No nos obliga a mirar nada, pues ya miramos todo

Es imposible observar 253 ventanitas de color a la vez, es incluso insufrible que te hagan un pase de 253 diapositivas pues eso ya además de viejuno está Gagá. No es lógico, queda mucho mejor un cortometraje con giros y movimientos atractivos. Pero si juntamos las 253 ventanitas dentro de una ventana de verdad podemos tener otro punto de vista. Queda algo más magro todo.

Colores, luces que salen para pillarnos, y sin que nos obligue eso a mirar nada pues ya miramos todo. La ventaja de tener enfrente excesivas posibilidades es que no tenemos que elegir ninguna ni quedarnos fijo ante ellas para decidir. Se ven en conjunto y se aplaude todo. Aunque la inmensa mayoría ni las has visto, aunque parezca que las hayas mirado.

Deberíamos prohibirnos los espejos, por salud y por edad

Como todos nos vamos transformando poco a poco en nada, llegamos a un punto en que realidad somos ya basuras. Humanas… pero basuras al final. Así que llegados a ese punto nos vemos deformados, sin color, rayados, como pegados contra la pared a modo de chicle excesivamente chupado. Resultamos irreconocibles, pero vamos manteniendo la cara aunque se nos vaya cayendo a pedazos el rostro.

Es imprescindible a partir de ciertas edades tirar todos los espejos de casa. Que sean los demás los que te vean hecho una mierda, que se jodan ellos, pero no tú. Queda prohibido mirarse al espejo, pues eso jode mucho. 

Realmente si no hubiera espejos de ningún tipo… ¿cómo nos reconoceríamos? Nos veríamos envejecer mucho más dulcemente. 

Posiblemente un atracador que se quedó tieso en su trabajo

Cuando algo se descuajerinza se queda como desmontado, a trozos, desvencijado que es otra de esas palabras que ya no utilizamos. En Aragón decimos mucho mas descuajeringar que descuajaringar pero es lo mismo, o no es nada o es que yo lo digo familiarmente mal. 

Estos señores de la imagen están ya como destrozados por el paso del tiempo, rotos a cachos, conservando la gallardía de estar de pie simplemente porque no pueden caerse al suelo mas que convertidos en polvo de trozos. No debemos olvidar que el polvo también son trozos, todo depende de lo que nos acerquemos a verlo. 

Es posible que el destrozado de la izquierda quisiera atracar al de la derecha, pero este con su gesto claro de que no tenía ni una pela, lo haya dejado en su momento como congelado y ya nadie supiera qué hacer. Una escena anclada en la pared, esperando a que poco a poco se fuera cayendo por su propio peso. Como la vida misma.

Tres clases de manchas muy limpias

A veces las mancha no se van, no se quitan, permanecen mucho tiempo pues no hay quitamanchas que pueda con ellas. Se les llama manchas persistentes. 

Hay veces, incluso, que las manchas tienen sentido, están por algún motivo, sirven para un cometido. Se les llama manchas persistentes.

Incluso hay manchas que no son manchas, que lo parecen pero es porque nos acercamos demasiado a ellas. Se les llama manchas falsas.

Una ventana de la artista zaragozana Pilar Moré

La artista zaragozana Pilar Moré nos deja en esta ocasión "La ventana" realizada en técnicas mixtas, para disfrutar de sus miradas, de sus obras, de sus formas a veces usaves, a veces agresivas y rotas, contundente sobre su propio espacio. Una ventana que como muchas de ellas muestra y deja mirar, sirve para mirar y para ser visto, para ver y para que te vean. 

Cuando digo "que nos deja" quiero decir que nos ofrece, nos muestra, nos entrega como espectadores para que contemplemos sus trabajos. 

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The artist Pilar Moré from Zaragoza, on this occasion leaves us "The window" made in mixed techniques, to enjoy her looks, her works, her sometimes soft, sometimes aggressive and broken forms, forceful on her own space.

A window that, like many of them, shows and lets you look, serves to observe and to be seen, to see and to be looked at.

When I say "that she leaves us" I mean that she offers us, she shows us, she gives us as spectators so that we can contemplate her work.

Maderos rotos que ya no quieren ser ni madera

Maderos rotos, maderos que no se quiere ir ni tampoco morir. Maderos de madera.

Maderos de formas, de casi colores, de grises muertos, de nada y de todo.

Maderos que no quieren ya nada que no sea descansar. 

Hay que dejar en paz a estos maderos para que se vayas escapando poco a poco. ¡Qué más nos da si están jodidos y rotos!

Simplemente restos de maderos. O ni eso.

Retener al espectador un tiempo mas largo es importante

Sorprendernos al mirar nos lleva a volver a mirar. Si algo nos hace dudar, no es pasajero, nos vuelve a la duda y a que le prestemos un poco más de atención. Si se sale de lo habitual, no lo admitimos en ese microsegundo de la normalidad, entendemos que no es lo que esperábamos e intentamos entenderlo. Lo estamos viendo bien, es que simplemente el objeto se nos está mostrando mal. Pero es una manera de atrapar al espectador, de retenerlo algún tiempo más. 

