31.5.22

La democratización del Arte Urbano es sobre todo una escuela


Aunque a muchos ciudadanos les produzca rechazo, los lienzos de las calles, los espacios vacíos en el urbanismo de las ciudades son lienzos para la proyección de algunos artistas, a la vez que también son espacios para que otros ciudadanos los ensucien, y lo sabemos. 

Tendemos a colocar a todos en el mismo capazo, pero no tienen nada que ver los unos con los otros. No es lo mismo el tonto que firma con unas rayas en un espacio que ya es algo, y que no incorpora nada agradable para nadie, al artista que utiliza su trabajo para dignificar una pared o un espacio que ya está degradado.

Los artistas que trabajan el Arte Urbano van aprendiendo con sus trabajos de calle, y nunca sabemos en qué podrán terminar, pues lo cierto es que entre ellos mismos se van provocando para hacer cada vez mejor y con más sentido sus obras. Sus trabajos son válidos, pero no todos pueden empezar siendo Banksy. 

Así que sí, hay obras mejores y peores, hay bocetos, pero muchas veces ya en ellos se observa una clara capacidad para seguir explorando en sus obras, ellos los primeros, los espectadores después. El Arte Urbano es el Arte Contemporáneo de este siglo XXI y finales del XX, que facilita que el Arte llegue a más personas, a más localidades, incluso pequeñas o muy pequeñas.


Las obras de María Primachenko, salvadas de Ucrania


Este edificio es un Museo, en Ucrania, fruto de esas barbaridades que hacemos los humanos cuando somos animales. El vigilante Anatoli Haritonov rescató de las llamas y bombardeos en el primer día de guerra, 14 cuadros de la pintora María Primachenko, alabada por Pablo Picasso y Marc Chagall. Hoy están en un lugar secreto bajo tierra, rescatadas del Museo de Historia y Etnología de Ivankiv, a unos 70 kilómetros de Kiev.

Frente a los escombros del museo de Historia y Etnología de Ivankiv, que había sido renovado en 2019, el vigilante contratado a tiempo parcial explica a los periodistas españoles de El País, qué le movió a intentar salvar "algo" del Museo de su ciudad. Solo el 10% aproximadamente del contenido del Museo se ha podido salvar. El resto es ceniza o está destruido.

En la imagen de abajo vemos una obra en guache del tema que mas solía crear María Primachenko: Los Animales, con un tigre sonriente creado en el año 1982.


 

30.5.22

El Arte Urbano, metido dentro de una cafetería francesa


Esta es una decoración interior de una cafetería francesa. Una obra pintada directamente sobre la pared de la sala como si se tratada de Arte Urbano. Todas las técnicas tienen muchas formas de ser utilizadas. en este caso además de una decoración y la creación de un ambiente, acoge y motiva a escuchar música en una zona en donde el cliente se siente acogido, casi atrapado. 

El Arte tiene muchas salidas y no todas son los museos, o dicho de otra manera. Si la salida del Arte fueran los museos o los despachos de los ricos del mundo, no serviría para casi nada.

A los museos debe ir a recogerse los cadáveres del Arte o las excepciones ilustrativas de un momento determinado en la historia de la sociedad que los observa, que los ve crecer. 



Técnicas en el Arte para disfrutar mientras creamos


Cada artista utiliza las técnicas y materiales que mejor conoce, con los que mejor sabe expresar sus ideas, sus mensajes. Cada artista seleccionar sus modos de crear, de expresión según también la formación que ha recibido, con los que se siente más cómodo, pues no hay que olvidar que el Arte es también un modo de expresión personal con el que disfruta quien los realiza.

Si alguien decide hacer danza, música o escultura, es porque le gusta vivir dentro la danza, la música o tocar la piedra o los metales. Ha ido aprendiendo los modos de expresión, pero antes ha disfrutado con esas técnicas. 

Esta obra es de hilos, sobre un lienzo de arpillera ha ido creando una obra abstracta con hilo grueso a modo de brochazos de pintura. Si lo hubiera realizado con acrílicos lo podría haber hecho en una hora, así esta técnica le ha llevado mucho más tiempo.

