Víctor Mira y Antonio Saura, juntos en un cartón


Del artista Víctor Mira dejo una obra dedicada a otro artista, Antonio Saura. Un cuadro de 1997 donde plasma su particular visión de un Antonio Saura creador, que imagina con una cabeza superlativa creada a partir de un collage y la ayuda de óleo sobre un lienzo de cartón. Toda la obra se recrea sobre esos negros tan característicos de Víctor Mira para darle una mirada casi tenebrosa.

El mexicano Rufino Tamayo y su Encantador de pájaros


Esta obra es del artista de mexicano Rufino Tamayo y la casa de subastas Sotheby's la vendió en 4.3 millones de dólares en el año 2017. Rufino Tamayo fue uno de los primeros artistas latinoamericanos que, junto con "El Grupo de los tres": (Rivera, Siqueiros y Orozco), alcanzaron una difusión internacional. Y aunque también participó en un principio en el movimiento muralista que floreció en el período comprendido entre las dos guerras mundiales, sus obras tienen una dimensión distinta y se distinguen claramente de las del mencionado grupo y sus epígonos. No dejó nunca de mostrar en sus obras sus orígenes precolombinos y cambiando desde el realismo hacia un modernismo propio

La propia casa de subastas Sotheby's dijo de este cuadro titulado "El encantador de pájaros": "Es una pintura magnífica del periodo más importante de Rufino Tamayo. Aunque la majestuosa obra fue pintada durante la oscura época de 1945, los simbolismos precolombinos y la composición lírica y optimista hablan de la esperanza del artista por el futuro”

Marcos Parajua y una persona que se va disolviendo


Escribía en esta entrada sobre el artista Marcos Parajua y su exposición: Mímesis: arte y naturaleza en el tiempo sin espacio. Ahora os dejo otra muestra de esta exposición, con una obra sencilla pero tremendamente efectiva que casi entronca con la performance de Miquel Barceló en Málaga. Una figura humana que se va disolviendo.

Todos nos vamos a ir disolviendo poco a poco, es inevitable, pero no todos lo haremos llenos de color y tranquilidad. La mayoría de las veces, disolverse supone a su vez ir cambiando de color hacia el gris oscuro.

Miquel Barceló y su "Despintura Fónica" en Málaga

Ante el Arte a uno le pueden caber todo tipo de preguntas con respuestas muy fáciles o imposibles. Depende de días y de estados emocionales. Miquel Barceló es un genio como antes lo fueron muchos otros en la España que sabe "hacer" artistas rompedores. Ejemplos tenemos muchos pero Barceló en la Catedral de Palma ha dejado para las dudas el ejemplo claro de que es distinto y un genio.

En Málaga, en el patio de su Museo "fabricó" una performance y una obra pictórica entre él como pintor y Pascal Comelade como músico al piano acompañando la performance. Apoyando a su exposición actual en el Museo Picasso de Málaga quiso dejar constancia de la creación de una obra de arte efímera, para que Málaga pudiera disfrutar por unos minutos de una obra de Barceló. Solo unos minutos.


Con la presencia de un nieto de Picasso presidente del Consejo Ejecutivo del Museo Picasso y ante un lienzo de 40 metros cuadrados, con un número de herramientas para pintar que ya indican que aquello iba a ser una obra de Barceló y que se van a utilizar diversas formas de pintar "con agua" comienza la construcción de la obra pictórica "Despintura Fónica" manchando de ¿color negro? la tela con diversas manchas, rayas, formas, estructuras en casi movimiento que van configurando una especie de seres en sombras que observa a los espectadores elegidos para ver el evento.

En realidad está pintando con agua sobre una tela preparada, que en 20 minutos de trabajo con una elegida música de fondo ha logrado crear un paisaje de figuras que casi llenas el cuadro. Ahora restan otros 20 minutos más —que dependen de la temperatura y el ambiente— para que al ritmo de la música y mientras todos contemplan en silencio la obra, esta se vaya disolviendo poco a poco, desapareciendo de la tela, para dejar el vacío. Durante unos minutos Málaga tuvo un Miquel Barceló de 40 metros cuadrados.


