Quino ha decidido irse cansando de no poder mirar


Ha muerto Quino, pero no pasa casi nada, sus filosofías y sus personajes, muchos, no han muerto, no se han ido de viaje. El dibujante que más cosas quiso y supo decir en castellano adoraba España posiblemente más que España adoró a Quino, pero eso es casi siempre así. Seguiremos hablando de sus muchos trabajos.

13 Rue del Covid por @Tamat



Javi Agenjo @Tamat, profesor de programación de videojuegos en la Universitat Pompeu Fabra ha plasmado en 14 viñetas lo que es un 13 Rue del Percebe de Ibañez pero en moderno, recreando más un 13 Rue del Covid en un alarde de interpretar las semanas de confinamiento que tuvimos que pasar en España en la primavera de 2020.

El clásico confinamiento de toda la familia en muy poco espacio, el que se montó un Cine en casa para soportar el no poder salir mientras se dedicaban a fabricar pan como cosacos, el músico que se dedicó a crear nuevas canciones, la gimnasta que quiso seguir estando en forma, el profesor que daba clases online a sus alumnos, el miedoso que utilizaba todos los mecanismos para evitar el contagio, la lectora sin descanso, el que con la excusa de sacar a su perro a pasear se iba a la calle a respirar aire, la voluntaria cosedora de mascarillas, el repartidos que sufría los mimos miedos que todos pero tenía que hacer su trabajo y el jabalí que se dedico a explorar la ciudad una vez que los humanos nos habíamos escondido.

Sin duda y personalmente, ver la terraza vacía me impresiona. Todos encerrados, pero el aire libre estaba vacío. Al menos el jabalí sí creyó que era posible pasear. Y el repartidor por su obligación para comer.

Dice @Tamar en sus Redes Sociales donde ha dejado el dibujo: Durante el encierro decidí documentar todas las etapas por las que pasamos y hacer un dibujo de ellas. Este es el resultado. Tamat

El niño de la granada, de Joaquín Sorolla


De un joven Joaquín Sorolla tenemos esta obra que en a finales del año 2020 se subasta en Setdart.com y pintada sobre el año 1885 con 22 años de edad. Había estudiado arte desde los 13 años y ya se había ido hasta Madrid para ver en el Museo del Prado a los maestros y copiarles sus formas aprendiendo de ellos. Un año antes de esta obra: "El Niño de la Granada" había obtenido la Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional por su obra "Dos de Mayo".

Becado ese mismo 1884, se fue a Roma en donde se cree pintó la obra que mencionamos y podemos ver arriba. Según la familia esta obra había sido regalada por Joaquín Sorolla a su futuro suegro, el conocido fotógrafo Antonio García Peris, al que se lo entregó el mismo año de su creación.

¿Y si los Museos abrieran sus puertas no para entrar sino para salir?


No hay ninguna duda a nivel mundial que el Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía de España en Madrid es un lujo a cuidar y mimar, al mismo nivel que los centro más importantes del mundo, del que se copia sus formas y modos en España y Europa al menos, y digno de hablar de él con tranquilidad y calma, pero también con preocupación.

Ante la pregunta simple y contundente de: ¿Qué es un Museo hoy? habría que completar la pregunta: ¿Qué es un Museo de Arte Contemporáneo hoy? e intentar averiguar la respuesta con una exploración de todo el panorama mundial y sobre todo de todas las posibilidades actuales que toca el Arte de estos años y al menos de gran parte del siglo XX.

Un Museo como el Reina Sofía tiene la importancia de marcar terreno, caminos, formas, y eso es además peligroso ante los errores que pudiera cometer, ante los riesgos en los cambios, sobre todo cuando parte de ellos vienen obligados por los cambios sociales que ya hoy sabemos encima con el Covid y sus consecuencias.

Museos como El IVAM, el MACBA, el IAACC Pablo Serrano, el MoMA, Orsay o el propia Reina Sofía están trabajando ya en formatos parecidos, pero con sus propias personalidades y direcciones, y preguntándose todos sobre los mismos asuntos. ¿Qué será de los Museos en el futuro? ¿De qué forma podremos ser sostenibles y cumplir la enorme función social y cultural asignada?

Los nuevos tiempos unido a la enorme brutalidad económica que suponen las grandes exposiciones obligan a un replanteamiento, sin perder su calidad expositiva, su osadía ante las propuestas, su capacidad educadora y cultural, y su obligada parte hacia el entretenimiento social. Unir todo esto sin dinero es casi imposible, pues se requieren excelentes profesionales. 

Hay que trabajar en multiplicar sin dividir, en expandir sin salir de casa, en acercarse más que en esperar a que se acerquen los espectadores. 

Y hay que seguir trabajando en difundir nuevas formas artísticas, en mezclar con valor y valores lo nuevo y lo no tan nuevo, para que vayan surgiendo modos artísticos nuevos. 

Y sobre todo como ya se sabe, hay que ampliar las miradas hacia América, hacia toda África y Asia, y hay que salir a la calle. En la calle también hay ARTE.

En la imagen podemos ver un dibujo de Víctor Mira realizado en la primera mitad de los años 80 para luego utilizar sus bocetos en distintas serias pictóricas de aquellos años.

Muro de Mina de la escultora Dora Stefanova


La obra escultórico que nos recibe (entre otras) al llegar a la Cueva del Soplado es "Muro de Mina" realizada por la artista búlgara Dora Stefanova y situada frente al Centro de Interpretación de la cueva El Soplao.

Se trata de una escultura de gran formato, consistente en una gran pantalla curva realizada por 
Dora Stefanova en bronce que representa el muro de la mina y sobre la que sobresale por ambos una pieza ovalada en forma de huevo de piedra, en representación del mineral que se extraía de la antigua explotación minera de La Florida, situada en el interior de la cueva.

