¿Dónde están las ideas? ¿Dónde se esconde la creatividad? David Wojnarowicz

¿Dónde están las ideas? ¿Dónde se esconde la creatividad? ¿De qué forma puedo encontrar o descubrir nuevas ideas, nuevos proyectos? 

Pues simplemente es cuestión de mirar y de saber ver sobre lo que estás mirando. En fotografía funciona de forma perfecta pero en cualquier otro campo es muy similar. Observas un espacio, unos objetos, unas personas, un paisaje, pero todo él no es nada; es todo pero no es nada en particular. 

No es "TU" idea, tu proyecto. Todavía.

Así que tienes que encuadrar, cortar, seleccionar lo que estás mirando para ver solo aquello que a tí te parece algo original, novedoso, perfecto. Y además lo analizas en segundos, con tu experiencia de saber ver lo que miras, y decides dar más o menos luz, más o menos frialdad de color, un enfoque con mucho detalle o selectivo, moverte tú o mover la cámara, subir o bajar el punto de vista.

Es lo mismo que harías para un negocio, para una empresa, para una idea que pillas a costa de trozos de otras ideas para un cuadro o una escultura. Algo te atrapa a la hora de la mirada, pero ese "algo" tienes que pulirlo, convertirlo en personal. Y es entonces cuando te viene "la idea tuya", tu proyecto.

Y aunque crees que estás creando algo nuevo, no es cierto. 

Simplemente a lo sumo estás observando desde tu mirada un punto de vista nuevo de algo que ya existe, pero que posiblemente otros ven de otra forma. 

Estás simplemente encontrando algo nuevo, que ya estaba allí para ser cazado. El Arte muchas veces es simplemente seleccionar formas, espacios, puntos de vista. Simplificar mensajes, transformarlos, disfrazarlos de muy personales.

Nota.: La obra que vemos arriba es del pintor norteamericano David Wojnarowicz titulada: Escarabajos peloteros. El camuflaje lleva a la destrucción, pintado en el año 1986

¿Qué es la Forma en una obra llena de Formas?

Las Formas en el Arte son el fundamento actual, y aunque siempre lo han sido, ahora con el arte más abstracto son el fundamento de los espacios, de la escritura sobre el lienzo o el aire, son el abecedario que más se utiliza para expresarse. Formas de muchas formas, pues en realidad la Forma no tiene unos límites definidos de antemano. Una línea es una forma y según dónde esté, según qué relación tiene con su entorno, es por ejemplo una luz o una suciedad, o una oscuridad o un camino o una palabra.

Y una forma puede ser potente o puede mostrarnos que se está disolviendo entre otras formas. Es una idea sobre un espacio, es también la manera de clara de mostrar qué zonas se cubren con las distintas formas que son entre ellas diferentes. Las miramos y percibimos varias formas. Las puestas allí para ser mostradas, pero también sus negativos o sus huecos, pues en realidad la forma actúa como un separados de elementos, un contenedor de más formas, que da forma de formas al resto.

Arte Gratis. Arte muy Caro. Tiempos complejos, embarullados

Todo lo que nos rodea es complejo, cada tiempo que pasa se vuelve más complejo aunque a su vez nosotros nos volvamos más capaces de poder desentrañar esa complejidad. Y en el Arte sucede algo similar pues el Arte forma parte de nuestra vida, y me refiero al Arte como algo mucho más amplio que tener cuadros colgados en una pared. 

La publicidad ya hace años que es Arte, y con la publicidad se mueven las economías, el mundo laboral, las relaciones de mercados. Pero la Cultura también es Arte, incluso parte de la Educación se asienta en el Arte aunque no lo notemos. Convertir en atractiva una actividad que deseamos multiplicar es muchas veces sinónimo de hacerla agradable, bella y por eso tener que utilizar formas artísticas de embellecerlas.

El Arte no siempre es agradable, no tiene que ser bello, pero cada vez es más complejo. 

