19.3.20

Resistir es vencer. Carteles para una guerra contra el Coronavirus

En la anterior entrada hablaba de la importancia de la cartelería en los conflictos, como método rápido de sintetizar los mensajes, de hacerlos simples y sencillos para entenderlos de un vistazo. Esa es la gran calidad de la utilización de los carteles, que te entra el mensaje simbólico incluso complejo, de una forma muy sencilla y por la vista. 

No es necesario leer, dedicar segundos, pues el mensaje del cartel actúa la memoria fotográfica que es mucho más rápida para retener mensajes en el cerebro.

Cartel de la Guerra Civil, llamando a la mujer a alistarse

Los conflictos armados, las guerras, son siempre espacios temporales y geográficos, sociales sin duda, muy dados a la creación de carteles como elementos artísticos sencillos de multiplicar para mandar mensajes. 

Cuando la iglesia desde la Edad Media (por poner un espacio temporal) amplía los altares, las imágenes y cuadros religiosos, no hace otra cosa que no sea utilizar la cartelería pintada para explicar con imágenes lo que no se podía hacer con libros, con texto.

Este cartel es de la Guerra Civil en España, de los que hay centenares de ejemplos desde los dos bandos, para llamar a la sociedad a implicarse o a simplemente entender lo que estaba sucediendo desde las diferentes posiciones ideológicas.

16.3.20

¿Para qué sirve dibujar con negro y luz?

Dibujar es mucho más que dibujar, es sobre todo vaciar el cuerpo mental de ideas. Es lo más fácil que se puede hacer con el Arte, enfrentarte a la idea que llevas dentro con un soporte sencillo y una herramienta muy básica. Un papel y una tizna de color que sea capaz de manchar el soporte.

El dibujo es sobre todo signos, son letras sin abecedario, caracteres universales que ya practicamos de niños. No sabemos que idioma hablaban los prehistóricos, pero sí sabemos cómo escribían animales o guerreros sobre las rocas. Su dibujo lo hemos entendido. Si nos hubieran dejado sus palabras nos hubiera costado mucho más como nos sucedió con los íberos.

Un dibujo está lleno de líneas, de trazos distintos, de diferente grosor y dirección, temblorosas o fijas, contundentes o sutiles, que nos indican algo o que simplemente nos muestran caminos o formas y espacios. Escribir con líneas es una manera de hablar con manchas, de ensuciar para limpiar con luz. En un dibujo tan importante son las zonas manchadas como las zonas blancas.

En un dibujo tenemos muy pocos elementos para llamar la atención, no suele haber color, muchas veces tampoco los dibujos contienen formas muy detalladas sino luces y sombras, limpieza y suciedad. Así que hay que intentar acertar con ambos elementos. Y vaciar la idea.

13.3.20

Hablar gritando en silencio. Poesía Visual

Se puede hablar con palabras, con letras, pero también se puede dibujar con letras, se puede expresar arte con palabras, con letras. la Poesía Visual sería un ejemplo pero hay varios más. La mezcla e interacción de texto y dibujo o pintura es un clásico. Y un clásico en aumento.

Una palabra puede ser un símbolo, pero también puede ser una mancha, un espacio que cubrimos con unas formas, pues las letras son formas gráficas. Una palabra puede ser una imagen, una letra puede ser una sombra, un objeto, un espacio.

Una palabra dice lo que leemos en ella, pero también puede decir mucho más o incluso bastante menos. Una palabra se puede usar, manipular, modificar sin dejar de ser esa misma palabra, para que así nos diga “otra cosa”, nos insinúe algo más que la simple lectura rápida.

Hoy que a todo le dedicamos segundos de nuestro tiempo, tal vez facilitar la comprensión con textos y a su vez ampliar la idea con ellos puede ser una forma de retener la idea acelerando los tiempos de lectura y comprensión, de motivación de lo que vemos.

12.3.20

Mentira y sueño de Franco, de Antonio Saura

De la exposición "Mentira y sueño de Franco" de Antonio Saura en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, con toda su colección de obras que tiene su familia sobre ese periodo oscura de la Dictadura donde era tan complejo opinar incluso con Arte os dejo su obra: Despertar de la Bella durmiente, o un triste relámpago, creada en el año 1962.

9.3.20

Cartel de Teatralia, como obra de Arte lógica

Los carteles y su expresión forman parte también del mundo del arte aunque en muchos espacios no se considere al Diseño Gráfico como un elemento que forma parte de la actividad artística. Se necesita una buena idea, una motivación que ayuda a expresar un mensaje, se necesita saber provocar al espectador y transmitir un mensaje. Puede ser efímero pero cada vez hay más diseños gráficos que se van reconociendo como elementos artísticos y permanecen en museos o en colecciones privadas. 

Basándose en dibujos infantiles dejo este cartel de "Teatralia" de Madrid para este marzo de 2020, alegre, colorista, llamativo y que sabe trasmitir el mensaje que desea mandar tanto el artista creador como quien encarga el trabajo. 

¿Acaso por ser un encargo no puede ser considerado una obra de arte? Sería una broma pensar así. Los pintores en toda la Historia del Arte han sido meros trabajadores de encargos de las grandes familias o de los gobernantes de cada país.

6.3.20

El texto como herramienta para construir arte visual

La revista Babelia del diario El País publicó hace unos días esta portada que vemos arriba. Un claro ejemplo de poner en valor el texto como forma de arte, de entender que con el texto también se puede crear arte como se crea con los brochazos, las manchas, el color. El texto sería la forma más rápida de transmitir algo, pues todo el mundo lo comprende con una simple mirada. O casi.

Pero el texto es sencillo de entender, pero también tiene la posibilidad de poder jugar con él para hacerlo inentendible. 


Si queremos simplificar un mensaje lo sencillo es transmitirlo con texto. Pero si buscamos la doble intención o la sensación abstracta de que se quiere transmitir lo que a uno le sale desde dentro, el texto lo complica pues el espectador busca la normalidad del texto y no su sentido figurativo, expresivo, compositivo.

Y el texto, como grafos, como manchas y formas, también sabe trabajar los espacios y los contrapesos de un lienzo o de un papel. De eso entiende mucho la poesía visual.

3.3.20

Arte Urbano en las alcantarillas de Japón

El Arte Urbano tiene muchas variables y para ejemplo esta alcantarilla de Japón donde es muy habitual en algunas ciudades crear series de tapas de alcantarilla con dibujos y colores para dar una mirada artística al suelo de sus calles. Podemos ver más ejemplos en esta página.

Nota.: La información es de nuestro corresponsal Luis Iribarren.

Expresionismo abstracto. ¿De dónde nace?

Cuando una persona dibuja o pinta una abstracción… ¿de dónde saca esa imagen, esa idea? Vemos una obra que de entrada estamos preparados para no entender, para intentar descifrar. pero el que la ha creado lo ha hecho con normalidad, utilizando casi siempre unos códigos, un idioma que él domina. ¿Pero de dónde ha sacado esa necesidad y esa concepto que está tan alejado de lo habitual?

Sin duda para el artista que ha creado esa imagen que vemos reflejada en un cuadro le resulta habitual, clara. La llevaba dentro antes de plasmarla en una tela. Formaba parte de sus recuerdos transformados, del subconsciente, de la memoria que modifica en signos, en manchas, en formas.