Es un trabajo artístico típico de esta escultora afincada en España desde hace bastante años, con obras de grandes dimensiones o de esculturas de menos tamaño que casi intentan ser obras pictóricas, y que juega en sus obras con la mezcla de elementos planos y casi laminares que contrastan con otros piezas a su lado, ovaladas o casi circulares. Relieves y contrastes que evocan la obligación al espectador de preguntarse qué son esos contrastes tan marcados, formando casi dos obras en una.

¿Es el toreo Arte propio o es una representación teatral violenta?


Durante muchos años se entendió la tauromaquia como ejemplo estético para dibujar o pintar de forma rápida escenas curiosas, que no eran fáciles de ver en la vida común. La lucha entre un animal y unos hombres, siempre desigual pues siempre el final era el mismo, pero en medio quedaba esa estética artística y teatral.

Esta estampa nos enseña al torero Cuchares en Zaragoza, en las Fiestas del Pilar del año 1884, trasteando con la muleta a un toro de la Ganadería de Ferrer donde el animal tras enganchar al torero lo arroja el suelo quedándose como vemos en el dibujo o en el grabado.

No había fotografía, era la reproducción desde la mirada del artista grabador, donde una vez más y tras levantarse el torero desde el suelo, terminó dando una estocada al toro que por un momento parecía que podía ganar la batalla.

La belleza de la estampa es clara, sin entrar al ejercicio de la tauromaquia pues ese es otro tema. Es un ejercicio violento pero a la vez teatral y por ello artístico, donde el riesgo se corre siempre, aunque el final siempre sea como ya hemos dicho, similar en casi todas las veces. Pero mientras tanto hay color, hay formas y espacios, hay movimientos y estética. y eso es lo que el artista representa. 

El contexto, el espacio, el momento, el envoltorio de cualquier obra de arte… influyen


El contexto, el espacio, el momento, el envoltorio de cualquier obra de arte influyen y mucho en su significado. No podemos contemplar de igual manera una obra de teatro en Mérida y su espacio romano que en una sala pequeña  y moderna de una gran ciudad. No es posible entender igual un cuadro de Goya si lo observas en el año 1835 a si lo haces en el 2020. No es lo mismo ver una obra musical clásica para tí solo (o en la Fila 1) que hacerlo en un enorme auditorio con 30 filas delante de tu vista, pues todo influye.

De esta manera es imposible hoy entender qué pensarán en el año 2150 de una obra de Joan Miró o de Antonio López. Podemos imaginarlo desde nuestro punto de vista actual, pero nada más. Sobre todo porque no es posible saber hoy qué tipo de Arte se estará realizando en ese año de 2150. Sabemos, eso sí, que se seguirá haciendo Arte y que será diferente al actual, pues así ha venido sucediendo en los últimos miles de años.

El momento histórico influye en cada obra, pero también el contexto técnico, el espacio sobre el que se muestra una obra. 

Hoy somos capaces de entender que algunas obras son cine y otras publicidad, algunas son artículos de opinión y otros artículos de información. Dentro de 130 años no tenemos ni idea de dónde estarán las separaciones y los contextos por donde se explicarán las ideas. 

Y por eso mismo, algunas de las obras actuales soportarán mucho mejor que otras el paso del tiempo. Pero no sabemos cuales serán y cuales saldrán perdiendo. Simplemente porque no podemos imaginar el contexto sobre el que se moverán en el año 2150.

En la imagen de arriba vemos la cabeza reconstruida (nunca se a fundir en bronce desde el modelo de cera) del Caballo Sforza de Leonardo da Vinci sobre 1490.

La vendedora de Lanzones, de Félix Resurrección Hidalgo y Padilla


Un lienzo del año 1875 del pintor Félix Resurrección Hidalgo y Padilla realizado en Manila mostrando lo que era una española filipina "La vendedora de Lanzones". Es una obra de un Félix Resurrección Hidalgo y Padilla joven con 20 años de edad, que refleja la sociedad que él veía en sus calles en la todavía Filipinas española. Pocos años después de realizada esta obra viajó hasta España donde continuó sus trabajos artísticos moviéndose entre Roma, París o los EEUU. Falleció en España.

La obra que vemos arriba es propiedad del Museo del Prado

Una teja de una pagoda de China en cerámica vidriada


En ese uso más humilde y habitual del Arte, cercano a la Artesanía de más nivel, nos encontramos con todo tipo de añadidos religiosos a los hogares de todas las Culturas. 

Esta imagen nos muestra una simple teja (¿simple?) de la Dinastía Ming en China, mostrando una imagen de un Buda que estaba en el tejado de una pagoda. Una cerámica vidriada de entre los siglo XIV a XVI. El Arte en sus variadas técnicas inunda todas las sociedades de todos los siglos. 

¿Qué es ser migrante en el mundo del Arte?


La fotógrafa (artista visual) colombiana Luisa Ordóñez nos presenta el montaje fotográfico "Uno se despide y no se va: geografías migrantes" en una instalación presentada en Madrid y con materiales recogidos en Berlín junto a un grupo de otras fotógrafas latinoamericanas en un trabajo donde la migración es una constante entre muchas personas que nunca antes se habían sentido emigrantes.

Es la búsqueda de un espacio conjunto de descanso, de hogar o de espacio vital, de zona de confort donde la emigración todo parece complicarlo. 

Se notan esos recuerdos del pasado dejado atrás y lleno de recuerdos, se reflexiona sobre el presente y se imaginan un futuro nuevo, que nunca saben bien de qué color será.

Simple Arte Urbano para decorar un rincón perdido


Cualquier detalle por pequeño que sea sirve para decorar un rincón perdido de una zona degradada. Es el ejemplo sencillo del poder del Arte Urbano, capaz de dignificar los rincones perdidos de las ciudades. El Arte también hay que repartirlo gratis entre todos los ciudadanos. La Justicia Artística está muchas veces en lo simple, en conocer lo sencillo.

