Los grises inviernos del fotógrafo ruso Valentín Usvanov

Esta imagen es de Valentín Usvanov un fotógrafo ruso que trabaja muy bien la nieve o las inclemencias del tiempo de su país, reflejando unos ambientes fríos, azulados, invernales y duros. Encaja muy bien para esta semana de cambio de año, con nieblas en mi ciudad, con grises que llenan los parques, borrando todos los detalles.

Feliz Año Nuevo y muchas gracias a tod@s los que habéis visto en alguna ocasión este blog.

Un fotógrafo armenio de formas y luces: Artashes Martirosyan

Muy poca información he podido conseguir de este fotógrafo armenio, Artashes Martirosyan, que creo vive ahora en Moscú.

Artashes Martirosyan es un artista que sobre todo trabaja el desnudo femenino de unas maneras diferentes, jugando con las sombras, los volúmenes y las formas, llenado sus fondos negros de luces con formas redondeadas y posiciones a veces acrobáticas para llenar la obra fotográfica. 

Ha publicado en varias revistas de fotografía y ha expuesto varias veces sus obras, aunque en nuestro país es muy poco conocido.

Su obra es en algunos aspectos similar a la del fotógrafo aragonés Rafael Navarro.

Impresionismo parisino en Manuel de Gracia

No todos los pintores logran hacerse muy famosos para el gran público por sus trabajos, y posiblemente el caso del toledano Manuel de Gracia sea uno de ellos, aun con su gran obra y su excelente trabajo paisajístico, diferente en colores, en planteamientos pictóricos. Iniciado en el seminario de Toledo, lo abandona a los 16 años, dedicándose desde entonces de lleno a la pintura, aunque ayuda a su padre, que es albañil en sus trabajo así como en un almacén de madera sin dejar ya nunca de seguir pintando.

A los diecinueve años viaja a Madrid, y para subsistir trabaja como pintor de paredes, mientras asiste a las clases del Círculo de Bellas Artes.

Tras una etapa compleja, Manuel de Gracia realiza su primer viaje a París, donde reside durante algún tiempo, regresando a España a principios de 1963, teniendo que trabajar en la realización de cartelones de cine durante nueve años, aunque esto no le impide exponer por primera vez en la sala Toisón, y más tarde expone individualmente en la galería Eureka en Valladolid y en Santander.

En 1973 es galardonado con el Premio de África y recibe una Pensión para viajar al Sáhara, donde reside y tras un largo viaje por Holanda, Bélgica y Francia, su pintura se deja ganar por el impresionismo, que el pintor cultiva con especial talento. Desde 1975 hasta hoy ha llevado a cabo numerosas exposiciones en distintas ciudades españolas, con especial presencia en el País Vasco y en Madrid, además de participar en importantes muestras colectivas en Estados Unidos, Suiza, Francia, Austria, Malta, etc.

Su obra, fundamentalmente dedicada al paisaje, alcanza una serena belleza, tras la que se esconde un profundo dominio técnico y una exquisita sensibilidad. Sus obras nos llevan al impresionismo parisino, a los cuadros muy trabajados con pinceladas que van configurando una gran obra de forma lenta pero totalmente clara y segura.

Realismo y crueldad en imágenes religiosas. Cristo yacente

Una de las particularidades del arte religioso español es la dureza de algunas de la imágenes, sean esculturas o cuadros religiosos, reflejando sufrimientos, torturas, dolor, muerte con profusión de detalles reales. 

En el caso de los Cristos es evidente que para los españoles es muy normal contemplar estos sufrimientos con desgarrador realismo, pero no así para los que desde otros países, sobre todo americanos del norte, contemplan nuestro arte religioso desde una visión muy diferente a la nuestra.

Este Cristo yacente, de Gregorio Fernández en madera policromada con añadidos de marfil, vidrio y asta es propiedad del Museo del Prado aunque se puede contemplar en el Museo Nacional de escultura de Valladolid. Es muy sobrio y real mostrando la anatomía de un cuerpo yacente, muerto pero con una belleza emotiva aunque cruel que intenta mostrar el sufrimiento de Jesús en su muerte como motivación pedagógica para entender mejor el camino de su final.

Esta escultura del naturalismo castellano está realizada entre los años 1625 y 1630.

Un hombre solitario, que se dirigía a la salida

No sabía hacia donde debía dirigirse, por eso lo retraté escapando hacia diversas salidas.

Era un hombre mayor, solitario, gris y triste.

Buscaba aquella mañana un lugar desde donde otear mejor su futuro, pero nadie se fijó en su necesidad.

Nadie excepto el fotógrafo que luego lo plantó en un cuadro que ahora descansa en Guadalajara.




Nota.: Creo que lo mejor es el encuadre y lo peor el fondo verdoso que desvirtúa todo. Pero no quise poner un fondo negro, me parecio absurdo igualarlo a las sombras, preferí elegir un fondo que no dijera nada y no lo conseguí.

Luces y sombras del fotógrafo chino Fan Ho

Fan Ho es un premiado y reconocido fotógrafo, director de cine y actor chino, que ha ganado más de 250 premios por exposiciones y concursos internacionales desde el año 1956. Nació en el año 1932 en Shanghai y actualmente vive entre California y Hong Kong.

Fan Ho es miembro de la Sociedad Fotográfica de América, de la Royal Photographic Society y de la Royal Society of Arts, de Inglaterra; Miembro Honorario de las Sociedades Fotográficas de Alemania, de Francia, de Italia, de Bélgica, del Brasil, de la Argentina y de Singapur.

Es un excelente fotógrafo callejero, de calles y vida urbana, de callejones y mercados, de personas viviendo y explorando sus barrios, de niños y mujeres, de vida.

En la fotografía la luz es la fuerza que nos modela las formas, pero sin las sombras la luz queda plana, sin fuerza, sin contraste, sin contundencia. Fan Ho juega con la sombra tanto o más que con la luz, buscando que entre una y otra dibujen las formas, sin importarle tanto los actores principales de sus obras.

Distrito 14 nos canta a los sueños, a las ilusiones

Hoy simplemente os dejo un vídeo del grupo zaragozano "Distrito 14". Cantan el tema "soñando otra vez", una canción clara, contundente, un trozo de sus vidas, de sus amores, de sus sueños. Una canción calmada.

Ayer recibieron un premio en su barrio, acudieron a decirnos que los premios pequeños pero cercanos, los de barrio, son los que más aprecian, pues les indican que los vecinos, los amigos, siguen creyendo en ellos.

El Sr. X triunfa en Gijón con sus irónicos trabajos de calle

Pocos conocen quien es Sr. X que por Gijón van dejando maravillosas obras de arte irónico, con estética pop pero sarcástica y llenas de un fino humor.,El Sr. X ataca con un simple spray y unas plantillas para ir dejando guiños e historias, penas y alegrías por las calles de posiblemente su ciudad, Gijón.