Todos nos tenemos que ir de este mundo. Los que seguimos y tenemos cierta edad ya hemos visto marchar antes a familiares y amigos. Nos vamos y dejamos el vacío durante un pequeño tiempo. Mientras tanto, hemos tenido la importancia "de estar" y de ocupar un espacio. Pero todo desaparece.


Un Quique San Francisco por las calles de Benalmádena


El Arte de Calle, el Street Art efímero es también una hermosa forma de plasmar recuerdos y pequeños homenajes a las gentes de los barrios en las zonas de su influencia. Sucede en los barrios más conocidos de New York y en este caso ha sucedido en la localidad de Benalmádena donde aunque no tenía una relación estrecha el actor Quique San Francisco (creo) se han realizado un mural en su honor tras el fallecimiento, con la firma del artista urbano Nesui SRC (@Nesui.SRC)

Es un bello trabajo muy realista de este grafitero muy conocido en Andalucía que sabe plasmar los rostros de personas famosos con una excelente grafía y parecido. El 
Quique San Francisco algo triste, melancólico pero con su toque de rabia y humor que sujetaba… no siempre.

José Luis López Saura y su catedral de Segovia, realismo mágico


Lo llaman "Realismo mágico" y es una técnica artística que copia mejor que la fotografía lo que existe en esos momentos, limpiando lo que sobra, poniendo las luces que se necesitan, corrigiendo paralelas y creando idílicamente lo que existe aunque no siempre veamos. El madrileño segoviano José Luis López Saura deja arriba una muestra del interior de la Catedral de Segovia, una obra de casi tres metros de altura que se encuentra en el Hotel Facundo de Segovia.

Pinta pero también dibuja con distintas técnicas solas o mezcladas y trabaja el vídeo en ese guiñó lógico de todos los artistas que sobre todo quieren mostrar, crean, enseñar sus formas de mirar. 

Fotógrafo premiado sabe cazar lo mejor de la fotografía para trabajarla en la pintura con retratos o bodegones que son bastante más que una fotografía pintada.


Vivian Suter y sus selvas de Guatemala que nos ha traído a Madrid


La argentina Vivian Suter nos presenta en el Palacio De Velazquez del Retiro de Madrid una retrospectiva de sus obras en tela, de sus mundos naturales imaginarios, sin tiempo, sin distancias, recreando su vida en las selvas guatemaltecas, para crear tranquilidad, suavidad lenta y sin tiempo de consumo.

Vivian Suter nos dice.: 

“Las cosas son como son, la vida hace lo que hace, el resto somos nosotros”. 

“Es cuestión de saber que la vida nos pone en el lugar donde podemos aprender a aprender”.

Es un viaje sentimental, de sentimientos y sensaciones místicas, es un paseo artístico por las selvas del mundo, por las de todos los tipos. 

Y contra las selvas menos naturales impone la naturaleza, la de siempre, el barro, las ramas de árboles secos, las hojas de otoño, las miradas verdes, ocres o rojas de que por encima de lo que destrozamos está lo que sobrevive.

Nota.: La imagen es de VIVIAN SUTER ' Sin título, s/f'.FLAVIO KARRER. (CORTESÍA DE LA ARTISTA Y KARMA INTERNATIONAL sacada del diario El País

Marcos Parajua y su: Mímesis: arte y naturaleza en el tiempo sin espacio


La exposición "Mímesis: arte y naturaleza en el tiempo sin espacio" es una retrospectiva del joven artista Marcos Parajua, que puede visitarse hasta el próximo 18 de julio en Segovia y de la que dejo una pequeña muestra.

Marcos Parajua es un artista interesado en las relaciones entre lo mediado y lo inmediato en la construcción de los sujetos, la verdad, la emancipación y los cuerpos, en unas constantes que se comparten a través de los audiovisuales, los nuevos medios, las instalaciones, las pinturas y los objetos, considerando el arte como un campo en curso con una historia, con la intención personal de pretender interrumpir el discurso pictórico, para traer al frente la imagen, el volumen, el sonido y las instancias sensoriales que conforman la realidad, ya sea en la naturaleza, en las narrativas nacionales o en la religión, en la ciudad, los reclamos publicitarios o los movimientos estéticos.

