Es una obra pequeña, no llega a un A3, pero suficiente para tener obra en tu casa de artistas diferentes que te vayan entrando por los ojos. Muchas veces el coleccionismo empieza por pequeñas obras que van abriendo los deseos de tener acompañantes. Y unas van trayendo a las otras.

Mi consejo sería que si se desea comenzar una colección de obras de Arte nos especialicemos o por temática o por Escuela o por autores. Incluso simplemente por que nos entren por los ojos. En principio no se trata de acertar con obra que vaya a subir de precio, sino de tener una base y que el gusanillo empiece. Luego ya iremos aprendiendo y seleccionando obra de forma mucho mejor. Si empiezas con obra de precio asumible y que te guste, nunca te equivocarás.

La literatura es meterte dentro y soñar con TUS personajes

Leía esta tarde unos párrafos del libro de Antonio Muñoz Molina "Ventanas de Manhattan" y era como verme paseando por las calles de New York, otra vez, con los mismos problemas, las mismas maravillosas vistas y la mismas sensaciones  que en mis viajes. Era verme retratado, andando, como el personaje del libro. Eso es literatura básica, lograr que al protagonista de lo que leemos seamos capaces de entenderlo, tocarlo, imaginarlo, crearlo en nuestra imaginación, sea otro personaje de ficción más, o seamos incluso nosotros mismos. La acción nos la pone el autor, pero nosotros como lectores podemos poner al protagonista.

Los libros no son un montón de hojas cerradas como sucede (casi) como en una película, pues en el libro debemos crear nosotros los personajes con los datos que el autor nos proporciona. O incluso con los que NO nos proporciona. Y eso nos lleva a un espacio maravilloso. Un mismo libro puede ser uno o varios. Podemos leer un libro de ficción con 25 años de edad, volverlo a leer con 45 años, y los personajes ser distintos, decirnos otras cosas, crearnos nosotros mismos con las mismas líneas de textos, paisajes diferentes, protagonistas distintos.

Es el milagro (proceso) de la literatura que los lectores que usan los libros no necesitan recordar pues lo conocen muy bien. En la lectura inventamos junto al autor toda la obra. En una película de libro ha sido el Director junto al Fotógrafo de producción y al Montador los que nos han creado todo el armatoste, el escenario, la trama de la historia. Como espectadores lo vemos, lo consumimos pero no participamos en la creación.

¿Cuántos Don Quijote hay en nuestras mentas que difieran de los que ya hemos visto en películas o en series y dibujos? Pocos, pues ya nos los han dado mascados. Pero hay miles de libros esperando que seamos nosotros los que creemos los personajes que nos entrega el autor.

Jardín de Primavera, el jardín pastoral en Nuenen, de Vicent Van Gogh

Hay obras muy importantes en la Historia del Arte que permaneces desaparecidas por diversos motivos. No ya solo a la vista de los espectadores comunes de Museos, sino que permaneces en paradero desconocido por robos, deslocalizaciones y pérdidas. Este cuadro de Vicent Van Gogh es uno de ellos, titulado "Jardín de Primavera, el jardín pastoral en Nuenen" pintado en el año 1884. Muestra la iglesia de la ciudad de Nuenen en donde el padre de Van Gogh era pastor protestante.

Esta obra fue robada en marzo del año 2020 del Museo Singer de la ciudad de Laren (Países Bajos) en donde estaba en préstamos del Museo Groninger en Alemania. El ladrón ha sido detenido en este abril 2021 pero de momento la obra no se ha recuperado. Suelen ser robos de profesionales que en muchos casos los revenden a grupos de mafias que los tienen guardados por si son detenidos y poder negociar con sus gobiernos rebajas de condenas a costa de la devolución de las obras de Arte robadas.

Cristo crucificado de Francisco de Goya. Una obra a tamaño natural

Esta gran obra de Francisco de Goya, el “Cristo crucificado” fue pintado en los primeros meses del año 1780 como ejercicio práctico para ser admitido como académico de mérito en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en el año 1785 ya consta que estuvo primero en la basílica de San Francisco el Grande de Madrid, luego y tras la desamortización en el Museo de la Trinidad y desde el año 1872 en el Museo del Prado.