La villa romana de Noheda y su fotografía teatral de hace 1.600 años


La villa romana de Noheda del siglo IV, en Villar de Domingo García (Cuenca) es uno de los ejemplos de Arte decorativo con 16 siglos de antigüedad que refleja el lujo y la riqueza de algunas familias que podían permitirse todo tipo de lujos existentes en aquellos siglos. La villa es un reflejo del modelo económico, familiar  cultural, social y organizativo romano que ha quedado plasmado en un magnífico complejo de diez hectáreas, al que llaman en Europa ‘La Pompeya española’.

En lo que sería el salón comedor hay un inmenso mosaico de más de 231 metros de arte figurativo realizado con la técnica de opus vermiculatu, una de las más complejas en la elaboración de mosaicos. Es el más grande y mejor conservado de Europa. 

Está compuesto por seis paneles con temáticas mitológicas, como el juicio de Paris o el mito de Pelope e Hipodamía, representaciones de diversos ludi (juegos) y alusiones a géneros literarios y teatrales. Sus figuras son un ejemplo del tipo de representaciones teatrales y musicales de aquellos años.

Una fotografía de un concierto o una representación teatral de hace 1.600 años. ¿Podemos dejar de considerar esto un Arte Fotográfico? Como en realidad solo conocemos el 10% de todo el complejo edificio y anexos, ¿Qué permanecerá todavía escondido bajo tierra?



Gülsün Karamustafa nos muestra en un collage mural "Fragmentos"


La artista turca Gülsün Karamustafa nos deja esta pared llena de propuestas raíces de su propia cultura que es más la suma de un montón de pequeñas ventanas desde donde podemos ver esas maneras únicas de mostrar detalles de sus vidas, de sus formas, de sus maneras de ver y entender la relación humana.

Es un montaje con decenas de recortes de imágenes de la artista, formando un collage mural, creado en el año 1999 y que titula "Fragmentos". Imágenes sensuales de bellas imágenes que forman un todo al sumarse una a la otra, ya que en sí mismo cada una de ellas no dice todo lo que pretende.



No es una decoración más de un Centro Comercial. Es una obra de Arte Urbano


A veces con el Arte Urbano que se ha convertido simplemente en Arte Comercial, en Arte Decorativo de fachadas, sucede algo curioso. Resulta muy complicado el lograr saber el autor. Es como si ya nada fuera una obra de Arte, sino un añadido mas al edificio. Y por consiguiente es del propio edificio, que lo es, pero como si fuera una ventana, una puerta o los cables de la luz.

Este mural en cerámica está en la fachada de uno de los edificios de El Corte Inglés de Valencia. Es muy grande, no sé, tal vez unos 12 metros de ancho. 

Es una gran Obra de Arte. 

Pero no sé (todavía) el nombre de su autor. Y no pienso cejar hasta encontrarlo, pues para mi no puede ser simplemente la cerámica de la fachada de unos Grandes Almacenes, sino la obra comprada y encargada a un Artista. Os avisaré en cuanto lo sepa descifrar algo mejor.

Las Redes Sociales lo han prohibido. Es el siglo XXI, muchachos


En los últimos tiempos la Libertad de Expresión se duda, de entrada además de miedo produce dudas. ¿Para qué la necesitamos? dirían algunos. Y en cuanto se duda de la Libertad siempre es el Arte uno de los primeros damnificados. 

La pintura el cine, el teatro, la literatura, la poesía con o sin música producen miedo a los que se creen que la Libertad de Expresión es peligrosa.

En Madrid, en el Madrid de Lavapies del otoño de 2020 dentro del Festival C.A.L.L.E. han censurado —o literalmente han borrado después de verse unos días— esta imagen que vemos arriba con tres policías deteniendo a un Robot. ¡¡Uff!! un robot, esto tiene miga. 

Y el Artista Urbano Guillermo J. Bueno ha visto borrar su obra de una calle por peligrosa. Podría incitar a la violencia contra los robot. Una obra que ya ha pasado al pasillo de la Fama.

La excusa es perfecto. El Ayuntamiento ha dicho que ha realizado un seguimiento en Redes Sociales de la obra y ha detectado que podría incitar a la violencia. Es decir, la última palabra la tienen las Redes Sociales. Si algo no gusta, aunque se critique con violencia, hay que quitarlo para evitar la violencia. 

En verdad, seamos sinceros, si tenemos que criticar todo lo que se critica en las Redes Sociales de internet… jodo… os quedáis cuatro y encima ninguno de estos lleva guitarra. Jodo petaca que aburridas van a ser vuestras vidas.

Contra las calles aburridas y grises: Arte Urbano


Calle de Valencia mostrando ese cubismo abstracto en Arte Urbano lleno de color realizado en el año 2018 por @Rosh333

Simplemente un soplo de color y formas en las calles a veces aburridas o a veces excesivamente grises. 

Juan Genovés y un Laberinto de 1993 que no afecta a los protagonistas


Juan Genovés Candel, el pintor de las personas pequeñitas que giran alrededor de la obra, o se quedan sin entrar en ella, o simplemente forman parte del cuadro como elementos principales pero sin querer protagonismo, no deja esta obra del año 1993 titulada Laberinto.

En gran parte de la obra de Juan Genovés son las personas los protagonistas cuando forman grupos y cuando se mueven sobre círculos que son los que nos obligan a fijar la mirada. Puntos grandes que se han convertidos en círculos que giran a veces mientras la gente permanece impávida, quietas, ajenas al movimiento del fondo. 

La base de la obra de Genovés es como ruido que envuelve a las figuras, pero que no es capaz de apoderarse de ellas que siguen con su marcha sin fijarse en lo que nosotros desde arriba vemos mucho mejor que ellos.

¿Es un preso con pico o un pájaro encerrado?