El propio autor nos dice en su blog: Sea la carne lo habitado que no podemos del todo apropiar y a su vez el medio para somatizar aquello que nos es también solo parcialmente accesible en la experiencia.
Una degeneración de la idea de justa medida es aquella que somete en abstracto al conjunto del ser al remanente de la razón victoriana. El histrionismo, la afectación y, en este sentido el exceso (el payaso de jengibre bastante aterrador, el hamburglar, una especie de gota púrpura) quedan recuperados siempre que no señalen situaciones opresivas que aún confronten a la persona, y que en cualquier caso se atribuirán a su deficiente ética, a su falta de (privilegio) clase- virtud moral del individuo cultivado (sillas de sedán acolchadas de terciopelo) . A relacionar el co-medir de esa moral al ritual de sociabilidad moral en tanto religiosidad pública que da nombre a la comedia. Estatuto alien que sitúa el ser en determinaciones e indeterminaciones espacio del yo (espacio del yo posible).


¿Es Arte? ¿Y si estuviera en un Museo sería Arte?


A veces el Arte es simplemente decorativo. Al menos para todos menos para el artista. Este es un cuadro de habitación de hotel. Un óleo rápido, posiblemente hecho por encargo junto a decenas de ellos de similar forma y tamaño y a un precio bajo. Va sin firma.

¿Es Arte? ¿Y si estuviera en un Museo sería Arte?

Rafael Peñuelas Fernández y un Cristo Yacente de 1944


Podríamos pensar que el excesivo dramatismo de algunas obras de pintura religiosa mostrando a Cristo Yacente, ensangrentado, es trabajo artístico de hace unos siglos. Pero esta obra al óleo es del año 1944, del artista canario Rafael Peñuelas Fernández

Parece casi obligatorio en la religión católica mostrar a un Jesús muerto y lleno de llagas, de heridas, de sangre, cuando sería tal vez mejor mostrarlo en plenitud de sus trabajos hacia la sociedad.

Este cuadro se puede ver en la Catedral de Segovia. Se le conoce como Santo Cristo de la Misericordia.


Es el Centro de Historias de Zaragoza. Y esta pared, una historia más.

Simplemente es una pared de entrada desde un pasillo a una zona de salas y despachos, un juego de paredes que te acogen y te envuelven entre los colores. No es nada más, no está creado para colgarse en una pared, es la pared.

Es el Centro de Historias de Zaragoza. Y esta pared, una historia más.

¿Pueden los daltónicos entender de color? ¿Qué es el color en realidad?


El otro día hablaba de una obra de Mark Rothko y comentaba que su título haciendo referencia a los colores, nombraba uno como "Color Ciruela", sobre todo porque era una gran obra que en realidad contenía solo tres colores en forma de manchas, como es lógico en este artista. El color y la mancha es lo único que nos referencia, que nos enseña en sus obras 
Mark Rothko.

Pero no siempre "vemos" los colores, o al menos no vemos todos los colores.

Las hojas de un árbol son normalmente verdes, pero… ¿cuántos verdes hay en ese mismo árbol? Hay decenas. Incluso si nos acercamos una hoja cualquier vemos que ella misma ya está compuesta de varios verdes. Y que si la movemos de sitio, la trasladamos a un interior o a un tipo de luz diferente, cambian esos verdes. Incluso en el mismo lugar, con la misma luz, si nos movemos nosotros y observamos la hoja con una incidencia de la luz natural diferente, también cambia de color.

El Color es muy importante en el Arte.

Sobre todo porque ante los millones de colores diferentes que podemos ver o comprobar según estén en contraste con otros colores, la decisión del artista para seleccionar unos u otros es fundamental para que la obra final sea de una manera o de otra.

Dicen que podemos ver entre un millón y diez millones de colores distintos, pues no todos somos capaces de ver la misma cantidad de colores, ni vemos los mismos a lo largo de nuestra vida. Ni vemos los mismos colores que nuestro vecino de trabajo o de sala. 