Estas personas hoy en el mundo occidental son artistas. Diríamos incluso que simples artistas. Pero en otras culturas se las ha considerado durante siglos como Magos, Seres Diferentes y Especiales, Chamanes o Brujos

Y a veces se les atribuía a sus formas de pensar, de hablar, de transmitir, de dibujar, unos poderes especiales. Incluso a veces peligrosos o personas de la comunidad con una fuerza especial que no se entendía y que ejercía respeto y temor.

La obra es del expresionista abstracto americano Beauford Delaney y realizada en el año 1957. El expresionismo abstracto es una variable americana (nace en New York) del expresionista europeo sobre todo alemán, y que bebe del surrealismo automático.

1.3.20

Vídeos Musicales. ¿El Arte del siglo XXI?

Al igual que todo el mundo artístico (casi) admite que la abstracción es el género artístico del siglo XX con todas sus variables y que Kandinski o Picasso pudieron ser los que le dieron el empujón definitivo, también se admite que a finales del siglo XIX ya se habían realizado obras abstractas en mayor o menor grado que abrieron ese concepto de olvidarse de la realidad y abrir el trabajo solo al color, la forma, sin perspectiva posible, volviendo en alguna forma a lo plano para convertirlo en relieve visual.

El nacimiento de la fotografía obligó a la pintura a buscar sustitutos a su representación de la realidad. ¿Y ahora en el siglo XXI qué nos empuja a seguir buscando sustitutos artísticos a la abstracción?

A veces nos preguntamos qué Arte es el que quedará del siglo XXI, cuando en realidad estamos comenzando su andadura aunque ya estemos en el 2020. Hoy todo parece Arte muy efímero, sin consistencia, arte de usar, mirar, disfrutar y tirar.

Pero hay una disciplina artística que sin duda quedará por su contenido, su complejidad, su adelanto a todo lo hecho con anterioridad. Son los vídeos musicales, los spot o anuncios. Contienen dentro todas las disciplinas artísticas con todos sus adelantos en comunicación y trasmisión.

Hay fotografía, literatura, teatro, pintura, música, saben atrapar al espectador, lo motivas y le inquietan, lo mueven por dentro e incluso por fuera, son recordados, forman un mundo expresivo nuevo que busca una meta clara que es el consumo además de la motivación e incluso la felicidad.

En 20, 60 ó 200 segundos logran crear una historia, atrapar al espectador, montar un escenario ficticio, y en esos segundo crear un “cuadro” que se mueve y se escucha y que todavía no es posible colgar en la pared, pero que goza de la ventaja de que su contemplación es gratuita en la mayoría de los casos. Siempre muy viral y accesible.

Ya no son obras de Arte para tener en propiedad solo una pequeña parte de las personas con dinero, tampoco es una obra de Arte para estar colgada en Museos (de momento), pero accede a los gustos de la gente joven, y se mueven a sus ritmos, contando qué es y cómo vemos la sociedad actual.

Cuando hablamos del final de la pintura como manifestación artística predominante, tal vez los pequeños vídeos sean sus sustitutos naturales. Ya iremos viendo. O iréis viendo vosotros. 


Todo tipo de arte es abstracción o surrealismo

El Arte nunca es real, todo es ficción o abstracción o falso. Incluso una fotografía es mentira. Nada de lo que vemos en el Arte es tal y como realmente es o era. Todo es una recreación. Y partiendo de esta premisa tal vez podamos entender mejor qué es Arte y que es simplemente juegos de volúmenes, de luces o de formas.

Cuando vemos una escena de una película con dos actores entendemos que es todo falso y que lo ha creado el director. Pero también ha decidido la posición de la botella encima de la mesa, el color de las paredes, el tipo de iluminación o la posición del bigote del actor principal. Nada existía antes de que el director empezar a tomar decisiones. Vemos lo que él ha querido que veamos.

En el Arte en general sucede lo mismo. Percibimos lo que ha querido el artista, y como él ha querido mostrárnoslo. Elige el encuadre, la altura, el angular, el tipo de luz, donde se pone para que el espectador vea desde un lugar determinado. Elige el tipo de color, la saturación o el enfoque si es fotografía. Elige la textura, el alfabeto que quiere utilizar para hablarnos, el tamaño de la formas y su color en relación a la ttalidad del lienzo y de las otras formas.

El realismo no existe, o si acaso existe solo en el pensamiento del artista. Los espectadores tan solo podemos descifrar, observar, contemplar. Todo es abstracto, todo es surrealismo pues nace de la idea y de la mochila de una persona a la que llamamos artista y lo que tan solo hace es transmitir con arreglo a sus formas e ideas.

Nota.: La imagen que vemos arriba es de Francisco Bores pintada en el año 1935 y "Sin Título".

29.2.20

Cartel de 1932 de Barcelona, del Institut Escola de Catalunya

Los carteles son parte de ese arte demostrativo, informativo, que sin duda toma parte para mostrar a la sociedad con su belleza o su provocación lo que considera útil, aunque sea para simplemente vender. 

Este cartel es del año 1932 del Institut Escola de la Generalitat de Catalunya, lo que sería el equivalente al Instituto Libre de Enseñanza en Madrid. Anuncia la apertura de los dos primeros cursos de Bachillerato en Barcelona.

28.2.20

¿Es ARTE todo lo que nos enseñan o presentan como Arte?

Llegando la Feria ARCO, todos los años nos hacemos (se hace) la misma pregunta. ¿Es ARTE todo lo que nos enseñan o presentan como Arte? Y sin duda siempre la respuesta es la misma. DEPENDE. 

Depende del espectador pues el arte como el amor o el dinero tiene el valor que cada persona le quiere dar. 

Hay obras que presentan las Galerías de Arte simplemente para provocar, otras para mostrar ideas absurdas que llamen la atención y se puedan convertir en reclamos, y algunas simplemente sabiendo de antemano que no lo son, pero que podrían serlo. Todo, insisto, depende del espectador.

Y en esta caso como además ARCO es una Feria Mercado de Compra Venta, depende de quien va con sus dineros a comprar lo que considera ARTE. Y eso depende del comprador.

Pero siempre hay voces que lo que intentan es deslegitimar todo el Arte Contemporáneo y muestran esos artilugios o elementos que además de por lógica no llegar comprender qué coño hacen en una Feria importante, no seríamos nunca capaces de comprar. Es cierto. pero de estos ejemplos hay miles todos los días en la vida. Es parte del momento actual, raro, complejo, sin metas claras, sin idealismo contundente y si acaso con muchas ganas de jugar a engañarnos todos con todo.

Estas dos obras son la de la izquierda de la artista bilbaína June Crespo y la titula “Mismo Calor” estando a la venta en 4.500 euros. La siguiente que efectivamente es lo que parece una naranja con dos mandarinas clavadas es una obra de Joao Maria Gusmao y Pedro Paiva y está a la venta en 23.000 euros.

Ni es obligatorio comprarlas, ni parar un segundo a su contemplación, o al contrario intentar entender qué quiere transmitirnos los creadores con este arte efímero, como efímero parece el tiempo histórico y social actual. Nada tiene valor, excepto lo que tiene mucho precio. 

Nota.: Los datos son de el diario El País.

