Vidriera moderna en la ciudad de Oporto


"El arte en Cristal y sus Escenas" - 2018 - Oporto

Johanna María Fritz, el Circo y sus contrastes de Guerra en Gaza

Esta fotografía de la joven fotógrafa alemana Johanna María Fritz y que tituló Como un pájaro, fue realizada en Gaza en el año 2017.

El artista de circo Johanna María Fritz posa sobre pilotes y haciendo malabarismos frente al edificio de la Escuela de Circo de Gaza en el distrito de Betlaahhya en la ciudad de Gaza mientras delante suya pasa una camioneta llena de combatientes de Hamas. El contraste es maravilloso. ¿Quién va más disfrazado?

La fotografía además de ser testimonio debe saber buscar los contrastes de formas, de color o de vida.

El viaje en el Arte es descubrir y explorar ideas. No es crearlas de nada.

La vida es descubrir y en el Arte más, es explorar y estar atentos a lo que vemos viendo, es aprender a ver para descubrir aquello que nos llama la atención y que creemos que puede llamar también la mirada de algunos espectadores.

Hay que buscar constantemente ideas, destellos, luces que nos llaman la atención. Y dejarlas posar un poco tras haberlas cazado. Guardarlas bien para que no se nos olviden y estar atentos. Y ante la duda darles más luz.

En el Arte todo proyecto es un viaje por descubrir, por aprender, por explorar, por modificar según vas viajando sobre él. Nada es definitivo, todo evoluciona, pero para ello hay que estar siempre muy atento y leyendo lo que vayamos escribiendo con color, formas, letras o fotografías.

La viaje en el Arte es descubrir y explorar ideas que incluso a veces ya tenemos de antes. No es crearlas desde la nada, pues eso es casi imposible.

Habitar el Vacío. Aniversario de La Gota de Leche en Logroño


Esta es una obra colectiva de cinco artistas montada en Logroño en 2017 con motivo del décimo aniversario de La Gota de Leche. Ellos fueron David Azpurgua, Laura Peña Ibáñez, Rafael Lafuente, Javier Peña Ibáñez y Carlos Villoslada. El título de la obra es "Habitar el Vacío".

"Manos, sí, nuestra instalación está llena de manos pero no son lo más importante. Todas ellas son como el marco que alberga la obra y la contiene en forma de vacíos.

Vacíos, de eso es de lo que habla esta obra que pone el punto de atención en lo que no está, en las ausencias creativas que desarrollan cada una de estas manos, que no se muestran porque pueden ser tan amplias como la mirada del espectador que las observa, y sin ellas, lo único que queda es una gran coreografía de gestos".


Lluís Graner i Arrufí y sus retratos corrientes de gente humilde

Del artista barcelonés Lluís Graner i Arrufí es esta obra titulada "Interior de Taberna" pintada entre los años 1895 y 1910. Lluís era artista costumbrista muy reconocido por media Europa donde expuso en algunas de las capitales más importantes de aquella época. Relacionado con Gaudí viajó también por América, aunque la suerte en sus negocios no le siguió como su calidad en las pinturas de escenas sociales de aquellos años.

Arruinado de sus negocios de cine hablado y teatro, donde quería trabajar la totalidad del Arte como instrumento social, se marchó a los EEUU y Cuba donde vivió casi de la caridad, para volver a España dos años antes de fallecer.

Beatriz González, y su Cuaderno de Iscuande lleno de muerte

Esto es un clásico libro de artista, un cuadernos de apuntes más bien, de la artista colombiana Beatriz González, que ella titula Cuaderno de Iscuande. Lo presentó en una exposición individual que realizó en el Museo Reina Sofía de Madrid, como ejemplo de lo que se hace para tomar apuntes que luego servirán como ideas más desarrollada en las obras finales. Un ejercicio clásico pero pedagógico que sin duda todos los artistas deberíamos llevar encima siempre.

En este Cuaderno de Iscuande toma apuntes de esa realidad tan dolorosa de Iberoamérica, donde los cadáveres de personas aparecen (o no) en la selva, a veces torturados, y luego se convierten en un amasijo de nada envueltos en trapos y llevados por los soldados para ser enterrados en vete a saber tú dónde. Dolor, rabia, muerte, realidad.


Basket of Nean en el Madrid debajo de tierra

Basket of Nean lleva años marcando espacios en su Madrid a costa de pequeñas intervenciones de Art Street con mosaicos pequeños a modo de trabajo puntillista que simula píxeles digitales con los que va formando pequeños retratos, acciones que a veces tienen que ver con el baloncesto como afición y otras con quejas sociales o retratos actuales de la sociedad que nos acoge a todos.