Incluso cuando el Arte simplemente tiene una línea, unas pocas formas, estamos restando elementos para con poco querer decir "algo" y eso es volverlo más complejo de entender. 

Estos tiempos actuales son a veces contradictorios entre sí, y el Arte actual también. ¿Simplemente manchas? El Arte vive de sus propios tiempos, lo que a veces no le garantiza su durabilidad en el tiempo. 

Estas contradicciones actuales, las dudas, los temores al futuro, los cambios sin rumbo fijos se trasladan al Arte y quedan reflejados en él. Para bien o para mal. Hay tiempos de basura, de confusión, tiempos grises y sin rumbo. Y todos ellos quedan reflejados en la música, en la cocina o en el Arte Visual. 

Si observamos hoy el Arte Urbano entenderemos muy bien estos conceptos de barullo. 

Las grandes obras de Arte (por tamaño) se hacen efímeras en la propia calle, se entregan gratuitas como si no tuvieran valor. No son incluso ni valoradas por los espectadores. Nadie las quiere poseer pues no se pueden despegar de los muros. 

Es un detalle de estos tiempos, Arte sin precio que se enfrenta a otras obras de Arte que se creen simplemente para ser dinero, para ser moneda de cambio.

En un collage, no todo vale si no se complementan las partes

En el Arte mezclar elementos que no encajan es un claro error excepto que seas ya un artista que domina los espacios de forma maravillosa. Ahora está de moda el collage, el pegar, sea manual o digital. Y parece que todo podría valer. Una imagen, unos trazos, unos colores, unas marcas, unos recortes, muchas veces sin relación entre las partes, entre los elementos. El conjunto puede parecer atractivo pero… ¿nos llega a decir algo…? ¿existe una línea común que sea capaz de unir los elementos?

El conjunto en una obra de Arte es mucho más que cada uno de sus elementos. Podemos haber agrupado partes atractivas, que sean capaces de hablar… ¿pero hablan entre ellas?

Poner enfrentadas varias imágenes de varios elementos deben decir en su fusión más de lo que dicen cada una de ellas de forma individual. Agruparlas debe servir para que su mensaje sea superior al que ya dan de forma individual. Que compartan el mismo espacio, el mismo lienzo, no las hace atractivas ni capaces de sumar porque estén cerca. Deben saber dice… en la suma. 

Este ejemplo de arriba es una tontería que me sirve de ejemplo. Unos elementos todos ellos naturales, pero unos han sido repintados, secos ya y eliminados de su espacio y colocados en un ambiente natural como jugando a bailar. Sueltos no dicen nada, unidos a su ambiente puede que tampoco, pero se complementan bien. De eso se trata simplemente, de que haya una línea de acción entre ellos.

¿Y si el Arte Abstracto estuviera utilizando un abecedario no común?

Al menos en teoría si deseas entrarte en el mundo abstracto y crear obras pictóricas tuyas, abstractas en el sentido del diseño de sus partes, de sus elementos, deben saber que no todo vale. Aunque creas lo contrario. Estás jugando con los espacios, estás creando sobre una base posiblemente plana unos espacios que entran en contraste, en consistencia, formando volúmenes y distribuyendo espacios. Divides queriendo o sin querer toda aquella forma plana del lienzo, para ir añadiendo elementos que ellos por sí solos ya no son abstractos, lo son cuando se juntan unos con otros. 

Y en ese juego con elementos y formas debes querer decir "algo". Y en ese "algo" es donde cabe toda la complejidad enorme o simpleza tremenda de lo que intentas explicar. 

Hay infinitas formas de "escribir" con colores, formas y volúmenes. Hay multitud de alfabetos y el Arte abstracto utiliza según cada artista, unos u otros grafismos. 