Chus Tudelilla diagnostica la enfermedad del Arte Contemporáneo

La historiadora de Arte y directora de La Casa Amarilla en Zaragoza, Chus Tudelilla nos ha dejado la frase que podemos ver arriba, publicada en heraldo de Aragón. Todo un diagnóstico de la posible enfermedad del Arte Contemporáneo actual.

"Estamos en una crisis de las ideas y los artistas expresan en sus obras ese desmoronamiento"

Es un diagnóstico simple pero totalmente acertado. La sociedad está como "tonta" o como poco atontada ante la velocidad, ante estos tiempos líquidos donde todo puede cambiar en horas, ante una falta clara de líderes sociales y morales que afecta a todo el mundo. 


Todo puede estar en entredicho y la cantidad de mentiras fabricadas para engañar son más que las verdades a medias.

Así que lo lógico es que los artistas que suelen ser personas bastante normales también estemos en crisis de ideas. 

O que parte de nuestras ideas sean meramente efímeras, muy temporales, absurdas sin ser surrealistas, copiadas o copiadas de copiadas.

El Arte nos muestra la historia de su momento

El Arte describe el momento en que se realiza. Vive de su momento histórico, lo refleja, lo retrata y lo describe a veces sin querer. Forma parte de “su” momento y eso lo confiere en distinto según el momento de la creación. Es como un Diario de la sociedad.

Sobre todo porque precisamente solo queda para la posteridad lo único, lo importante en el momento de la creación artística, lo que se conserva. No es igual el Arte español de 1970 que el de 1995, aunque hubieran pasado solo 25 años, y por eso tampoco es igual al de hoy 2020.

No se muestra una fotografía de la época, del momento, aunque a veces si, sino sobre todo la interpretación que en esos tiempos se hacía de “sus” tiempos. Las personas que vivían esos momentos son las que nos muestran en una interpretación de aquellos tiempos, su momento de vida.

Los felices 20 no tienen nada que ver con los duros años 40 en todo el mundo, y esos cambios históricos se pueden seguir en el arte, como se puede hacer con todos los procesos a lo largo de los siglos. Y no siempre de forma lineal y avanzando, sino a veces claramente retrocediendo.


El cartel de la imagen, de los finales años 30 en España reclamando el alistamiento de los campesinos para la Guerra Civil es un ejemplo muy claro y sencillo de mezcla de arte y publicidad, de diseño gráfico artístico, mostrando un momento determinado. 

Este cartel es excesivamente obvio pues el trabajo artístico que reflejan los tiempos, se da tanto en las cerámicas griegas como en la pintura religiosa de la Edad Media. En Goya o incluso en las pinturas prehistóricas mostrando sus creencias o sus maneras de vida y de superviviencia.

24.2.20

¿Cuántas obras de arte hay en una sola obra de arte?

Una de las maravillas del ARTE, de cualquier manifestación artística, es que su vida no acaba con su construcción, con su creación, sino que necesita al espectador, al lector, para terminarse. Una misma obra pictórica, una música, un texto literario dirá una cosa a un espectador y otra distinta a otro espectador.

Mientras una obra de arte no añade la mirada o la contemplación de un espectador, no está terminada. 

Y entonces lo normal es que se convierta en muchas obra de arte totalmente distintas. Una por cada espectador, o al menos en muchas distintas obras al ir acompañadas de la forma de ser vistas, leídas o escuchadas por cada uno de los espectadores.

Una simple línea, una mancha sobre un espacio y en relación a ese espacio, dirá algo diferente a unos o a otros espectadores. Algunos encontrarán “basura” y otros verán un juego de luces, de espacios, de contrapesos, de grafismo que quiere transmitir algo.

El artista puede crear lo que él quiera, pero nunca podrá crear la sensación de los espectadores. 

Cree que sí, que con su construcción es capaz de modular la reacción de quien acude a leer o mirar, dada su experiencia, y es posible que acierte, pero acertará más por su experiencia y oficio que por la propia obra en cuestión.

La belleza del arte es que una obra es una y más. 

Que incluso puede motivar de una forma a un espectador en un año determinado y lograr una sensación totalmente distinta un siglo después.

La obra que vemos arriba es de la pintora Juana Francés titulada “Número 9” y creada en el año 1958 con acrílico y tierra sobre lienzo. Pertenece a la colección Lino Esteve Colomina.

Arte Urbano para alegrar una calle de Martorell (Cataluña)

Urbanismo de color, alegre y útil en un edificio público de la ciudad catalana de Martorell. Es una buena forma de alegrar una acera algo aburrida por la continuidad de diversos edificios públicos a veces aburridos y sin color, con verjas y ajenos al urbanismo vecinal de su propio entorno. Simplemente coloreando una gran pared con un historia de color y de grafismo alegre se puede lograr que la calle tome otra vida.

23.2.20

María Blanchard y una Naturaleza Muerta Cubista de 1917

De la artista santanderina María Blanchard os dejo esta obra titulada "Naturaleza Muerta Cubista" pintada en el año 1917, a los pocos años de irse a París a seguir aprendiendo y practicando la pintura que era su gran obsesión. 

Muere en el año 1932 a los 51 años de vida dura por su enfermedad, cuando su obra ya era reconocida pero sin haber explotado del todo, falleciendo cuando más se podría haber esperado de su cubismo tan limpio y contundente.

El grafismo de un niño de 3 años, es arte primitivista

Tengo la posibilidad de observar a veces al hijo de una amiga de tres años que va evolucionando de una forma muy abierta y llena de motivaciones, y me estoy quedando con esa parte de su desarrollo más atractivo para mis ideas artísticas, donde el iniciarse a escribir me parece el primer paso que camina en busca de la expresividad, de la cultura, del arte expresivo. Su primera herramienta tras su cerebro son sus manos.

No sabe leer ni escribir, como es lógico. Ni nadie le está enseñando a leer ni a escribir. Pero el niño tiene numerosos cuentos y libros clásicos que sus padres le cuentan y con los que él juega. Es decir, verlos los ve, los toca, los observa.

Los textos ya sabe que forman parte del libro, de la expresión, aunque no es capaz de expresarnos qué son para él las letras, o qué diferencia tienen para él las letras de los dibujos. Pero sabe que son distintos y que expresan "otras cosas".

Él sabe dibujar, se va adentrando en el mundo de intentar copiar lo que ya conoce, lo que ve. Sean árboles, paisajes o el mundo que le rodea. Y en ese mundo sabe que hay "letras", signos, elementos "raros" que se ponen uno detrás de otro y que aparentemente "dicen cosas".

Así que es lógico que un niño antes de aprender a escribir, cuando ya se inicia en el juego del dibujo, empiece a querer escribir letras, a inventarse sus alfabetos de signos "raros".

Si observamos estos grafos de arriba, veremos que en alguna medida se asemejan al grafismo prehistórico, incluso a grafismo de los íberos o de los egipcios. Lo curioso es que el niño dice saber qué ha puesto allí y se lanza a contarnos una historia de esos grafismos. Pasados unos días es casi seguro que él contará otra historia distinta, pues no creo que sea capaz de recordar lo que quiso decir, o de asimilar esos rasgos primitivos con un significado que se mantenga en su memoria.

Pero de todas las formas es una primitiva forma mental de crecimiento artístico, de expresión, de dominar su mano, de saber utilizar la herramienta de la mano para expresar algo. Un inicio claro del ARTE más primitivo.

