“Somebody to love”, Freddy Mercury y la música clásica moderna

Hoy me apetecía escuchar un poco de Queen, del gran Freddy Mercury con esa grandiosa voz que encajó perfectamente en su rock, su música más rompedora y moderna. La vida es un pasar, es también un construir, un ir dejando posos para que se puedan revisar, escuchar o leer, observar o consumir. Un artista genial, considerado el artista mundial (sin olvidar su origen indio, asiático) que más influyó en la música moderna.

Os dejo “Somebody to love”

Paulina Rubia, Bravo! y Youtube

Nos cuenta Paulina Rubio, en la presentación de su nuevo disco, que las nuevas tecnologías, es lo que tienen, que ahora presentas antes en internet tu pequeña interpretación de promoción para Youtube y en menos de un mes ya te han visto dos millones de personas y que como les gusta la canción, te compran el disco.

Compungido este oscuro servidor, escuchando la escasa calidad de la cancioncita que nos presenta, acude raudo a Youtube a ver si realmente esos dos millones de visitas son ciertas o mentirosas.

Y me encuentro con la sorpresa que en este momento son ya 2.829.253 visitas las que ha tenido Paulina Rubio con la canción “Me gustas tanto” del disco “Brava!”. Para que luego digan que internet no ayuda a los músicos a darse a conocer y a vender sus creaciones. ¿Beneficios?, pues si, Youtube paga por la visión de los vídeos que se cuelgan, y sin tener que hacer un gran trabajo, pues el vídeo es el mismo que se emplea para la promoción. Y además ayuda a vender sus discos.

Juan José Vera Ayuso, Premio Aragón Goya 2011

El pintor y escultor Juan José Vera Ayuso, nacido en Guadalajara pero que vive en Zaragoza desde los 7 años de edad, y miembro fundador del Grupo Zaragoza, ha sido propuesto para el Premio Aragón Goya 2011 por su condición de "pionero" de la abstracción en la pintura aragonesa y artista de una "trayectoria sólida y coherente, con una radical fidelidad a sus presupuestos estéticos".

Vera Ayuso estudió primero en Zaragoza y Barcelona, y en 1976 finalizó sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid, donde obtuvo el premio de la Dirección General de Bellas Artes. En la década de los ochenta del siglo pasado estudió en Alemania y en Estados Unidos.

Los retratos, paisajes y autorretratos, entre 1942 y 1946, marcan una primera fase del artista, que dio paso a la obra abstracta, de 1947 a 1948. Tras una serie de collages y aguadas, entre 1956 y 1958, en 1961 sustituye la tela por la tabla como soporte, que mantiene hasta 1971, e incorpora hierros a partir de 1962. Retoma la escultura en 1986 para concluir, hasta el año 2000, un número considerable de obras en madera y hierro.

El Premio Aragón Goya 2011 tiene como objetivo reconocer una labor continuada o de especial notoriedad e importancia de personas, instituciones o entes aragoneses, en los ámbitos de la creación e investigación literarias. Se instituyó en el año 1996 con motivo del 250 aniversario del nacimiento de Francisco de Goya, figura universal y precursor de muchas de las corrientes del arte contemporáneo, con el ánimo de que su nombre figure unido al de Aragón. El premio tiene periodicidad anual y está destinado a reconocer públicamente la trayectoria de artistas destacados.

Arte fotográfico llevado al dolor inexistente

A veces una imagen nos lleva a imaginar mentiras simpáticas o crueles. 

Depende de la imaginación del autor, de lo que se intente mostrar con más o menos “arte” dirigido.

Lo curioso de la imagen es que parece no producir dolor ni tan siquiera un ligero reguero de sangre. 

Es como una simple paquete de salchichas ahumadas, ligeramente crudas.

Una fotografía que costó 3,2 millones de euros

Cuesta entender que una fotografía coste 3,2 millones de euros (4,3 de dólares). Que se pague por ella esa cantidad astronómica. El autor de la fotografía más cara hasta el momento es Andreas Gurksy de la escuela fotográfica de Düsseldorf y que parece que todo lo que dispara con su cámara fotográfica lo convierte en millones de euros.