Crear es descubrir, es ilusionarte con algo nuevo, es inventar y explorar

Crear es descubrir, es ilusionarse con algo nuevo, es inventar y explorar, es adentrarse en un nuevo mundo que está creando desde la nada o desde la modificación. Crear Arte es dejarse sorprender, y sobre todo es entrar a construir en un mundo que desconoces y que lo vas explorando según avanzas. 

Normalmente entendemos lo que conocemos bien, pero el acto de Crear Arte es explorar nuevas opciones desde lo conocido, buscando algo nuevo, transformando lo conocido. 

Para sorprender, lo primero es quedar sorprendido tú. 

Y la sorpresa puede venir de cualquier punto de vista, desde el cambio de lo establecido, desde la utilización de una técnica nueva. 

No te preocupes en crear algo maravilloso, sino en crear algo nuevo, descubrir nuevos caminos, sorprenderte tú mismo. Luego con el tiempo, a veces con las horas, decidirás si eso nuevo merece la pena mostrarlo o es mejor destruirlo. 

Déjalo que respire y luego decide.

La escultura que vemos es de Joan Miró y se encuentra en las calles de New York.

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To create is to discover, it is to get excited about something new, it is to invent and explore, it is to enter a new world that you are creating from nothing or from modification. To create Art is to be surprised, and above all it is to enter to build in a world that you do not know and that you explore as you advance.

Normally we understand what we know well, but the act of Creating Art is to explore new options from the known, looking for something new, transforming the known.

To surprise, the first thing is to be surprised yourself.

And the surprise can come from any point of view, from the change of the established, from the use of a new technique.

Don't worry about creating something wonderful, but about creating something new, discovering new paths, surprising yourself. Then over time, sometimes with hours, you will decide if that new is worth showing or is better destroyed.

Let it breathe and then decide.

The sculpture we see is by Joan Miró and is found on the streets of New York.

La Estatua de la Libertad es un icono de todos. No es solo de EEUU

 

Hay iconos con los que vivimos sin pretenderlo, señales de que algo superior existe, como es la libertad o la religión, la justicia o la sociedad, el amor y la familia. Da igual si podemos abrazarla o no, sabemos que existe y si convertimos en icono el deseo, aunque nos parezca lejano, sabemos que existe. 

EEUU no es marchamo de libertad, pero da igual eso, pues ese Nuevo Mundo que musicalizó Dvorak sigue existiendo en el interior de estos siglos. Da igual si está muy lejano. 

Necesitamos creernos lo que nos han dicho que existe como icono, necesitamos verlo sin verlo, para admitir que existe al menos. 

Y si se tiene la oportunidad de observarlo de cerca, de tocarlo incluso, da igual si está en un país sin justicia racial o social, pues este icono pertenece a una generación y a unos siglos determinados. 

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There are icons with which we live without intending it, signs that something superior exists, such as freedom or religion, justice or society, love and family. It does not matter if we can embrace it or not, we know that it exists and if we make desire an icon, even if it seems distant, we know that it exists.

The US is not a hallmark of freedom, but that doesn't matter, because that New World that Dvorak set to music continues to exist within these centuries. It does not matter if it is far away.

We need to believe what we have been told exists as an icon, we need to see it without seeing it, to admit that it exists at least.

And if you have the opportunity to observe it closely, even touch it, it does not matter if you are in a country without racial or social justice, because this icon belongs to a certain generation and centuries.

Pongamos que estos maderos miran a la Estatua de la Libertad

"La poesía es la expresión de la belleza mediante palabras combinadas con arte” - José Luis Borges

El Arte de Provocar es una postura, una decisión. The Art of Provocation is a posture, a decision.

Este cuervo alemán, de Berlín, se vino hacia mí. No llevaba un gran objetivo, es acercamiento de verdad. No es tontería inventada, es simplemente chulería de parque urbano. Si yo le molesto, él viene y me molesta a mí, pero posiblemente con peores picos que los míos. No era un cuervo joven, sabía lo que hacía, sabía defenderse provocando. Pero yo no le hice nada que no fuera acercarme un poco para hacerle unas fotografías. Pero el cuervo se lo tomó muy en serio.

Aproveché y le disparé varias instantáneas contra el pecho y me lo llevé vivo a mi casa. Aun lo tengo y ya han pasado unos años. En un disco duro portátil lo conservo, sí. 

Él es posible que ya no vuele aunque solo han pasado 4 años de aquello y los cuervos viven una década, pero ya estaba curtido de muchos vuelos. 

Hoy me he acordado de él memorizando que iba yo en un viaje organizado de los que no te dejan tiempo ni para ver cuervos. Así que siempre tengo que ir con la cámara desenfundada, como si fuera chino. 

Ahora ya no existen los viajes organizados. O los desorganizados tampoco. Puta pandemia.