21.2.20

Mural de cerámica en colegio de Huesca

Un clásico mural de cerámica en el Instituto Tecnológico de Huesca. Una manera de darle sentido a las paredes interiores de los edificios públicos para crear sensaciones y miradas complejas.

18.2.20

No es el futuro, es el presente de Valencia. Urbanismo amable

No es el futuro, no es ciencia ficción, no es una película de marcianos. Es Valencia. Es un urbanismo que sabe cuidar el arte para lograr la amabilidad en los paseos. No toda Valencia es así, tienen donde elegir historia o arte contemporáneo, tiene urbanismo de futuro y urbanismo histórico. Simplemente es arte urbano público en Valencia. 

17.2.20

Zaragoza y su "Vuelo de la Paloma" en la Lonja

Estas obras son de la artista burgalesa Paloma Navarés y está expuesta en una temporal en La Lonja de Zaragoza, titulada “El Vuelo de Paloma” que recoge parte de la trayectoria de esta artista en los últimos 40 años. Esta obra de arriba está titulada como “De Lucrecia, ofrenda de luz”.

Una excelente exposición de poesía visual, de arte escultórico y fotográfico, de dibujos o de montajes que buscan adentrarse al espectador en un mundo nuevo, diferente, irrealmente irreal aunque en realidad es real, pues lo podemos ver y pasear.

Sociedad, muerte, dolor, naturaleza, humor social, religión, color, oscuridad y luz, detalles de un gran arte contemporáneo.

Para quien no está muy viajado por el mundo del arte contemporáneo esta muestra en Zaragoza está a la altura de los mejores montajes que se pueden contemplar en las mejores ciudades de todo el mundo. A veces nos engañamos todos nosotros creyendo que en nuestras ciudades, con artistas cercanos, no podemos ver en Zaragoza trabajos a la altura de Berlín, New York o Madrid. Y nos equivocamos.

Entra, déjate llevar por todo lo que vas a ver y no te preocupes en juzgarlo. Simplemente pasea y observa. Disfruta de un mundo "nuevo" que te puede mover las sensaciones. Lo de menos es si esos movimientos son (según tu creas) en positivo o en negativo. El Arte está para provocar.

Esta obra de arriba se titula "Luz del pasado con La Virgen y su Niño".

Pintura de Nicaragua. Artesanía para turistas

Esta es una pequeña obrita al óleo de unos 15 centímetros de ancha, realiza en Nicaragua para turistas que visitan el país, como recuerdo del tipo de miradas que ellos mismos intentan entregar a los visitantes. 

Una clásica obra rápida, sin conceptos de arte y más de artesanía, pero que nos sirve para seguir insistiendo en que el arte es simplemente comunicación, información de sociedades y de momentos concretos. Nada más.

16.2.20

El Arte y la Cultura no sirven para nada

El Arte como la Cultura no sirven para nada. ¡¡¡Uff!!! y precisamente por eso y en la medida en que logremos que siga siendo así, es insustituible para la buena marcha de la sociedad. 

Podemos vivir sin arte ni cultura, somos animales y nuestra parte racional que ha crecido sin duda a través de las culturas, no es imprescindible.

Pero el Arte y la Cultura nos vuelve más humanos, somos la suma de varias culturas
que al final configuran nuestra identidad personal para ser humanos. Y en este camino hacia la “humanidad” social es donde el Arte y la Cultura tiene mucho que ver.

Cultura es saber leer y escribir, es entender el mundo y aprovecharse de todos los avances que antes han desarrollado nuestros antecesores. 

Pero si naciéramos en un espacio sin Arte ni Cultura de ningún tipo, y sin estar adaptados como ya lo estamos a la dependencia de los demás, podríamos sobrevivir y crecer.

Ni vamos a nacer en un espacio así, ni tenemos la biología adaptada a un mundo sin influencias culturales. Necesitamos tener Arte para Creer en algo, necesitamos Cultura para estar influenciados por lo construido antes de nosotros.

La influencia del Arte como método simple de comunicación es muy alto. Más en la antigüedad que hoy, pero sin duda también en estos momentos. 

El Arte disfraza y disimula lo que es simple manipulación. Y los publicistas lo saben bien.

Un buen anuncio de 20 segundos puede ayudar a consumir más, a dar beneficios a quien vende lo que no enseña de verdad. Ese anuncio se basa siempre en Arte de imágenes, de sonido o de guiones literarios adaptados al producto y al que observa. En mostrar como maravilloso aquello que simplemente es un objeto de consumo.

Pero… ¿no decíamos que el Arte no servía para nada?

Es que cuando el Arte lo utilizamos para otros menesteres que no sea el disfrute y la contemplación… ya no es Arte. Se ha convertido en muchas otras cosas posibles, pero en esos casos el arte con minúsculas es simplemente una herramienta, un vehículo para vender caballos viejos y enfermos.

Tampoco es Arte las obras que compran y venden los mercados por millones de dineros. Eso es inversión, es si acaso decoración o fetichismo. Pero no es Arte, pues la diferencia entre eso que vale millones y lo mismo que hace un desconocido está en su capacidad para ser vendido o comprado. 

Algo alejado del Arte. 

El Arte no se puede utilizar para mezclarlo con dinero, aunque se utilice para los negocios. Se convierte en objetos y deja de ser Arte. 

Nota.: La imagen nos muestra una exposición de Luis Feito en Madrid titulada "Una trayectoria"


Fernando Zóbel de Ayala y sus diálogos con Thomas Eakins

Esta obra del artista filipino Fernando Zóbel de Ayala se titula “Diálogos con Thomas Eakins” un pintor fotógrafo realista que falleció en 1916. Esta obra es un lienzo pintado en el año 1983 y sin poder asegurar qué nos quiere transmitir Zóbel en su diálogo con otro artista, si entendemos que intenta jugar claramente con una composición potente, bien distribuida, jugando con manchas, líneas y blancos que enmarcan la obra a través de la luz.

La obra se encuentra en La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

15.2.20

¿Qué es el Artivismo? ¿Existe o es un invento de locos?

El Artivismo podría parecer la multiplicación de los panes y los peces, empleando al Arte como herramienta de Activismo, algo que sin duda se ha utilizado durante siglos y que ahora nos parece nuevo moderno. ¿Qué eran si no muchos de los trabajos de Goya? ¿Qué fue el Guernica de Picasso? Y no quiero adentrarme más lejos para no entrar en opiniones contrarias sobre lo que supuso la religión cristiana en siglos viejos que también utilizó el Arte para hacer propaganda.

El Artivismo es un uso lógico del Arte pues el arte nace de personas implicadas en su momento y en su sociedad, y utiliza el arte para influir en la política, en las opiniones, en su sociedad.

El Artivismo es sobre todo Arte Urbano, es Cartelería, son Gritos y frases envueltos en arte bastante básico pero no por ello debe ser considerado arte menor. Eso depende de cada obra y de cada artista.

El Artivismo es arte efímero en muchos casos que simplemente aspira a darnos una buena bofetada para que despertemos del momento actual. Lo cual a veces es contraproducente pues el Arte debe ser nada violento, excepto cuando la violencia forma parte de la propia obra, lo que siempre se produce cuando se nos despierta de golpe con una frase o una muestra gráfica contundente.