A veces una imagen no puede (debe) contener textos, explicaciones. Esta se tomó en Palafrugell y nos la envía nuestro corresponsal del mundo: Luis Iribarren.

Con el Arte no vale engañar. Si acaso el silencio, si no te gusta lo que ves



No hay nada peor que la información mal intencionada confundiendo para engañar para llevarnos a nuestro terreno los aplausos empleando el populismo para ello. ¿Qué quiere escuchar la gente que no entiende de lo que les quieren engañar? Pues normalmente lo fácil, reafirmando lo que a veces piensan. Así logran los engañadores que la sociedad no aprenda nada, sino que siga agarrada a sus errores. Así que vamos a comentar un poco esta imagen que circula por las Redes.

Si comparamos lo que cobra un médico cirujano con lo que cobra un futbolista famoso nos saldría algo parecido a la imagen superior. 

Si comparamos las cartas de amor del siglo XIX con los textos de WhatsApp del siglo XXI volveríamos a caer en la misma trampa. 

Comparamos cosas diferentes, aunque nos parezcan lo mismo. Hay que hacer pedagogía para enseñar dónde está la diferencia. Y luego decidir si te apetece seguir conociendo o no el asunto. Al Arte se llega amando, pues si se llega odiando lo mejor sería orillarlo y no apreciar antes de despreciar.

A nadie se le obliga a querer o a odiar al Arte. Tampoco al fútbol o a la gastronomía o los viajes al Caribe. O incluso elegir entre música clásica o rap es una decisión que debe tomar cada cual. Pero volvamos a la imagen de arriba.

El cuadro de 1817 hoy quedaría mucho más real si le hiciéramos una buena fotografía. Nadie puede asegurarnos que ese señor fuera así, en cambio con una fotografía es casi seguro que resulta mucho más complejo engañar, y además es mucho más rápido jugar con la iluminación. En ambos casos, 1817 y 2020 se necesita un profesional.

La obra de 1917 viene de un momento mundial claro, la fotografía ya había entrado en las salas y se buscaba expresar mucho más que impresionar, y buscaba reflejar expresiones, interiores, pensamientos. El señor de la obra está absorto en sus interiores aunque lo hayan pintado relativamente deforme.

La obra de 2017 es ya un expresionismo abstracto buscando destruir lo habitual, lo conocido, para buscar más y casi solo eso, la expresión de una acción. Es más amargo y duro que el expresionismo de la segunda imagen y nace y se reproduce en un mundo duro, complejo, violento, pues el Arte nunca vive ajeno al mundo en el que vive. Es una representación de él, incluso sin querer.

Por cierto, los objetos comunes convertidos en basura pueden ser arte y dan mucho juego, así que el ejemplo mirado desde el lado positivo encaja muy bien. No sé por qué debo admirar la manzana de la izquierda y odiar a la de la derecha. Otra cosa es que decida comérmelas. Pero de momento las obras de Arte casi nunca son para comérselas. 

En qué se pueden parecer unas sardinas escabechadas y un cuadro de José Guerrero

Con el ánimo de intentar entender a los artistas caben muchas preguntas ante dudas lógicas. ¿De verdad una persona dedica toda su vida a trabajar duro, a incluso aprender mucho de todo lo referente al Arte, para al final pintar unas manchas en un lienzo e intentar sorprendernos con eso?

¿Simplemente le mueve el deseo de producir en el espectador un rechazo, un deseo de sorpresa, de risa, de quebranto?

¿Empieza creando Arte Abstracto sabiendo que se podría convertir en millonario?

Pero por otra parte también debemos preguntarnos si en estos tiempos del siglo XXI tiene sentido —con la fotografía en todo su esplendor— intentar pintar obras con muchas horas de trabajo encima, para reflejar hasta el mínimo detalle de una persona, de un paisaje, de un bodegón. 

Claro que… esto mismo le podríamos preguntar a cualquiera de los miles de escritores españoles —por poner un país— que dedican centenares de horas en escribir una obra con ganas y dedicación, sabiendo que excepto que se la auto publiquen ellos… no van a lograr ganar nada por sus horas de trabajo, y en caso de que se la publiquen ellos, además de no ganar es casi seguro que pierdan.

El ser humano crea simplemente POR QUE SÍ. 

No tiene que buscar nada que no sea agradar, preocupar, provocar, sublevarse contra la normalidad. 

Hoy el Arte está también en la gastronomía. No solo en el diseño de los alimentos que nos sirven sino también en la forma de los platos sobre los que depositan esos alimentos, o sobre lo que envuelve el ambiente de la comida. 

Podrían ir los grandes cocineros hacia lo sencillo. Ganan más dinero por rentabilidad los que sirven bocadillos a destajo que los que sirven menús de 300 euros. No es la rentabilidad lo que les provoca esas necesidades de crear y ofrecer algo diferente. Buscan el placer en lo diferente. En lo que sea Marca Propia.

Si nos ofrecen unas sardinas escabechadas que no parecen sardinas por su forma, sobre un plato que asemeja una roca de mar, con una salsa picante oriental, y que saben a sardinas pero conservan el color de unas hojas de lechuga, no se nos ocurre decir que aquellos no son unas sardinas. 

Lo aplaudimos pues dentro de todos esos cambios han logrado que "aquello" sepa a sardinas. Pero si nos presentan una obra que son unas manchas le exigimos al autor que no nos presente tonterías pues queremos un paisaje con sus montañas marrones y sus árboles verdes. ¿Por qué le exigimos algo a un artista que no se lo exigimos al otro artista?

Espejos de lo invisible, de Bill Viola



El artista de New York, Bill Viola es un ejemplo de "nuevo" artista que sabe sumar música, fotografía, videoarte o teatro, para crear representaciones audiovisuales que se pueden contemplar en todo el mundo sin un traslado carísimo de sus obras. ¿Podría ser este el futuro del Arte Visual tras las pandemias y los altísimos costes de los seguros en el mundo del Arte?