En una bajada al Metro de Madrid se podía ver esta intervención al menos en el año 2019. Todo el Arte Street que se precie sabe que es efímero, que su tiempo de vida es corto y en eso radica una de sus potencias expresivas. Para los espectadores es una bocanada de aire fresco pero muy temporal.

"El arte urbano es imprescindible en una ciudad, las obras juegan con el entorno, transformándolo, dándole otra visión y punto de vista. El arte urbano es y será ilegal, porque sino, no es arte urbano, es otra cosa". Basket of Nean

El cambaleo, una clase de teatro ambulante de tiempos pasados


El cambaleo es una "clase" de teatro en aquellos años y siglos donde el teatro se dividía en familias distintas según el tipo de obras, de compañías, de posibilidades de representar mentiras historiadas o verdades asumidas por todos como mentiras graciosas o dramáticas. 

El cambaleo allá por los siglos XV, XVI y XVII era un grupo de cómicos que en una compañía de cinco actores y músicos más una cantante iban recorriendo los territorios de la España pobre contando historias y amenizando desde carromatos y en las plazas de las localidades donde paraban, la vida aburrida de los vecinos.

Eras artistas nómadas que por poco más que la comida y un mal colchón estaban de parada en parada contando sus pequeñas historias unos días mientras entretenían y se entretenían contando pobrezas, amoríos y cuernos, historias de ricos y pobres, de campos y de peleas. No faltaban en sus finales ni Dioses que enamoraban ni esperanza de que todo se podía arreglar a poco que hubiera suerte. 

Enrico Baj y una obra con piezas de mecano y óleos sobre lienzo

El italiano Enrico Baj, escritor y pintor, escultor y grabador, nos deja aquí una muestra suya de su insistencia en los desastres, en las guerras finales, en una mezcla de surrealismo y arte pop con un collage que tituló "¡Fuego! ¡Fuego!" y que realizó en el año 1963.

Artista comprometido con todo lo acontecido en la segunda mitad del siglo XX utilizaba en muchas ocasiones elementos muy comunes en sus obras como parte de ellas para remarcar que las ideas, los gritos de libertad no necesitan materiales nobles sino ganas sociales de reclamar más justicia y libertad.

Héctor Huamán, la muerte y la tranquilidad final

El otro día me encontré con esta ilustración del artista Héctor Huamán en el diario El País y me atrapó la imagen. Un bello dibujo de un diseñador gráfico de Perú que me sorprendió por la idea. Tras fases de la muerte, tres estados posibles del tiempo que llevas muerto. 

bello ejemplo de que también con la muerte se puede jugar y crear belleza. Posiblemente nada más que eso.

Gülsün Karamustafa y su obra: Pinturas en la cárcel

La artista turca Gülsün Karamustafa creo una seria de obras retratando su paso por la cárcel de la que salió en el año 1972, reflejando en ellas su experiencia.

"Al final de mi condena yo quería pintar lo que había vivido y visto en la cárcel para no olvidarme de esa etapa de mi vida. Las pinturas registran la vida cotidiana de las mujeres en la prisión, incluyendo la distribución de alimentos, el sueño, la enfermedad o los momentos divertidos en ella".

La diferencia entre agua con gas y aguas fecales

El Arte del Humor es maravillosamente un golpe de aire fresco que a veces duele. El Roto es un genio que tenemos que copiar para expandirlo, sin duda, pues sus escasas palabra nos llenas de dudas muy ciertas y de dolores muy profundos. Esta es una fotografía sin cámara pero con mucha intención. Un grito de dolor social.

El demonio podría ser mucho más feo de lo que pensamos


En religión nos muestran las Historias Sagradas incluidos sus monstruos, sus miedos, los demonios, sus bichos amenazantes. 

El contrapunto de la presunta bondad si sigues sus normas y el temor a lo horroroso si escapas de Dios y te lanzas al Pecado y el Demonio. 

Hay que reconocer que no les faltaba imaginación para diseñar a "los malos" con caras feas y cuerpos deformes. 

¿Por qué los malos religiosos siempre llevaban cuernos?

Música y Arte Agro Punk por el Teruel de las paredes

"Agro Punk Callejero en Teruel" - 2020 - Teruel


Sin las dudas no habría vida ni obra sobre la que hablar

La tapia me llamó la atención nada más verla. Una tapia como Art Street pero en abstracto suelen ser minoritarias. Es un camino desde la mancha hacia la expresión y me gustó el juego de colores y la mancha o raya roja indicando una ruptura. No me gustó tanto el juego de machas blancas en su zona inferior, creo que se podría haber buscado otro recurso. Tal vez no todas casi redondas…, no sé.