Sabemos que ha expuesto de manera individual en galerías como la SC Gallery de Bilbao o El Arte de lo Imposible de Gijón; y de manera colectiva en centros como La Tabacalera (Madrid), Laboral Ciudad de la Cultura (Gijón) y el museo d’Art Modern de Tarragona. Y que obras suyas han ilustrado alguna de las páginas de libros del graffiti como The Trespass Calendar (Ed. Taschen), Stencil Republic (Ed. Laurence King) o Los Nombres Esenciales del Graffiti y el Arte Urbano español (Ed. Lunwerg).

Os dejamos dos finos trabajos del Sr. X para conocerlo algo más

El escultor Andreu Alfaro y sus dibujos geométricos

En Valencia, su ciudad de origen, se recuerda con gran cariño al escultor Andreu Alfaro, relacionado con el Grupo Parpalló que trabajó sobre todo elementos metálicos formando líneas, dibujos geométricos en el aire, creando obras abstractas que juegan con la luz y sus sombras, con las forman que cortan el espacio.

Artista autodidacta, impulsor del IVAM, tiene repartido por el mundo casi todo su trabajo escultórico de más de 2.000 piezas. Partió de su trabajo de carnicero hacia el de escultor, dibujante y antes diseñador, en un camino que nunca le apartó de sus profundas convicciones democráticas y nacionalistas valencianas.

Tiene más de 100 grandes esculturas en espacios públicos de todo el mundo, en España, EEUU y Alemania sobre todo. Gran trabajador y dominador de los materiales metálicos que dominaba para darles la forma geométrica que deseaba para crear sus obras, sin olvidar algunos trabajos en mármol.

Heinz Schulz-Neudamm diseñó el cartel de "Metrópolis"

Un auténtico cartel (se ha reimpreso en varias ocasiones) que anunciaba la famosa película alemana “Metrópolis”, obra maestra del expresionismo alemán Fritz Lang, del año 1927, se ha subastado por un precio final de 920.000 euros demostrando que el cine clásica sigue muy vivo y que aun con todos los años a sus espaldas, sigue reconociéndose su calidad innovadora y que sigue siendo Arte deseado, cuando los años han pasado dejando una pátina de calidad.

El cartel de 'Metropolis' fue diseñado en su momento por el pintor Heinz Schulz-Neudamm por encargo del propio Fritz Lang, obsesionado con una cinta basada en la novela de su mujer Thea von Harbou  y que supuso una revolución para la época.

Fritz Lang realizó esta película en el año 1927 con una anti utopía urbana futurista, ambientada en el año 2000. Con el paso del tiempo la película 'Metropolis' se convirtió en una obra cumbre del expresionismo alemán y en una revolución para el séptimo arte con un gueto subterráneo de fondo, donde residían los obreros del siglo recién estrenado en una ciudad bajo tierra.

Diseño de camisetas de Custo Dalmau en Zaragoza

Ángel Costodio Dalmau (Custo Dalmau) diseñador catalán, presenta en Zaragoza su último proyecto de diseño abierto en Puerta Cinegia, en la apertura de la “pop up store” Custo Gallery en donde se presentan sus propios diseños impresos sobre ropa fresca y moderna, sobre todo camisetas, junto a otros usos de sus diseños en moda.

Son conocidos los usos de sus diseños en ropa que han ido apareciendo en series americanas de gran éxito, como Friends o Sexo en Nueva York o ropa utilizada por actores y modelos como de Claudia Schiffer, Julia Roberts, Natalie Portman, Penélope Cruz o Brad Pitt.

Pese a que los motivos más habituales en sus estampados en camisetas han sido las flores, los animales, la iconografía japonesa, los cómics manga, la imaginería hindú, o el pop art de los años setenta, fueron evolucionaron hacia el patchwork y las rayas hasta llegar a diseños donde la figura de la mujer es el motivo principal.

José Luis Lasala presenta su exposición “La memoria rota”

José Luis Lasala, un pintor aragonés imprescindible para entender la pintura contemporánea en Aragón con 40 años de exposiciones a sus espaldas, miembro fundador (en la década de los sesenta) en Zaragoza, del Grupo Azuda40 y estrechamente vinculado por la profesión al mundo de la cultura desde una entidad cultural muy reconocida en Aragón, nos presenta en una nueva exposición su más decidida opción por la abstracción pura (que emplea casi desde sus inicios), en un uso del color como lenguaje con el que trasmitir sensaciones y estados de ánimo, logrando entrar hasta lo más profundo de quien las contempla.

Tenemos ahora la ocasión de ver parte de su obra en el Museo Camón Aznar de Zaragoza, hasta el 10 de febrero en una exposición que ha titulado “La memoria rota” y que es un pequeño homenaje al recuerdo de su esposa, fallecida hace poco tiempo. Son 48 obras que agrupa en 18 títulos, en las que quiere trasmitir una atmósfera de recuerdos, de añoranzas de un tiempo ya pasado.

Una excelente ocasión para ver su obra más reciente y disfrutar o soñar con sus trabajos, que nunca dejan indiferentes a nadie.

Martirio de San Pedro en madera policromada siglo XVI

Esta obra que ponemos hoy, una madera policromada de finales del siglo XVI, no tiene artista conocido, es una obra anónima aunque refleja un martirio cruel y doloroso como se acostumbraba por aquellos siglos, para así y por compasión, amar más a los santos.

Se refleja aquí a San Pedro en su martirio, y se sabe que esta obra que se conserva en el Museo Nacional de Valladolid de Escultura, fue entregado al estado en pago por impuestos que no se podía hacer con dinero en efectivo. Otro martirio más que sumar, a la historia de esta obra de arte. Por cierto, según se dice, la entrega de esta obra a cambio de impuestos fue en el año 1994, no hace tantos años.

En el suelo se pueden ver las llaves de San Pedro, mientras el santo miraba a sus torturadores con cara benevolente, sabedor de que igual luego los tenía que recibir con las llaves en la mano, y quería quedarse con sus caras.

Un nuevo cuadro de Velázquez. Don Sebastián de Huerta

La jefa del Gabinete de Documentación Técnica del Museo del Prado, Carmen Garrido, asegura haber descubierto una nueva pintura de Velázquez, en el retrato del secretario de Felipe IV, Sebastián de Huerta, que se conserva en la ciudad alemana de Munich. 