Esta imagen pertenece a su montaje que se expuso en Barcelona y Madrid en 2019, titulado "Espejos de lo invisible". No utiliza ni diálogos ni textos en sus representaciones, por lo que ya de entrada queda claro que el montaje de arriba es falso, pues me he tomado la libertad de unir sus palabras con una imagen de su trabajo. 


Picasso o Ricci. ¿Siglo XIII o siglo XX?


Hay personas que no quieren aceptar el Arte Abstracto, el Surrealismo o cualquiera de las nuevas formas de explicar sensaciones, ideas, recuerdos, motivaciones del artista. Y es curiooso pues siempre se dice lo mismo. 

—Es que aquí, yo no veo nada.

O se recurre a la respuesta todavía más simple

—Cómo se nota que no sabe pintar ni dibujar y hace estas mamarrachadas. Esto lo hace un niño.

Ambas formas de expresión son las habituales, pero ambas nacen desde un espacio falso. 

Según dicen los clásicos el pintor Zeuxis hace unos 2.400 años pintaba tan bien que cuando hacía un rácimo de uvas engañaba a los pájaros que iban a picar las uvas para comérselas. Como es lógico es falso, pues no había técnicas tan perfectas como muchos siglos después y tampoco como la propia fotografía, capaz de retratar lo exacto de un racimo de uvas. Y a los pájaros de hoy en día no se les engaña.

Si vemos obras de Joan Miró de sus inicios veremos que sabía dibujar y pintar de forma figurativa y espléndida.

Pero si vemos obras de hace siglos, como esta de arriba del pintor Sebastiano Ricci pintada en el año 1725 y titulada Betsabé en el baño… ¿alguien piensa que esa belleza femenina se bañaba desnuda delante de tanta gente, mientras una mujer entra con una carta en la mano? 

Este cuadro nos está contando una historia de amor, de sexo incluso entre David y Betsabé del que nació el Rey Salomón. 

El pintor se inventa una escena, nos cuenta una historia con los pensamientos que en ese momento tiene para representar la acción donde se junta belleza, sexo, amor, historia, erotismo. 

Y como esa escena es sencilla de entender visualmente, sin entrar a querer conocer lo que se esconde detrás del total, con la hermosa mujer de uno de los generales bañándose y que prenda de deseos al Rey David al contemplarla, nos parece hermosa pues lo es, y la aceptamos pues tampoco queremos conocer más. 

Cuando Picasso pinta a "sus" mujeres de manera cubista, con colores que se alejan de la realidad, está retratando el espíritu de esas personas, tal y como se las imagina el artista, sus sonrisas o sus gestos, sus cálidas formas o sus frialdades. 

Y ante eso podemos decir que nos gusta o que no nos gusta. Y podemos elegir entre Picasso y Ricci. Es lógico incluso que nos guste más o menos cada uno de ellos. Pero en todos hay algo dentro, tal vez escondido, que tal vez si le dedicamos unos segundo más lo podemos apreciar de otra forma. Incluso a peor.

Hoy la escena de la obra de Ricci la podríamos construir para una fotografía, podríamos hacer una obra de teatro con la historia. Pero en cambio nadie en el siglo XVII ó XVIII supo atreverse a construir una obra abstracta. Y hoy nadie se está atreviendo a realizar las obras de arte que se harán en el siglo XXII.

¿Por qué distorsionaba El Greco sus figuras?


Doménikos Theotokópoulos más conocido como El Griego o todavía más por El Greco, era en realidad veneciano pues nació en la isla de Creta cuando esta dependía de Venecia y por ello casi aragonés, pero en eso no vamos a entrar.

Lo cierto es que El Greco de las escuelas de aquellos años junto a maestros como Tiziano o incluso Miguel Ángel destacó por su personal obra sobre too religiosa y dedicada a grandes iglesias que eran las que contrataban sus servicios.

En estos siglos nos hemos dedicado a preguntarnos el motivo por el que El Greco pintaba distorsionado, con figuras alargadas y delgadas, cuando en realidad a falta de una respuesta real pues El Greco no lo dejó escrito, tal vez la respuesta más sencilla sería: "Por que él quiso hacerlas así".

Es muy posible que no tuviera un problema en la vista, un fuerte astigmatismo como se ha querido decir para justificar el alargamiento de sus figuras. y el ejemplo más claro de que El Greco no veía alargado lo tenemos en algunas manos horizontales en sus figuras. Si El Greco viera las figuras alargadas a lo alto, no tendría sentido pintar alargada una mano que está en horizontal en la obra.

Tal vez haya que pensar más en su particular manera de querer pintar, e incluso en la motivación de sus obras, que siempre iban colgadas en grandes estancias religiosas, en alto y para verse desde abajo, por lo que las zonas altas de los cuadros están a más distancia del espectador. 

Al alargar las zonas altas de los personajes, al hacerlos "más grandes" según se alejan en distancia del espectador, se logra un efecto más natural, algo que se pierde al ver las obras en horizontal, en un Museo o Exposición.

La imagen de arriba es tal y como la pintó El Greco. Y la de abajo está distorsionada en un 20% de altura. Podemos ver en este ejemplo que la parte baja del cuadro se ve incluso tal vez un poco "gordas" las figuras, mientras que la parte alta siguen viéndose delgadas. Es como si El Greco quisiera distorsionar más o menos, según la distancia de cada parte de la obra en relación al espectador. Una técnica que nos parece compleja pero que no lo es tanto si tienes práctica.



Literatura en forma de Arte Visual con 500 años de edad


Esta es una copia de una xilografía del año 1510 del libro "Suma de todas las Crónicas del Mundo" escrito 
por Jacobus Philippus Bergomensis e impresor por Jorge Costilla (impresor) y traducido del latín por Narcis Viñoles. Es un ejemplo de ilustración con 500 años de vida, que intenta explicar con un dibujo toda una historia.