Pero estoy seguro que el artista necesitaba "tocar" los hilos, las telas, sentirlos cerca para dominarlos. Ha elegido estos materiales porque son los que le gustan, con los que disfruta. Y el poder disfrutar mientras se crea Arte es fundamental.

28.5.22

Infinitas posibilidades de hablar con solo dos figuras y dos colores que son tres


Este cartel del año 2012 de un congreso francés de Arquitectura con el lema.: "La arquitectura tiene que tener un precio" vemos 28 pequeños espacios de formas entrelazadas, 28 zonas con dos formas que componen cada una de ellas 3 colores y por consiguiente 3 espacios diferentes. Podría parece Miró o Picasso, incluso podrían servirnos para configurar otras formas entremezclando dos de ellas, o una con parte de otra o con el rojo solo de otra, etc. 

Casi infinito.

Es decir, con algo tan simple, tan sencillo podemos componer centenares de espacios diferentes, útiles en arquitectura de edificios, muy útiles para arquitectura urbana de espacios de convivencia o zonas verdes y parques, pero también para componer como si de un alfabeto se tratara, diálogos entre las formas, pues de entrada aquí las vemos todas con las figuras azules en la misma posición. Vertical. ¿Y si las cambiamos a horizontal o las inclinamos?

Casi infinito.



En el Arte lo importante es querer expresar algo


En el Arte explorar las formas, los espacios, los colores, los encuadres, los puntos de vista del artista, es fundamental. Crear tu propio idioma de expresión, saber encontrar tu propia personalidad a través de los grafismos con los que te expresas y que estos sean reconocibles, es el camino que todos deberíamos explorar hasta encontrarlos.

Crear Arte es hablar sin voz, pero es hablar con muy diversas técnicas elegidas por quien hace de emisor. 

Debemos adoptar en el Arte un idioma propio, a ser posible original, y con él… aprender a expresarnos, a mandar al aire nuestras ideas, sean profundas o leves, sean interiores o surrealistas y casuales. Crear mensajes con nuestro propio idioma artístico de expresión.

Nos encanta escuchar a un niño balbucear, él dice todo lo que sabe decir, nosotros como receptores animamos a que siga hablando aunque lo haga en un idioma que no entendemos del todo, pero es su idioma de expresión. 

Muchas veces solo nos importa las ganas que pone en intentar expresarse. Tanto el niño como el artista.

27.5.22

Arte Urbano en la ciudad francesa de Nantes


Esta pared del centro urbano de la ciudad francesa de Nantes es un ejemplo del uso del Arte Urbano para alegrar las ciudades, para decorar las zonas que por diversos motivos se han quedado maltrechas, ásperas, feas, adustas. Simplemente un gran mural hecho con un buen diseño artístico logra que cambie no ya solo esa esquina en concreto, sino todo el entorno cercano, que logra una nueva luz e incluso una nueva convivencia con las sensaciones de color, de limpieza, de cuidado.

Julio Verne en un cartel de sus máquinas en Nantes


Los carteles son un elemento artístico no siempre bien valorado también posiblemente por ser efímeros. Pero contienen un valor histórico y artístico indudable, y son reflejo de sus tiempos, de los modos y miradas artísticas de sus tiempos de construcción.

Lo que vemos arriba es un cartel francés moderno, del año 2020, de la zona de "Las Machines de L’île" en Nantes. Una zona dedicada a la memoria de Julio Verne y sus máquinas enormes capaces de sorprender. Pero hablamos de la belleza del cartel, de su aparente antigüedad muy moderna. La cartelería ayuda a soñar.

26.5.22

El París del Arte Urbano para disimular


De París nadie se sale sin ver la Torre Eiffel, es imposible no verla, no querer verla y si es posible tocarla y siempre como poco fotografiarse a su lado. Así que en periodos de obras en un París muy activo, en algunas zonas icónicas para ver la Torre Eiffel desde una cierta distancia, hay que disimular los espantajos de esas obras y nada es mejor que el Arte Urbano.

