Arte religioso en marfil del siglo XVII. Albarracín (Teruel)


Esta pieza de marfil representa la Última Cena de una obra religiosa hecha en las Filipinas españolas en el siglo XVII y que se conserva en el Museo de Teruel. El conjunto de varias piezas de marfil se titula "Cristo de la Vida" y estaba en la localidad de Albarracín en un convento de monjas dominicas.

¿Qué es el collage en arte y qué técnicas y materiales emplea?




El "collage" como técnica artística significa "pegar" sobre el lienzo o la página en blanco que puede ser incluso una partitura, "trozos" de otros elementos similares para crear algo nuevo. En los últimos tiempos y con una especie de resurgir de esta técnica que empezó casi con el siglo XX se emplean elementos y texturas mucho más complejas de mezclar, de pegar hasta lograr formar una obra nueva. Hoy es posible pegar fotografías, recortes de prensa como desde siempre, pero también músicas, vídeos o elementos de la vida cotidiana hasta formar nuevos puntos de vista, nuevas formas de intentar entender los momentos.

Podemos por ejemplo pegar maderas con cemento, ladrillos con telas, sacos con escayolas hasta formar collages que se convierten en esculturas planas, en mezclas en relieve donde la pintura ya desaparece para dejar paso a modos y formas totalmente distintos.

Pero a su vez también podemos explorar nuevos caminos, nuevos campos. 

Construir o crear con unos textos sacados desde distintas ideas, para configurar literatura aleatoria, surrealista, textos dentro de automatismos que pueden configurar nuevas ideas de locura creativa, de composiciones nuevas que quieran abrir nuevos caminos de expresión.

Esta obra que vemos arriba es de una estudiante de Arte zaragozana de nombre Carmen, realizado con simples recortes de revistas. 

Es tan sencillo o complejo como saber elegir los trozos de papel y utilizarlos simples pinceladas, las tijeras como pinceles, pero cuidado, eso que parece fácil es tremendamente complejo pues primero tienes que saber qué quieres crear y luego saber elegir colores y formas de pequeños elementos hasta configurar —como si fuera un puzzle— toda una nueva obra que tienes en la cabeza y que deseas configurar con "trozos" pegados. En este caso es con recortes de papel, pero la evolución es clara, cuando se domina la técnica aparecen nuevas necesidades con nuevos materiales.

Adoración de los Reyes Magos en el Museo de Teruel


Una Natividad, una Adoración de los Reyes del siglo XV del siglo XV realizado al temple y óleo sobre madera de la parroquia de San Pedro en Moscardón (Teruel) en la zona de Albarracín. Un Rey Mago joven, uno de edad mediana y otro Rey mago de edad casi anciana con canas. Pero ninguno es un Rey de raza negra, como sucedía en muchas representaciones de aquellos siglos. Es curioso el nudo natural del báculo que lleva en la mano San José. No se conoce el autor de la obra.

Arte en las alcantarillas de Japón. Machida como ejemplo


El Arte puede entrar en cualquier espacio urbano, aunque nos parezca a veces un Arte Industrial o una artesanía urbana. Pero sobre todo es un ejemplo de buen gusto y de querer trabajar para agradar a los ciudadanos. En Japón hay un deseo claro de diseñar las alcantarillas para hacerlas agradables. Y este ejemplo de la ciudad de Machida (cerca de Tokio y con casi 500.000 habitantes) es uno más. Una serie de varios ejemplares diferentes con la temática de Pokemon que están por las calles de la ciudad para agradar al viandante y para colorear las aceras.

¿Será el Art Brut la próxima salida del mundo del Arte?


¿Será posible que la pintura haya muerto y estemos ahora en un tiempo de búsqueda de nuevas formas de expresión artística? Incluso podríamos decir que también la fotografía como medio artístico ha muerto por saturación tras desbancar a la pintura como manera de mostrar ideas. ¿Y qué queda tras estos enterramientos? Pues como se dice muchas veces a lo muerto no lo hemos enterrado, esperando que nazca algo nuevo que lo sustituya.