Si vemos el dibujo y su posterior impresión podemos observar que en la misma escena hay dos escenas de la expulsión de Adan y Eva del Paraíso. A la izquierda pecando por comer la manzana que les engaña la serpiente, y en la derecha su posterior expulsión por el Ángel armado de una espada para expulsarlos hacia el peligro, las fieras, el dolor.

Claramente es literatura en forma de arte visual, en un dibujo realizado para analfabetos. No hay que explicar mucho más que darles la imagen para que la vean con muy pocas indicaciones.

Aert de Gelder juega con la luz en su obra Abraham y los Ángeles


En la anterior entrada hablaba de la importancia de jugar con la luz para dar dramatismo a una obra pictórica clásica. Y ahora estamos mostrando una obra similar, también de una época parecida, donde la luz es la que nos marca las miradas como espectadores. El protagonista es Abraham sobre todo por estar en mitad de la obra y por el tipo de iluminación hacia su precisamente ropa blanca.

En este caso es una obra del pintor holandés Aert de Gelder titulada Abraham y los Ángeles y que se encuentra en el Museo Boijmans de Rotterdam. Un cuadro pintado sobre 1680 por uno de los más adelantados alumnos de Rembrandt del que copia su estilo, su tratamiento de las luces y las sombras y a veces incluso el tipo de colores de su paleta para crear ambientes similares. 

Alguna vez obras de Aert de Gelder se han confundido con obras de Rembrandt. Por ejemplo esta misma que podemos ver arriba, finalmente atribuida al artista Aert de Gelder.

Rembrandt y su Negación de San Pedro. El valor de la luz


Esta obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn
y que se encuentra en el Rijksmuseum de Amsterdam, pintada en el año 1660, representa La Negación de Pedro en el momento de la Pasión de Jesucristo cuando es detenido para ser juzgado por Caifás. Posiblemente inspirado en grabados de la época San Pedro niega conocer a Jesús cuando tras su detención es preguntado si es uno de sus seguidores. Al escucharlo Jesús que se encuentra en el final de la obra a la derecha, es cuando le reprocha: "Hoy, antes de que cante el gallo, me habrás negado tres veces".

En esta obra la protagonista es la luz artificial, la de una simple vela que ilumina la escena para ver la cara de San Pedro, la de la portera de la zona que es quien le señala como seguidor e incluso de forma leve la cara de Jesucristo volviéndose hacia su Apóstol. Puro teatro en un cuadro.

Pero el detalle del dedo de la mujer es fundamental en la obra. Señala claramente a San Pedro, y este mira al dedo en ese miedo de saberse descubierto y señalado, mientras desearía quedar escondido bajo su gruesa túnica. Un ejemplo del uso de la luz para remarcar el mensaje.

La importancia de las formas en los tipos de lenguaje artístico

 

"La conciencia humana tiende siempre a un lenguaje e incluso un estilo.

Tomar conciencia es tomar forma".

Focillon. Vie des Formes. La Vida de las Formas.

Una poesía. Soledades de Luis de Góngora



Pasos de un peregrino son errante
cuantos me dictó versos dulce Musa, 
en soledad confusa 
perdidos unos, otros inspirados. 
¡Oh tú que, de venablos impedido, 5
muros de abeto, almenas de diamante, 
bates los montes, que de nieve armados, 
gigantes de cristal los teme el cielo, 
donde el cuerno, del eco repetido, 
fieras te expone, que al teñido suelo 10
muertas pidiendo términos disformes, 
espumoso coral le dan al Tormes! 
Arrima a un fresno el freno, cuyo acero, 
sangre sudando, en tiempo hará breve 
purpurear la nieve,  15
y en cuanto da el solícito montero,
al duro robre, al pino levantado, 
émulos vividores de las peñas, 
las formidables señas 
del oso que aun besaba, atravesado,  20
la asta de tu luciente jabalina, 
o lo sagrado supla de la encina 
lo augusto del dosel, o de la fuente 
la alta cenefa lo majestüoso
del sitïal a tu deidad debido,  25
¡oh Duque esclarecido!,
templa en sus ondas tu fatiga ardiente, 
y entregados tus miembros al reposo 
sobre el de grama césped no desnudo, 
déjate un rato hallar del pie acertado 30
que sus errantes pasos ha votado 
a la real cadena de tu escudo. 
Honre süave, generoso nudo, 
Libertad de Fortuna perseguida; 
que a tu piedad Euterpe agradecida, 35
su canoro dará dulce instrumento, 
cuando la Fama no su trompa al viento.

¿Quién ha dicho que el Arte Pictórico no es Literatura rápida?

En la pintura religiosa católica hay un número muy importantes de obras que intentan representar La última Cena de Jesucristo con sus Apóstoles. Todas (o casi todas) estas obras se mueven con unos parámetros en el diseño del conjunto muy similar. Un Cristo santificado en el centro, de pie y en grande para tener la obligación de dirigir nuestra primera mirada hacia el que representa ser el protagonista. 

Una distribución de los 12 apóstoles a su alrededor, de forma mucho menos importante que Jesucristo, y rodeando a la figura central que debe visualmente sobresalir.

Hay jóvenes y ancianos, todos están tomando vino y pan y en algunas obras hay carne encima de la mesa. Es una escena claramente teatral, con actores representando una historia.

La única serenidad la representa Jesucristo mientras que al resto de Apóstoles les dedica la obra pictórica la acción clara de la incertidumbre, la tristeza, el desasosiego ante el futuro.

Y en todas ella está la figura oscura, tapada, escondida, ácida, de un Judas traidor que se quiere esconder, huir, pasar desapercibido pero logrando todo lo contrario.