Este es un collage serigrafiado, instalado en el París más turístico para que, aunque las paredes provisionales tapan la belleza de una ciudad eterna, al menos disimulen con Arte lo que cada uno espera ver y contemplar. El Arte puede servir para muchas cosas, incluso para sustituir a otro Arte en las opciones de mirar y ser mirado.

22.5.22

Mujer entrando en caminos nuevos


Es posible que los caminos se abran al mirarlos, pero seguro que se abren a penetrarlos con nuestros pasos. 

Que sea nuestra vista, posados sobre ellos, los que en realidad nos los abra a los ojos. 

Elegimos, no sabemos bien por qué, pero elegimos bien. 

Un camino tomado siempre es el mejor camino entre ese y el que no hemos querido tomar. 

El camino olvidado nunca sabremos hacia dónde nos podría llevar.

Pero tal vez nos durmiera en mayor sueño de injustos.

Nunca sabremos a dónde iban los caminos que no quisimos tomar.

21.5.22

Los brochazos en el Arte Contemporáneo


Dominar el brochazo en pintura es una manera de dominar la mirada, la mano y el cerebro. Es conseguir que lo que vemos lo podemos transmitir con golpes de mano. Y a partir de allí, si nos entrenamos y tenemos una mirada un tanto especial, podemos ampliar nuestra pincelada, y con ello lograr efectos que nos van a sorprender por la esquematización de lo conseguido.

Es como si pudiéramos ampliar a un X20 ó X50 unas pinceladas habituales y normales, que se muestran casi desproporcionadas, cuando el artista simplemente las imagina con la mayor naturalidad.

Tiene sus técnicas, sus efectos visuales que en algunos aspectos se asemejan al puntillismo antiguo pero jugando a deformar las manchas de color, y a jugar con los detalles en aquellas partes en las que sin ellos nada tendría sentido, como en los retratos son los ojos, la boca y la nariz.


La información es poder, aunque no exista


— ¿Qué vemos? 

—No te lo diré

Es un bello grabado numerado de un artista francés de nombre (creo) Philippe Géland. Una viñeta que nos plantea las clásicas dudas del valor de la información, aunque esta no exista. El Arte está entre otras cosas para preguntarnos y mostrar nuestras debilidades absurdas.


20.5.22

Los retratos urbanos del artista Jef Aérosol


Jef Aérosol
es el seudónimo del artista francés Jean-François Perroy, grafitero que con plantillas deja excelentes obras diseminadas por Francia sobre todo desde el año 1982, por lo que se considera uno de los primeros artistas urbanos de Europa. Aunque también ha trabajo por muchos otros países. 

Su trabajo se caracteriza en la actualidad ahora por el importante uso del blanco y negro, con la excepción de esas famosas flechas de color, marca registrada y "elemento disruptivo" en sus obras. Apasionado por la música, Jef Aérosol está muy inspirado en los iconos del rock de los años 60/70, pero también destaca a un gran número de personas anónimas, de todas las edades y orígenes.

Sus obras son visibles en muchas exposiciones en galerías y museos, festivales, ferias de arte, ventas públicas y eventos internacionales. Jef Aérosol transmite un mensaje humanista y poético que hace que su trabajo sea universal y atemporal, siempre en la convergencia de la reflexión y la emoción.

Arte Urbano en Francia con las guerras mundiales


El urbanismo de guerra, sobre todo el urbanismo posterior a una guerra también puede tener algunas concesiones al arte, al deseo de NO tapar pero mostrar con delicadeza y un toque ligero de humor la realidad de las violencias contra las personas y las cosas, a veces por tonterías de dirigentes concretos.

Esta imagen es de Francia, daría igual la ciudad, incluso daría igual si los disparos contra este edificio que era el Parlamento los hicieron los alemanes o los aliados, unos u otros para intentar conquistar posiciones.

Con los años las violencias de las guerra nos dan una importancia difuminada, ya no importa tanto quién, sino el por qué. Esos disparos han quedado porque fueron contra una pared de piedra, pero los que iban destinados contra la piel de las personas, esos ya nunca han quedado. 