En las últimas décadas la fotografía tiene mucho de Artivismo, pues no esconde la realidad brutal que es capaz el ser humano con tal de seguir demostrando que somos animales, a veces racionales. Pero solo a veces. 

Hay que informar con el arte, hay que posicionarse y comunicar. Y es aquí cuando entra a saco el surrealismo, el dadaísmo, el futurismo, los videoartes o el arte conceptual, utilizando los espacios públicos y no los privados.

El Arte sale de los salones privados a los grandes salones públicos de la plaza, la calle, el centro cultural. 

El Arte Artivista se enfrenta a lo establecido, grita contra el poder, se queja pero sobre todo simplemente demuestra, señala, se expresa con el “hoy”. Mezcla color, formas, textos, poesía visual y mensajes. Toma partido y causa por la sociedad débil y se convierte en una herramienta más para luchar contra las desigualdades o las libertades de unos contra otros.

La obra de arriba se titula “La patera de los ricos” y fue pintada por Manuel Alcorlo Barrero en el año 1935, mostrando con toda la ironía posible a unos ricos que vuelven en patera pero conservando sus elegantes trajes pero tal vez asustados al tener que luchar contra los elementos como cualquier emigrante que se juega la vida.

13.2.20

¿Sirve el Catálogo de ARCO 2020 para aprender algo?

Cuando hablamos de aprender hay que utilizar todos los mecanismos de los que tenemos a mano para crecer y observar, mirar, fijarnos en lo que hacen otros y aprender de sus técnicas. No se trata de copiar pues copiar (casi) no existe sino en todo caso imitar procedimientos con nuestros propios añadidos. Todos copiamos de todos, incluso desde hace miles y miles de años para hacer el fuego, para cocinar los alimentos o para realizar mejores y más útiles trampas. Así que mirar un catálogo de Arte no es copiar, es aprender.

En Madrid se va a celebrar como todos los años ARCO 2020, creemos pues el CoronaVius chino está moviendo las tripas de las grandes reuniones temáticas y suspende lo que le viene en gana. Esperemos que no.

Pero como todos los años ARCO nos deja un catálogo que es un libro fabuloso para ver qué presentan las Galerías de Arte Contemporáneo más importantes lo que nos muestra un poco los diversos caminos que se podrían estar haciendo en todo el mundo.

No es nada definitivo, no es totalmente un espejo sin distorsiones, cuidado con tomarse a ARCO como una verdad absoluta en Arte pues es una Feria de compra venta de Arte

Pero nos puede enseñar ideas, técnicas, ejemplos, caminos, posibilidades que es imposible ver si no estás todo el día viajando por todo el mundo.

Y recordar que este catálogo se puede descargar de la página web de ARCO de forma gratuita.

¿Al expresarnos en el Arte, somos YO o somos un resultado?

¿Qué soy yo? No, no. No me estoy refiriendo a mi, sino a ti. ¿Te has preguntado qué eres tú?

Ya sé que estás en una página dedicada al arte y que estoy empezando por los cerros de Úbeda. Es que hay que centrarse en algo complejo. Si tú creas arte, a veces crees que construyes una expresión de tí mismo, que están creando con arreglo a lo que tú eres, y siendo cierto, hay que matizar.

Tu te expresas con arreglo a lo que te rodea, a tu mochila, a tu experiencia y formación. Incluso a tu información. Vas filtrando todo lo que te llega, coges unas cosas y otras no, y con el poso que te quedas actúas. Daría igual si eres artista o empresario, padre o futbolista. El proceso es similar.
Como toda esa información nos viene ya creada por otros o por el entorno, en realidad no somos nosotros, sino la suma menos la resta de lo que nos llega, creado ya por otros y en otros ambientes.

Y eso que nos hemos dejado dentro de nosotros es lo que transformamos en ARTE, lo que impulsamos hacia fuera para expresarnos, lo que sirve para alimentar nuestra imaginación y nuestras ideas.

Si vivimos en Oriente nos expresaremos diferente a si vivimos en África. Si estamos visitando un mes New York quedará un poso pequeño que nos afectará. Si estamos dentro de un conflicto en Palestina no podremos vaciar su influencia sobre nuestro pensamiento y nuestra manera de mirar y de ver será diferente.

En todos estos casos nuestro YO queda impregnado en diferente medida de lo que otros han creado antes de que nosotros llegáramos a esos espacios. 

Quedamos pues influenciados por ello y seguimos multiplicando esa influencia, matizada por la nuestra. Somos YO pero con la influencia de personas que no son YO.

La pintura surrealista que no es surrealista

La pintura surrealista no es simplemente todo lo que nos imaginamos sin rascar en su superficie. No todos los que nos creemos surrealistas nos admitirían los viejos surrealistas en sus grupos pues no es lo mismo Pintura Surrealista o arte surrealista que Pintura Fantástica.

El surrealismo es automatismo psíquico como decía en su Primer manifiesto André Bretón. Si pintamos obras presuntamente surrealistas pero que son meditadas, bocetadas, ideadas, ya no pueden ser consideradas surrealistas puras. Para ello no debe existir un control sobre lo que nos viene desde la mente a la mano, a los pinceles.

Y si además tenemos en la obra alguna consideración estética, de contrapeso o de encuadre, tampoco será nunca considerada una obra surrealista “de verdad”. Para ello y según los primeros cánones todo debe fluir sin control, en el momento, desde el subconsciente.

Así que con no hacer caso a André Bretón y sus Manifiestos se nos pasa bastante el tema y las dudas, sobre todo porque sí se puede pintar surrealismo sin ser surrealista. ¿Y si eres un surrealista lento que necesita recapacitar lo que le viene de dentro antes de pintarlo o escribirlo?

Si te imaginas un mundo de sueños, si te crees por un momento que eres Freud y te atreves a plasmar tus sueños con formas y colores más o menos reales, en ese surrealismo paradójico donde puedes pintar objetos reales en situaciones irreales…, estás entrando en el mundo del super realismo surrealista donde todo puede querer decir una cosa y posiblemente otra más. Es decir al menos dos cosas distintas e incluso a veces contrarias.

12.2.20

Aprendiendo a ver, de Eduardo Galeano

Esta poesía me la encontré en un pasillo de la Escuela Politécnica de Huesca y me gustó el dibujo acompañando un texto poético de Eduardo Galeano. Un aprendizaje de "VER" simplemente ver a costa de abrir los ojos y aprender a mirar.

René Magritte y sus ¿motivos? para pintar Violación

Mi pintura son imágenes visibles que no ocultan nada; evocan misterio y, de hecho cuando ven uno de mis cuadros, se hacen esta simple pregunta: "¿Qué significa eso?" No significa nada, porque el misterio no significa nada, es incomprensible. René Magritte.

A esta obra de René Magritte, muy conocida y titulada “Violación” pintada en el año 1945, se le han querido encontrar muchas explicaciones que posiblemente todas ellas sean ciertas.

 Que si es la “cosificación” del cuerpo femenino, al que se resta la posibilidad de que tenga algo más que órganos sexuales.

 Que si es un recuerdo de infancia de cuando vió a su propia madre suicida saliendo desnuda de un río y con la cara tapada.

 Que si podría ser una provocación hacia la sociedad incapaz de ver en esos años a la mujer más allá que unos cuerpos sin posibilidad de expresarse. Pero también podría ser un deseo del propio artista, un juego con nosotros, una imagen icónica de alguien, un juego de interpretación.