Un naranja por poner un ejemplo lo podemos ver de distinta manera una persona de otra, con diferentes matices. E incluso estamos personas que por diferentes problemas en la vista vemos con más color en un ojo que en el otro. 

El color es subjetivo y nos lo terminamos de crear nosotros mismos en el cerebro.

Incluso sabemos que hay colores que no vemos ningún humano y que en cambio sí ven algunos animales. Y para más curiosidad si alguna vez has disparados fotografías con carretes de infrarrojos o en digital con cámaras reconvertidas habrás podido comprobar que nos muestra unos paisajes en blanco y negro o en color pero con los colores totalmente cambiados. 

Nosotros vemos como vemos, pero hay otras formas de ver lo mismo. El mundo es tremendamente rico en colores, matices, tonos, y muchas veces lo que creemos ver, SOLO ES NUESTRA REALIDAD pero hay otras posibles.

Cuando pintamos intentamos casi siempre representar con NUESTROS colores aquello que pintamos. Pero no podemos estar seguros de que realmente sea así lo que aprecian otra personas. 

Hay algo curioso en los colores que no siempre conocemos. Mi primer oficial en color era totalmente daltónico, no brutalmente daltónico, pero si que los naranjas y los verdes los confundía mucho. Pero en cambio era maestro impresor en trabajos manuales donde todas las semanas teníamos que fabricar colores especiales a base de mezclar cían, magenta y amarillo. 

A veces con algo de pomadas trasparentes o con pequeños toques de rojo marroquí o de azul 8111 (que era un azul muy brillante y oscuro). No utilizábamos casi nunca el negro. Con los tres básicos hacía las mezclas y NUNCA fallaba aunque fuera daltónico. 

¿Su truco? Pues era algo muy simple, él recibía una muestra de color que había que copiar y aunque yo lo viera verde o naranja, él lo veía de otro color, pero sabía mezclar tintas en una proporción exacta para hacer un naranja que él veía marrón. Y claro las tintas de los botes también las veía cambiadas de color. Pero como todo en la vida, es experiencia. 

El color solo existe para nosotros. Casi todos vemos muy parecido el color, pero siempre hay pequeños matices. Sobre todo en los tonos muy claros o en los colores muy vivos, o en los terciarios muy sucios. ¿Cuántas veces nos hemos preguntado entre nosotros al ver una tela… es azul oscuro o verde oscuro o es un gris azulado?

Nota.: La obra que vemos arriba es del pintor José Guerrero realizada en el año 1970 y que llamó "Crecientes con verde".

Perdemos la capacidad de comunicarnos con manchas y líneas


Es curioso recordar la realidad de que nacemos con la capacidad de realizar trazos, manchas, rayas, y además deseamos hacer ese ejercicio cuando somos muy pequeños, y a su vez lo vamos perdiendo según crecemos. Los niños enseguida descubren su capacidad de "crear" sobre el lienzo en blanco de una pared, el suelo o la mesa, sobre su ropa o su cara, rayas y manchas empleando los dedos. Es una forma ancestral, arcaica de comunicar utilizando los dedos, una materia de color, y una base como lienzo, para realizar formas simples. 

Pero eso es reprimido por los adultos, y al final se deja de hace antes incluso de ser sustituido por los alfabetos y las comunicaciones escritas que ya reconocemos como normalizadas.

Incluso al niño cuando le enseñamos a escribir y a repetir formas, lo hacemos de manera muy controlada. Le pedimos que repita formas para educarle a manejar la mano, pero le evitamos que haga formas libres. Debe repetir diez veces diez unos cuadrados o unas líneas onduladas, que sigan un patrón, que sean todas ellas iguales y paralelas, pero no le ofrecemos la opción de que partiendo de esos mismos patrones haga lo que le plazca. Es cierto también, en algunos modelos educativos, SÍ se hace así.

El resultado final es que el niño va perdiendo el placer de utilizar las manos para manchar. Y comprende que aquella herramienta, los dedos y la mano, están para comunicarse de una forma ordenada, fácil incluso pues se utilizan grafismo que la otra parte, el espectador, puede descifrar con suma facilidad. ¿Qué hemos perdido en ese camino de control de la mano y de la libertad de crear formas que salen desde dentro?