El Arte se abre camino a base de nuevas experiencias, de idiomas nunca utilizados, de explorar nuevas ideas, nuevas formas, nuevos alfabetos o idiomas de expresión. Y de momento el arte actual se mueve sobre representaciones de performance, de vídeos experimentales, de arte efímero, de montajes que tal y como aparecen desaparecen. Digamos que el propio mercado a matado al mercado. La mercantilización del Arte ha necesitado matar al Arte para poder seguir siendo rentable la mercantilización.

La democratización del Arte (todos podemos hacer Arte y todos lo intentamos hacer) ha intentado matar a los que viven del Arte que hacen otros, pero que son los que realmente mueven el mundo del Arte.

¿Volveremos a la tranquilidad, al sosiego, al tiempo lento, a la suavidad a cambio de olvidarnos de la provocación? ¿Se impondrá el menos es más o en cambio será el minimalismo o el Arte Decorativo? ¿Hablaremos con palabras o con formas y colores, con luz y oscuridad? 

En la imagen vemos a Yayoi Kusama una de las pocas artistas actuales que es sumamente respetada, por sus múltiples formas de jugar y trabajar con varias técnicas artísticas para abrir espacios de visión muy distintos. ¿Será el Art Brut la próxima salida del mundo del Arte?

Cartel del Primer Festival de Música de Benidorm del año 1959


Este fue el primer cartel del Festival de Benidorm de música del año 1959, que impulsó la ciudad turística hacia Europa con un simple ejercicio de cultura y música que lo puso en las carteras de las agencias de viajes. Una ciudad que era capaz de hacer año tras año un Festival de Música de una calidad alta, tenía que ser una gran ciudad. Y con este cartel empezó a darse a conocer.

Creado por Ricardo Summers e Isern (Serny), un artista que supo trabajar en esa mezcla a veces casi imposible entre Arte Puro para disfrutar como artista y Arte Comercial para poder vivir. Diseñador, cartelista, muralista o dibujante de viñetas en muchas de las revista de humor de la época de mediados del siglo XX en la que más trabajó es sobre todo recordado por sus numerosos carteles de Fiestas repartidos por toda España.

Manolo Millares y sus trabajos en arpillera recordando a sus antepasados


La obra que vemos arriba y que se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid, es del artista canario Manuel (Manolo) Millares, un gran pintor y grabador español que fue cofundador del Grupo El Paso en el año 1957.

En su última etapa trabajó con arpilleras como vemos en esta obra, realizada en 1970, dos años antes de fallecer y que tituló “Personaje caído 1”. 

Artista canario muy amante de su tierra trabajó en sus últimos años con la arpillera como elemento fundamental en recuerdo a las tela que los guanches de su Canarias natal envolvían a su muertos, sobre las que añadía pintura al oleo, maderas o arena en unos trabajos que parecen reproducciones arqueológicas de sus antepasados.

Paul Klee y su: "Arte Degenerado" según los nazis


En el año 1923 el artista Paul Klee pintó esta obra titulada "El lado alegre". A veces el Arte de Paul Klee se ha considerado "arte degenerado" pues intoxicaba a las mentes de los alemanas que se debían al espíritu nazi de unos años de intoxicación mucho más potente que la que nunca se puede hacer con obras de Arte. Pero la vida es así, cuando algo no gusta posiblemente por no entenderse, si queremos mentes alineadas con una idea preconcebida desde el poder, la diferencia resulta subversiva. Y eso es lo que le sucedió a Paul Klee con obras como esta, como a muchos otros artistas "diferentes".

Paul Klee nació en Suiza aunque siempre se le ha considerado un pintor alemán que trabajaba el surrealismo, la abstracción o el expresionismo. Campos donde se intentan trasmitir ideas, expresiones, sensaciones, gritos incluso pero siempre a través del Arte. Falleció joven por una enfermedad degenerativa lo que nos privó de su madurez artística y de la evolución que podría haber tenido sus obras tras la II Guerra Mundial que él no llegó a sufrir.