Pero la vista enseguida se me fue al 80. ¿El 80 es algo que forma parte de la obra o es un resto viejo sin tapar? El lienzo deja transparentar esas machas rojas que sirven, pero no sé si se querían dejar. dudas como siempre, a la hora de mirar algo que me llama la atención. Sin las dudas no habría vida.

Arte Callejero por la ciudad de Teruel, acercándose a New York

El Art Street o el Arte Urbano efímero se da casi por igual en New York que en Teruel, iguala ciudades, espacios, modelos de Arte y eso es sumamente interesante. Es importante viajar, pero lo es también saber que estas rodeado de espacios similares en Arte Urbano a las más grandes ciudades del mundo. 

Esta obra no sé de quien es, pero sin duda se merece un aplauso, por elegir Teruel (hay más ejemplos en la capital del Bajo Aragón) y por trabajar un Art Street muy similar al mejor que podemos ver en todo el mundo. Teruel sale ganando.

En Aragón también tenemos Tótem para vigilarnos

Volvemos al Art Brut, al Arte Abstracto realizado por artistas ajenos al arte, a la representación del surrealismo desde el interior, aprovechando la forma de los materiales y jugando con ellos hasta sacar algo diferente.

Este Tótem está en una gran explanada del pre Pirineo aragonés. Vigilando, tal vez, o simplemente atento a lo que pasa en los días de silencio y abandono. Colocado es un lugar poco visto, es fácil asegurar que está para mirar, y no para ser visto. Que tenga la boca torcida tiene su significado. Es para no hablar más de la cuenta. El silencio con sustancia es muy útil para reflexionar y sacar conclusiones.

Mario Merz y sus dudas sobre espacio interior y espacio exterior

Del artista italiano implicado en el Arte Poveda: Mario Merz y su exposición en Madrid titulada “El Tiempo es Mudo” que no pudo terminarse todos los días programados por culpa de la pandemia, dejo esta obra titulada: ¿Nos rodeamos de casas o las casas nos rodean? realizada en el año 1982.

Una buena pregunta dentro del título de la obra. Una respuesta imposible. Trabajaba mucho esa dicotomía entre espacios interiores y espacios exteriores, entre las dudas de por dónde estar, dónde moverse, qué es más importante para cada uno de nosotros.

Antonio Saura nos habló en 1962 de la esperanza por la libertad

Detrás de la Esperanza - 1962 - Antonio Saura

Miquel Barceló y su obra en la Catedral de Palma de Mallorca

El artista Miquel Barceló tiene un Altar o Mural realizado por él en la Catedral de Palma de Mallorca en un ejemplo maravilloso de las posibilidades que tiene el Arte Contemporáneo e incluso el Arte Religioso

Es un Mural para la Capilla del Santísimo realizado entre los años 2001 y 2006 y cubre una zona de unos 300 metros cuadrados donde se muestran cerámicas, pinturas, esculturas y todo una colección de trabajos artísticos memorables de Miquel Barceló. Imprescindible su visita.

Normalmente no es una capilla muy bien iluminada aunque todos los días se celebra allí una misa que ayuda a aumentar la visión del conjunto. Pero sin duda es una obra llena de detalles artísticos que sorprenden, más conociendo al agnosticismo del autor.

Además de mostrar El Milagro de los Panes y los Peces muestra la Transfiguración de Cristo en su zona frontal.


Una cafetería de Madrid que nos está esperando

Los madrileños asiduos de Madrid, que no son todos ni mucho menos, conocen esta cafetería. Es una de las visitadas por nosotros siempre que podemos. Como en Zaragoza tenemos las nuestras incluido El Sol, en Madrid tenemos esta entre otras. Una cafetería es Arte o puede serlo si así lo quieren sus dueños. Arte estático para poner amabilidad a la mirada de sus clientes. 

Esta cafetería tiene en medio de su gran salón una escultura yacente e intentamos sentarnos cerca de ella, sería nuestro espacio de confort si vamos a ella, como cada comensal familiar tiene ya su silla asignada. Pueden parecer manías pero son estados de ánimo, son toma de poder del espacio. 

La barra de esta cafetería está llena de posibilidades, de colores, de cristales, de lujos incluso. de sueños y de noches que van vaciando sus contenidos. Y eso sigue siendo Arte. 

El Arte de la noche, del deseo, del "bien estar", del bien encontrarse. Cada vez que voy a esta cafetería de Madrid a la que se puede entrar desde varias puertas, siempre salgo por la zona de la barra para ver que todas las botellas siguen allí. No las cuento, pero las miro.