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This German crow from Berlin came to me. He did not have a great camera goal, it is a real approach. It is not made up nonsense, it is simply urban park cocky. If I annoy him, he comes and annoys me, but possibly with worse spikes than mine. He was not a young raven, he knew what he was doing, he knew how to defend himself by provoking. But I didn't do anything to him other than to get a little closer to take some pictures. But the raven took it very seriously.

I took advantage of it and shot several snapshots at his chest and took him home alive. I still have it and it's been a few years. I keep it on a portable hard drive, yes.

He may no longer fly, although it has only been 4 years since that and crows live for a decade, but he was already hardened from many flights.

Today I remembered him by memorizing that I was going on an organized trip that doesn't even leave you time to see crows. So I always have to go with the camera in hand, as if I were Chinese.

Now there are no more organized trips. And the disorganized ones either. Rubbish pandemic.

¿Y si el Arte Contemporáneo fuera solo una forma de mirar?

Es muy posible que esta explicación de una viñeta de MAX sea el punto de vista del Arte Contemporáneo más acertada. El personaje se asombra ante una exposición de Piet Mondrian y decide comprarse una escuadra y el cartabón, pero de regreso a su casa se encuentra con una exposición de Jackson Pollock y entonces cambiarlo todo por el color revuelto, por las formas, por los brochazos "no rectos" o si, por el anti dibujo para que el siempre se necesita saber dibujar muy bien. 

No hay que olvidar que por ejemplo —como muchos otros— Piet Mondrian aunque lo conocemos mucho más por sus obras geométricas tiene cuadros en los que demuestra que sabe dominar excelentemente la figuración, por ejemplo en un cuadro titulado "Cesta con manzanas".

La distancia entre Mondrian y Pollock no es tanta. Buscan sintetizar, impresionar, simplificar incluso la capacidad de minimizar los huecos entre espacios, las formas, el color. 

Abajo dejo la "Cesta con Manzanas" de Piet Mondrian y una de sus clásicas obras geométricas.

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It is quite possible that this explanation of a MAX vignette is the most accurate point of view of Contemporary Art. The character is amazed at an exhibition by Piet Mondrian and decides to buy a square and the bevel, but on his return home he finds an exhibition by Jackson Pollock and then decides to change everything for the mixed color, for the shapes, for the brush strokes "not straight" or yes, because of the anti drawing so that he always needs to know how to draw very well.

We must not forget that for example -like many others- Piet Mondrian, although we know him much more for his geometric works, has paintings in which he shows that he knows how to master figuration excellently, for example in a painting entitled "Basket with apples ".

The distance between Mondrian and Pollock is not that long. They seek to synthesize, impress, simplify even the ability to minimize the gaps between spaces, shapes, color. 

Below is Piet Mondrian's "Basket of Apples" and one of his classic geometric works. 

Nos pueden doblar, pero doblegar es más difícil

Un hierro doblado nos indica la capacidad que todos tenemos de adaptarnos a las fuerzas extremas de los elementos básicos, el fuego, el agua, el viento, la fuerza exterior que nos doblega aunque no nos guste. Pero muchas veces, doblados, somos incluso más hermosos que antes, y podemos seguir estando izados sobre el aire marcando espacios y deseos. Porque nos doblen no nos doblegan, si acaso nos cambian de forma.

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A bent iron indicates the capacity that we all have to adapt to the extreme forces of the basic elements, fire, water, wind, the external force that bends us even if we do not like it. But many times, folded, we are even more beautiful than before, and we can continue to be hoisted on the air, marking spaces and desires. Because they bend us, they do not bend us, if they change us in shape.

Si una flor sabe aguantar un mal día… ¿por qué nosotros no sabemos?

Una flor de lluvia es una flor que tiene que aguantar sin paraguas los chaparrones de los abriles lluviosos. Se moja y se seca. Punto. No se queja. Se moja y se seca. Y sabe que esto es así desde siempre y no por ello se sienta mal pues entra dentro de lo normal que haya días buenos y días peores, contratiempos y día nublados. Si una flor sabe aguantar un mal día… ¿por qué nosotros no sabemos?

Diego Rivera no siempre fue muralista de contenidos políticos

El artista mexicano Diego Rivera es reconocido sobre todo por sus enormes murales distribuidos por América con un claro mensaje reivindicativo de los humildes contra el Poder, sobre todo en sus primeras décadas de arte y luchas contra lo establecido, aunque en las últimas épocas de su vida se le acusó de lo contrario. Y sí, también es conocido por ser el marido de la artista Frida Kahlo, pero aquí intentamos hablar de Arte.

Esta obra es un cuadro titulado "La jarra" del año 1917 en una época en que Diego Rivera estuvo por europa aprendiendo técnicas, sobre todo cubistas y con fuertes colores basándose en trabajos de Pablo Picasso, Juan Gris o Georges Braque. Periodo en el que trabaja sobre todo con colores puros, vivos y fuertes de color en línea con los trabajos de Juan Gris, sin olvidar que los detalles se podían resolver con técnicas puntillistas.