A lo largo de su corta vida, Paul Klee usó el color de diferentes maneras teóricas, y mantuvo con él una relación que fue cambiando con el tiempo. En sus comienzos Paul Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración, pero con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla como elemento fundamental en el Arte en la Escuela de la Bauhaus. Este cambio en su concepto del color le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos.


¿Es complicado ser hoy diferente? Herbert Bayer y sus Diferencias


"Ser diferente se está convirtiendo en algo cada vez más difícil"
Herbert Bayer

El artista austríaco Herbert Bayer (hasta que tuvo que huir de su Austria nazi a los EEUU), innovador publicista de la Escuela Bauhaus pero a la vez arquitecto, pintor y fotógrafo nos dejó la frase que vemos arriba en sus años jóvenes, allá a principios del siglo XX. No sé si esta frase hoy, un siglo después tiene el mismo sentido, hoy ya hay muchas "personas" diferentes, dentro de esa normalidad asumida, programada incluso, alentada también para tapar otras opciones, y que posiblemente ha logrado que todas las diferencias ya no sean diferentes, sino o bien asumidas o bien tapadas y orilladas.

No es nada sencilla ser diferente, ahora tampoco aunque lo parezca. Si eres "Diferente" dentro de la Moda de Diferentes que en cada momento impera en la sociedad, eres respetado como "diferente". 

Pero si eres Diferente y además diferente a los Diferentes, se jodió el invento y pasar a ser un marginado que no quiere entrar en la Moda de los Diferentes.


Arte en marfil con casi 3.000 años de antigüedad


Estos son los restos de una pequeña placa decorativa encontrada en la fortaleza Shalmaneser —en la localidad de Nimrud (Irak) a orillas del río Tigris, una de las capitales de los asirios y llamada Kalkhu por ellos, y que aparece en la Biblia como Calaj— una pieza hecha en marfil y con unos 2.800 años de antigüedad. Vemos una esfinge alada con cabeza humana con una de sus patas encima de un papiro. Eran los asirios unos grandes artistas con el marfil, el metal y el vidrio creando objetos decorativos para los mobiliarios o ajuares de los hogares de entonces. Objetos que intercambiaban y vendían por todo el Mediterráneo.


La realización de un fresco que muestra la construcción de una ciudad. Diego Rivera


El histórico mural de artista mexicano Diego Rivera (esposo de Frida Kahlo) titulado "La realización de un fresco que muestra la construcción de una ciudad" y que e encuentra en el en el San Francisco Art Institute (SFAI) de Estados Unidos está a la venta si nadie lo impide por la necesidad del propio colegio de lograr fondos para pagar sus deudas. Una de las soluciones podría ser que el Museo de Arte Moderno de San Francisco comprara el mural y lo dejara en exposición permanente en el campus como una especie de anexo del museo. Una obra realizada en 1931

Este famoso mural fue encargado por el presidente del Instituto de Arte SF William Gerstle en el año 1931 y se terminó en solo un mes. El gran mural muestra la relación entre las obras artísticas y el trabajo en general de los trabajadores. Como miembro activo del Partido Comunista Mexicano, Diego Rivera estuvo fuertemente influenciado por los principios marxistas, y su obra de arte reflejaba fuertemente sus puntos de vista políticos.

Esta pieza en forma de pentágono muestra la construcción de un edificio grande y tiene varias figuras de la vida real (incluida Diego Rivera) que debían representar a diseñadores, constructores, pintores, arquitectos y trabajadores. Esta pieza nos muestra cada etapa del trabajo arquitectónico como una alegoría para el propio trabajo de Diego Rivera. Esta obra se convirtió en uno de los murales más famosos de toda la ciudad de San Francisco.