El lienzo de 121 por 101 centímetros representa a Sebastián García de Huerta (1576-1644), Capellán de la Iglesia de Santo Domingo en el Antiguo de Toledo desde 1590, Notario Apostólico de la Catedral de Toledo y Secretario del Arzobispado de la misma ciudad. Hasta el año 1930 pertenecía a los descendientes del Secretario de la Inquisición, lo que ha permitido su buena conservación al no pasar por muchas manos. Necesita alguna limpieza menor y unas pequeñas rectificaciones y repintes ligeros. Se vendió ese año por 41.000 pesetas a un anticuario de León.

Licenciado en Derecho por su universidad en 1615, fue nombrado Secretario del Supremo Tribunal de la Inquisición el 12 de diciembre de 1616 y secretario de Felipe III y Felipe IV en el Real Consejo Supremo de la Santa Inquisición.

La atribución a Diego Velázquez que hace Carmen Garrido, se realiza tras el pormenorizado análisis técnico realizado por el Instituto Max Doerner, dependiente de la pinacoteca Alte Pinakothek de la ciudad de Munich. Asegura la experta que los trazos velazqueños «son inconfundibles». Y que los rasgos de su peculiar manera de pintar se hacen evidentes en detalles como «la pincelada que marca el horizonte» y la resolución de las cabezas y las manos del retratado «con unos cuantos brochazos». Garrido data la obra justo antes del primer viaje a Italia de Velázquez. En su análisis compara el cuadro con otros de esta etapa madrileña, la más desconocida del pintor y de la que solo se conserva una decena de lienzos. Destaca la experta las semejanzas compositivas y de factura con los retratos de Felipe IV y del Infante Don Carlos, conservados en el Prado, y explica cómo una radiografía ha revelado que la misma tela oculta esbozada una Virgen. Se trataría de la figura invertida de una Dolorosa, la Virgen de la Soledad, que Velázquez habría dejado inconclusa, girando después el lienzo y pintando sobre él el retrato del inquisidor.

Pedro Machuca y la Adoración de los pastores al Niño Jesús

Este cuadro del pintor toledano Pedro Machuca, de inicios del siglo XVI representa la “Adoración de los Reyes Magos” en un óleo sobre tabla que se conserva en Valladolid, aunque hemos de reconocer que posiblemente esté pasado de moda.

Pedro Pachuca fue uno de los cuatro artistas que introdujeron en España el estilo renacentista d pintura, traído desde Italia, en donde se formó artísticamente. Hay muy pocas obras conservadas de este pintos español.

Ya no deben estar la mulo y el buey en el pesebre, molestando al Niño Jesús, incluso los Reyes Magos deberían ser españoles de Tartesos, y no ciudadanos de Oriente, ricos y con posibles, de haber aparecido, pero no, son pastores pobres y de tierras palestinas. Son cambios modernos que nos dicta el Papa actual, pero que no intuían en el siglo XVI.

Sotanas, de Eugeni Forcano i Andreu, Premio Nacional de Fotografía 2012

El fotógrafo catalán Eugeni Forcano i Andreu ha sido galardonado hoy con el Premio Nacional de Fotografía 2012, a los 86 años de edad y toda una vida dedicada a la fotografía social. Este premio a toda una trayectoria se lo concede el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y tiene una dotación de 30.000 euros.

El jurado ha reconocido "la extraordinaria calidad de su trabajo, la perdurabilidad de sus imágenes, su larga trayectoria, destacando su capacidad de innovación y experimentación en el lenguaje fotográfico".

Eugeni Forcano i Andreu comenzó a trabajar en la revista Destino en 1960 de la mano de Néstor Luján Fernández y Josep Vergés y Matas. Asimismo, colaboró con la agencia Roldós, la Editorial Seix Barral, las agencias France-Presse y Dalmas o la revista Don, donde trabajó, entre otros, con Jaime Gil de Biedma y Juan Marsé. El fotógrafo catalán desarrolló su carrera en Francia y Suiza y en los setenta se dedicó a la fotografía publicitaria y de moda.

En los últimos años se ha dedicado a la fotografía artística de carácter abstracto y en el año 2009 cedió 650 fotografías al Archivo Fotográfico de Barcelona. Entre otros galardones, Eugeni Forcano i Andreu ha sido distinguido con el Premio Ciudad de Barcelona de fotografía en blanco y negro y en color; la Medalla de Oro de la Agrupación Fotográfica de Catalunya, la Medalla de Oro al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Barcelona y la Cruz de San Jorge.

La imagen que dejo es del año 1964 y se titula "Sotanas".

Juana Francés en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza

El grupo artístico El Paso tenía una mujer muy importante en su interior que ha pasado algo desapercibida, excepto por ser la esposa y compañera vital de Pablo Serrano. Juana Francés no ha sido valorada como se merece, por una obra muy evolucionada, con claras fases diferenciadas según ella misma iba cambiando y creando diferentes modos de expresión artística, distintos modos de expresión, de comunicar, de crear.

Ahora en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza se muestra algo de su obra, en una gran sala de un inmenso museo tal vez mal utilizado, sobre todo si nos atenemos al número de visitas que recibe para su gran coste y su inmensa obra. Si añadimos que en Zaragoza no existe un Museo de Arte Contemporáneo con programación fija, es un dislate pensar en las obras salpicadas de grandes artistas que dan calidad pero a golpes de gestión.

La calle. Un boceto o apunte de Francisco de Goya sobre Madrid

Nuestro genial Goya también hizo apuntes, bocetos de paisajes, dirigidos luego para hacer grabados, obras más completas o más grandes, trabajos más terminados.

En este caso dejo una sanguina, debajo de lápiz negro, aguada de lápiz y tinta de bugalla a pluma de principios del siglo XIX, realizado sobre papel verjurado un poco ahuesado titulado “La calle”, hoy propiedad del Museo del Prado pero procedente de la colección de Valentín Carderera, un pintor y divulgador del Arte de Huesca, que llegó a ser pintor de cámara de la reina Isabel II.

El dibujo o apunte representa una vista de Madrid, que según algunos podría ser la calle Alcalá pero sin toda la seguridad.

No.1 Royal red and blue. Cuadro brutalmente caro

Esta obra del pintor letón Mark Rothko (emigró con 10 años a los EEUU), titulada No.1 (Royal red and blue), fue pintado en 1954 y fue uno de los ocho cuadros que se realizaron para una exposición individual de ese año en el Instituto de Arte de Chicago. Este fue su primera exposición individual en un museo importante de Estados Unidos.  El cuadro No.1 (Royal rojo y azul) ha sido vendido esta semana por un precio record de 52,6 millones de euros, 67 millones de dólares más tasas e impuestos. 

Es un cuadro grande, de 1,70 por 3 metros de alto, de expresionismo abstracto y pop, empleando figuras geométricas que se funden con veladuras, está considerado como uno de los mejores cuadros de este pintor, por mucho que analizado desde unas perspectiva lógica, parezca un precio desorbitado.