Es un fotógrafo que gusta de jugar mucho con las líneas rectas, con las líneas convergentes, jugando con la arquitectura y los paisajes hasta encontrar formas que no todos somos capaces de ver antes de que nos las muestren encuadradas, recortadas.

Los precios de estas obras no tienen nada que ver con el valor del arte sino de la inversión y posiblemente con el dinero fácil de conseguir y de emplear en riesgos de inversión.

Guy Bourdin, un fotógrafo provocador, un artista de la moda

Guy Bourdin fue un fotógrafo de moda y publicidad que falleció hace 20 años a la edad de 62 años. Pero todavía son muy conocidas sus obras fotográficas provocativas, artísticamente muy modernas que han servido de inspiración y a veces de plagio por algunos fotógrafos que desean copiar formas de entender la moda y la figura humana totalmente embutida en trabajos artísticos.

La escultura de David Shrigley, un dibujante provocador

David Shrigley es un mal dibujante pero un gran provocador, un artista que con pocos elementos plantea dudas y dramas, nos obliga a replantearnos la vida o a soñar con la nada y con el todo.

En su nuevo libro “¿Qué demonios estás haciendo?”, David Shrigley nos plantea sus dibujos más sencillos pero también más tiernos o duros, depende de cómo los veamos. Arriba os dejo una faceta menos conocida. La escultura en metal.

La musicalidad de las obras abstractas de Kandinsky

Wassily Vasílievich Kandinsky nació en Moscú en 1866 aunque gran parte de su obra la realiza en Alemania en donde introduce la pintura de vanguardia de Francia, para modernizar la concepción del arte europeo.

Ya maduro, en la cuarentena, Kandinsky influye claramente en el arte abstracto tanto en pintura como en explicaciones teóricas de lo que para él representa esta nueva línea artística, explicando sus ideas y concepciones de lo que plasma en sus obras. 

Se dedica también a la educación artística en centros rusos y alemanes, publicando algunos tratados de arte en donde mezcla lo espiritual, la filosofía, su pensamiento, su concepción del arte y las formas.

Mezcla en sus obras las formas geométricas claras y a veces contundentes, pero señalando sentidos en ellas, con colores que también valora según lo que pretende conseguir en el espectador de sus trabajos. 

El círculo es la perfección, el amarillo es la tierra y la firmeza, un círculo rojo no señala lo mismo que si este es azul o verde. Se trataría de intuir qué nos quiere trasmitir Kandinsky en sus obras. 

Es muy normal observar en sus obras una carta de colores y formas, en donde podemos revisar todos los colores que conforman su obra, como una pequeña partitura musical en donde nos muestras los compases. 

Sus obras son en realidad pequeñas sinfonías de colores y formas, obras musicales silenciosas.

Los desnudos amarillos que producen tristeza e incluso dolor

Me ha parecido unas imagen dura, artísticamente compleja, curiosa en sus encuadres y formas, con mucha vida aunque produzca cierto mensaje de dureza, de falta de libertad, de tristeza. Los ojos cerrados de los integrantes de la imagen demuestran que no nos quieren ver a nosotros, que aunque permanezcamos como espectadores ante sus posiciones, ellos no quieren vernos, pasan de todos nosotros.

El negocio del Arte Contemporáneo, con subastas imposibles de comprender

Que a veces estamos tontos, no hay duda. Que el Arte Contemporáneo a veces está sobrevalorado, también. El arte pop ha cautivado (o engañado) a los coleccionistas en una subasta millonaria en Nueva York en el año 2011, en la que el lienzo I can see the whole room and there's nobody in it!, de Roy Lichtenstein, ha sido vendido por 43,2 millones de dólares (31,2 millones de euros), y Silver Liz, de Andy Warhol, por 16,3 millones (11.7). 

"La obra de Roy Lichtenstein es una de las primeras pinturas en las que el autor se apropia de la estética de los cómics y marca lo que conocemos como pop art", ha dicho Koji Inoue, el responsable de arte de posguerra y contemporáneo de la casa de subastas Christie's en Nueva York, que ha organizado la puja.