La realidad es tan simple como que sin restar nada de lo que nos quiso transmitir René Magritte, el surrealismo es precisamente eso, intentar explicar pensamientos y sensaciones desde idiomas provocativos, imposibles, que nos hagan pensar desde dobles miradas, desde el subconsciente.

11.2.20

¿Por qué nació el surrealismo? ¿Qué es el surrealismo?

El surrealismo, el mundo y el arte surrealista no es como a veces se piensa un mundo construido desde el teórico “subrealismo” sino al contrario, un super realismo, un término que intenta explicar que dentro de cada uno de nosotros, de toda la sociedad, además de lo que observamos hay mucho más, hay un mundo casi escondido donde cabe casi todo, donde está lo imaginado, lo irracional, el mundo psíquico de cada uno de nosotros, el mundo real que creemos irreal.

Se esconde en sus mundos la irracionalidad de la razón, la violencia de la palabra, del gesto, del grafismo, del trazo, de la pintura, ante una realidad social que es violenta y que en esos años nadie entiende bien. 


—¿Cómo hemos llegado hasta aquí?— se preguntaban las sociedades del final de la I Guerra Mundial.

La I Guerra Mundial fue una masacre sin paliativos y sin entendimiento conceptual
pues supuso el nacimiento de los bombardeos a las ciudades, de los ataques indiscriminados con armas químicas.

Tras aquella barbaridad surge un mundo totalmente diferente con los Felices años 20, donde los que se lo podían permitir abrazaban la juega, la felicidad con añadidos, la despreocupación por el futuro, por lo terrenal. Y en todo ese caldo de cultivo surge el Surrealismo como forma artística de intentar expresar todo lo que rodeaba a esos años que nadie podía entender bien.

Las emociones se multiplicaban y se convertían en algo mucho más complejo, por lo que algunos artistas les dieron la vuelta creando literaturas automáticas, poesías visuales o pinturas del mundo más interior, donde casa nada era lo que parecería ser. 

Si el hombre puede matar al hombre lanzándole productos químicos encima… ¿por qué no va a poder explicarle que se puede sentar dentro de unos grandes labios rojos, o que un ave es una mancha roja con rayas negras?

En la imagen vemos el Cartel de Max Ernst para la Exposición Surrealista Internacional de 1936 en las New Galleries Burlington de Londres.

Demsky y las crónicas de tu ya no pueblo. Kirk Douglas y su raza

Porque se nos ha ido el gladiador Kirk Douglas y ya nunca nacerán esas espaldas que tenía Issur Demsky. Judío de estirpe bielorrusa born in Amsterdam. A quien su hijo se parece menos, como roca de desierto a la que le da el sol de la tarde, que el fiero Harvey Keitel. En mi opinión, su único sucesor artístico judío.

Ambos gentes de las que llenaban un bar, que paraban una conversación desustanciada solo con una mirada, un pelado y corte de cebolla enérgico a navaja. Como tantos irremplazables con copia mala.

Sosteniendo y encerrando en sus manos de sarmiento todo un hatillo vital de emigrantes. De judíos errantes o de pastores por cabañera, da lo mismo.

Ahora todo es técnico y de muchas palabras. Pero seguirá siendo necesaria que piensa en cuándo están maduras y huelen las trufas.

Maduradas por el frío, es otro de esos olores como el pachuli que no se pueden embotar antes de hora. Que modifican el sabor de los huevos más que siendo rayadas en ellos, dejándolas en la nevera para que los aromaticen crudos.

Kirk Douglas perteneció a esa grey, raza e individuos por circo y necesidad esculpidos. Hubiera disfrutado echando humo en cualquier casino o bar de Jacetania, relatando sus errancias, sus yerros y sus cosechas perdidas por falta de conocimiento del árbol que plantó donde fuera.

Ahora salud, castings o pasarse de fuerte están protocolizados.  Desde entonces, hay un porcentaje de medianía que mejora imputando todas las muertes a los sanjuandedios u hospitales especiales coronachinos del mundo. Pero los omoplatos y tibias tronchaus, ya no nos sueldan como a Demsky y se nos queda el cuerpo contrahecho.

Igual es que le damos demasiada mente al postoperatorio y a ellos les cosieron en vivo. Y tuvieron ellas y ellos dedos como ramas de noguera.

Savia de saúco no podado, by Gaultier… No son ya más que nombres que barajear en campañas de promoción.

Tus hijos viven a todo trapo blanco de harina, ocultos en Valldemossa sin bajar al bar ya cerrau a convivir y sentir por qué comprar trufas en Teruel a primeros de diciembre pero no tanto en la Canal.

06.02. 2020 Luis Iribarren

Mural de Manolo González, en Huesca

Este mural me lo encontré en una visita a la Escuela Superior Politécnica de Huesca y firmada por Manolo González en el año 1990. Pero no he sido capaz de lograr más información de una obra que me pareció muy interesante. Simplemente la disfrutaremos observándola.

9.2.20

¿Qué queremos transmitir con el Arte?

El ARTE es sobre todo mostrar y hablar. O hablar mostrando. Describir con grafismos, imágenes, letras, acciones o espacios aquellas ideas que se quieren transmitir a los demás. 

Es hablar y no con la boca solo, sino utilizando muy diversas herramientas. hay arte en la escultura, en el teatro, en la pintura o en la literatura, en la música o en la danza.

¿Qué queremos decir?

¿De qué manera lo sabemos describir?

¿Cómo queremos transmitir lo que deseamos contar?

¿Hacia quién deseamos dirigirnos?

¿Cuándo y durante cuánto tiempo vamos a mostrar el contenido de las ideas? 



5.2.20

José Luis Cuerda se ha ido a soñar. Y nos dejó sus sueños

El surrealismo es mucho más que una técnica pictórica de plantear ideas e ilusiones, sueños mezclados con realidad. También la literatura, la poesía, el cine, la poesía, el humor, la arquitectura, el teatro han emprendido camino surrealistas para explorar mundos escondidos.

Ayer se nos escapaba José Luis Cuerda, con muchas ganas de irse pues la enfermedad le castigaba desde hacía ya mucho tiempo. Con su película "Amanece que no es poco" dio a conocer al gran público una forma distinta de mostrar su mundo interior desde el surrealismo sin excusas. Dejó muy claro que desde el surrealismo se pueden explicar muchas cosas bárbaras.

Abrir los caminos, ensancharlos, mostrarlos, explorar nuevas herramientas es el camino responsable de cualquier artista que quiera expresarse utilizando todo tipo de pinceles. José Luis Cuerda se ha ido a su mundo de sueños.

4.2.20

El arte es un idioma para explicar la historia de la humanidad

El ARTE es un idioma, una forma de hablar, de comunicar, una manera de expresión que desde hace miles de años han ido utilizando las diversas sociedades para explicarnos “cosas” de su momento vital. 

A través del arte conocemos parte de toda nuestra historia e incluso en algunos momentos de ella es (casi) lo único que nos ha quedado para intentar entender qué eran, qué pensaban las personas anteriores a nosotros.

Por eso el arte es fundamental para conocer la historia de la humanidad. Y por eso los artistas tenemos la obligación de conocer la Historia del Arte pues sin saber lo suficiente de ella nos podemos perder a la hora de intentar seguir hablando, seguir comunicando.