¿Para qué sirve la cerveza? ¿Para qué sirve el Arte? ¿Para qué sirve el Sexo con protección?

Alguna vez os he hablado del Arte Infantil, posiblemente un Arte Brut, o un Arte Naif, pero también un Arte Auténtico, sincero y simple, donde con pocas líneas se es capaz de imaginar un mundo y mostrárnoslo a los adultos. 

Todos los artistas de renombre han sido niños. Incluso casi todos nosotros también. Y todos habrán empezado dibujando unas líneas, imaginando algo de color que servía para plasmar lo que pensaban, lo que imaginaban. 

Nada más que eso. Imaginación, ideas, ganas de comunicar, libertad… y unas pocas herramientas. 

¿Y para qué sirve el Arte? Pues eso, es verdad, menos mal, no sirve para casi nada. Es cierto. Como tomar una cerveza a las 8 de la tarde en una zona verde. O como hacer el amor jugando con las pieles. Todo es relativo, todo sirve para disfrutar, y efectivamente, todo se acaba. Todo tiene un tiempo de gozo. ¿Que para qué sirve la cerveza? Pues no sé, pero lleva miles de años entre nosotros.

La artista Mela Mutermilch y sus años en Gerona

La artista polaca Maria-Melania Klingsland también conocida como Mela Mutermilch pintó esta colorida obra en el año 1914 titulada: L’onyar a Girona, mostrando el paso del río Oñar u Onyar por todo el centro de la ciudad.

Pintora muy conocida y reconocida en las primeras décadas del siglo XX se movió con sus obras por gran parte de la Europa de las primeras décadas del siglo XX asentándose en Barcelona en el año 1911. Sus obras tanto en pintura como dibujos al carboncillo gozan de un gran reconocimiento por su similar método con pintores como Cézanne o Van Gogh.

Arte Religioso aragonés catalán del siglo XV

El Arte Religioso fue durante siglos casi el único tipo de arte que se hacía en España. La religión y la propia Iglesia católica imperaba en esas labores para seguir explicando sus dogmas a una población analfabeta que tenía que ver en imágenes lo que no podía leer en libros. 

Esta sábana o paño bordado en oro y plata sobre seda está en Gerona, es del siglo Xv y nos muestra la Asunción de la Virgen. Un tapiz  o un paño, tal vez un cubrecamas de alguna persona de mucho poder, que refleja el Arte de aquellos siglos, que marcaba sin duda la vida social.

Realismo surrealista de Conti 1957

El humor puede ser Arte y es en muchas ocasiones surrealismo casi literario. Se mezcla el humor, la literatura muy corta, el dibujo, el mundo de las ideas y de los sueños, y se obtiene pequeños bombones como este del año 1957. Realismo surrealista de Conti.

¿Para qué pintamos los que pintamos mal?


Dice Andreu Buenafuente en su libro “Reír es la única salida” que él pinta sobre todo para regalar. Primero porque me completa, me evade, me sorprende a mí mismo. Pero sobre todo para regalar.

Y luego añade que está seguro que solo quedarán algún día, aquellas obras que haya regalado, pues ya forman parte de la vida de otras personas, ya no son obras suyas sino de la decoración de otras vidas, de los recuerdos de otras vidas. 

Tiene toda la razón y se la voy a dar en silencio. Yo también pinto o modifico fotografías para que las vean los que quieran ver el mundo desde otra esquina. No hay más. 

Dice para terminar su texto que los sentimientos no existen para ser definidos, sino para ser vividos. No se podría decir mejor.

Si a uno le gusta, seguro que hay otras personas a las que le gusta


Dice Andreu Buenafuente que crear es mejorar en lo posible lo ya conocido, hacerlo con alegría y que cuando lo acabas, si te sientes orgulloso de pertenecer al gremio de los que inventan cosas y se las reparten a la gente, ya es de traca. Sea en épocas buenas o en épocas malas.

Y coincido con él; lo de menos es buscar otros objetivos que no sean sentirte bien y hacer lo que te pide el cuerpo. Si a uno mismo le gusta, seguro que hay muchas otras personas a las que le gusta. Aunque sepamos que están escondidas y no pueden enterarse. 

Introspecciones, del murciano Lidó Rico

Esta obra es del artista murciano Lidó Rico en su último proyecto “Introspecciones” que se expuso en el Centro Cultural Ex Capilla de Guadalupe, en Ciudad de México, del 30 de enero al 5 de abril de 2020.