Roy Lichtenstein (1923-1997) pintó este lienzo en 1961 y en él retrató a un hombre que mira a través de un hueco en una pared a la vez que pronuncia la frase que da título a la obra, y que se podría traducir por "Puedo ver la habitación entera, y ahí no hay nadie". 

"Se trata de un trabajo seminal y un contragolpe a lo que hacían en la época los expresionistas abstractos. Tomó la banalidad y la incorporó a sus obras", explica Inoue, que ha agregado que en la actualidad "la demanda de arte pop a ciertos niveles es insaciable".

Adquirir Arte Pop es sin duda una manera de invertir, totalmente alejada de lo que realmente es el Arte, y lo curioso es que es rentable pagar estas cantidades por un cuadro que aunque histórico por el momento en que se creó, no tiene nada de extraordinario visto desde la óptica artística de hoy. 

Incluso en su momento, crear obras de gran formato basándose en comic pequeños nunca debería haber tenido el éxito obtenido, pues hay trabajos de comic originales que son maravillosos y pasan por precios bajísimos.

Esta obra en concreto se vendió en 1988 por 2 millones de dólares, más de veinte veces menos que 23 años después. Sin duda es un gran negocio del Arte Contemporáneo, que nada tiene que ver con la calidad de la obra.

“Plaza Elíptica” del Capitán Torrezno, Premio Nacional de Cómic 2011

Santiago Valenzuela (San Sebastián, 1971) ha sido designado con el Premio Nacional de Cómic 2011 por el libro de cómic “Plaza Elíptica” del Capitán Torrezno. Formado en la obligada transición por el fanzinerismo que marcó la década de los año 1990, Valenzuela sorprendió a propios y extraños con la aparición en 2001 de Horizontes Lejanos, inicio de una de las series más sorprendentes que ha visto el tebeo español, las aventuras del Capitán Torrezno, que trasladaba las clásicas historias de fantasía inspiradas en Tolkyen a un perdido sótano de Madrid, donde el azar generaba un mundo en miniatura tan increíble como imposible, en el que una de las clásicas figuras que habitan los bares de arrabal, un torrezno, se convertiría en el paladín y defensor de este extraño mundo.

A lo largo de las seis primeras entregas de la saga, Valenzuela iría construyendo un microuniverso particular que es capaz de asimilar con tanto descaro como inteligencia influencias tan variadas como las surrealistas aventuras del Philemon de Fred -una de las obras maestras del cómic francés-, Los Viajes de Gulliver de Swift o el imaginario de Jorge Luis Borges, para reescribirlas en términos de una realidad más cercana y palpable, que transforma lo que podía haber sido una parodia al uso en una feroz y vitriólica perspectiva de lo cotidiano más próxima a Azcona y Berlanga que a los clásicos de la aventura fantástica.

Un nuevo género que Valenzuela se saca de la manga y que va alimentando en cada nuevo título, construyendo una visión del mundo real que toma como ladrillos elementos de la cultura popular; las páginas de esta inaudita serie van evolucionando para ir refinando la infinita capacidad del autor para la provocación intelectual, acompañando su grafismo de abigarrado horror con infinitos textos que componen páginas barrocas y sobrecargadas, que obligan al lector a detenerse tanto en la contemplación del minucioso trabajo de dibujo como en la asimilación del torrente de ideas que caracteriza la obra de Valenzuela.

Durante seis años, Torrezno no faltó a la cita con sus lectores: Escala real (2003), Limbo sin fin (2003), Extramuros (2004), Capital de provincias del dolor (2005) y Los años oscuros (2006) conformaron una de las obras más titánicas que ha dado el cómic europeo en el siglo XXI, pero dejaron a un autor exhausto, que dedicó los años siguientes a explorar otras opciones.

Para alegría de sus incondicionales fans, este periodo sabático del torreznismo le permitiría volver en 2010 a su personaje más carismático con fuerzas renovadas. Plaza Elíptica, más que una segunda parte, se configura como un punto de inflexión en la continuidad de su modo personal de crear cómic. El Premio Nacional supone un reconocimiento lógico a una de las obras más importantes que ha dado el cómic español en el siglo XXI.