Cada vez hay que protestar más para conseguir menos

También en las protestas se nota la inflacción, Cada vez hay que protestar más para conseguir menos.

Lo dice maravillosamente "El Roto" en El País de hoy, con la imagen de un hombre triste, derrotado, apoyado sobre el precipicio de su vida futura.

Las viñetas también son ARTE, si las hacen los artistas.

Jornadas de Arte Taller 26, en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza

Se celebra este fin de semana en el IAACC Pablo Serrano las “Jornadas de Arte Taller 26”, una iniciativa que pretende fomentar el debate e intercambiar experiencias y posibilidades para acercar el arte a través de internet. Estas sesiones se celebrarán hasta el domingo 11 de noviembre de 2012. De manera paralela se ha organizado una exposición con la obra de 47 artistas, de los que 28 son aragoneses, y que lleva por título “De la web a la pared” y que se podrá ver hasta el día 8 de diciembre en la planta baja del museo. Este conjunto pertenece a la red social Artstudents.net (que por cierto no funciona en internet, así que no es entendible que se presente sin que exista o al menos sin que sea fácil encontrarla), donde los autores llevan a cabo la difusión de sus piezas en internet.

Artstudents.net está pensada como espacio para que artistas venidos desde España y Latinoamérica, para interactuar entre ellos y mostrar sus trabajos al público interesando a través de internet. “De la web a la pared” fue presentada ayer y cuenta con algunas obras revolucionarias y peculiares a la vez en distintas disciplinas como la fotografía, la pintura y lo audiovisual.

Según el director general de Cultura del Gobierno de Aragón, esta muestra sirve para acercar el Museo Pablo Serrano a todo Aragón y además por su carácter multidisciplinar permite ver las tendencias actuales en el arte. Colocando a Zaragoza a través de “Taller 26” en la "vanguardia".

Dos versiones de Regatas en el Gran Canal de Giovanni Antonio Canal

Estos cuadros de Giovanni Antonio Canal nos muestran unas regatas en un canal de Venecia del año 1740 aproximadamente y nos muestra como si de unas fotografías se trataran la vida social de Italia, con una carrera en línea recta de los clásicos botes o pequeños barcos que por aquellos siglos se empleaban en Venecia para desplazarse por la ciudad.

El título de las obras es “Regatas en el Gran Canal”. Pero curiosamente hay dos versiones desde la misma posición, de dos momentos distintos, posiblemente de años diferentes, pero realizados con fines decorativos para grandes salones de la corte (o cortesanos) italiana.

Nature morte aux tulipe, un cuadro de Picasso con historia

El cuadro de Picasso “Nature morte aux tulipe” ha sido subastado en Londres por 29 millones de euros. Muestra a una de las musas y amantes del pintor malagueño, Marie-Thérèse Walter, que se convirtió en un importante caudal de inspiración para su genio y que, en este caso, aparece representada como un busto escultórico.

Esta joven mujer, con su perfil griego, fue la modelo para los más destacados logros de Picasso en varios soportes, y “Nature morte aux tulipes” es un ejemplo de ello, ya que el artista primero realizó una escultura de Marie-Thérèse, que luego pintó como un bodegón con una alta carga sexual", explicó Simon Shaw, director del departamento de Impresionismo de Sotheby's.

A lo largo de 1931, Picasso comenzó a realizar una serie de esculturas en yeso en las que recreó a Marie-Thérèse Walter, y poco después se dedicó a trasladar estas creaciones a sus pinturas, entre ellas “Nature morte aux tulipes”, que formaría parte de una gran retrospectiva del artista organizada en París y Zurich en 1932.

El malagueño había conocido a Walter en 1927, cuando ella tenía 17 años, e iniciaron un romance clandestino, debido a que en esos momentos Picasso todavía estaba casado con Olga Khokhlova, y se dedicó a pintarla en un estudio que compró en 1930, en Boisgeloup, donde ocultaba todas las pruebas de su relación.

Esta pintura había salido a subasta en el año 2000, cuando se vendió por más de 22 millones de euros, y esta semana se ha vendido por un precio de martillo de 29 millones de euros que son algo más de 32 millones de euros sumadas las comisiones y tasas de la casa de subastas, aunque se quedó lejos de las expectativas generadas, ya que estaba valorado en hasta 39 millones de euros.

“San Juan Bautista” de Tiziano, restaurado y renovado

Tras ver la presentación del cuadro “San Juan Bautista” de Tiziano que han realizado en el Museo del Prado, tras su restauración, no es fácil asimilar que puede ser el mismo cuadro, que tras la primera obra se escondía la que ahora vemos, sin que los retoques actuales hayan desnaturalizado casi totalmente la obra del italiano Tiziano.

Lo que en principio se pensó en una obra del taller de Tiziano ha sido considera ya una obra de genial pintor de la escuela veneciana, pintado por el año 1540 que ahora se expone en el Museo del Prado en una exposición que estará abierta hasta el 10 de febrero de 2013 y posteriormente la obra recientemente atribuida se integrará en la colección que el Prado posee de Tiziano, formada por 38 pinturas.

Durante la elaboración de un catálogo del artista veneciano se recuperó la pintura que se encontraba en la Iglesia Nuestra Señora del Carmen de Cantoria (Almería), para que fuera investigada en los talleres del Museo del Prado.

Durante cuatro años se ha trabajado en la investigación y restauración de la obra, llevada a cabo por la restauradora Clara Quintanilla y patrocinada por la Fundación Iberdrola. "Su estado era lamentable. Pocas veces ha llegado al museo un cuadro en peores condiciones", comentó Miguel Falomir.

Se trata de la única obra de Tiziano del Museo del Prado que no procede de la Colección Real, sino del Museo de la Trinidad. La pintura llegó en 1872 al museo como anónimo madrileño del siglo XVII y como tal fue depositada, catorce años después, en la iglesia de Cantoria. Ya en 2003, con motivo de la Exposición que el Prado dedicó a Tiziano, Miguel Falomir propuso que la obra podía ser una copia de un San Juan Bautista que estaba perdido. En 2007, el Prado comenzó su estudio y comprobó que no se trataba de una copia sino de un original del artista veneciano.

El comisario destacó que cada vez que Tiziano hacía una composición religiosa le pedían que hiciera réplicas de la misma. "Por ello, cuando pintaba un cuadro de este tipo hacia directamente una replica que guardaba a la espera de un encargo". Cuando este encargo llegaba, el maestro introducía ligeras diferencias para que la copia se convirtiera en un original, por lo que "no existen dos cuadros de Tiziano que sean iguales".