El proyecto que presentó en México combinaba escultura y pintura, aunque era la primera la que realmente formulaba más ideas, más sensaciones. Sus cabezas y cráneos ofrecen una visión casi fantasmagórica del entorno, exquisitos en su composición de conjunto que ampliaba con la introducción selectiva en algunos casos de notas de color.

Os dejo un pequeño texto del autor, sacado de la página ArtMadrid: Si hay una palabra que defina mi trabajo, es ‘introspección’. A mí no me asustan los suburbios del alma. A mí lo que me interesa del hombre es lo que no se ve del hombre, que es lo que realmente nos puede hacer aprender. Lidó Rico.


Lorén Ros y sus amarillos casi blancos

La obra que vemos arriba es de la artista caspolina (Maribel) Lorén Ros y titulada Lumínico Amarillo realizada en el año 2000, al óleo en la que casi podríamos decir que fuera uno de sus últimos trabajos con esta técnica pues en la actualidad trabaja más el collage con diversos materiales.

Para Lorén Ros el amarillo es uno de sus colores fetiche y lo explicaba así en una entrevista que le hicieron en Andanda en el año 2018: El amarillo y el blanco son la luz. Me gusta el amarillo por la función que hace de luz más que por el color en sí. El trabajo lleva a la combinación de colores cálidos y fríos para dar más o menos luz y los cálidos son los que más luz me dan.

¿Para qué pueden servir los espejos? ¿Y si quieres verte el alma?


Los espejos se emplean para verse la cara. El Arte para verse el alma.

George Bernard Shanw

Gramatología de un espejo, de la artista Pilar Catalán

La zaragozana Pilar Catalán Lázaro es una artista con muchos años de experiencia en diversas técnicas de arte, incluido el complejo mundo del grabado. En los últimos años ha ido trabajando el Arte digital creando obras de gran movimiento, donde se expresan sus ideas gráficas y se nota su pasado como amante del mundo del grabado, hoy tan complicado de repetir.

La obra que vemos se titula “Gramatología de un espejo", ha sido realizada en el año 2019 con técnicas gráficas digitales en un tamaño de 150 x 100 centímetros. El color, el movimiento, pero también los espacios y las distribuciones de las masas y formas conjugan una obra que atrapa al espectador como si fuera un clásico Op Art.

Un "Tondo" de Pilar Moré, artista zaragozana

De la artista zaragozana Pilar Moré una obra collage titulada Tondos de las que expuso en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza. Una obra abstracta donde trabaja las texturas y el color, jugando con las formas básicas del círculo y el cuadrado para crear unos espacios donde mueve sus estructuras, sus experimentos visuales, para encontrarse con el espectador de frente, para que la mirada se tope de bruces con lo planteado, y tenga que adivinar siempre.

Frase de Lin Yutang, escritor chino

"Han de secarse los pinos y podrirse las rocas; pero yo seré siempre lo que soy.

Lin Yutang - Escritor chino del siglo XX

Tiene que ser solo la propia presencia física de una obra la que se muestre al público que acude a un Museo?

Paul Gauguin
pintó en el año 1892 esta obra titulada “Mata Mua” (Érase una vez), un óleo sobre lienzo de tamaño mediano. Una obra de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza y que ahora ha sido descolgada del Museo para ser vendido posiblemente en una subasta fuera de España, por su dueña y con los permisos del Gobierno de España.

Una hermosa obra que engrandecía el propio Museo que la demostraba y que ahora se va por lógica, aunque no nos guste absolutamente nada. A partir de esta reliadad unida a la clásica de la propia seguridad y la conservación, cabe preguntarse algunas cosas, sin respuesta fácil.

¿Tiene que ser solo la propia presencia física de una obra la que se muestre al público que acude a un Museo?

Esta pregunta esconde numerosas dudas y reflexiones tremendas. ¿Es lógico tener una Gran Obra expuesta a la mirada de cientos de personas a través de un cristal? ¿No sería más lógico tenerla en una sola sala con un trabajo pedagógico a su alrededor, pero no la auténtica, sino una copia digital en altísima resolución con varias secciones de detalles, que complementen la obra, y poderla ver de cerca, y no de lejos, y poderla fotografiar si se quiere tener una muestra digital en tu casa?

La propia obra de Gauguin de la que hablamos podría seguir estando colgada en el Museo de forma digital. Es verdad que eso le restaría mucho valor en una subasta al original, pues quien la compre quiere poseer los derechos de imagen, de uso, y de exclusividad. Pero todo es negociable.

¿Debe tener una obra importante para la cultura de la Humanidad, —sea la que sea— derechos de imagen que no sean públicos para su observación y uso de copia sin ánimo de lucro? 