Nota.: La obra que vemos arriba es del artista napolitano Sergio Fermariello

¿Quieres que te guste el Arte? Pues empieza por disfrutar del Arte


¿Quieres que te guste el Arte? ¿quieres entender de Arte? Pues empieza por disfrutar del Arte. Si no conoces cuanto más mejor de todas sus disciplinas, sus autores, sus obras, sus estilos, sea Arte musical teatral, pictórico o fotográfico, no se avanza. No todo nos tiene que gustar, pero antes hay que conocerlo para diferenciar y saber decir NO ante ciertos estilos que no encajan con nuestra forma de ser o de mirar.

¿Te gusta el Teatro? Pues intenta ver ópera, musicales, mimo, performance, ballet, cine de autor. Y sigue explorando. Céntrate en obras y autores, luego poco a poco irás buscando actores pero estoy hoy están ya muy unidos al cine o la televisión. Para elegir te irá mejor conocer distintos tipos de obras, de espacios físicos. 

¿Te gusta el Arte Pictórico? Hoy también tienes que buscar información sobre fotografía y escultura a la vez que te empapas bien de Historia del Arte. La inmensa mayoría de obras o de autores no te dirán nada, no serán de tu agrado, pero de todos ellos han ido bebiendo unos y otros hasta lograr edificar el momento actual de un Arte Contemporáneo que está en un momento algo embarullado.

¿Qué tiene que ver la pintura, con el teatro, la música, el diseño, el vídeo, el ballet? Pues posiblemente hoy todo. De la mezcla de elementos que se apoyan unos sobre los otros puede que vaya saliendo el futuro. Yo recomendaría ver los programa de B.S.O. de Emilio Aragón en donde podemos ver teatro, música y ballet mezclado en unos espacios diseñador para impresionar con unas luces perfectamente tratadas y unos tonos que van formando una historia mientras los colores inundan el espacio. Es performance hecha en televisión con canciones conocidas pero tratadas de otra manera. Es teatro musical bien diseñado.

La imagen que vemos arriba es una fotografía del artista valenciano Vicente Talens "Polanski 1" de un montaje del año 2009.


Necesitamos Arte, y sobre todo creer que hay mucho Arte a nuestro alrededor


Necesitamos arte ¡puñetas! arte y poesía, tranquilidad y suavidad social. Necesitamos ver la vida con otros colores, con unas formas distintas para entender que hay muchas maneras de ver y sobre todo de mirar. Y que la calma es amiga de los colores, de las luces y a veces de las sombras.

Si algo es Arte hay que abrazarlo. Sea fútbol, baile, música, poesía o dibujo infantil. Sea Arte Surrealismo o Expresionismo Abstracto. Si es Arte lo notaremos enseguida. Nos sorprenderá, nos gustará o nos desagradará tremendamente. Todo es posible. pero nunca nos dejará indiferentes. El picante es Arte, en cambio el agua de borrajas no. Pero las borrajas en tempura sí es arte, como lo son los paparajotes o una ópera o un mimo de calle. 

Una buena cerveza es arte con minúsculas, pero si nos la tomamos con una buena compañía es Arte de los de verdad. Y una obra de Goya es Arte, pero también una de Mark Rothko aunque solo veamos manchas. Una música gregoriana no se parece en nada a C. Tangana, pero curiosamente si nos paramos a escuchar con tranquilidad las sensaciones de ambas interpretaciones, se parecen mucho.

La imagen que vemos es del artista aragonés Jesús Guerrero, del año 1998 al que hace muchos años que no veo ni sé nada.


Equipo 57 y la contundencia en el uso de los espacios y el color


Pintado en guache sobre papel dejo estos cuatro dibujos del grupo Equipo 57, realizados entre los años 1957 y 1962 y titulado "Serie Interactividad Cine 1". El Equipo 57 estaba formado por los artistas Juan Cuenca, Juan Serrano, Agustín Ibarrola, Ángel Duarte, Jorge Oteiza y José Duarte, todos ellos nacidos alrededor de 1930 y se fundó en el café Rond Point de París en 1957. Su planteamiento artístico era trabajar un Arte Geométrico Abstracto de fuerte color.