Esta obra se conserva en el Museo Reina Sofía de Madrid.

The Mexican artist Diego Rivera is recognized above all for his huge murals distributed throughout America with a clear message of protest from the humble against Power, especially in his first decades of art and struggles against the establishment, although in the last stages of his life he was accused of the opposite. And yes, he is also known to be the husband of the artist Frida Kahlo, but here we try to talk about Art.

This work is a painting entitled "The jug" from 1917 at a time when Diego Rivera was in Europe learning techniques, especially cubists and with strong colors based on works by Pablo Picasso, Juan Gris or Georges Braque. Period in which he works mainly with pure, vivid and strong colors in line with the works of Juan Gris, without forgetting that the details could be resolved with pointillist techniques.

This work is kept in the Reina Sofía Museum in Madrid.

Un músico alemán que respetaba a los pájaros

La música es Arte y si es callejera es Street Art tan efímera como una pintada en un muro o el poema de un trovador. Este señor estaba en Alemania recreando en un parque el momento; allí donde no eran capaces de llegar los pájaros tal vez entumecidas por el frío de un marzo tonto. 

Todos estaban de acuerdo, aquella esquina era del músico y el reto del parque era de los pájaros. Y todos se respetaban. Si nos fijamos en los detalles el de las pinzas de tender ropa para separar las partituras es de lo más hermoso que he visto junto a la cajita para recoger su sueldo.

Käthe Kollwitz y un autorretrato en xilografía

La artista alemana Käthe Kollwitz hizo este Autorretrato como parte de sus trabajos de xilografía y grabados. La dulzura que se logra en los grabados de muy diversas técnicas no está en sus trazos, que suelen ser duros y rotundos a veces, sino en su proceso pues siendo largo y de diversas técnicas que se juntan hasta lograr el resultado final, te convierten en un artista de laboratorio, de la impresión privada, y nada es más grato que ver salir desde un papel en blanco un ejemplar impreso con tu obra y hecho todo por tí mismo.

Käthe Kollwitz vivió (casi) los años de gloria de todo tipo de grabado técnico, bien en madera, o como litografías y en estos tiempos hay cuatro museos en Alemania dedicados en exclusiva a su obra lo que nos da idea de su importancia como artista global, pues hizo pintura, escultura y grabado entre las últimas décadas del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. Pacifista y progresista supo reflejar los sufrimientos de la mujer en aquellos años tan duros de las Guerras Mundiales en obras que respiran dolor y a veces desesperanza.

¿Nos sustituirá el cristal o ya está viejo esperando su relevo?

El cristal contra la piedra. Lo nuevo detrás de lo viejo. ¿Quién puede más el cristal limpio y reluciente o la piedra señorial y llena de años? Luz y poso. Finura o contundencia. 

No sé si al final se podrá elegir o es cuestión de tiempo, pero ahora el contraste es una forma de entender que siempre lo nuevo viene a sustituir de forma lenta pero imparable a lo anterior, a lo antiguo.

¿Tras el cristal vendrá el plástico o serán materiales de mezcla, nuevos y curiosos?

¿Nosotros somos el reflejo de alguien? ¿Nosotros somos nosotros?

Todos los reflejos son iguales, sorprendentes y distorsionadores de la verdad. Es decir, si nosotros nos vemos reflejados no somos nosotros sino nuestra mentira.

Estas mentiras llenas de colores son de New York, así que todavía nos las tenemos que creer menos, pues son de muy lejos. Aunque parezcan tan rectas como en cualquier lugar del mundo.

Ver lo reflejado es no ver lo real, lo que contiene la verdad, el lienzo sobre el que se refleja lo de enfrente. Pero si te das la vuelta verás reflejado el edificio que sirve de lienzo, sobre el edificio reflejado en el lienzo de enfrente. No somos nada, todo es cuestión de cambiar el punto de vista, de girarnos un poco.

La historia de Don Quijote de la China, desde la versión de Lin Shu

Hoy el diario El País nos habla de un libro editado en castellano desde una versión en chino de El Quijote de la Mancha, que un intelectual mandarín tradujo con ayuda pues no sabía castellano y lo adaptó a una obra distinta con textos más familiares para sus culturas y formas de entender el idioma castellano de época en el que está escrito originalmente El Quijote.

Este es el comienzo traducido al castellano de El Quijote escrito en mandarín por Lin Shu: “En La Mancha había un lugar cuyo nombre no es preciso que mencione, Situado a medias entre Aragón y Castilla. En aquel lugar vivía un hombre apegado a las antiguas tradiciones que gustaba de usar lanza y adarga, caballo veloz y perro cazador". Aquel libro lo tituló: La historia del Caballero Encantado, o Moxia Zhuan.

Un Quijote al que Lin Shu apellida Quisada y no Quijano pero del que se sigue manteniendo su espíritu aunque se haya visto mover entre idiomas en unos contextos sin traductores especialistas, hasta que hemos llegado a este momento. Incluso se olvida del original para hacer correcciones de sentido común o adaptados hacia su propio sentir filosófico.