Durante su azarosa vida, el San Juan Bautista del Prado estuvo expuesto a una fuente de calor extrema que le provocó "pérdidas y desgaste de la superficie". Durante los cuatro años que ha permanecido en el taller se ha realizado "una intervención extraordinaria", deshaciendo "todo lo mal hecho, ya que ha sido una pintura objeto de una restauración agresiva, con 12 o 13 niveles de pintura. Se han retirado los repintes y se ha reintegrado la pintura donde había perdidas".

Arte en azúcar - Sugar Art made by master craftsman from China

Maravilloso arte con azúcar, donde nos demuestran los artesanos chinos que la creación no tiene límites, que cualquier elemento se puede emplear para crear sentimientos, aunque sean momentáneos.

Frank Grenier, grabador de vídrio con un plato

El artista grabador de vidrio Frank Grenier sostiene un plato de cristal que él ha grabado con una reconstrucción del tapiz de Bayeux, en Glastonbury, Inglaterra. El grabado de Tapicería Bayeaux —que tardó seis meses para grabar en el cristal y que representa los 58 paneles de la tapicería con la descripción inglesa de cada acontecimiento principal— es la obra más importante de la exposición de otoño de la Abadía Glastonbury, “Reflexiones Sobre el Cristal en la Abadía”.

Frank Grenier graba en el vidrio con puntos de tungsteno y las rebabas del diamante. La oferta de trabajo se extiende desde las copas de celebrar de la iglesia, e incluye cristal transparente y de color.

Retablo reflejando La Pasión de Cristo del siglo XVI

Esta imagen, parte de un retablo reflejando La Pasión de Cristo, del año 1530 que estuvo hasta la desamortización de Mendizábal en el Monasterio de Nuestra Señora de la Mejorada en Olmedo, Valladolid, está realizado en madera de nogal, refleja de manera muy detallada una escena de la Pasión, con la Virgen y San Juan sujetando el cuerpo ya inerte de Jesús. Hay al menos otra mujer y varios hombres que observan la escena con caras tristes y doloridas.

El escultor parece ser un fraile del mismo convento que en sus talleres y basándose en imágenes impresas, iban realizando una serie de tablas esculpidas en relieve tallado que ensamblaban hasta formar los retablos, en un trabajo que hoy vemos muy complicado de realizar con los medios de aquellos años. Es de la escuela de Flandes, posible procedencia del fraile que realizó el trabajo.

"La Clave bajo el Sol" en Ibercaja Zaragoza

En la sede central de Ibercaja en Zaragoza, podemos contemplar una exposición sobre la obra de Gaudí, una pequeña muestra de su forma de trabajo, de entender volúmenes e ideas en arquitectura, sobradamente conocida su obra por diversos ejemplos cercanos. Pero junto a su exposición “Gaudí único” hay otra pequeña muestra de arte contemporáneo de dos amantes de la obra de Gaudí, de María Belacortu en unas imágenes muy sugerentes acompañadas de la música de Gabriel Bueno y Lorenz. Os dejo un pequeño vídeo con la presentación de la exposición "La Clave bajo el Sol".

Virgen de la Leche, del Museo de Escultura de Valladolid

Este cuadro de un seguidor del pintor belga R. Van der Weyden, titulado “Virgen de la Leche” es de finales del siglo XV. Posiblemente estaba en el Monasterio de San Norberto de Valladolid hasta la desamortización de Mendizabal y muestra una imagen de la virgen amamantando al niño Jesús, pintada al oleo sobre una tabla de roble y reflejando unas figuras algo deformes, sobre todo en la frente, influenciada por la escuela gótica flamenca al que pertenece. 

Las figuras de la Virgen amamantando a Jesús son habituales en aquellos años, reflejando unas imágenes de mujeres con el pecho descubierto, algo que hoy les parece más irreverente dentro de la actual iglesia católica. Los vestidos son de la época de la pintura, reflejando a una mujer de una cierta capacidad económica.

Cuadros en relieve de Alberto Reguera

El pintor escultor español Alberto Reguera está de moda por su particular manera de plantear la pintura en relieve, la pintura escultura, las obras que se salen de su propio marco para invadirnos el ambiente.

No trabaja solo los grandes formatos, sino que desde los tamaños medios invade sobresaliendo, los alrededores de las obras saliendo en busca de las sensaciones, del espectador que observa como la obra les invade.

Realiza también cuadros en tres dimensiones, capaces de ser observados desde distintas posiciones, colgados en la pared o apoyados en una estantería o en el suelo. Sus obras son para pensar en paisajes que se expanden en busca de diferentes puntos de vista. Sabe que sus obras son también poesías en relieve, objetos nuevos para ser contemplados o tocados y asumidos como nuevos elementos de color, nuevos paisajes artificiales pero agradables y provocativos a la vista.

Figuras del pintor gráfico Antonio Saura

Antonio Saura está considerado como uno de los grandes genios del arte español del siglo XX. Aragonés de Huesca, supo pintar, dibujar, escribir, hacer grabado o escultura. Durante muchos años solo trabaja el blanco y negro y su obra gráfica figurativa busca el conflicto entre las formas, reflejando un cierto pesimismo, una pena o dolor en sus formas gráficas, con falta de contundencia o seguridad en sus representaciones.

Dejo para contemplar un dibujo “sin título” y en blanco y negro de los últimos años de vida del aragonés Antonio Saura.

Retrato de un Caballero, de Velázquez, en el Museo del Prado

En este octubre de 2012 han puesto en el Museo del Prado como obra invitada hasta finales de enero de 2013 el cuadro “Retrato de un Caballero” de Diego de Velázquez y propiedad del Museo Metropolitano de Nueva York. Está colocado junto al cuadro de Las Lanzas de Velázquez, en busca de algún parecido físico entre el que se presume a veces como autorretrato del propio pintor en la figura de un soldado anónimo que está en la zona alta y derecha del famoso cuadro. Los estudiosos aseguran que no es posible que sea Velázquez el soldado, pero nos traen ahora este otro cuadro con otro presunto autorretrato del genial pintor, que comparado con el Autorretrato que está en Valencia, demuestra unos rasgos faciales diferentes entre los modelos de ambas obras.

Sin duda un lujo poder ver una obra de Velázquez poco conocida y que nos muestra un retrato de soldado, que dará qué pensar. Serio, con un gran bigote y despeinado, vestido de oscuro con traje de época y unas ojeras que ayudan a calcular una edad madura, sirve para las dudas y las comparaciones. Con viajar a Madrid lo podemos contemplar, ya no hay que ir a NY, aunque sin duda, merecería la pena acudir a la ciudad capital del mundo.

Eduardo Chillida; "La tinta pesa" mostrada sin salir de casa

Si quieren ver una exposición sobre Eduardo Chillida, con sus obras en papel menos conocidas, pero maravillosos ejemplos de lo que se puede modular con unos siples papeles, entren en esta dirección.