En el arte como en cualquier otra forma de comunicación hay que intentar ser novedoso, explicar algo nuevo o desde otro punto de vista o con otros símbolos. 

O simplemente adaptado a la particular forma o manera de expresión de un momento dado en la historia de la humanidad, es decir, (para nosotros) en el nuestro. En nuestro presente.

Pero a su vez, además de expresarnos en el presente, debemos conocer bien todo el tipo de grafismo que en nuestro “hoy” se utiliza para expresarnos. No para copiarlo, no para seguir por el mismo camino de expresión, sino para elegir y decidir.

En todos los tiempos de la humanidad se han ido encontrando nuevas formas de expresión, y esos cambios los han realizado personas que tras conocer lo que ya se hacía, decidieron modificar procesos, formas, expresiones, bases o lienzos, buscando cambios que fueron abriendo nuevos caminos.

El trabajo de cada uno de los que hablamos con el arte es fundamental para abrir o cerrar caminos, y admitiendo que es posible haber perdido algunos de esos intentos en la historia de la humanidad, sin duda han quedado los mejores o los que más suerte han tenido para mantenerse, y con ellos han (hemos) escrito la historia de la humanidad.

La obra que vemos arriba es un “San Gil Penitente” del artista italiano Paolo de Matteis, de finales del siglo XVII o principios del XVIII. Fue discípulo de Luca Giordano. La obra se encuentra en la Real Academia de Bellas Artes de San FErnando en Madrid.

3.2.20

¿Puede Joan Miró pintar como un niño?

Cuando un niño dibuja o pinta, lo que hace es sacar de su interior su propia memoria. Dibuja lo que recuerda que ha visto, lo que ya le ha quedado dentro, una imagen fija que sin ser real es la que idealiza. 

Dibuja lo que ha visto, pero modificado por sus vivencias, por lo que realmente percibe, por lo que él ha querido quedarse dentro. 

Un adulto es para un niño un ser enorme, pero no tanto por el tamaño sino por lo que representa para él. No todos los adultos son igual de enormes pues el tamaño real para un niño es la suma de varios factores.

Los dibujos infantiles no están para interpretarse, aunque a veces se haga, sobre todo con el clásico test del árbol. Están sobre todo para disfrutarlos, y para escuchar las explicaciones del joven artista, casi del nonato artista.

En este dibujo de la izquierda lo que vemos tú y yo posiblemente no es lo mismo que deseaba plantearnos el dibujante. Para él aquello era un espantapájaros. 

Pero mezclaba el concepto irreal de un espantapájaros con el de una persona con vida, fruto posiblemente de imágenes de cuentos o de vídeos. Ya tenemos pues la capacidad de abstracción, de imaginar y además…, de al revés convertir en real lo que él imagina.

Para el niño no es un espantapájaros normal, es un espantapájaros sonriente. Y además y curiosamente tiene ombligo. Fruto casi seguro de su propio hermano menor, que lo tiene y le produce sensación de curiosidad humana.

Pero sigamos jugando. Vamos a ver a la izquierda el dibujo original del niño y a la derecha una representación teórica de esos mismos grafismos adaptados a los grafismos de Joan Miró. Es un ejercicio burdo y rápido, pero lo que he intentado mostrar es que la distancia entre una obra de la imaginación infantil no está muy alejada de las obras de un pintor abstracto que por cierto sabía dibujar maravillosamente y hay ejemplos de eso.

Tal vez como se dice ahora mucho, se trate de restar, de quitar, de hacer más con menos. O al menos lo mismo pero con menos, para que todo salga más sostenible y sencillo de abrazar.

2.2.20

Ángel Orensanz y sus dibujos escultóricos en papel

Todos conocemos y reconocemos muy bien la obra escultórica de Ángel Orensanz, pero todos los artistas tienen obra en diversas técnicas, bien por ser obra de distintos tiempos vitales, por ser la obra de sus comienzos, por ser bocetos o apuntes que luego sirven para obras finales posteriores.

Este es un dibujo de Ángel Orensanz que se conserva en su Museo de Sabiñanigo en Huesca, donde podemos disfrutar de una gran colección de dibujos suyos, algunas esculturas y algunos textos suyos con opiniones diversas.

31.1.20

El Arte, su momento y su lugar de creación, asociados totalmente

Cualquier creación artística se enmarca en el momento en que nace, en que se crea. Es imposible no impregnar poco o mucho de la realidad del momento de la creación, cuando nos ponemos a crear algo nuevo. Sea una novela, un cuadro, una obra de teatro o una película

Incluso da igual si es una película de la época romana, sin querer y sin darnos cuenta, estaremos casi seguro añadiendo elementos del momento actual, pues lo construimos desde nuestra forma de pensar actual.

Si cogemos un texto de Lope de Vega
, si quisiéramos montar una obra de teatro con su texto, veríamos que le tenemos que añadir casi todo. El texto es la historia, la sustancia, pero falta el plato, los cubiertos, las compañías, el ambiente, las luces, le mesa y el tiempo real junto a su ambiente.

Si analizamos hoy cualquier obra de arte pictórica y no somos capaces de abstraernos al tiempo en que fue creado, la estaremos viendo parcialmente con arreglo a lo que el artista nos quiso mostrar. Y eso que la pintura es la disciplina junto a la fotografía que más se acerca a la realidad. Pero a la realidad de su momento.

Una obra de arte es un momento tiempo, es un ambiente, un lugar. Un ballet ruso del siglo XIX nació allí y lo podemos ver ahora aquí. Pero a la hora de representarlo, de copiarlo para transmitirlo en el momento actual, hay que decidir cuánto del siglo XIX ruso queremos mostrar.

Pues no se trata solo de mostrar a unos bailarines moviéndose maravillosamente. Hay que añadir un espacio, una escenografía, una iluminación y unos colores, un ritmo, una música que podemos volver más o menos alegre o triste, un conjunto que puede ser más o menos numeroso y agrupado o desperdigado. 

Sin contar que hoy le podemos añadir imágenes de fondo estáticas o en movimiento, podemos jugar con guiños al espectador, o a la hora de crear la escenografía debemos ambientarla como deseemos transmitir sensaciones.

Es una pintura de los años 1960 en España es normal que se refleje la falta de libertad, y en los años 2000 que se vea la confusión. Si esta obra no es de un autor español sino chino o ruso, se notará su procedencia espacial y temporal. Y eso es siempre un valor añadido que tiene el ARTE pues refleja notarialmente los tiempos.

La pregunta respuesta es sencilla ¿Por qué necesitaba la iglesia católica tantas obras sacras en el siglo XV mostrando a Cristo sufriendo, a demonios o ángeles? Era mera propaganda que había que explicar a una sociedad analfabeta a base de imágenes.


La obra que podemos ver arriba es una olla del pueblo peruano de Nazca, posiblemente con uno 2.000 años de antigüedad y que nos muestra a un Ser Oculado de cuerpo entero con ojos desorbitados, boca felina y como falsamente alegre que parece cobrar vida para saltar sobre nosotros. Una clásica obra religiosa de aquellos años en aquella zona en concreto.

La Compañía de Rafael Amargo y su Dionisio

Acudí a ver la obra “Dionisio” de Rafael Amargo, o mejor dicho de la Compañía de Rafael Amargo y debo reconocer que me sorprendió doblemente. Por una parte lo flojo del guión, que aunque no afectaba enormemente a la obra pues en realidad iba “de otra cosa” resulta complejo para una obra de ballet y teatro que aspira por el nombre a representar un trabajo clásico.