Sin duda este nuevo libro de El Quijote tras pasar por las manos de los chinos será un ejemplo de que lo mismo puede ser también lo diferente, y que las copias de las copias no es que sean mejores, sino que pueden complementar los originales.

En la imagen que vemos arriba podemos observar una ilustración de este libro realizada por el ilustrador Liu Bangyi.

Lo joven sustituye a lo viejo. Es cuestión de tiempo para todos

Si juntamos en la misma mirada los viejo y lo nuevo, la juventud y la ancianidad, resulta chocante el contraste y algo penoso los condicionantes de los cambios del tiempo. Todos evolucionamos, nos izamos los unos sobre los otros tapando las luces y abriendo sombras. 

Algo sobrevivirá, otro tiempo se irá haciendo viejo poco a poco. No nos podemos imaginar qué sustituirá a la juventud de cristal y acero, pero en 100 años todos calvos incluidos esos edificios tan novedosos. 

Tic, tac, tic, tac. Los tiempos ya se están moviendo para la gallardía de lo joven.

Estación Central de New York en 1930 por Hal Morey

Hay fotografías icónicas que han marcado parte de nuestra historia, imágenes que muchos recordamos con el lujo de saber que han ido marcando modos y formas del Arte Fotográfico, pero también la propia historia de las naciones, de los lugares. Esta imagen del fotógrafo Hal Morey del que no tenemos casi datos se hizo entre diciembre de 1929 y enero de 1930 pues tampoco hay seguridad sobre la fecha. Muestra el patio central de la Estación Central de New York con unas luces maravillosas que crean un ambiente tenebroso pues eran años muy duros de una depresión económica que hundía sociedades.

Hoy la Estación Central de New York está casi igual, esta misma fotografía se podría hacer de nuevo con pocos cambios, retirando tal vez el logo de Apple de su tienda que está al fondo de las escaleras de la derecha, pero el reloj central se mantiene como se mantienen las taquillas.

Pero sería imposible lograr la iluminación natural. Que es el alma de la fotografía que vemos. Hoy los grandes edificios que rodean a la Estación Central son muy altos y no dejan entrar la luz por sus vidrieras. Podríamos hacer lo fácil, pero no lograr que la iluminación natural del sol penetrara en esta sala impresionante.

Esoterismo en la obra surrealista del artista argentino Xul Solar

El artista argentino Óscar Agustín Alejandro Schulz Solari más conocido por su seudónimo Xul Solar nos dejó esta obra que se conserva en el Museo Reina Sofía de Madrid, titulada "Contrapunto de montes y Yara", una acuarela del año 1948 de 48 centímetros de ancho en donde se mezcla el surrealismo, el dadaísmo o incluso el expresionismo junto a su propio interés por la religión o las ciencias astrológicas. 

Un paisaje lleno de objetos con el que Xul Solar intenta expresar un esoterismo común, básico, simbólico y silencioso para intentar explicar que todo el universo es común a todos nosotros. Que podemos subir y bajar sin dejar el camino, que las puertas de entrada y salida muchas veces no están a la vista lejana y que solo las podemos contemplar cuando ya estamos encima de ellas, cerca y camino de tomar decisiones.

Flor de terciopelo para hacerse un mini abrigo

¿Puede ser el terciopelo algo natural? ¿Podría la naturaleza crear terciopelo suave y peludo, capaz incluso de que tras la lluvia quedaran huellas en su piel? ¿Existen flores que quieran imitar las telas artificiales o es al revés, que hemos sido capaces de inventar telas que imiten a la naturaleza? ¿Da pelusa tocar suavemente la superficie de una flor de terciopelo? 

Antes de nacer, las flores ya son hermosas

Las flores sin salir también tienen un encanto especial pues nos muestran los esfuerzos que hay que realizar para poderse mostrar con toda su belleza. Empujar para abrirse camino, para desplegar sus colores, para ocupar sus espacios en ramilletes. Es un simple geranio, pero es simple por la abundancia de ellos en España. De entrada tan sencillo no será cuando se llena de pelillos para defenderse de quien ose sin muchas fuerzas penetran antes de nacer.

Cebollino en flor para una mañana de abril

Un poco de cebollino en las ensaladas va muy bien, y en los guisos pochados…, y para adornar, y para dejarse fotografiar. 

El cebollino es un buen amigo que incluso da flores y por ello semillas para poder seguir teniendo mas cebollino. 

Nadie diría que una humilde planta puede ser tan graciosa.

¿Juega el Arte Contemporáneo con nuestro propio tamaño?