La Galería Cayón les muestra en esta página web una representación de 17 obras de Eduardo Chillida, de su exposición "La tinta pesa" en un ejemplo de que también se ueden visitar los museos y exposiciones sin moverse de casa. No es lo mismo, pero se parece.

Las Meninas de Goya, grabado del año 1778

La pasión que tenía Francisco de Goya por Velázquez era conocida e inmensa, pues reconocía en él una manera de pintar nobles y reyes que no era la simple copia de unos rostros con los añadidos de unos vestidos reales, sino que Velázquez había convertido los cuadros en ambientes, en pequeñas o grandes historias, en donde lo que envolvía la obra era muchas veces tan importante o más que la propia figura de la realeza.

En el año 1778, Goya creo una serie de grabados que reproducían la colección de obras de Velázquez, de sus retratos reales o de sus séquitos, y entre ellos una copia de Las Meninas, considerada como una obra única.

Goya supo captar bien la mirada de la infanta, pero al pasar al blanco y negro y a la técnica del grabado, se pierde en la obra gran parte de su profundidad, de su dramatismo de conjunto. Queda inevitablemente plana la estampa y de alguna manera el propio Goya se percató de que era imposible reproducir la obra de Velázquez con grabados, pues aquella colección de 21 aguafuertes quedó suspendida tras solo 11 grabados publicados.

Es una obra considera grande, de unos 30 x 40 centímetros, al aguafuerte, punta seca, ruleta, y aguatinta.

El jardinero. Obra pictórica de Patricio Cabrera

El pintor sevillano Patricio Cabrera, uno de los más destacados artistas andaluces, ofrece aquí una obra que titula “El jardinero” del año 2004, con unas lecturas múltiples, con una figuración muy cercana al pop, llena de color y un dibujo muy detallado, lleno de arabescos para no salirse de la tradición andaluza.

Un jardín de cactus, un niño dibujando, y unas manos que elaboran un tallo completa la estructura de arabescos, ofreciendo un conjunto complejo de descifrar. 

Es como un enigma, un laberinto contemplado por el niño, en donde un caracol intenta avanzar sin pincharse fuera del camino enrevesado del laberinto. 

Personalmente me molestan las manchas blancas, pero eso es una apreciación mía, pues también ayudan a entregar más luz.

La obra está en el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

'Langosta y gato' de Pablo Picasso

El cuadro de Pablo Ruiz Picasso: 'Langosta y gato', pintado en el año 1965, podrá verse por primera vez en España a través de un préstamo del Museo Guggenheim de Nueva York ha realizado al Museo Picasso de Málaga (MPM) donde permanecerá en la sala XI del Palacio de Buenavista hasta el próximo 20 de enero de 2013.

Esta obra pertenece a la Colección Thannhauser, donante de una importante colección de arte moderno que incluye más de 30 obras de Picasso; y el préstamo forma parte del proyecto Museo invitado, puesto en marcha por el MPM el pasado mes de marzo, y es la primera vez que puede contemplarse en España.

A través de este programa, se invita a otros museos a incluir obras de Picasso en la colección del Museo Picasso Málaga, según han informado desde el recinto a través de un comunicado. Ya en marzo, el MPM presentó la obra 'Cabeza de mosquetero' (Mougins, 1968) del Museo de Málaga, primer museo invitado.

'Langosta y gato', fruto de "la inquebrantable" energía del artista en sus últimos años de vida, muestra la habilidad de Picasso para plasmar formalmente asuntos de humorística apariencia, dado que ambos animales son potencialmente tan inocentes como peligrosos: el gato presenta un aspecto amenazador ante un marisco que exhibe una actitud de ataque. 

El fondo de arte del que procede 'Langosta y gato' fue donado en 1963 por el hijo del marchante y galerista Heinrich Thannhauser. El filántropo alemán fue el fundador de la Moderne Galerie de Munich en 1909 y a lo largo de su estrecha relación con Picasso -el artista malagueño fue el protagonista de una exposición en su sala en el año 1913- incorporó a su colección más de una treintena de obras suyas.

Algunos críticos apuntan a que el tema tiene su antecedente en 'La raya' (1728, Musée du Louvre, Paris), obra del artista francés Jean-Baptiste-Simeón Chardin. 

Picasso retiene la anécdota humorística de la pintura del siglo XVIII, centrándose y aumentando el encuentro entre el gato y la langosta en una metáfora de una agresión y defensa provocada por el miedo.

Retrato en miniatura de Agustina de Aragón

En el 'Salón Dorado' del Museo Ibercaja Camón Aznar de Zaragoza ya se puede ver el retrato en miniatura de la heroína de los Sitios de Zaragoza, Agustina de Aragón, para el que posó en el año 1809 en Gibraltar.

Pese a su tamaño, es una pieza de gran valor histórico y sentimental, que permite conocer el verdadero rostro del personaje. El cuadro es una acuarela de reducidas dimensiones, que mide 8 por 6,6 centímetros, y 15,6 por 13,8 centímetros si se añade su enmarcación. El retrato para el que posó la propia Agustina, vestida con el uniforme de subteniente de Artillería que lucía en 1809 después del famoso episodio del cañonazo, lleva escrito en tinta en su reverso, la inscripción “Augustina Saragoza, the heroin of Zaragoza. Painted at Gibraltar from life for Col. Landmann in 1809” (Agustina Zaragoza, la heroína de Zaragoza. Pintada en Gibraltar del natural para el coronel Landmann en 1809).

La obra fue adquirida por Ibercaja el pasado mes de febrero de 2012 a la galería Boris Wilnitsky de Viena. Se sabe que el retrato corresponde a Agustina de Aragón porque su indumentaria refleja los singulares atributos del uniforme de subteniente de Artillería. Esto es, viste un dolmán sobre camisa de munición y con corbatín. Es un uniforme que vestiría cualquier hombre de su arma y graduación. También lleva un sombrero de castor femenino. Pero la clave está en que su uniforme solo tiene charretera en el hombro izquierdo, como corresponde a la vestimenta de los subtenientes de la época. Cualquier falsificador hubiera puesto dos. Además, Agustina lleva en el traje, a la altura del pecho y debajo de los cordones, un trozo de tela rojo, la Cinta del 31 de diciembre. A falta de medallas por la penuria del momento, es el formato que se dio a una condecoración impuesta por el general Palafox, con el fin de elevar la moral de la tropa, a los que participaron en 1808 en una salida de la ciudad para hostigar a las fuerzas francesa.

El cuadro se ha instalado en la sala principal del Museo junto a obras de Goya. El criterio ha sido situarla en un espacio en el que las obras comparten un momento histórico. Además, está muy próxima a la sala en la que puede contemplarse la colección completa de grabados de Goya.