¡Volumen! en el MACBA de Barcelona hasta abriil de 2012

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Ayer se presentó la muestra, ¡Volúmen!,  comisariada por el director del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), Bartomeu Marí, en colaboración con la Fundación La Caixa y que llena las tres plantas del blanco edificio de Richard Meyer y, como señala el título, quiere articularse en torno a la introducción del sonido en la práctica artística en el tránsito del siglo XX al XXI. Es, en realidad, la primera de una serie de tres exposiciones que servirán para mostrar la amplitud y profundidad de esta colección. 

En diciembre, CaixaFórum Madrid acogerá, bajo el título La persistencia de la geometría, la centrada en la escultura, y la tercera, El espejo invertido, recalará en el Guggenheim de Bilbao ya entrado 2012. También hay exposiciones previstas en el CaixaFórum de Palma de Mallorca y se trabaja en proyectos de itinerancia por Latinoamérica y Asia.

Para ¡Volúmen! Bartomeu Marí ha reunido 350 obras de 75 artistas. Hay piezas muy recientes adquiridas por el Macba, como la instalación Between the frames: The Forum (Barcelona), de Antoni Muntadas; el proyecto cinematográfico 1395 Days without Red, de Kameric y Sala o la sugerente Modernología, de Florian Pumhösl, que se sostienen holgadamente frente a la potencia de la exquisita selección de piezas de la década de 1980, el momento mágico de la colección LaCaixa, dirigida entonces por María Corral, que consiguió reunir un núcleo extraordinario de obras que hoy en día sería prácticamente imposible adquirir.

"Por primera vez la colección del Macba empieza a mirar a los ochenta, que ya son historia", admitió Bartomeu Marí; una década clave, recordó, en la que se deja atrás la producción pictórica abstracta, que ve la irrupción de la fotografía y en la que se produce "la domesticación de la noche". Un fenómeno, el de la aparición de los locales nocturnos identificados por su decoración, que hará escuela y creará el modelo del diseño barcelonés y del que ¡Volumen! incluye curiosos planos y fotografías de algunos de los bares de moda más célebres de aquellos años.

La muestra podrá verse en el MACBA, Barcelona, hasta el 23 de abril de 2012.

Santiago Auserón, Premio Nacional de Músicas Actuales 2011

El aragonés Santiago Auserón ha sido galardonado con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2011 que concede el Ministerio de Cultura. Esta es la tercera edición de esta distinción, con la que anteriormente fueron reconocidos Joan Manuel Serrat (2009) y Amaral (2010). En su fallo, el jurado ha destacado "la gran versatilidad del artista, que le ha permitido transitar desde el pop de vanguardia hasta el blues, pasando por el danzón y otros sones latinos". Además, ha subrayado especialmente "sus trabajos de investigación y la calidad poética de sus letras". El Ministerio de Cultura señala en su nota que "Radio Futura ha sido reconocido por diversas emisoras de radio y revistas especializadas como mejor grupo español de la década de los 80, y mejor grupo español de los últimos 25 años, según la votación de RNE, Radio 3, realizada en 2004".

Carteles socialistas por el cambio ilusionante de antaño

Vale, lo sé, son carteles prehistóricos de tiempos ajados y casi olvidados por los que tiene menos de 50 tacos. Pero os voy a confiar un secreto. Era un cartel ganador nada más salir por el lema, que hoy nos suena a manido y muy sobado. Bueno si, por el lema, por el líder, por el momento histórico, por… ojo que veníamos de un golpe de estado y el miedo entre los españoles ha sido unas constante hasta ese momento.

Luego vino el desencanto, la trampa estudiada, el hacer lo que se puede y no lo que se quiere. El pragmatismo. Treinta años atrás todos éramos más jóvenes. Incluso los que ahora seguimos siendo unos niños. Abajo os dejo uno anterior, de 1977, para que veamos como la ilustración se abrió camino en aquellos años viejos.