A partir de estos condicionantes de la misma historia contada a muchas culturas distintas hay muy diversas maneras de lograr que la lectura de la obra sea siempre igual. 

Se juega con las miradas de los personajes, con la composición en distintas alturas, con los brazos y por ellos con los brillos y las luces, incluso a veces con los colores. ¿A quién queremos protagonizar? Pues le ponemos los colores más brillantes y puros.

Es una manera de escribir una historia alrededor de una imagen. Y es lo que tenían en la Edad Media para explicar constantemente a los analfabetos de aquellos siglos una historia más o menos literaria, y que fuera comprendida en pocos segundos. ¿Quién ha dicho que el Arte Pictórico no es Literatura rápida?

La obra que vemos arriba está en el interior de una iglesia de Croacia.

La pintura es música plana que no escuchamos, solo observamos

Una pintura, una obra de arte visual es rítmica, es como una música convertida en algo plano que no escuchamos sino que vemos, observamos. Pero si está bien realizada la obra, su observación nos llevará unos segundos secuenciados por el artista, por un ritmo, por una cadencia de espacios en el tiempo, que iremos contemplando a distinto ritmo y a diferente intensidad.

No existen notas musicales (o casi) en un cuadro pictórico pero existen colores, contrastes, direcciones en los trazos, espacios, volúmenes, un conjunto de formas que nos configuran algo que entenderemos o que de entrada no comprendemos hasta que le dedicamos un tiempo. 

O que incluso nunca entendemos, pero decidimos mientras contemplamos la pintura si nos gusta o en cambio nos disgusta.

Pueden conformar el cuadro unas figuras geométricas, simétricas o no, que se intentan mover dentro de unos espacios, que nos obligan a prestar más o menos atención según el brillo, el contraste con sus zonas vecinas, según la forma que nos obliga a dirigir la mirada hacia un punto u otro.

Aunque veamos un paisaje, un retrato, en realidad estamos viendo manchas, colores, contrastes, espacios, y todo eso nos lleva a mirar en una dirección, a leer la obra, a escucharla. 

El artista en su fotografía, dibujo o pintura, no siempre planifica todo al instante de crearla, simplemente le gusta lo que hace, sabe elegir y jugar con los espacios, tiene la sensibilidad de entender qué gustará o no gustará, y provoca sensaciones en el espectador por eso. Sabe distribuir, contrapesar, jugar con todos los elementos, sean abstractos o figurativos.

Tampoco un cocinero domina siempre todos los ingredientes de un plato antes de servirlo, pero su experiencia ya le enseña el camino, le muestra casi sin querer qué gustará más o menos al comensal. Y el cocinero se deja llevar por esa sensibilidad y experiencia suya para montar el plato.

La poesía sería lo más cercano a la música sin ser música. Luego vendría la pintura. 

En poesía todo tiene un ritmo, incluso puede ser surrealista pero debe contener unas notas rítmicas, unos espacios, unos vacíos, una intensidad que crece y decrece. Ya no es necesario que rime, pero en cambio siempre es necesario que tenga ritmo, que contenga música, sonoridad.

En la pintura sucede algo similar. Para que nos guste tiene que "sonar" a pintura, debe ser capaz de obligarnos a leerla de una manera determinada (o aleatoria) pero a leerla "a trozos" de tiempo y ritmo para comprender su conjunto. Unas formas, unos colores…, sin el resto de formas y colores no dicen nada. Es el conjunto de las notas, de los colores y brochazos los que conforman la obra.


Nota.: La imagen es del interior de una iglesia de Croacia y forma parte de un viacrucis interior.

Mizuno Toshikata y su Práctica diaria de la ceremonia del té

Podemos ver una xilografía japonesa "nishiki-e" del artista japonés Mizuno Toshikata realizada en el propio Japón en el año 1896 y que forma parte de una seria titulada "Chanoyu hibigusa" o La práctica diaria de la ceremonia del té.

Mizuno Toshikata además de xilógrafo fue ceramista, dibujante ilustrador, grabador, pintor y profesor de arte. Sus obras sobre todo muestran imágenes históricas del pueblo japonés.

Pilar Moré Almenara y una abstracción casi musical


Podemos disfrutar aquí de un acrílico abstracto de la artista fragatina Pilar Moré Almenara titulado: Escuchando a Haydn, pintado en el año 1999. 

De su obra dice la GEA aragonesa:

A partir de 1986 se decide por unas abstracciones de gran formato, que nacen por una progresiva eliminación de las formas figurativas. La obra se basa en una estructura geométrica de alegres coloridos, escaso grosor matérico y agilidad en el trazo que surca el espacio en dispares direcciones. Combina lo estático con lo dinámico y un toque espacial con formas redondas que pueden evocar a soles. 

Hasta el año 2000 (la obra que vemos es del año 1999) mantiene lo expresionista pero controlado por una trama geométrica perfectamente articulada como gran pivote sustentador del soporte. 

Añádase la variedad colorística, la riqueza de texturas, los trazos signales, el estallante color y la sugerencia espacial y geométrica. 

¿Cuál es el futuro de los Museos con la pandemia? ¿El Arte online es Arte?

Ahora que en plena ola de pandemias y virus asesinos con la cultura nos preguntamos por el futuro del Arte, de la contemplación de obras culturales de todo tipo, surgen intentos para paliar la falta de visitas reales a los Museos a costa de intentos virtuales para visitar desde el ordenador exposiciones y obras de Arte contemplativo.

Pero es imposible sustituir una obra de arte que debemos ver al natural, por una representación a través de una pantalla. Lo que nos tenemos que preguntar es: 

¿Si no tengo la visita original me debo (puedo) conformar con una visita virtual?