Pero a su vez me sorprendió por la belleza del espectáculo, su escenografía o el trabajo de la Compañía, excelente y sin poder señalar a ninguno de sus integrantes, estuvieron muy profesionales, muy dignos, muy conscientes de que el ARTE escénico puede tener muchas variables.

Lo de menos, lo recalco, es la excusa de utilizar a Dionisio como el motor de la obra. No lo parece y no encaja bien pues igual podría haber sido una fiesta del sur de España que un amor entre diversos o un planteamiento del norte de Europa. Desenfreno tal vez no suficientemente explicado, sexo y fiesta, dolor y dudas.

Buena escenografía, buena musicalidad e iluminación, mal sonido. La figura de Rafael Amargo a veces sobra. No es necesario estar siempre en el escenario, incluso a veces NO estar supone que al volver si coga con más ganas. No tenía su día o su mes un Rafael Amargo que se cansaba mucho antes que sus compañeros de un trabajo duro, donde se entrega al público sobre todo una composición artística buena, llena de hermosos cuadros y de un ballet contemporáneo que a veces quiere ser clásico y otras histórico.

El conjunto como obra musical de ballet moderno funciona. Como obra clásica que nos quiere contar una historia… ya no tanto. Algunos protagonistas de la Compañía simplemente excelentes, lo mejor de toda la noche.

La Composición es el elemento básico en la creación artística

La COMPOSICIÓN es lo más importante a la hora de crear arte, es lo primero, lo básico, lo fundamental. Es el marco sobre el que se coloca todo lo demás. La composición es lo “que compone” el resultado. La composición es simplemente la ORGANIZACIÓN de los espacios y de los elementos.

Todo lo que seamos capaces de crear hay que enmarcarlo (y no me refiero a ponerle marcos de madera) y seleccionarlo, cortarlo, mostrar lo que deseamos y sobre el espacio que hemos decidido utilizar, al que podemos llamar lienzo, escenario, hoja blanca o espacio tiempo.

Vamos a imaginarnos un paisaje, y lo vamos a fotografiar o a pintar, daría igual. Tenemos que decidir si lo queremos transmitir horizontal o vertical, tenemos que elegir el punto de vista y distribuir los elementos que vemos sobre el espacio elegido.

Sobre todo en pintura tenemos que decidir qué importancia queremos para cada elemento. Qué tamaño deseamos mostrar de las montañas, de esa flor amarilla, del espacio del total que deseamos cubrir del verde hierba. Vamos a decidir si el cielo es simplemente cian con algo de magenta o queremos mostrar un cielo con nubes blancas, de tormenta o de noche.

Si es teatro o literatura tenemos que decidir en qué momento entra un personaje, desde qué lado, vestido cómo, para decir qué. Vamos a componer la historia a base de componer el espacio y el tiempo. Y componer es también dar más o menos tamaño a cada elemento, sea un personaje o una mancha, un sonido o un grito.

La suma de toda la obra es la suma de muchos elementos, pero la Composición determina en qué posición hemos colocado cada uno de ellos, por ejemplo para que entre ellos no se tapen, se contrapeses bien, encajen de colores sin vibrar más de lo que deseas, etc. La suma de todas esas decisiones es la Organización que marca la Composición final de la obra.

¿Cambiamos la mirada del personaje? ¿Quitamos verde y añadimos negro? ¿Movemos hacia el centro esa mancha roja, haciéndola algo más pequeña? ¿Dejamos la percusión que entre unos segundos antes? ¿Acercamos más al actor hacia los espectadores para que le vean mejor la cara rota de sus dolores?

La obra que vemos arriba es del artista holandés Karel Appel y se titula “Figuras” pintada en el año 1952 al óleo.

26.1.20

Una pieza de arte textil llamada "Mola" de Colombia

En la imagen vemos un ejemplar de "Mola" una técnica de arte textil que se realiza en algunas zonas de Colombia y Panamá, generalmente realizado por los Guna (o Kunas), un pueblo amerindio con ancestrales formas sociales de vida y de organización laboral, familiar y económica. 

Una mola es una pieza textil compleja, con diversos diseños artísticos que va configurando con diversas piezas terminadas una blusa o un vestido para su uso festivo.

En realidad es un ropa que imita con dibujos geométricos los mismos tipos de pinturas que se pintaban en el cuerpo, técnica textil confeccionada totalmente a mano, donde reflejan el mantenimiento de sus culturas aunque en los últimos años van añadiendo a sus diseños aves, flores y animales de las zonas de influencia. ya no son solo dibujos geométricos. 

La técnica se basa en unir varias capas de tejidos de distinto color, entre dos y siete capas, que una vez cosidas, se cortan trozos de las diferentes capas para ir dejando ver los colores de las capas inferiores, o se rajan y se abren capas para la misma sensación visual, cosiendo las aperturas con hilos muy finos.  

Todo el conjunto final con su aperturas y trozos retirados se cosen con agujas muy finas para que casi no se noten las puntadas y de la sensación de ser todo una sola pieza de tela, entresacando las partes de las diferentes capas para que el conjunto quede en apariencia como una tela de una sola capa o a lo sumo de dos. Cuantas más capas tenga la tela y más finas las puntadas, más cara es la obra de arte.


24.1.20

¿Cómo trabajaba Hergé para crear a Tintín?

Este que vemos arriba es un primer boceto de un álbum del dibujante Hergé (Georges Prosper Remi), el creador belga de Tintín, recogiendo su primera idea en un cuadernos de bocetos específico para esas primeras escenas donde ya marcaba los paisajes que iban acompañar a los personajes, las posturas de ellas, la posición de la “cámara” que los iba a representar en el cómic final. 

Pero no era todo improvisación. Antes Hergé se documentaba y tenía a su alcance libros y revistas de donde sacaba esos paisajes y la información que necesitaba para reflejar el escenario o los personajes nuevos que iban a acompañar a los fijos y muy conocidos.

Alrededor de sus escenas ya iba colocando los diálogos o los textos explicativos de la acción para plantear el tamaño de los bocadillos finales, aunque luego eran finalmente modificados los textos cuando pasaban a la mesa de dibujo final, y allí eran definitivamente dibujadas las viñetas sin excesivo detalle en hojas A3 y con lápiz. 

Y se hacen por primera vez los bocadillos pues ya se conoce los textos que van acompañar cada viñeta.

Tras revisar toda la hoja ya dibujada casi definitivamente a lápiz se pasa al siguiente paso que es dibujar definitivamente la hoja de cómic a tinta, terminando los detalles y convirtiendo a los personajes en sus figuras habituales con sus detalles bien reconocidos. 

Se completan los bocadillos adaptando los espacios vacíos pero sin escribir textos y se pasa a la sección de colorear, donde los colaboradores de Hergé se dedican a dar el color a los dibujos con aguadas y acuarelas y con arreglo a la información que tienen de cada escena.

Finalmente los textos se incorporan al dibujo con diversas técnicas. Actualmente parte de estas secuencias de trabajo que hemos visto se realizan de forma digital. El coloreado y la incorporación de los textos son las funciones que ya (casi) todos los dibujantes realizan de forma digital.