En el Arte actual una de las constantes que más se utiliza sobre todo en instalaciones y escultura es el TAMAÑO como elemento visual diferenciador, como el motivo con el que llamar la atención del espectador. Todos tenemos constancia del tamaño de los objetos cotidianos, pero si vemos una cuerda de dos metros de grosos, o cientos de hilos finos revueltos o un montaje con una piedra de río de seis metros de altura, solo por eso, ya nos llama la atención y la mirada. No se necesita más, que mostrar algo que es inusual, simplemente por el tamaño, por la posición, por la repetición hasta formar un núcleo de muchas cosas comunes.

Comparamos visualmente el tamaño de lo que vemos con el tamaño de lo que realmente creemos que debería tener el objeto, y sin querer nuestro cerebro se admira. Algo se sale de lo habitual y lo valoramos de otra manera. Sería algo similar si para entrar a una exposición tuviéramos que agacharnos para atravesar una puerta de 1 metro de altura o si al penetrar en su interior viéramos una muñeca de 5 metros de altura. Todos estos pequeños trucos visuales intervienen en la mirada del Arte Contemporáneo mucho más que hace unas décadas.

La pintura plana no ha muerto, pero han ido surgiendo nuevas opciones de instalaciones que logran convertirnos en espectadores diferentes. No somos ya la poderosa persona que entra a admirar algo desde la prepotencia de que somos los dueños de la situación y de nuestro tiempo. Ahora podemos vernos apabullados por lo que vemos pues nos sentimos mucho más pequeños o como poco dentro de un espacio extraño donde nada es lo que parece, no es lo que creíamos.

Las cerillas de Claes Oldenburg es un ejemplo, pero también las cabezas femeninas de Jaume Plensa o la silla rota de Daniel Berset de Ginebra, o las otras cabezas en el suelo de Samuel Salcedo. En todos estos casos y ante elementos habituales, somos simplemente unos personajes de la instalación artística que resultamos diminutos y lo notamos. La obra nos apabulla y eso es lo que se busca, hacernos sentir más pequeños para que repensemos qué somos en realidad.

No dispares en blanco y negro, revela digitalmente con posterioridad

A la hora de convertir o de tener una imagen en blanco y negro tenemos casi infinitas posibilidades en ese cambio, en esa transformación del color total hacia el único color que no siempre tiene que ser negro. Nunca debemos disparar la fotografía en modo blanco y negro aunque lo permita nuestra cámara fotográfica, pues estamos dejando en manos de sus procesos de inteligencia artificial esa transformación. Luego en nuestro laboratorio digital es donde según los colores, el contraste, la fuerza que deseemos dar a la imagen, cuando debemos cambiar el modo para adaptarlo a nuestros deseos.

Podemos dar más o menos importancia a unos colores de la imagen, pero también podríamos cambiar e intercalar partes de los canales, modificar contrastes, tonos o detalles o virar el resultado final hasta obtener lo que buscamos. Incluso podemos realizar varios cambios distintos y decidir al final cuál es el que se adapta más a lo que buscamos. 

Y además al disparar en color siempre nos queda el disparo básico o maestro, para seguir diciendo sobre sus posibilidades de color o de fuerza.

El ejemplo de arriba ha sido elegido con muy pocos colores para que observemos que incluso en estos casos se pueden lograr con simplemente el cambio de modo, muchas variables posibles.

Todos tenemos escamas. Incluso los árboles y los peces

Si nos miráramos de cerca, muy de cerca, nos pareceríamos a las pieles de los árboles viejos, llenos de escamas que se nos caen, de pieles secas por la vida, de tonos amarronados y llenos de granos sin vida pero no muertos pues siguen creciendo. 

Las escamas son productos de las tormentas de la vida, y siempre molestan. Pero no hay que quitarlas pues dan personalidad. Una persona sin escamas ni arrugas en su interior es una persona vacía de pasado.

¿Qué es el Hilo de Plata para los artistas?

El arte es inagotable. Pero hay que tener concentración y muchas ganas de trabajar para no perder el hilo de plata, del que hablaba la artista americana Agnes Martin, y seguir buscando a través de esa idea que consideras "buena" para crear alrededor de ella tu propia serie de trabajos. 

No hay que rendirse si se tarda en encontrar es Línea Personal de trabajo original, no es sencillo, y no sirve de nada si aparece la idea y no nos pilla trabajando. 

Hay que estar con todos los ojos interiores del cerebro atentos, para saber cazar al vuelo cualquier idea que nos parezca interesante. Y con ella analizar, explorar, bocetar, ser críticos con sus posibilidades y darle un margen de actuación en positivo.

El "Hilo de Plata" es el camino leve que se abre en un momento dado, y que nos enseña un camino que hay que seguir hasta convertirse en un cordón, en una soga de la que disfrutar y crear a nuestro gusto. Incluso dicen, que algunos llegan a poder vivir de ese hilo de plata que algún día encontraron y decidieron seguir.

La imagen que vemos es una obra de la artista Agnes Martin titulada: "My Back to the World" y creada en el año 1997.