Retrato de pareja, obra de Ramón Zuriarrain Cortázar

Este óleo del pintor vasco Ramón Zuriarrain Cortázar se titula “Retrato de pareja” y se pinto en el año 1982. Zuriarrain pertenece, con Cárdenas, Ameztoy, Llanos, Goenaga y Nagel, a la generación que tomó el relevo al grupo Gaur, caracterizada por la figuración frente a la abstracción informalista. 

"Ha mantenido, respecto de otros artistas de su generación, una mayor distancia con el realismo y mantenido una mayor vinculación con la indefinición propia del Aformalismo. 

De la inspiración en ocultas fuerzas de la naturaleza proceden algunos de sus lienzos de la segunda mitad de los 70, como aquellos, que recortados, seguían los contornos y las características formales de motivos tomados de la realidad, dispuestos en un plano diferente al de la pintura que servía de fondo".

“El libro como…” objeto de arte, como objeto que se deja tocar

El libro es algo más que una colección de hojas llenas de palabras seguidas para entregarnos unas historia. Es también un objeto. En la Biblioteca Nacional en Madrid una exposición que han titulado “El libro como…” para mostrarnos otra visión de los libros.

La exposición plantea una intervención interactiva a partir de objetos y libros de artista de la BNE, cuya percepción será modificada y complementada a través de sonidos, música, imágenes de vídeo y olores, alcanzando la transmisión de experiencias sensoriales por medio de los libros en un intento de reflexión sobre el futuro del libro como soporte del conocimiento.

La comisaria es Magda Polo Pujadas, profesora del Departamento de Arte de la Facultat de Geografía i Història de la Universitat de Barcelona, y la podemos ver de martes a sábado de 10 a 21 h. Y los domingos y festivos de 10 a 14 h. Desde el 27 de septiembre de 2012 al 13 de enero de 2013

Hay libros para leer. Sí. Pero no solo. Hay libros para viajar, paladear, escuchar, mirar, tocar y disfrutar. Entre las 200 piezas figuran joyas creadas por Picasso, Saura, Tàpies o Miró. Hay una larga tradición de pintores amantes de fusionarse con las letras, como El Quijote ilustrado por Salvador Dalí para una edición argentina de 1957 o La Celestina dibujada por Picasso en 1971. 

María José Cristerna, la mujer lienzo o la mujer vampiro

No sabríamos decir si la mexicana María José Cristerna, más conocida como la Mujer Vampiro, récord Guinness por ser la mujer con más cambios en su cuerpo es la obra de arte o en cambio son sus tatuadores los que deben figurar como artistas consagrados, aunque el resultado final quede para las grandes dudas.

Si rascamos vemos que María José Cristerna es la dueña de la empresa “Adiccion Corporal Tattoo & Piercing”, es decir que todo queda en casa y que ella se ha convertido en el mejor reclamo publicitario de su propia empresa. 

Emplea su cuerpo como el lienzo perfecto para probar, demostrar y convencer.

Es abogada, madre de cuatro hijos, varios cuernos de titanio en la frente, el 98% de su cuerpo está tatuado y se implantó dos colmillos para parecer una vampiro.

'Gaudí único', exposición en el Patio de la Infanta de Zaragoza

Ibercaja Patio de la Infanta de Zaragoza, inauguró en el año 2012 la exposición 'Gaudí único', una muestra diseñada exclusivamente para Zaragoza y que daba a conocer al artista, al científico, al arquitecto y a la persona a través de 200 piezas, entre fotografías, maquetas, planos y dibujos, mobiliario y otros materiales técnicos. 

   La directora de la Obra Social de Ibercaja, Teresa Fernández; la responsable del programa de Educación y Cultura de Ibercaja, Magdalena Lasala, y los comisarios de la muestra Pere Jordi Figuerola y Charo Sanjuán, han presentado en rueda de prensa esta exposición organizada por la caja aragonesa en colaboración con el Museo Diocesano de Barcelona, la Cátedra Gaudí y Àurea Cultura i Art.

   'Gaudí único' se pudo visitar hasta el 29 de enero de 2013 y su objetivo era, de forma didáctica, acercar al público zaragozano la figura, la obra y el legado de Antoni Gaudí (Reus, 1852-Barcelona, 1926), la influencia en el modernismo del artista, único con ocho obras Patrimonio de la Humanidad, y entender así al genio más allá de la visión turística que se tiene de sus creaciones.

   Para ello, además, Ibercaja ha organizado un completo programa de actividades que incluye conciertos, conferencias, cursos y talleres que se desarrollarán en Patio de la Infanta, Museo Camón Aznar e Ibercaja Zentrum, ha detallado Teresa Fernández, al subrayar que al conocer al artista el público "disfrutará más" de sus obras.  La entidad propone "un acercamiento a Gaudí, un creador excepcional", con un recorrido por sus distintas facetas, con obras inéditas y 200 piezas que explican su vida y su obra. La planta calle del Patio de la Infanta alberga las piezas cedidas por el Museo Diocesano de Barcelona, mientras que en la planta sótano se encuentran obras de la Cátedra Gaudí divididas en cinco ámbitos.

   Para la responsable del programa de Educación y Cultura de Ibercaja, Gaudí fue "un arquitecto genial, instintivo, buscador de la belleza" y comparable al genio Leonardo Da Vinci, que creaba sus piezas con una mirada "global", pero atendiendo a los detalles. Uno de los comisarios de la muestra, Pere Jordi Figuerola, en representación del Museo Diocesano de Barcelona, ha comentado que tan sólo "hace 30 años tirábamos las cosas de Gaudí a la basura de casas que se vaciaban" porque esas piezas "no se apreciaban" y, así, "durante muchos años sólo le hicieron caso sus discípulos y algún loco visionario como el fundador de la Cátedra Gaudí". 

"Tuvieron que pasar muchos años y por el reconocimiento exterior", que sí consiguió el artista, para que se comenzara a reconocer su obra, ha referido, al subrayar que es único porque ocho de sus obras (Parque Güell, Palacio Güell, Casa Milá, Casa Vicens, la fachada de la Natividad y la cripta de la Sagrada Familia, Casa Batlló y la Cripta de la Colonia Güell) han sido declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

   La exposición que acoge el Patio de la Infanta de Zaragoza logra, en su opinión, presentar a Gaudí "desde el punto de vista artístico, científico y humano", cuando otras muestras sólo contemplan el aspecto artístico, pero ésta "lo tiene todo" y, en este punto, Figuerola ha agradecido a Ibercaja "su brillante idea" de unir todas sus facetas para entender al genio. 