Es un Cristo de tamaño natural y con una depurada técnica dando ejemplo de su dominio de la anatomía humana, del sentimiento del dolor, con una boca entreabierta que además de intentar respirar intenta comunicarse ayudado con la mirada, hacia un cielo que parece esperar su llegada. 

Cristo se empequeñece y casi se debilita ante una cruz inmensa, es un gesto muy humano, mostrando Goya a un Cristo con poca sangre, y cuyo dolor sale desde dentro, no a través de sus heridas.

Los invidentes participar en una visita al Museo del Prado

¿Pueden los invidentes participar en una visita a un museo de Arte? Pues el Museo del Prado las organiza y trabaja las emociones de las obras de Arte a través de una persona del Museo del Prado que hace de guía y va explicando con su voz lo minucioso que es un cuadro, sus pinceladas, sus emociones escondidas entre sus formas o entre sus personajes. Dolores Riveira del Museo del Prado con su capacidad educativa va descubriendo las obras y poniéndolas luz para que las interioricen los invidentes, se las imaginan como cualquier espectador vidente. Cada obra la vemos de diferente manera unos que otros, tú y yo.

Frío, dolor, humedad, sangre, desnudos, luces de madrugada, sonidos débiles, sedas de colores o ropas negras, seriedad, elegancia, penumbras, silencios, caballos rechinando, niños observando. 

La guía explica el contenido de la obra, su tamaño, su autor y la historia de este con arreglo a la obra algunos aspectos técnicos y la colocación de los personajes sobre el conjunto y algunas anécdotas para que los espectadores, sobre las obras muy conocidas y elegidas se sientan cómodos y sea fácil comprender lo que cada una de ellas quiere transmitir.

No se trata de que se imaginen algo material, un lienzo pintado y lleno de color. Se trata de que se emocionen con lo que cuenta —dice la guía—que piensen y se imaginen la obra desde sus propias perspectivas, explicando detalles curiosos pero concretos y concisos. 

Los visitantes invidentes tienen que imaginarse que están dentro de una novela, y que lo que se les relata es para provocar en ellas la imaginación que crea emociones. Si somos capaces de imaginarnos un poco más lejos estas iniciativas, sin duda es una ocasión perfecta para intentar trasladarlas al mundo online, y dejar recorridos grabados para que los puedan contemplar cualquier visitante desde cualquier lugar del mundo.

Nota.: La imagen y parte de la información es del diario El Mundo.

Sale a subasta una obra de Dalí. Madonna Cósmica

Sale a subasta una obra muy poco conocida de Salvador Dalí realizada en el año 1958 y que desde el año 1965 había permanecido en un domicilio particular sin ser expuesta. Se trata de la obra titulada "Madonna Cósmica" una pintura de su periodo místico nuclear y que se expuso en New York en el año 1965.

Un cuadro de metro y medio de altura que el propio Dalí cambió nu título por el de: "El corte de la oreja de Van Gogh desmaterializándose desde su espantoso existencialismo y explotando al modo de un pión durante el deslumbramiento de la Madona Sixtina de Rafael". Con este título Dalí quería recordarnos según su opinión que la Virgen maría fue concebida a través de su oído.

Nadie es capaz de aventurar a qué precio puede terminar cambiando de dueño esta obra, una de las últimas de Salvador Dalí que pueden salir al mercado al estar todo el resto de su obra pictórica en manos de museos.

Napoleón demostrando poder en una obra de Pierre Paul Prud'hon

Esta obra de la Escuela Francesa de pintura y titulada: Entrevista entre Napoleón I y el Emperador Francisco II en Sarutschitz en Moravia después de la Batalla de Austerlitz o de Los Tres Emperadores el 4 de diciembre de 1805, fue pintado por Pierre Paul Prud'hon en el año 1809. Un gran cuadro que se conserva en el Museo Louvre como los de la época de casi cuatro metros de altura que refleja un momento histórico de Francia. Napoleón había vencido a los rusos y austríacos causándoles más de 15.000 muertos en ocho horas de combate.