Lo triste es que muchas veces las guerras duran mucho más de lo que deberían, pues los finales se adivinan mientras siguen cayendo personas muertas para nada. 

17.5.22

El escultor catalán Jaume Plensa en Burdeos


El escultor catalán Jaume Plensa tiene varias obras en diferentes ciudades francesas. Aquí vemos una de sus características cabezas en la ciudad de Burdeos, que con un tamaño de algo más de 7 metros, no pasa desapercibida pues además está en una zona muy céntrica. Un artista español que ha logrado poner obra en diversas calles europeas. 

Cartel Urbano del diseñador Eladio Rivadulla


El diseñador cubano Eladio Rivadulla ha ido creando carteles de todo tipo, incluidos carteles para la urbanidad social, para el funcionamiento de la sociedad más básica como en este caso, que era un cartel solicitando más limpieza con los animales de compañía. Pero el trabajo de quien es artista en el diseño o en el Arte en general se nota aunque sea un simple cartel para las paredes de las ciudades. El valor de la cartelería se debería rescatar a costa de encargar trabajos como antiguamente, a los artistas locales que además de conocer sus zonas y problemas, saben plasmar las ideas con un toque de Arte sin perder la contundencia en el mensaje.

París bien vale una obra gráfica efímera y muy sencilla

El Arte es una actividad interior que el propio artista necesita sacar de dentro, y aunque solo conozcamos las obras de los grandes artistas, sacadas casi excesivas veces en los medios de comunicación o en los museos, hay miles de artistas que simplemente muestras sus obras de la mejor manera, sin importarles nada que no sea transmitir, entregar, dejar sus trabajos a la contemplación de los demás. 

Es el clásico Arte Urbano, el llamado también Arte Efímero o Street Art, que casi siempre entrega gratis o por pocos dineros sus obras que saben que durarán poco tiempo.

Junto a la Torre Eiffel de París algunos artistas van dejando sus obras colgadas, sabiendo que mientras duren serán miles las personas que las puedan contemplar. Y este que vemos arriba es un ejemplo.

Pero en París llueve mucho, y si la obra es un impreso de un trabajo digital, las posibilidades de que dura unos días son pocas. Así que embolsar la obra parece una buena idea, o al menos se lo pareció a este artista del que desconozco su nombre colgando un buen mural de decenas de obras diferentes pero similares.

¿Por qué nace el impresionismo en Normandía?


Hay lugares en donde la unión entre la mirada actual, la fotografía del instante, la escena o el paisaje, nos llevan a imaginar un lugar especial para disfrutar pintándolo. El Monte Saint Michel y su localidad del interior de la fortaleza es uno de ellos. Por eso, los impresionistas pudieron crear una tendencia artística rompedora, pues sin duda quedaron "impresionados" por los lugares, sus colores en días de buena luz, por esas formas que parecen elevarse al cielo en búsqueda de más luz y colores.

Los impresionistas se dejaron impresionar, supieron sacar esa fuerza de la impresión inicial, y bocetala de forma rápida, con fuertes colores y formas atrevidas, simplificando, intentado impresionar tmabién al espectador. Todo eso es mucho más sencillo si viven en Normandía que si vives en otros espacios geográficos con menos cambios de luz, con menos contrastes entre los fríos colores y los calientes tonos de algunas horas del día.



8.5.22

Impresionismo en Zaragoza de la mano de Eliseo Meifrén y Roig


El artista pintor catalán Eliseo Meifrén y Roig pintó en el año 1908 este cuadro que tituló "Vista del Puente de Piedra y el Pilar desde el Cuartel de San Lázaro, en Zaragoza". Un claro ejemplo de cuadro impresionista de un pintor español que venía de Francia tras aprender de la escuela pictórica de aquellos años. 

Pintado desde la zona del Rabal zaragozano, muestra una estampa de la Zaragoza de aquellos años en los que toda esta zona eran tierras de labor y en donde los animales se acercaban al río Ebro para abrevar. 