Antes de conocer la A, la B o la C ya había civilizaciones que escribían con otras "letras" incluidos los pueblos prehistóricos. Y entre ellos se entendían bien, como se entendían los íberos o los egipcios, por poner otros de los ejemplos de grafismos reconocidos. Y todos ellos querían decir "cosas" con sus formas de expresión.

La obra que vemos arriba se titula "Gesto y K" y es del artista zaragozano Borja Cortés Soria, realizada en el año 2018

¿Puede un artista defender o explicar una de sus obras?

Tus obras se tienen que defender ellas solas, son seres inertes pero con vida (teórica) propia y no sirve de nada ni justificarlas ni explicarlas ni darles sentido desde las palabras del artista que las crea. Ellas, en cuanto las sacas de tus manos empiezan a caminar por sí solas, gustarán o no, defraudarán o resultarán maravillosas, pero tú ya no puedes hacer nada por ellas. Así que deben ser sinceras consigo mismas, sin que entre para nada ni tu explicación posterior ni tu defensa.  

Es cierto que la trayectoria del artista marca de alguna forma la opinión que tengan los espectadores de cada obra, pues la medirán con el resto, quedará influenciada por sus compañeras de estudio. El artista defiende cada una de sus obras a costa de todo el conjunto de todas sus obras. Unas sujetan a las otras, unas ofrecen sinceridad al resto. La escritura de unas obras del mismo artista ayudan al resto de obras a saber explicarse.

La obra que vemos arriba es de la artista aragonesa Julia Dorado del año 2017 y titulada "Obstáculo".

¿Para qué servían las vidrieras en las iglesias góticas? Montauban (Francia)

Una de las representaciones artísticas más innovadoras en su momento fueron las vidrieras del gótico, en grandes catedrales cristianas que intentaban —y lograban— impregnar de luz santa a los fieles que acudían a las ceremonias. Todo representación artística religiosa intenta explicar historias sagradas, hablar con imágenes de hechos religiosos ante una sociedad que todavía no sabía leer ni existían libros a su alcance. 

Así que lo mejor era trasmitirles con cuadros o esculturas lo que se explicaba en el púlpito. Pero si además se podía hacer con luz, si se podía lograr que los fieles se sintieran elevados hacia el Cielo arropados por la propia Historia Sagrada, era ya el éxito de la explicación religiosa para aquellas gentes que casi vivían en chamizos, en la oscuridad de vivienda que a lo sumo tenían velas o candiles.

Esta vidriera representando a un San Miguel está en la catedral de la ciudad francesa de Montauban.

Gerhard Haderer y sus obras de arte que no nos gustan nada

Sin ninguna duda el Arte del alemán Gerhard Haderer es un arte contundente; dibujante de caricaturas y viñetas que sabe ir un paso más allá para sacar de sus obras ese poco de humor doloroso que a veces tan bien encaja con la sociedad actual. Yo no creo que se ría de nosotros, ni que nosotros nos riamos con sus obras. Al contrario, creo que tanto él como nosotros sufrimos al contemplar sus dibujos, pues nos retrata a todos y no nos gusta nada que lo que vemos.

Coleccionar Arte es coleccionar Artistas. Aprender a Coleccionar Arte

Hablábamos antes de algunos aspectos a considerar si quieres comenzar una colección propia de Arte, algo que parece carísimo, raro y minoritario, pero que nos asombraría saber que es mucho más común de lo que pensamos. No siempre como forma de inversión, sino de guardar y recopilar, añadir e ir aumentando tus propios gustos artísticos, con obras de diversos autores. Y sabemos que coleccionar Arte puede parecer muy caro, sobre todo si solo hacemos caso a los precios que salen en los medios de comunicación a través de subastas o de Galerías de Arte de un nivel importante. Pero hay muchas maneras de comenzar una Colección de Arte.

El Arte está para contemplarlo, así que una de las primeras causas de tu decisión es analizar si dispones de espacio suficiente para tener colgadas las obras a tu mirada. Puedes pensar en obras colgadas con suficiente espacio para respirar, o puedes pensar en obras bien colocadas en la pared con arreglo a tus gustos. El espacio es importante.