Vamos a crear un secreto y vamos a conservarlo secreto

Esta puerta, atrancada como casi todas, encierra un secreto. Enorme (o no) secreto que permanecerá siendo secreto para siempre. No sabemos qué hay dentro de ella, y no lo sabremos nunca pues no la pensamos abrir. Y además tampoco os voy a decir dónde está la puerta, para que nadie intente abrirla. Por eso y sin que la puerta se entere, hemos creado un secreto de la nada. Algo que existe pero que no sabemos ni vamos a poder saber nunca. 

Es posible que el secreto sea grande pero vacuo, idiota. Es posible. Pero no se trataba de crear un secreto importante sino simplemente un secreto pequeñito. Así de fácil es. Aunque sea un secreto que no interese a nadie. Pero… aunque no os interese, seguirá siendo un secreto. ¿No os pica un poco la curiosidad?

Nota.: La fotografía es de Luis Iribarren

Las paredes son color, formas, palabras, sueños

Con las paredes también se puede escribir, crear grafismos, casi morse. Palito, puntito, puntito, puntito, palito. 

Con la paredes se puede recordar, pues fueron contenedores de sueños, de vivencias, de tiempos y espacios vitales.

Con las paredes se puede aprender a contemplar en silencio que todos somos cáscaras de sustancias que vamos perdiendo hasta quedarnos secos. Aunque durante unos años nos quedará el color.

Las Formas en el Arte ayudan a crear emoción y atención

En Plástica y por ello en el Arte, las Formas son imprescindibles. Nuestra vista se tiene que centrar en objetos y la forma de esos objetos —o la forma de esos NO objetos— son fundamentales para que algo nos guste o nos disguste visualmente. 

Para que prestemos atención al conjunto, para que algo nos atrape y nos lleve a dedicarle unos segundos de atención.

Tendríamos que romper con el mantra de los segundos de atención (aumentándolos), pero desgraciadamente no podemos aspirar a mucho más. 

Nos tenemos que conformar con atrapar al espectador esos segundos, aunque ya sabemos que si se quiere contemplar una imagen, una obra, se necesitan más de unos pocos segundos. 

Pero vivimos en un tiempo de desecho. De urgencia tonta.

Así que hay que jugar con las formas, con el color, con los contrastes, con las diferencias, con incluso el engaño para atrapar la atención. 

Pero por otra parte, nos debería dar igual cuantos segundos le dedican los espectadores a una obra, pues quien le dedique menos de los necesarios, es él quien se lo pierde, y además no aportaría mucho a todo este conglomerado que forma el Arte. 

Ojo, no como negocio, sino como placer. El Arte —y por eso las formas— tiene que ser atrevido, es simplemente placer, gusto, hermosura, tranquilidad, emoción.

Una serpiente no venenosa que se mueve muy poco

Las paredes son los lienzos del presente, las hojas vacías sobre las que depositar las nuevas serpientes del verano. Las paredes son los lienzos gratuitos sobre los que practicar nuevas técnicas de Street Art sabiendo que durarán menos que la propia pared. Esta cobra es de New York, unos rasgos lineales que juegan con la ambivalencia. Está preparada para pasar desapercibida, para que no la veamos al pasar, y así su amenaza, pequeña, sea algo mayor. No pica, no muerde, pero se fija en todo.

Cuidados al enfrentarte a una puerta desconocida

No hay que apoyarse en la puerta, nunca hay que apoyarse en sitios más flojos que uno mismo, con menos confianza que tu propia seguridad personal. ¿Te apoyarías sobre mi, sin conocerme? Pues sobre la puerta tampoco. 

Las puertas exteriores cuando llueve fuera se llenan de gotas de cielo. Le llamamos agua para disimular pero en realidad es puré de cielo. Lo que nos cubre la cabeza es eso, así que si quieres ir al cielo, no reces mucho y aprende a nadar.

Si te sientes agobiado al estar dentro de una puerta con muchas personas, prueba a salir. Si fuera hace frío, llueve o tienen que andar mucho hasta buscar refugio, inténtalo. ¡Entra y relájate! Pero sin respirar profundamente, pues el aire ya viene respirado de fábrica.

El vuelo icónico de una mariposa mostrando la soledad de las personas mayores

El fotógrafo de Dinamarca Mads Nissen ha ganado el Premio World Press Photo 2021 con esta imagen que titula "El Primer Abrazo" y nos muestra a una anciana y una enfermera abrazándose con todos los añadidos para no tocarse en una Residencia para Personas Mayores de Sao Paulo en Brasil. Soledad parcialmente resuelta con el contacto humano aunque sea a través de la separación de los plásticos defensivos. 

La imagen se tomó en agosto de 2021 y nos muestra a una anciana de 85 años del Hogar para Mayores Viva Bem y enseña la primera caricia en cinco meses que recibía la anciana. El Premio World Press Photo se entrega y organiza en Amsterdam para premiar en diversas categorías las fotografías que más reflejan el año en sus distintos apartados.