7.5.22

Eladio Rivadulla y un cartel de cine para ver un parto


El cine y la cartelería, los carteles como anuncios de lo que se mostraba en las salas, siempre han ido de la mano. Este cartel cubano es del año 1948 del diseñador cubano Eladio Rivadulla. Trabajó para 65 distribuidoras fílmicas, carteles de cine diseñados e impresos en serigrafía, durante las décadas de los años 40 y 50. Y también para carteles políticos, culturales o de variada temática.

Se ha roto la paz; un cuadro de Julio del año 1983

Esta pequeña obra, oleo sobre lienzo de un formato 30 por 40, refleja en el año 1983 lo que sería la ruptura de la paz, convirtiéndose en una paloma negra, en una sobra chinesca, lo que en principio era un símbolo de la paz, la famosa paloma de Picasso con una ramita de olivo en su pico, rota y troceada.

La paloma blanca mira hacia un lado mientras que lo sombra chinesca, la paloma negra de la violencia mira y escapa hacia el otro. 

La blanca parece estar quieta, mostrando la calma, mientras que la negra intenta escapar, volando hacia la conquista de la violencia.

Han pasado 40 años pero estamos en la misma situación. Somos humanos, animales humanos.

6.5.22

La Columna del Congreso de Bélgica. Icono de victorias


Hay muchas maneras de representar la imagen del triunfo, del guerrero que logra sus objetivos en las batallas, sean estos triunfos los que sean. 

Son iconos que se repiten aunque se representen con diversas formas de liderazgo. 

Hay leones, laureles, músculos, belleza, fortaleza, antorchas, capacidad para volar, seriedad.

Esta escultura está en Bruselas y es conocida como la Columna del Congreso al representar el nacimiento de Bélgica como nación. 

A sus pies está la tumba al soldado desconocido.


Mariano Barbasán y un día de Mercado en Toledo

Este cuadro que vemos arriba es de Mariano Barbasán Lagueruela, un pintor zaragozano de mitad del siglo XIX y principios del XX. Esta obra se titula "Calle de un pueblo de Toledo" y la realizó en el año 1887 a 1888 en óleo sobre lienzo.

Refleja claramente lo que era la pintura fotográfica de entonces, ese deseo de mostrar aspectos fotográficos de paisajes, para defenderse del avance de la fotografía y demostrar que la pintura era muy superior.

De la Escuela Valenciana pintó sobre todo paisajes y vidas del mundo rural, mostrando esa parte de la vida que era menos conocida en las grandes ciudades a los espectadores que no siempre podían viajar con la facilidad actual. 

Realista en una pintura pre impresionista, juega con el color y las iluminaciones de los paisajes, casi como si de un escenario se tratara.

5.5.22

Mohamed Drissi y una escultura que lama "Cuca"


Del artista africano nacido en Tetuán, Mohamed Drissi (Idrissi) vemos una escultura para la que ha utilizado como base una pala de campo, para poder crear esos personajes casi monstruosos con los que a veces nos sorprende, como parte de la universalidad de la creación.

Mohamed Drissi ha logrado crear instalaciones de gran belleza y exorcizar sus miedos y ansiedades. Todos estos cuerpos horribles, deformados y horrorosos, estos ojos globulares o saltones, estas cabezas desarticuladas que llenan sus obras, son solo las visiones actuales de una infancia desafortunada y frágil.

Esta obra titulada "Cuca" es del año 1986, cuando ya se dedicaba más a la pintura que a la escultura.

Festival Asalto de Zaragoza en el Rabal y por el jazz


Desde el trabajo excelente del Festival Asalto de Zaragoza, que año tras año va dejando trabajos urbanos de gran calidad dejo dos ejemplos de este año 2022 en el barrio del Rabal zaragozano dedicados a su Festival de Jazz que llevan un buen montón de años celebrando puntualmente. Colorear calles con historias y miradas personales es un lujo urbano.