También lo es tu propia formación artística con los añadidos de novedades, tendencias, Ferias, exposiciones, etc. Pero no para hacerlas caso, sino para aprender a ver, para saber en qué punto está el mercado, para decidir con toda la información posible. 

Al final tu dinero es tuyo y lo vas a cambiar por obras de Arte que deseas contemplar pero a la vez deseas que no se conviertan en polvo. Para ello hay que conocer los mercados al menos un poco, y debes educar tu forma de ver y entender, dentro de unos ejercicios que también ayudan a caer rendido ante todas las aristas que el propio Arte tiene. 

Eso no supone que todo te guste, que no admitas que a veces el mercado del arte es engañoso y hecho para inversionistas y no para artistas o personas con gusto artístico.

Si compras una obra de arte lo será siempre porque te atrapa, porque te gusta. Y además porque piensas que te gustará durante mucho tiempo. En el Arte  pictórico o fotográfico las modas duran en las mentes de los espectadores muchos más años que en otras disciplinas.

Si quieres comenzar tu colección de arte pero no estás seguro de por dónde ir caminando, empieza por obra de pequeño tamaño, por obra gráfica, bien litografía, fotografía o serigrafía, y poco a poco irás seleccionando. Es obra mucho más barata, te afianzará a ir conociendo el mercado y sus opciones, no estarás invirtiendo mucho si algo al final no te gusta, y sin dura irás aprendiendo.

Es importante conocer al artista, saber algo de su trayectoria, pues al final una obra es simplemente una parte del artista. Obra y artista van unidos y es muy difícil que te guste una obra pero en cambio no te guste el artista y el conjunto de sus obras. Si es un artista nuevo el gozo de vele crecer es mayor si ya tienes una obra suya en tu colección. 

En las colecciones de Arte no se trata tanto de seguir tu propia obra en concreto, como en seguir al artista e incluso de ir comprando obras suyas según él vaya evolucionando.

Nota.: La obra que vemos arriba se titula "Joven cosiendo" y está pintada en el año 1947 por Miguel Ángel Álvarez

¿Quieres crearte una Colección de Arte y no sabes por dónde empezar?

A los que nos gusta el Arte, creo que a todxs nosotrxs, nos encantaría tener una Colección de Arte de nuestra propiedad para que nos rodeara en nuestra vida. Obras de diversos autores que tendríamos cerca de nosotros, para disfrutar contemplando una de las bellezas que hemos elegido, el Arte. Pero eso… ¿es caro? ¿cómo se inicia? ¿dónde se aprende a tener una colección de arte propia? ¿en qué criterios nos basamos?

Sin duda hay mucho que hablar de la forma en que debemos iniciar una Colección Propia de Arte. Lo importante es pensar que lo que vayamos a comprar nos va a durar muchos años y por eso lo básico sería decirte que nos tiene que gustar. Pero también es cierto que hay muchas formas de comenzar una Colección de Arte. Veamos algunas de ellas. Hay más.

1/ Compras Arte por inversión y sacar beneficio comprando y vendiendo

2/ Compras Arte por que te gusta, pero también quieres invertir y poco a poco hacer crecer tu Colección

3/ Quieres comprar algo de Arte, poco a poco pues no tienes mucho dinero para ello, pero quieres formar tu propia Colección modesta

4/ Quieres tener Arte y te da igual los conceptos de inversión y compra venta

Estas cuatro fases son muy distintas y no solo por las cantidades de dinero que se pueden utilizar, sino porque los objetivos son muy diferentes y el tipo de obra y de autor es también tremendamente distinto. Digamos que yo me voy a dirigir a los dos últimos casos, pues los dos primeros ya tienen sus propios asesores en Arte y se mueven por decisiones que no siempre son las de crear un propio pequeño Museo de Arte para disfrutar.