Esta imagen, como muy bien han señalado desde el jurado, refleja entre otros motivos ese amor extraño entre dos personas pero a su vez el vuelo icónico de una mariposa amarilla que quiere recobrar la libertad y volar por sí sola. Ha sido un año muy duro de soledad para muchas personas mayores, y es complicado reflejar tanto sufrimiento interno en una imagen, pero esta se acerca mucho a eso.

Un New York algo horizontal dentro de su verticalidad

 

Todas las ciudades tienen muchos puntos de vista, todas son conocidas por los más fáciles, pero en todas ellas hay espacios y miradas que se salen ligeramente (o incluso profundamente) de lo habitual. Buscar o provocar estos puntos de vista es labor del fotógrafo que no siempre tiene que ser postalero en sus trabajos de mostrar lo que él ve. Un poco de composición, un punto de vista no habitual, ayudan a creer que siendo es lo mismo, es algo diferente. 

Un túnel de New York escapando al galope

Los túneles de las grandes ciudades son muchas veces pequeños museos al aire libre, elegidos por los artistas urbanos para que sus obras permanezcan más tiempo alejados de las inclemencias del tiempo, sobre todo de las lluvias. Que sea el Street Art un Arte Efímero no quiere decir que no se cuide la duración en el tiempo de su trabajo. Este túnel estaba en New York. el túnel seguirá, la obra ya no está tan claro pues han pasado tres años. pero la pregunta es sencilla: ¿Cuántos desearíamos tener esta obra colocada en nuestros salones?

El que no viaja es porque no quiere. Te dejan bajar a la calle e ir a la esquina

No me quiero ir a ningún lugar, me lo prohiben y me lo prohibo yo. Pero mientras tanto y para disimular me envuelvo de regalo, me rodeo de maletas vacías, miro programas de viajes y cuando me canso, me pongo a llorar. Viajar es escapar, es ir de caza, es salir. Sobre todo es salir. Así que me voy al barrio de al lado pero con el sombrero de los viajes y con dos maletas.. Me doy una vuelta por sus calles mirando escaparates y me vuelvo a casa por el camino más largo para que así me dure más el viaje.

Ángel Duerto Oteo y sus oscuridades fotográficas

El fotógrafo aragonés Ángel Duerto Oteo sabía trabajar las oscuridades como nadie en aquellos años de trabajo intenso. Trabajaba más con los negros que con la luces, más escondiendo lo superfluo que mostrando lo importante, que salía él (ello) solo en contraste con la oscuridad que lo envolvía. 

Esta obra que dejo es de la época del Grupo Cierzo, de una exposición del año 1986. Tampoco han cambiado tanto las formas de ver el Arte Fotográfico, pues estamos hablando ya de hace 35 años y de Fotografía analógica.

¿Sirve esta imagen de Tokio como ejemplo artístico?

El fotógrafo viajero Ruben PR @Atrus nos envía esta imagen suya que ha titulado: "Mañana lluviosa en las callejuelas del Yokochō". Él mismo nos indica que es una imagen tomada en el barrio de Yokochō que traducido sería El Callejón de los Recuerdos, aunque en Tokio se le conoce más por el nombre de El Callejón del Pis. 

Y nos advierte de que es una fotografía tomada con su teléfono y a la que le ha ido aplicando varios filtros. Seleccionados por él mismo, no de forma aleatoria. Viendo el resultado final, hay que añadir algo más de comentario. Y eso tiene que ver con dos cuestiones técnicas que ahora están muy en boca de todos los fotógrafos.

¿Son válidas las fotografías realizadas con un teléfono móvil? ¿Tienen sentido artístico si no están realizadas con una réflex y un cajón de objetivos? Aquí la respuesta es contundente. La cámara no es más que una herramienta. El oficio, la sensibilidad, la vista que sabe ver se lleva o no se lleva. No depende de la herramienta. Tampoco depende de esta ni el encuadre, ni el diafragma o la velocidad. Todo eso depende de la persona.

La segunda cuestión es: ¿Sirve de ejemplo final el que se hayan aplicado varios filtros hasta casi destrozar una imagen? Y aquí volvemos a lo mismo. Depende del autor. hay artistas pintores que no utilizan pinceles sino sus manos, trapos o esponjas. Y los hay que después de haber terminado una obra la prenden fuego de forma selectiva o le aplican disolventes; o le añaden otras copas para crear veladuras, virados, o cambios de color selectivos o globales.

Lo que al final nos tiene que importar es el resultado final, no el camino, no las técnicas de cada artista. 

Los fotógrafos llevamos muchas décadas, desde los laboratorios analógicos, en los que poníamos las manos sobre la luz de la ampliadora para aclarar sombras, o calentábamos ciertas zonas del papel mientras se revelaba con el vaho de la boca para hacer subir las altas luces. Eran filtros analógicos y en algunos casos bucales. 

En este caso diría que una sola imagen con esta temática y este punto de vista dice pero sin ser mucho. Pero si el autor hiciera una seria de 20 imágenes similares de la zona y con los mismos filtros repetitivos, lograría una Serie muy interesante.