Otra cosa es que alguien se quiera lucrar con una obra que no es suya. Pero… ¿contemplarla en cualquiera de sus formatos o maneras?

Star Lord pintado desde una visión de Art Brut

Nuria Asenjo Larrosa de Zaragoza creó esta obra titulada Star Lord en uno de esos trabajos de Art Brut donde el color toma todo el protagonismo, la textura de sus pinceladas, sus propias salpicaduras que le otorgan esa expresividad que convierten la obra en un personaje casi en movimiento, sin duda mirando fijamente al espectador intentando mostrar fuerza y decisión de actuar.

El Arte Brut juega precisamente con eso, con la espontaneidad, con la rapidez final (a veces incluso con la rapidez en su creación) logrando por eso desde trabajos muy pausados, escenas tranquilas y abigarradas similares al Arte Naíf o directamente obras casi urgentes, violentas, que impactan al salir desde muy dentro.

La importancia de los fondos en las obras de Arte


A veces un simple fondo puede servir de base, de lienzo, para dar sentido a cualquier obra con más fuerza y calidad. Todo trabajo necesita sujetarse sobre una base que será lo primero que apoye el conjunto. 

Tanto por su textura, su color, su forma y su tamaño en relación a lo que contiene. 

En este caso unas simples líneas y unas presuntas hierbas casi "caen" sobre un fondo picoteado en su exterior y muy oscuro que semeja desde un posible grabado a una obra texturizada. 

El fondo enmarca la totalidad de la obra. Es casi más importante que las líneas.

Street Art antiguo en el New York actual


Hay Street Art viejo, con sus años encima y se nota. Los años no pasan fácil para ese arte efímero de la calle, que hoy busca más lo abigarrado, el mensaje, el grito, los gestos. Pero siempre hay que respetas los inicios, lo "mayor", a quien abre las puertas. Con ellos se aprende y se enmarca lo actual.

Bansky, El Roto o Buenafuente. Arte Pop de popular


El artista (secreto) Banksy se suma a las protestas por la justicia racial de Estados Unidos y el asesinato de George Floyd con una nueva obra que publicó en su cuenta de Redes Sociales. Obra, gris, negra, oscura, triste, dura.

La obra de Banksy está acompañada por un texto. "Al principio pensé en que debía callarme y escuchar a la gente negra sobre este tema. Pero ¿por qué haría eso? No es el problema de ellos, es el mío. A la gente de color le está fallando el Sistema. El Sistema blanco".

Normalmente Banksy crea sus obras en espacios públicos, sin embargo desde que inició la pandemia ha realizado sus intervenciones en su casa y en forma convencional, sobre un lienzo.

En España tenemos un artista similar aunque en vez de trabajar la pared trabaje el diario. Sin duda se trata hoy de El Roto y sus gritos, de esas obras que son más que cuadros pictóricos, ideas y quejas, explicaciones y reflexiones.

Son obras como las de Andreu Buenafuente, que no esconden unas técnicas depuradas, sino unas literaturas contundentes, unas ideas sociales que obligan a pensar de forma rápida, dirigiendo el Arte hacia el Pop de popular, al alcance de todos.

El artista chino Zhang Huan y sus detalles de pequeñas caras

El artista chino Zhang Huan creó un grupo de obras entre 2011 y 2014 que eran pinturas llenas de color y textura porque la pintura se aplicaba sobre lino, por lo que la superficie es brillante pero desigual imitando a una alfombra de trapo.

Vista de cerca las obras (las que he puesto son detalles para ver mejor su textura) son ricas en detalles, abundantes con lo que parecen ser pequeñas caras en forma de máscara, a menudo escogidas en colores vivos o en tonos similares para crear texturas. Estos se basan en motivos de calaveras del budismo tibetano, una importante fuente de inspiración para el artista, que ha vivido como budista laico durante gran parte de la última década.

A distancia, los pequeños detalles se fusionan en grandes y brillantes bloques de color, como versiones más abstractas de un paisaje de Klimt. Ver varias imágenes como una serie es útil porque maximiza los contrastes entre las obras: más claro, más oscuro, más azul, más verde, más pastel, etc.

Zhang Huan es conocido sobre todo por sus performance donde es el cuerpo humano el material y el lienzo, la herramienta con la que escribe o se deja escribir, con el que crea grandes esculturas efímeras jugando con los desnudos, con la piel humana o incluso animal.


Chuck Close y su hiperrealismo para el Metro de New York

En cerámica esmaltada a mano, el artista americano Chuck Close ha retratado para el Metro de New York en el año 2017 esta figura que representa al también artista Zhan Huan en un hiperrealismo a gran tamaño que sin duda asombra al espectador. 