Seamos sinceros. ¿Cuánto dinero quieres invertir todos los años, que puedas dedicar a comprar Arte? 

Hay gente que se lo gasta en tabaco, en entradas deportivas o en discos. Coleccionar Arte es una hermosa afición. 

¿Tienes espacio para tenerlo colgado, para poderlo contemplar? 

El Arte de Gran Tamaño es mucho más caro que el Arte de Pequeño formato, se revalorizan de forma muy distinta y se accede a diferentes autores. Si no dispones de mucho espacio, tal vez debes empezar por obra pequeña o mediana. 

Otro asunto a determinar es decidir qué hilo conductor quieres para toda tu obra comprada, para tu colección. ¿Toda (o casi) del mismo concepto artístico, de la misma temática, de pocos autores elegidos, de cualquier autor con tal de que te guste la obra, de autores conocidos? ¿Pintura, fotografía, escultura, vídeo, dibujo, serigrafía, litografía, montajes, grabado, cerámica?

Para empezar lo correcto sería dotar de una temática o hilo conductor a las adquisiciones, aunque sin duda las reglas están para saltárselas. 

Si algo te gusta, punto, te gusta. Y si te das de bruces con un autor que te gusta por algún motivo, no hay otra que picar. Pero eso ofrece juego y además puntos de contraste con tu colección, siempre que no mezcles obras con muy diferentes siglos de distancia.

Hay que formarse algo más que POCO, sobre todo para entender de precios, de géneros y tipos de arte, de modas sin convertir a esta palabra en peyorativa. 

Aprende de la obra y del autor a quien quieres comprar, para ver si su obra es parte de una temática. Si es obra ya expuesta será más cara que si es obra de alguien que está empezando o se encuentra fuera de los canales clásicos de exposición. 

Hay tantos tipos de Arte como posibles Colecciones Personales de Arte. No puedes abarcar todo, debes seleccionar mucho y elegir con arreglo a tus posibilidades, incluidas las formativas y las de gusto personal por el tipo de Arte. 

Tu propia sensibilidad te llevará hacia la obra de Arte que te gusta y que puedes comprar. Nadie (casi) empieza su colección por un Picasso o un Miró, pero tal vez hay obra con diversas técnicas que te gusta por algo y entra en la temática que deseas explorar. 

Hay ciudades "especiales" para encontrar obra contemporánea como Barcelona y Madrid en España. Si quieres comprar en otros países ya debes tener más información y saber a través de asesores todo lo referente a la obra. Pero hoy internet es un canal imprescindible para conocer e incluso comprar.

Puedes optar por obra antigua, pero lo habitual es empezar por obra contemporánea donde hay mucho para elegir y tremendamente distinta una de otra, por técnica, escuela, tipo, tamaño y precio. 

Nota.: La obra que vemos es de Juana Francés "Sin titulo" pintada en el año 1985 al acuarela sobre papel pegado a madera 

Pintura al óleo o acrílico. ¿Comenzamos con soporte blanco u oscuro?

No se trabaja igual con pinturas o medias traslúcidos que si trabajas con pinturas o medios opacos. Sobre todo no se empieza el cuadro, la obra de la misma forma. Los medios traslúcidos van desde el blanco al color, es decir, si empleamos acuarelas o acrílicos los colores van restando luz al soporte y por ello tienen que empezar siempre desde un fondo blanco o lo más claro posible. En los medios opacos como el óleo puede ser al revés ya que en realidad estamos añadiendo (si queremos) luz sobre el soporte o la base.

Imaginemos en un óleo que empezamos con una base o soporte que sea del color más oscuro del resultado final que deseemos, por ejemplo negreo. Simplemente tenemos que ir añadiendo luz. El claroscuro utiliza muy bien esta técnica y tiene muchos siglos de antigüedad.