La imagen altiva de un Napoleón que con las manos abiertas parece decirle "esto es lo que hay, entrégame las armas"mientras mira a los ojos del contrincante, contrasta con la mirada perdida y derrotada de quien se sabe ha perdido la batalla. Una simple miraba bien reflejada en una obra nos lleva a comprender la escena. Incluso desde la diferencia de altura de los protagonistas, más baja en el caso de Napoleón.

Cristo Coronado de Espinas de la Semana Santa de Zaragoza

Este busto del Cristo Coronado de Espinas del año 1782 realizado por el escultor platero Pedro Fuertes fue mandado realizar el 9 de julio de 1780 por la Junta del Capítulo Eclesiástico de la Parroquia de San Felipe y Santiago de Zaragoza a propuesta del mecenas Baltasar de Garro para servir como estatua del Ecce Homo en la iglesia y que se pudiera montar en una peana para sacarlo en procesiones. 

El maestro platero Pedro Fuertes lo hizo sobre un modelo de Manuel Guiral y aprovechando un medio cuerpo de plata de Santa Indulta del siglo XVI. Este busto procesiona en la Semana Santa Zaragozana montado en una peana y portado por ocho personas de la Cofradía de la Coronación de Espinas. 

Representa a Cristo que, tras la coronación, acepta con serenidad el suplicio inclinando su cabeza. Entre las manos lleva la caña que le fue entregada a Jesús, junto con la corona de espinas impuesta en su cabeza, a modo de cetro para la burla y escarnio de los soldados romanos a la voz de ¡Salve Rey de los Judíos!

En defensa de la pintura más sencilla. La turística y decorativa

Entre las muchas funciones del Arte está la de servir de recuerdo a una visita, a un momento. Y también la de decorar una pared. Los grandes pintores de todos los tiempos trabajaban a precio fijado para las grandes familias de sus tiempos con el único encargo de poder decorar sus palacios, sus iglesias, sus castillos. Miguel Ángel y su Capilla Sixtina o Goya y sus Pinturas Negras son obras para decorar paredes, por encargo o para su propio disfrute como el caso de Goya. Nadie le quitaría mérito a estas obras.

El propio Velázquez pintaba para decorar estancias y Goya hacía lo mismo para la iglesia durante un tiempo para sobrevivir y poder pintar "otras" obras más de su gusto. Los cartones para tapices de Goya son una delicia y simplemente eran obras para convertirse en telas que puestas sobre las paredes evitaran los fríos y las humedades en los palacios de los Grandes.

Así que no hay que ponerse "delicado" con estas pequeñas obras que vemos en decenas de lugares turísticos y que nos muestras las miradas de los artistas sobre rincones o espacios de su ciudad elegidos por ellos mismos como recuerdos o como bellezas que llevarse a casa.

No es surrealismo, no es cubismo o expresionismo, pero es pintura y es Arte. Y en una manera muy digna de llevarte un buen recuerdo si sabes elegir la obra que te guste y te diga algo del espacio que nos muestra.

La pintura ha sido durante muchos siglos una forma de ganarse la vida, como en tiempos más cercanos lo está siendo el cine, la fotografía o el diseño de publicidad. Formas artísticas para expresar ideas o conceptos, lugares comunes o diálogos con el lugar común.

Hay piel de árboles que se parecen a la mía. Debe ser la edad

 

La normalidad es a veces algo poco habitual. No nos asomamos al abismo de la bobería si nos acercamos a la piel de un árbol y observamos sus rugosidades. Pero no lo hacemos nunca, no nos vayan a ver.

Este piel se parece a la mía, ya tan mayor que los granos que le salen no los quiere ver ni el médico pues enseguida les pone el apellido de "la vejez".

Los viejos somos un poco material de desecho, pero nos mantienen en danza por diversos motivos, siempre que no estorbemos mucho. Uno de ellos es que les resultamos raros y curiosos si no hablamos mucho, pues entonces ya… somos unos pesados.

Mientras todo esto sucede nos vamos riendo pero solo por dentro para no molestar. Darnos cuenta de todo es uno de los males de la edad, que tenemos que acompañar del silencio.