El fotógrafo y artista Chuck Close, con serios problemas de salud desde 1988 y que le impiden pintar con las manos sigue trabajando diversas técnicas para lograr reflejar lo que desea hacer, bien pintando con la boca, con pinceles atados a las manos, con aerosoles o empleando el pase de sus fotografías a diversos materiales como en este caso, cerámicas que configuran una ampliación de la fotografía hacia otros métodos de expresión. 

Dice Michel Houellebecq que: ES CIERTO

El francés Michel Houellebecq o Michel Thomas es un artista multidisciplinar como cada día casi todos los artistas. Novelista, poeta, actor, ensayista, reivindica la persona como eje de la vida y sobre todo las enormes injusticias de una sociedad anestesiada. 

Provocador, insatisfecho, curiosamente raro incluso sin saber si es él o su personaje el que grita contra el Sistema, y que puede pasar de ser comunista a la extrema derecha sin despeinarse, sobre todo porque ya viene despeinado de fábrica.

Os dejo unas pocas líneas de una de sus poesías: ES CIERTO

Es cierto que este mundo en que nos falta el aire, sólo inspira en nosotros un asco manifiesto, un deseo de huir sin esperar ya a nada. Ya no leemos más los titulares del diario.

Queremos regresar a la antigua morada donde el ala de un ángel cubría a nuestros padres. Queremos recobrar esa moral extraña que hasta el postrer instante santifica la vida.

Queremos algo como una fidelidad, como una imbricación de dulces dependencias, algo que sobrepase la vida y la contenga.

No podemos vivir ya sin la eternidad.


El surrealismo de ocho que se querían escapar

Nunca pensé que simplemente ocho de ellos, troceados y depositados con cuidado para no romperlos, pudieran servir para decirnos algo. 

Se querían escapar pero no les dejamos entre todos, sujetando con la fuerza del cuidado su poder de escapada. 

Para ello los tuvimos que meter entre los marcos. No había otra.

Pareja de dudas o incluso de ideas

¿La idea de narración está ligada a la del distanciamiento?

¿El Arte tiene un valor social o solo se le supone?



Nota.: Textos del vídeo "Castillos en la arena" de la artista Inmaculada Salinas




Mitsuo Miura y su Arte Geométrico

Del Museo Helga de Alvear de Cáceres dejamos esta obra del japonés (vive en España) Mitsuo Miura del año 1984 “Sin Título” donde podemos ver ese Arte Geométrico (que no es un Arte Simple) que parece muy sencillo pero que siempre esconde dentro algunos conceptos muy curiosos.

Mitsuo Miura es un artista multidisciplinar que entre otras prácticas ha desarrollado el dibujo, el grabado, la pintura, la fotografía, la instalación o la docencia de Arte en diversas Escuelas y Universidades. Os dejo unos textos de Mitsuo Miura.

«En Europa el poder se demuestra, el sufrimiento se muestra, esto es algo que le gusta mucho a la religión católica, parece que para conseguir algo de felicidad haya que sufrir mucho. Esta concepción de las cosas me es totalmente ajena. A mi me gusta introducir en mi obra una parte de mi placer; a mí me interesa mucho más el placer de la vida y el placer que comunica el paisaje, el placer del vacío puede ser muy fuerte, no hay riqueza, ni pobreza, no hay nada, pero a la vez está todo, digamos que es un vacío de placer. Este tipo de actitud es como un soporte de mi obra».


Pájaro Grifón de Federico García Lorca

Efectivamente, es un "Pájaro Grifón" esas aves enormes que se llevan a los hombres no se sabe bien ni para qué ni a qué lugar. Aves de presa mitológicos que les gusta de jugar con los hombres para chuparles las ideas o los sesos.

Pero este Pájaro Grifón tiene historia. Es un dibujo de Federico García Lorca dibujado sobre el año 1923 con lápices en la Residencia de Estudiantes de Madrid, tendría unos 25 años de edad cuando dibujó este esbozo que todavía se conserva, como alumno de este Centro de Enseñanza.

OpArt o Arte Óptico del argentino Julio Le Parc

El OpArt o Arte Óptico juega con todos nosotros, o mejor explicado: juega con nuestras miradas. Nunca el Arte ha llegado tan lejos en su intento de simplemente ser un Arte para la mirada, para engañarnos a la hora de ver lo que el artista ha creado. Arte Abstracto donde se intenta poner en movimiento visual lo que es simplemente un objeto en dos dimensiones o se intenta ver imágenes deformadas que nunca han existido y que somos nosotros con nuestra mirada las que creamos en nuestro interior.