El Invierno o La Nevada de Francisco de Goya


Francisco de Goya retrató una gran nevada como la de este 2021 en el año 1786 que tituló "El Invierno o La Nevada" donde vemos además de una gran nevada en el campo una tormenta de ventisca muy bien retratada. Vemos a tres hombres vestidos de ropas de campo y uno de ellos con detalles valencianos que caminan con un mulo que lleva un cochino tras la matanza mientras un perro en primer plano grita la escena. Daría la sensación de ser una estampa de mayordomos de una casa con posibles que se dirigen a las cocinas de su amo con la comida del invierno.

Es una obra al óleo que se construyó para luego pasar a tapices dentro de una colección de trece tapices sobre las Cuatro Estaciones. Es una de las primeras obras pictóricas en las que se representa el invierno posiblemente de diciembre como una época dura. 

Dos figuras surrealistas y cubistas del pintor Benjamín Palencia


Esta obra del pintor de Albacete, Benjamín Palencia, realizada en los años 30 es una de sus primeras obras reconocidas y conservadas de aquellos años, inicio del surrealismo y de sus relaciones con todos los artistas de la época tanto en Madrid como en París. 

Practicaba un surrealismo que a veces en sus inicios es también un cubismo de relación más que de escuela y de observar a Picasso y toda la plana mayor del surrealismo de aquellos años 30 que tanta capacidad tuvieron para abrir nuevos caminos artísticos en teatro, literatura, poesía o en pintura y escultura.

La obra de una colección particular la tituló: Dos figuras y se realizó con óleo y arenas sobre lienzo que mezclaba para dar texturas a la pintura.

Jean Michel Basquiat, un ídolo vencido por la pobreza y la droga


Jean Michel Basquiat, fue un artista neoyorquino que nos duró poco. En su primera juventud entró en contacto con la subcultura de la gran ciudad New York, y enseguida se vio relacionado con el uso de drogas y las bandas callejeras. En 1977, Jean Michel Basquia junto con Al Díaz, se introdujo en el mundo del grafiti callejero, pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyorquino donde proliferan las galerías de arte.

Sus relaciones con todo el mundo artístico de New York llevaron a Jean Michel Basquiat a una influencia muy alta en los círculos artísticos de los EEUU, que se cortaron de forma abrupta con su muerte a los 27 años por una sobredosis. Esperaban de él ser un muñeco moderno al que manipular para hacer dinero, y se los cayó al suelo y se rompió.

La obra de Jean Michel Basquiat no fue muy numerosa aunque en sus ocho años de trabajos fue casi explotado por marchantes y agentes, muestra pinturas casi salvajes, reflejando ese mundo de los bajos fondos y las altas esferas, donde el protagonista negro es siempre el que saca los dientes para nada, reflejando a veces una violencia que solo se vuelve contra los que le rodean, contra su misma sociedad, contra él mismo.

Goya, Quino y el humor triste y melancólico de las sociedades


Si somos capaces de mezclar el humor doloroso de Goya y Quino nos puede salir un retrato de la sociedad muy parecido. No hay tanta distancia entre Argentina y España y Aragón, entre las Pinturas Negras, los Desastres de la Guerra y los Dolores de las Sociedades que retrataba Quino

Simplemente eran artistas que estaban en la calle, que sabían qué se debía retratar, dar a conocer, ponerle el dedo del artista en la llaga social de las injusticias.

El catalán Robert Llimós y una de sus Caligrafías


Vemos aquí una obra del artista catalán Robert Llimós en una obra de sus colecciones de Caligrafías, pues su obra actual toca muchas técnicas y además de la pintura trabaja la escultura, obra gráfica, murales, carteles, dibujos, etc. En el año 1994, la Generalitat de Catalunya le otorgó el "Premio de Artes Plásticas".

Esta obra la traigo para explicar un poco que la pintura, el Arte en realidad es simplemente escribir con signos o alfabetos no comunes, grafos, formas, luces y sombras. 