Se puede trabajar de oscuro hacia la luz, añadiendo colores claros a la base oscura, y esto cada artista lo utiliza según sus gustos. Algunos empiezan casi en un marrón oscuro, otros incluso en negro, algunos parten de una base gris media y otros empiezan con un soporte coloreado en gris tomado de algún tono de color que sea el predominante en la obra final. No hay un solo ejemplo y con los años de práctica cada artista encuentra su mejor base con la que empezar a colorear. En óleo también se puede empezar desde el blanco de la tela, todo depende de la escuela.

Pero en acuarela o en acrílico casi es obligado iniciar la obra desde el blanco e ir añadiendo color y por ello de ir restando luz. En un óleo se puede terminar una obra añadiendo las luces y remarcando las sombras más oscuras con colores super oscuros. En acrílicos nunca es recomendable terminar la obra añadiendo golpes de luz con blancos, menos todavía en acuarelas, pero alguna veces se trampea el final.

La obra que vemos: El Puerto con el desembarco de Cleopatra en la ciudad de Tarso pintado en el año 1642 por el pintor francés Claudio de Lorena y que se encuentra en el Museo del Louvre de París es un ejemplo donde queda reflejado que es más sencillo añadir las luces al final que ir añadiendo las sombras para dejar los blancos y luces sin trabajar. ¿De qué manera te resultaría más sencillo realizar un cuadro como este? ¿Partiendo de una base o soporte blanco o con un lienzo ya tintado del color de las paredes del edificio de mas a la derecha o incluso del suelo sobre donde están colocados los personajes? 

Muñecas kachinas pintadas de la cultura Hopi de Norteamérica

Las kachinas de la cultura Hopi eran unos seres sobrenaturales que mediaban entre los humanos y los Dioses que lograban la lluvia, las buenas cosechas y que el mundo agrario fuera fértil y sin muchos problemas. Estas muñecas se utilizaban para dárselas a los niños y así que aprendieran a conocerlas, respetarlas y orarlas. La de la derecha se llama Ma-Alo y era la Kachina del bastón. La de la izquierda es Pahlik Mana y era la Muchacha Mariposa. Se cree que había más de 300 muñecas distintas que representaban a diferentes intermediarios entre las divinidades y los mortales.

Estas muñecas del pueblo norteamericano Hopi en la zona de Arizona, se construían de maderas generalmente de álamo, de lana y luego pintadas con colores naturales. Estas muñecas son de principios del siglo XX.

Steve Gibson y sus personas de madera barata, que temen ser vistas desnudos

El artista de Liverpool pero afincado en Zaragoza desde hace más de 20 años, Steve Gibson nos dejó en el año 2018 una exposición de sus obras para disfrutar de esas esculturas en madera de desecho que reflejan su particular modo de entender los espacios, de recrear mundos paralelos y vivos aunque parezcan artificiales. 

Vive en uno de esos barrios mundiales que son los que mejor dejan vivir la realidad no ficticia, en un barrio duro y blando según si vives fuera o dentro (Dentro = Blando y vital) lo que le permite seguir soñando con las personas que sigan pasando/posando por su estudio taller donde aprende a enseñar, enseña a aprender… que la vida están en sabe mirar y en querer seguir mirando.

Unas Almas Desnudas del fotógrafo José Ramón Luna de la Ossa

Del fotógrafo José Ramón Luna de la Ossa, de Tarancón (Cuenca), una imagen que él titula "Almas desnudas" y donde nos refleja ese mundo casi irreal del mundo rural español en donde lo más secreto se abre a mostrarnos la vida e incluso la muerte, pero sin duda la vitalidad de esa naturaleza que siempre se abre paso aunque la intentemos doblegar.

Fotógrafo surrealista (si él quiere) pero de ese surrealismo que ha sabido trascender los siglos para seguir mostrando que lo que no vemos pero que está allí esperando a ser cazado. La fotografía es cazar instantes, y José Ramón Luna de la Ossa sabe pillar los momentos… o incluso crearlos.