El diario El País ha publicado un artículo sobre Julio Le Parc y su obra más grandes ya preparada para la Tabakalera de San Sebastián en su apertura tras el confinamiento. Os dejo algunas frases del artista.

Sin alguien que la mire, la obra de arte simplemente no existe

La gente en general tiene una gran capacidad para ver. Puede multiplicar su propia mirada, puede descubrir cosas mirando algo que está hecho, inventar o reinventar. Hay una multiplicidad de visiones

Lo que yo hago lo llamo experiencias. Pera estar más libre en el trabajo, no tengo la pretensión de hacer una obra de arte, eso sería presuntuoso.

Si vos tenés necesidad de tal cosa, las condiciones van a aparecer para que eso se realice. Es cuestión de no exigir, sino adaptarse a lo que existe.

El arte es producto de gente que son igual que los demás.

El arte plástico, lo mismo que la danza, la ópera, la música, el ballet o lo que fuera, lo llaman de manera muy circunstancial vocación. Hay gente que tiene la disposición, el tiempo y una capacidad quizá natural que ha ido desarrollando. También una voluntad. Yo si me pongo a bailar ahora, tampoco sacaría ningún ballet.

La imagen que vemos arriba se titula 'Cloison à lames réfléchissantes' del artista Julio Le Parc realizada en el año1966 y que se expuso en La Pedrera de Barcelona en 2018. En la obra no figura la imagen de la mujer, que es un reflejo de una visitante que sirve para dar esa sensación que busca el OpArt de movimiento, de irrealidad.

Arte con Flores y Hojas Secas. Nueva forma de conservar la naturaleza

Hay pequeñas obras artesanas que deberían entrar en el mundo del Arte como otras técnicas bien reconocidas. Hoy os dejo una muestra de arte con flores secas. 

Otra manera muy antigua de crear belleza, que se utilizaba en Egipto, Roma o Grecia, en el Oriente para aprovechar las virtudes de tener cerca la naturaleza, bien como flores cortadas, cuadros florales o simples montajes de flores secas sobre una base para conservarlas más tiempo.

Con técnicas de prensado de flores y de conservación posterior se logran herbolarios que luego sirven para ir eligiendo ejemplares y ser utilizados como si fueran pinceladas de color y formas para crear composiciones naturales pegadas sobre bases de papel natural.

Paco Rallo y sus confinamientos escultóricos

Hace tantos años que conozco al artista Paco Rallo que casi me preocupo por mi edad. Pero tuve la suerte por mi trabajo de conocer a muchos artistas aragoneses de los años 70 y 80, incluso algunos de los 90, como para saber que Aragón ha sido y es tierra olvidada pero muy fructífera a la hora de lograr que el Arte se mantenga y crezca con gran calidad. No voy a dar nombres, pero Paco Rallo estaría entre ellos aunque no haya ido mucho a New York.

La pandemia le pilló con una pequeña exposición en La Azucarera del Barrio Jesús. Una muestra que aunaba dos espacios. El suyo, el del artista que nos enseña sus obras y sus ideas profundas sobre la soledad o la relación entre personas, y por otra parte el espacio físico de la propia Azucarera que tiene la suerte de ir viendo poco a poco como le acuden artistas a dejarnos sus obras para poner en valor el espacio.

El Arte debe repartirse, impregnar los aires urbanos sea en la calle o dentro de edificios públicos. El Arte hay que enfrentarlo contra/sobre/con las personas para que habla o chille, para que sepa y quiera transmitir sus discursos.

El Arte Plástico y estático no goza siempre de las mismas posibilidades que el Arte en Movimiento, pues cada tiempo prima unas formas determinadas. Pero lo curioso es que el Arte EScénico se va en minutos, desaparece enseguida, mientras que el Arte Estático dura años, meses, horas cuando menos para ser visitado, sufrido o gozado.

Las ciudades deben recuperar su espacio como Museos Urbanos vivos, más cuando ya sabemos que será complicado en un periodo rápido, volver a las grandes exposiciones de muchos visitantes en importantes Museos. Pero la calle es de todos y para todos. ¿Por qué creemos que el Street Art está triunfando incluso como reclamo turístico en algunas ciudades?

El Arte debe salir a la calle, debe encontrarse al espectador. Y Paco Rallo sabe mucho de eso, pues no ha dejado de analizar el legado de su padre, y sabe también que a través del Diseño Gráfico del que tan experto es, la función es la de mostrar las ideas en la calle, no solo en espacios cerrados.