3.5.22

Pascual Blanco y su boceto para Virgen de la Paz para El Pilar


Lo que vemos arriba es un boceto que hizo el artista aragonés Pascual Blanco Piquero para una cúpula de la Basílica del Pilar de Zaragoza, que nunca se llegó a realizar, y que se preparó en el año 1995. Representaba a la "Virgen de la Paz".

Pascual Blanco Piquero, pintor, profesor y grabador participó en la formación de los grupos artísticos aragoneses Tierra y Azuda 40. Premio Aragón-Goya 1998 en la disciplina de grabado, su trabajo gira entre la abstracción y la figuración poética y comprometida con las realidades sociales mas débiles.

El aragonés Martín Bernat y su pintura religiosa


Esta imagen superior mostrando a "San Antonio Abad camino del cielo" y perseguido por cinco monstruos alados que le intentan atrapar para su infierno es del pinto Martín Bernat, realizada a finales del siglo XV para la parroquia de San Miguel Arcángel de Alfajarín (Zaragoza).

Este artista zaragozano trabajó durante años con Bartolomé Bermejo, y luego con Miguel Ximénez. Para obras menores trabajaba solo, para grandes obras de retablos en iglesias aragonesas en donde trabajó mucho, era normal que se asociaran algunos artistas y talleres para realizar las obras en menos tiempo.

No son muchas las obras conservadas de Martín Bernat, y abajo dejo una Crucifixión de los mismos años finales del siglo XV y que se encuentra en el Museo de Arte de San Diego. En los dos casos son óleo sobre tablas.



2.5.22

Natalio Bayo y un Piedad del año 2010


Una obra en sanguina sobre papel del artista aragonés, pintor, dibujante y grabador Natalio Bayo. Una "Piedad" del año 2010 perfectamente tratada y representada con una mirada muy actual.

Oigo a los niños cuando cuentan cosas misteriosas

En una oreja de niño, que me sirve para oír cosas que los adultos nunca se paran a sentir, oigo a los árboles que dicen, a los pájaros que cantan, a los ríos y nubes que pasan.

Oigo también a los niños cuando cuentan cosas, que a una oreja madura parecerían misteriosas.

Gianni Rodari


1.5.22

Khalil El Ghrib y el Arte Efímero que se muere


El artista marroquí Khalil El Ghrib nacido en la ciudad de Asilah nos deja esta obra "Sin título" hecha con cartón, cal e hilo de seda. Khalil El Ghrib se dedicó al dibujo desde su infancia e hizo libremente la elección de crear obras efímeras y pequeñas.

Reconocido en el panorama internacional, no firma ni vende sus obras sino que las dona cada vez que participa en exposiciones individuales o colectivas.
Ha expuesto en Marruecos, Suiza, España, Londres y París, así como en la Bienal de Pontevedra y en el Museo Nacional de Castel Sant'Angelo de Roma en 2008 o en el Museo Reina Sofía de Madrid en el año 2021.

Su estilo de vida al estilo Darwish (ascético) hasta su amor por la poesía árabe clásica y su devoción por el escritor Khalil Gibran han marcado sus trabajos artísticos; comenzando a hacer arte a la edad de siete años con el estímulo de su familia y la ética de su arte y hacer artístico. Su preocupación y defensa de la muerte de las cosas, principalmente de los objetos, es fascinante.

"Si los humanos morimos, ¿no deberían morir también los objetos?"

Khalil El Ghrib se niega, por principio, a vender su obra de arte. Recientemente se jubiló de toda una vida enseñando historia y geografía en una escuela local. Habla de cómo ha vivido, una vida humilde con su familia, cómo desvinculó conscientemente su amor por el arte de los límites de la materialidad.

Trabaja principalmente con materiales empobrecidos que recolecta o 'adopta' en su viaje diario por las costas de su ciudad natal. Aplica intervenciones menores a los objetos efímeros recopilados. 

El resultado son pequeñas esculturas realizadas con pan, cordel, papel rotulado y otros materiales que se exponen al paso del tiempo, la humedad y la oxidación. Obras efímeras que mueren como si fueran flores de Arte.