Explicar o incluso gritar, empleando signos del propio artista para que de forma visual se pueda expresar uno y comprender el resto, unas formas de expresión que en el Arte abstracto son las más habituales.

Cartel de la CNT de Valencia para una Escuela Nueva


Los carteles son muchas veces una forma de expresión artística fabulosa para medir la temperatura social de cada momentos histórico. Este cartel de la Federación de Enseñanza Levantina de la CNT AIT de Valencia nos habla durante la II República de la Escuela Nueva que era necesaria para una cultura en mas libertad. Lectura, estudio, deporte, juegos. Igualdad entre chicas y chicos para jugar juntos a los mismos juegos y deportes. 

Una marina dibujada para aprender a dibujar con tinta y rotulador o pluma


Esta es una marina sencilla pero muy hermosa y que nos puede servir como ejemplo para practicar con el dibujo de plumilla, de rotulador, de pincel fino que se carga con tinta. Es un clásico ejercicio de tinta china para hacer mano, para practicar texturas, para aprender a diferenciar luces y sombras.

No te recomiendo que copies este mismo dibujo, lo correcto es que te cojas algunas imagen tuyas de mar, o sacadas de algún libro o revista, una fotografía, y que la conviertas en trazos, en dibujo, utilizando estos mismos métodos de la imagen de arriba. Líneas fáciles y rápidas que denoten que vas dominando la mano a la hora de dibujar. 

Boceta tu fotografía sobre un papel de dibujar con unos pocos trazos de lápiz suave, traza unas líneas muy paralelas al papel, para el horizonte y practica. En otro momento puedes ese mismo encuadre, esa misma imagen, ir practicando con acuarela, con temperas o acrílicos, con carboncillo y rotulador, cambian técnicas y observando los cambios finales y sobre todo qué te gusta más y qué le va mejor a tu forma de trabajar.

Joan Miró y su Maja Negra del año 1973


Vamos a recordar un poco a Joan Miró, un genio surrealista no siempre bien valorado. Esta obra, grande, la tituló La Maja Negra, y la realizó en el año 1973. Un ejemplo de su pintura y grabados dispuesta a ser contemplada con facilidad en este caso ayudados por el propio título de la obra.

¿Qué son las manchas en el Arte? Teresa Ramón y Josep M. Gort


El arte sin manchas, si la fuerza de la manchas no sería nada. Dice el artista Josep M. Gort: "De joven pasé horas en el Museo del Prado, estudié allí muchos cuadros: vi que la pincelada de Velázquez es pintura abstracta. Si te acercas, no ves qué pinta, es abstracto: al alejarte se entiende, se configura lo pintado"

La mancha es la pincelada, el golpe de mano, algo que solo está en la mente y en la idea del artista. Si solo vemos la mancha, solo vemos una parte de la obra. Estas manchas rojas que vemos arriba… ¿de qué obra serán? ¿qué nos quiso decir la artista con este fragmento?

En realidad es un muy pequeño fragmento de una obra enorme titulada "Le jeu de vivre" (El juego de vivir) de Teresa Ramón. Una obra compuesta de miles de pinceladas, de miles de pasos que vamos dando en el camino hasta llegar a nuestro objetivo. Todo son pequeños pasos, incluido el Arte.

Charo Costa nos presenta fragmentado el mundo que nos rodea


La artista zaragozana Charo Costa nos presenta aquí una obra suya titulada "Fragmentados" realizada en el año 2019, un ejemplo de que con el collage se pueden realizar obras de gran tamaño, donde se confunde la obra en una mezcla de pictórica casi sin pinceles y escultórica sin cinceles. Para lograr un objetivo claro, mostrar que lo importante son los volúmenes, las formas, lo que somos capaces de ver o adivinar empleando incluso lo que nos sobra a los demás, creando paisajes abstractos que cada uno podemos o debemos interpretar.

El papel del papel es imprescindible en sus obras como brochazos sólidos que además crean sombras.