El Equipo 57 y el Equipo Córdoba trabajaron conjuntamente la Teoría de la Interactividad del Espacio Plástico, con clara influencia del danés Richard Mortensen se apartaron del arte convencional de la posguerra creando un estilo abstracto geométrico distinto, sencillo y contundente donde el color y las formas se adueñaban de los espacios. La influencia de los escultores se nota en la contundencia y simplicidad de las formas en comparación con el arte de Richard Mortensen.

Oteiza abandonó el Equipo 57, y entraron Néstor Basterretxea, Luis Aguilera y Francisco Aguilera. Su manifiesto habla claramente de que quieren huir del surrealismo, de la literatura y las historias contadas en las obras artísticas, y proponen trabajar en equipos para dotar de personalidad conjunta a sus obras, en lo que ellos tratan de construir como un Arte de Diseño empleando sobre todo el espacio como elemento que está por encima de las formas, de los contenidos, de las posibles historias que se quieren contar.

Mark Rothko y su obra "Naranja, amarillo y color ciruela"


Del muy conocido artista Mark Rothko (Marcus Rothkowitz) dejo una obra del año 1950 titulada "Naranja, amarillo y color ciruela". Ruso de la Letonia de la URSS emigró a EEUU a los 7 años por la condición de familia judía en una URSS del año 1910 donde las libertades casi no existían. Ya en New York el expresionismo abstracto fue edificando sus ideas religiosas, místicas a través de grandes obras con enormes manchas de colores vivos.

Francesc Torres en la Sala Oval del Museu Nacional d'Art de Catalunya


La Sala Oval del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) es uno de esos elementos en un Museo que deberían ser obligatorios para dar personalidad a los espacios museísticos por su plasticidad y enorme espacio abierto a multitud de exploraciones artísticas. En estos días se está hablando de la exposición de Francesc Torres que ha montado dos cazas soviéticos en ese espacio barcelonés, uno de ellos simulando a un San Pedro crucificado.

«Un avión que no vuela es una escultura: una obra de arte»  Francesc Torres 

Dos aeroplanos de la Guerra Civil española con los que Torres compone una instalación que completa un retablo gótico que representa la crucifixión y martirio de San Pedro en una doble reflexión sobre la guerra y el sacrificio de vidas civiles y «el terreno nebuloso entre la aviación y el arte», ahondando en la idea de la guerra y de los múltiples sacrificios de ideales y vidas que esta supone para nada.

Francesc Torres utiliza también bidones originales que los soldados alemanes dejaron en La Senia y olivos como los que se arrancaron para construir la pista de aterrizaje, en un juego visual y artístico de reconstruir sensaciones pero desde el punto de vista artístico y en paz, y no como elementos de muerte.

Los Proverbios o Disparates de Goya. Unos detalles


Los Proverbios de Francisco de Goya son tal vez las estampas o grabados menos conocidos de todos los que realizó en su trabajo como grabador. Un total de 18 láminas, que como deja claro la carpeta de sus primeras ediciones, eran inventadas y grabadas al aguafuerte por Don Francisco de Goya y publicadas por la Real Academia de Nobles Artes de San Fernando.

Con el paso del tiempo aquellos Proverbios se empezaron a conocer también por Los Disparates cuyo nombre ha quedado más entre todos por ser más sencillo de interpretar. Realizados entre 1815 y 1824, iban a ser una serie de 22 ó 25 grabados que se quedaron impresos en 18 al quedar las otras 4 planchas en manos distintas a la Real Academia de Nobles Artes de San Fernando y posiblemente las otras 3 sin realizar. Goya abandono al final de ese periodo España por sus procesos con la Inquisición. Las otras cuatro planchas que no están en la colección española están desde el año 2011 en el Museo del Louvre.

Los Proverbios o Disparates reflejan visiones surrealistas de críticas al poder establecido, a las normas sociales asumidas desde una perspectiva del Carnaval como fiesta de crítica, de ridículo contra lo habitual, contra la Iglesia o el Poder. Nos falta conocer la totalidad de las obras y sobre todo su intención e incluso el orden de ellas para intentar conocer si existía una historia completa en su desarrollo. 