Batalla de señoras francesas del artista Jean Veber

Esta obra pictórica del artista francés Jean Veber pintada en el año 1897 y titulada "Batalla de señoras" refleja sobre todo una viñeta humorística, una caricatura de la vida parisina de finales del siglo XIX dodne parece reírse del mundo a través de sus juegos. Mezcla la crueldad, la lujuria y el sexo, con un espectáculo sádico de peleas de mujeres donde ambas están impedidas, para caminar pero no para seguir golpeándose entre ellas, mientras otros tres espectadores masculinos en sus mismas condiciones de enfermedad disfrutan observando como se pelean entre ellas. 

Podría ser el ejemplo claro de la pelea entre la propia sociedad débil, entre ellos no se sabe los motivos pero sobran, antes de pelearse contra los que los han dejado en unas condiciones deplorables. Y todo como espectáculo de nosotros mismos, como divertimento de nuestras propias incapacidades.

Georges Rouault y el retrato de una prostituta francesa

Del artista francés Georges Rouault y realizada la obra con lápiz y acuarela sobre papel, un cuadro titulado "Eva caída II" pintada en el año 1912. Un pintor muy especial, expresionista en casi todas sus obras, empezó en el arte con 14 años como aprendiz ayudante de pintor y restaurador de vidrio y tal vez por ello podemos ver en muchas de sus obras como quedan perfiladas en negro las figuras, pasando con los años de pintar paisajes a retratar a personas que destacaban por sus expresiones, fueran payasos, prostitutas o jueces y abogados. Era muy religioso y por ello también realizó un buen número de obras de temática religiosa.

En sus últimos años de vida Georges Rouault no quiso que pasaran a la posteridad un gran número de sus obras pues no las consideraba de calidad y llegó a quemar más de 300 cuadros suyos. Dejó muchas obras inacabadas que su viuda ha logrado mantener y que se han ido exponiendo en diversas ciudades europeas. Supo trabajar con su particular técnica unas obras muy de la época pero que casi reflejaban escenas de vidrieras con fuerte color, a través de la pintura.

¿Tenemos que entender el Arte o simplemente gustarnos?

Esta viñeta del dibujante Máximo es del año 1970, publicada en el diario El País iba acompañada del siguiente pie.

"Donde esté una lagarterana bien pintada, con su cántaro a la cadera…, ¿verdad, usted?" 

En realidad Máximo pone el dedo en uno de los problemas menores del Arte, pero problema al fin. La incomprensión. Y confundir no comprender o no gustar, o pensar con que tenemos que entender todo lo que se nos muestra, con la valía del Arte Abstracto. Es un gran error. 

Pensemos en gastronomía. Hay decenas de alimentos que no son como nos los comemos. Están bueno o malos simplemente si nos gustan. Si los han cocinado bien, los han presentado de forma atractiva, y nos dicen algo. En gastronomía todo lo modificamos. La música entra sin que a veces la entendamos del todo, simplemente nos dejamos impregnar. 

Técnicas diversas en los medios urbanos de Art Street

En el Arte Urbano se puede utilizar las mismas técnicas que en cualquier otro modelo o técnica artística. No es solo spray como ya vamos observando desde hace años, y las plantillas por ejemplo han intentado copiar métodos similares a la serigrafía o a los aguafuertes impresos sobre pared, o se utilizan acrílicos o aguadas como herramientas junto a pinceles, espátulas, esponjas, etc. La pared simplemente es un soporte, un enorme soporte para recibir al trabajo artístico.

Y por eso también se pueden utilizar técnicas muy variadas, desde el puntillismo a las tramas, desde los difuminados para simular acuarelas, etc. Y sin duda desde collages a trabajos en 3D, desde dibujo lineas a obras mucho más complejas llenas de diversas técnicas.

Lo que vemos es un detalle de un conejo en un mural de Zaragoza. Se ha trabajado el dibujo lineal tipo tramas para imitar medios tonos.