El Cine siempre ha sido virtual. La Literatura siempre ha sido virtual. El Teatro parece casi imposible que lo sea y en su compañía están todas las obras artísticas representativas y que necesitan al público como una manera más de completar la Obra de Arte. Se puede… pero no es lo mismo. El espectador forma parte de la obra.

Contemplar en un Museo una obra de Velázquez o Goya se puede cambiar por verla en el ordenador pero con muchos condicionantes. Se le puede añadir interacción para ampliar y reducir, para mostrar detalles y para saber mucho más de la obra que si vas a museo y te la presentan sin información adicional. Pero no es lo mismo y todos lo sabemos.

Incluso nos podríamos preguntar si una vez que imaginativamente superáramos esa necesidad de acudir a ver las obras de los Museos "de cuerpo presente" —y perdonar por la frase…— ¿qué futuro le correspondería a las obras de Arte a partir de ese momento? 

Es un dilema similar al de la música. Tenemos donde elegir. Grandes Conciertos, representaciones en televisión de las actuaciones de los cantantes o escuchar sus obras a través de nuestro aparato reproductor que puede ser desde muy malo a muy bueno. 

¿Podría suceder algo similar con las obras de Arte pictórico y fotográfico?

La obra que vemos arriba es de la artista Juana Francés y se titula "El despacho del jefe" creada en el año 1964, siendo propiedad del Museo Reina Sofía de Madrid.


Un poema de un artista poético. Luis Feito

Luis Feito nos deja estos apasionados textos, enseñanzas más bien de su forma de entender la pintura, el Arte, la esperanza en la propio vida. Es un poema de un artista poético. 

Palabras sobre la pintura del monje Calabaza Amarga - 1710

 ¿Y si la pintura fuera simplemente un impulso sin reglas, para provocar y expresarse, para gritar o hablar despacio, para ofrecer un punto de vista de una simple persona nada más? A veces en vez de hablar con la boca se puede hablar con las manos, con el corazón o con los pensamiento.


El Café de Francisco Bores. Neocubismo

El artista madrileño Francisco Bores tiene varias obras en el Museo Reina Sofía y entre ellas esta titulada "Café" del año 1928, una obra de juventud que todavía bebe de su época de dibujante y xilógrafo además de grabador. En esa época estaba en París en donde termina de formarse como pintor y donde tras integrarse perfectamente en la vida artística de la capital franceses va logrando exponer de forma individual hasta dar el salto a los EEUU.

Esta obra es de su época neocubista. Sus últimos años los dedica a trabajar con rotuladores y guaches dejando una gran colección de dibujos.

Teruel muestra el Arte del Amor en sus escaleras

Son tiempos de amor, de Arte y Cultura, de relacionarnos a distancia pero de relacionarnos con la vida y las personas, pues si perdemos esa capacidad lo vamos a pagar muy caro. Son tiempos, si acaso, de mirarnos de otra manera, guardando los cuidados.

El artista turolense Leo Tena ha dejado muestra de su sensibilidad en estas escaleras junto a la zona del Museo de Los Amantes de Teruel. Y nos ha dejado este texto:

Ellos son los Amantes de 2020
Los que han estado más solos, los que más han sufrido y los que más han demostrado su amor.
Se pueden querer pero no se pueden besar.
Sus ojos lo dicen todo.
No hace falta más.

Add Fuel, el portugués de los azulejos en Arte Urbano

El artista urbano Add Fuel, el portugués Diogo Machado es un licenciado en Diseño Gráfico por Lisboa que trabaja los patrones simétricos que acompaña de elementos urbanos como los azulejos, tan utilizados en el arte portugués, y de algunos detalles surrealistas, irónicos, casi humorísticos, como en este trabajo que realizó en una de las fachadas del Matadero de Madrid.

No, la imagen de esta obra NO está al revés, es así como la trabajó Add Fuel.

En el Arte hay que conversar entre el espectador y el artista

Una fotografía, un cuadro, una obra de teatro, un cuento literario no debe ser nunca un monólogo, incluso aunque parezca un monólogo. Debe ser una conversación entre la obra y el espectador. 

En una imagen debemos buscar la interacción con el que observa una vez convertida la escena en fotografía. ya no existe ese momento, ya no es posible volver a contemplar la escena en su natural. Ahora ya solo nos queda la fotografía, la escena cazada. Y esa pequeña obra literaria nos cuenta cosas y nos debe seguir contando cosas.

Esta fotografía nos muestra CALMA, nos enseña la TRANQUILIDAD e incluso el SILENCIO

Cada una de las tres personas que podemos observar en la escena "mirando"… lo hacen hacia un lugar distinto. Son miradas que se dirigen hacia espacios bien diferentes. Pero espacios callados y de silencio. Quietos, no interactúan para nada. Son como esculturas estáticas.

Esta información la hemos pillado, cazado, posiblemente sin querer coger esa sensación del todo. Es posible que deseáramos simplemente pillar el ambiente. 

Pero luego, en el laboratorio, hay que remarcar qué quieres decir, qué quieres que hable la obra de ese espacio, de ese momento. Hay que plasmar el instante y la sensación que tú tuviste al fotografiarla.

Un paisaje luminoso con arco iris ante el mar

Parecería imposible mejorar el aspecto de un paisaje con mar. Todo depende de las opciones. Un Arco iris sobre el mar puede mejorar un día luminoso. Arte Urbano, Arte Efímero que en pocos meses se escapará o será cubierto por otro Arte Urbano. Se solapan los paisajes.

Nota.: La imagen es de nuestra corresponsal Maite.

Se puede estar visible, incluso cuando ya te estás degradando

Hay derribos que parecen Museos, hay paredes que son auténticos marcos que sin ellos nada parecería igual. Esta clara obra de Arte Urbano ya en proceso de una degradación lógica, que nos envía Maite desde Galicia, es un ejemplo de que el Arte Urbano como Arte del Siglo XXI, incluso muriéndose es capaz de tener vida en su envoltorio.