El Proverbio o Disparate que vemos en la imagen sería el número 17 según la primera edición de estos grabados. Podemos ver rostros deformes, personajes curiosos, en una escena que necesitaría una explicación de texto para comprenderla del todo.

Robert Motherwell y el uso de los negros en sus pinturas


Del artista americano Robert Motherwell dejo una obra al óleo titulada "Figura totémica" del año 1958, un expresionismo abstracto de la Nueva Escuela de New York en donde estaban también Pollock o Rothko. 

El mayor objetivo de Robert Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y físico del artista con el lienzo, buscando nuevas formas que sorprendieran a todos, incluidos al artista. Prefería utilizar la dureza del color negro como elemento básico; una de sus más conocidas técnicas consistía en diluir la pintura negra con aguarrás para crear un efecto de sombra como si fueran capas de acuarelas que se funden con los objetos.

Obra de Manuel Millares del año 1970. Personaje caído 1


Una obra de Manuel Millares del año 1970. Personaje caído 1



Josef Albers y su xilografía sobre el Dios Tláloc


El profesor y artista alemán Josef Albers trabajó la pintura y la fotografía, la poesía y los grabados y sobre todo la formación artística en diversas escuelas dada su gran reconocimiento como teórico del Arte Moderno, del color y la geometría en la formación de obras que trasmiten algo más que bellos elementos decorativos. 

En 1933 tuvo que emigrar de Alemania y abandona la Escuela Bauhaus para irse a vivir a los EEUU en donde continúa con su trabajo de profesor y de artista multidisciplinar, siendo uno de los profesores más reconocidos en la educación del Arte Moderno hasta su retirada de las aulas en el año 1958, aunque siguió con sus trabajos editando libros o dando conferencias.

Sus trabajos sobre el color y su interacción son todavía muy tenidos en cuenta para los estudiantes de Arte Contemporáneo.

Sólo las apariencias no engañan

En la obra que vemos arriba. una xilografía del año 1944 de su serie "Tlaloc" intenta representar en una madera que simula el flujo de las aguas de un río, la fuerza del Dios Tláloc (con acento) como potencia que puede dominar todas las fuerzas naturales y crear sobre ellas las formas que quiera para modificar los elementos naturales. A veces esas fuerzas que domina el Dios Tláloc son beneficiosas para las personas y a veces son desastrosas. 


Eduardo Arroyo y su obra Los Cuatro Dictadores


Del artista español Eduardo Arroyo dejo uno de sus obras: "Los Cuatro Dictadores" pintados en el año 1963 y que representan en un políptico que titula Los cuatro dictadores a Franco, Salazar, Hitler y Mussolini. Los cuatro personajes aparecen representados como peleles formados por un amasijo de vísceras, decorados con elementos relativos a la iconografía dictatorial construida por cada uno de ellos, y con detalles que remiten a hechos históricos (referencias como los alambres de espino de los campos de concentración en la efigie de Hitler o el bombardero y los manifestantes en la imagen de Franco).

Eduardo Arroyo fue pintor, escultor, fotógrafo y grabador y tuvo que escapar de España en el año 1958 por su crítica al franquismo, volviendo en los años 80 ya con la democracia asentada. Dentro de un Arte Pop o figurativo, trabaja historias abstractas y surrealistas que "cuentan" cosas como si de fotografías imposibles se tratara. Premio Nacional de Artes Plásticas en España desde el año 1982 




Un paisaje fácil, pero que impresiona por la simplicidad


No es un boceto sino una obra terminada, un cuadro que refleja el momento, la mirada del caminante, la sensación ante un paisaje. Porque el Arte muchas veces es simplemente eso, captar la sensación que el artista tiene en un momento dado, y trasladarla a los espectadores posterior. Cazar unos colores, unas formas, unas luces determinadas, simplificarlas muchas veces, y retener la esencia, el espíritu de lo que vemos. Tampoco hay que pedir mucho más al trabajo de artista que muchas veces con el nombre que le queramos dar, simplemente caza sensaciones, impresiones, miradas personales.

Arte de Guatemala de mujeres con muchas necesidades


Esta obra textil no es ningún artista conocido ni mucho menos reconocido. Es un trabajo artesanal de mujeres que en Guatemala o en Etiopía (por poner dos ejemplos similares) hacen estos trabajos para intentar venderlos a los turistas que visitan sus poblaciones pequeñas. Ni tan siquiera entran en los mercados abusones que entre ellos mismos crean para sacar dólares o euros a los turistas que se mueven por los lugares turísticos. Es un simple ejemplo de Arte Simple, Art Brut de barrios pequeños y con enormes necesidades. 

Etiopía o Guatemala (tan distantes pero con problemas similares de economías básica) son países que nos podrá enseñar poco a poco otra mirada del Arte Contemporáneo a poco que les dejen a los creadores de este continente, entrar en los mercados abusones del Arte actual. 

Este pequeño tapiz se compró en Guatemala por una Cooperante zaragozana. De mano a mano. Sin intermediarios que modificaran las relaciones entre personas.

Rafael Romero Barros y un bodegón de naranjas


Los bodegones en pintura no son trabajos de aprendizaje ni tan solo obras decorativas para salones, son mucho más si están bien hechos como este ejemplo. ¿Decorativos? ¿Y qué son las obras pictóricas religiosas que todos los grandes han realizado a lo largo de su vida.

Esta obra del años 1863 y titulada "Bodegón de naranjas" es del pintor de Moguer (Huelva) Rafael Romero Barros, quien fue padre y profesor del también pintor Julio Romero de Torres.

Esta obra de un treintañero Rafael Romero demuestra un dominio de los volúmenes que logra unos resultados muy naturales y casi en relieve, reflejando además un gran dominio de los elementos y su distribución sobre el espacio. 

Arte Surrealista en el humor de 1939 en la España triste


También el surrealismo entró en el mundo del humor y aquí os dejo un ejemplo del año 1939. Una forma de ver la realidad desde lo abstracto, el subconsciente, el juego de las sensaciones y las miradas. Un humor blanco pues en aquellas fechas y saliendo de la Guerra Civil era impensable en España hacer humor fuera de muy pocos elementos sociales, pero que juega con el lector y su imaginación. Luego vinieron ejemplos mucho más conocidos como Gila o Chumy Chumez

Benjamín Palencia y un cubismo casi de joven, avanzando sus maneras


De la Colección Circa que está en el Museo IAACC Pablo Serrano de Zaragoza, mostramos esta obra de Benjamín Palencia del año 1927 titulada "Composición con pipa y periódico" realizada en papel con tinta y ceras de colores. 

Es una obra casi joven, tenía 36 años, y ya refleja sus modos y formas, su particular manera de ver y plasmar sus miradas de objetos, luego de paisajes, que han llegado a nuestros días, a veces mezclando un cierto surrealismo con cubismo y creando unas obras muy personales.

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From the Circa collection that is in the IAACC Pablo Serrano Museum in Zaragoza, we show this work by Benjamín Palencia from 1927 entitled "Composition with pipe and newspaper" made on paper with ink and colored waxes. 

It is an almost young work, he was 36 years old, and it already reflects his ways and forms, his particular way of seeing and capturing his views of objects, then landscapes, which have reached our days, sometimes mixing a certain surrealism with cubism and creating very personal works.

Perfomance del artista chino Cang Xin


El artista chino Cang Xin es una de las personalidades artísticas de China que más respeto se ha labrado en su propio país con su trabajo de performer, escultor, fotógrafo o diseñador, con más de 20 años dentro del complejo mundo artístico contemporáneo en una China que a veces no se quiere abrir con facilidad a los nuevos proyectos en el mundo del Arte.

Mezcla como pocos el Arte Contemporáneo en sus muchas facetas que toca con una cierta práctica espiritual, interpretando como si fuera un chamán sus propias obras perfomances sobre el suelo, con su cuerpo, creando rituales que intentan comunicarse con los espectadores acercándolos al cielo, a la espiritualidad, a lo más profundo de cada uno de nosotros. 

En esta fotografía lo vemos en el año 2015, escribiendo con sus pies en lo que él llama "Geometría Sagrada".