Antoni Gaudí, ha continuado, "se adelantó diez años al modernismo oficial, al cubismo, al uso de planchas de metal o a la escultura abstracta de Gargallo", aspectos que aún deben estudiarse, y en su faceta humana tiene una obra "desconocida" pero en la que se implicó mucho con los obreros de la cooperativa de Mataró.

   La Colonia Güell "sintetiza las tres partes", al Gaudí científico, humano y artista, ya que aplicó "los nuevos avances sociales de la época a las obras" ayudando a los obreros que, a su vez, escondieron y conservaron las obras del creador en los periodos de guerra.

   La comisaria Charo Sanjuán ha estimado que ésta es una muestra "para ver detenidamente, con tranquilidad", y en este recorrido se ayuda al visitante con textos introductorios sobre cada época y obra, así como se ha editado un "cuidado catálogo". La exposición, ha concluido, consigue ofrecer una visión "alejada del Gaudí turístico y de postal".

   En torno a 'Gaudí único', la Obra Social de Ibercaja ha organizado una serie de actividades complementarias que tienen por objeto acercar al artista y el modernismo al público desde diferentes disciplinas. 

De esta forma, se celebrará un 'Ciclo de música española en torno al modernismo'; conferencias en el ciclo 'Gaudí, arquitecto de un sueño' y 'Zaragoza 1900-2012. De la arquitectura modernista a la ciudad del futuro'. En noviembre comenzará un curso sobre 'Modernismo en la arquitectura y las artes'; así como se ha organizado un ciclo de arquitectura y cine con el título 'Ciudades imaginadas'.

Dibujos de moda del ilustrador Arturo Elena, en Zaragoza

La Sala CAI Luzán de Zaragoza, en el Paseo de Independencia, acoge hasta el 25 de octubre de 2012 una exposición de 59 dibujos del ilustrador aragonés, Arturo Elena, de quien se ha calificado como "el verdadero referente español en la ilustración, sobre todo en temas de moda". Bajo el título de "Ilustración de moda", los visitantes podrán contemplar 59 dibujos originales realizados por este ilustrador desde 2004 hasta la actualidad por encargo de grandes firmas de la moda.

La muestra está abierta todos los días de la semana, de 19 a 21 h., excepto los festivos. La entrada es libre y entre las ilustraciones que pueden verse en la Sala CAI Luzán, figuran las creadas para Cosmopolitan España Moët Hennessy España, Hennessy; Audemars Piguet Norte América; y Audemars Piguet Iberia Viñas del Vero Loewe.

Arturo Elena "es el mejor en su campo en España, un verdadero referente al que diseñadores de moda intentan imitarle sin conseguirlo o hacen otras cosas para aminorar las diferencias, pero su trabajo es inimitable", ha enfatizado Antonio Abad. En rueda de prensa, Antonio Abad del Servicio Cultural de Caja Inmaculada ha indicado que "tenemos un particular cuidado con los artistas de nuestra tierra y más aún por su dedicación a un campo tan específico como este".

Sobre la técnica del ilustrador, el profesor de Diseño Gráfico e Ilustración de la Escuela de Artes de Zaragoza, Rafael Pueyo ha explicado que el uso del rotulador le permite trabajar con la rapidez que exige su oficio y además mezclar con otras técnicas para lograr una "minuciosa ejecución" al detallar que Arturo Elena es "delicado, audaz, recrea texturas y tejidos" para sintetizar que "recrea lo exuberante y lo sencillo con igual acierto".

"Más que ilustraciones de moda hago escenas", ha indicado Arturo Elena al explicar que su obra de ilustrador le exige trabajar así "no sólo ser buen dibujante, sino traducir las pautas que los clientes me dan en papel o por teléfono" por lo que "tengo que convertirme en maquillador, escenógrafo, iluminador" y otros oficios; el ilustrador ha defendido el uso del rotulador en la ilustración y ha rebatir que sea una técnica menor para confesar que "para mi un René Gruau (ilustrador francés de alta costura) es igual que un Velázquez" y ha considerado que si los pintores del siglo XVIII hubieran tenido rotuladores "hoy tendríamos más ilustraciones". Arturo Elena elabora su obra de "forma manual", si bien ha estimado que "algunos programas informáticos son de ayuda tras la realización de un boceto para corregir proporciones", pero el "Photoshop lo utilizo poco".

Tras trabajar para Victorio y Lucchino  estos mismos diseñadores le solicitan luego ilustraciones para las carpetas de prensa de su primer desfile en la Pasarela de Moda Cibeles de Madrid y para la presentación de su primer perfume. Desde este momento abandona su trabajo como diseñador para dedicarse exclusivamente a la ilustración y comienza su colaboración con firmas como Loewe, Chanel España, Roberto Verino, Lemoniez, L'Oreal París, Carrera y Carrera, Audemars Piguet (España y América), The Extrème Collection, Tejidos Rafael Matías o Custo Barcelona, entre otras. Y fuera del circuito de la moda, Citröen, Lucky Strike, Reynolds, Drambuie, Bodegas Viñas del Vero o Moët Hennessy España (Grupo LVMH). Sus trabajos han aparecido en revistas españolas (Elle, Telva, Mujer Hoy, Yo Dona) y de otros países como Portugal, Francia, Ucrania, Noruega, China, Taiwán, México, Colombia y Vietnam. Entre 1992 y 2009 sus ilustraciones han sido publicadas mensualmente por la revista Cosmopolitan España.

Dos mujeres del Tafilalet, de Antonio Ortiz Echagüe

El pintor castellano Antonio Ortiz Echagüe pintó este cuadro al óleo en el año 1931. Su obra es casi siempre retratista y se formó entre sus periodos de España, Italia, Estados Unidos, Holanda o Argentina, en donde falleció.

Tituló esta obra como “Dos mujeres del Tafilalet”, reflejando dos mujeres de Marruecos, musulmanas y profundamente tapadas aunque descalzas. Es una obra grande, de unos dos metros de alta, que está en el Museo San Telmo de San Sebastián.

Tafilalet es una región interior del norte de Marruecos, cuya capital es Mequinez.

Tapiz africano del Centro Thies de Senegal para NY

En la imagen podemos ver un tapiz que irá a la Sede de las Naciones Unidas en Nueva York, creado en el Centro Thies de Senegal. 

La Ciudad de Thiès es de un tamaño medio y la segunda ciudad más grande en Senegal con sus más de 300.000 habitantes, pero sobre todo muy conocida por sus fábricas de tapices, factorías construidas en el año 1966 y que producen las telas que preparan de los principales diseñadores senegaleses. Es cuna de los tapices de Pájaros del Paraíso. 

Uno de los grandes atractivos de la ciudad de Thiès son las famosas tapestries o tapicerías, talleres de arte textil que crea auténticas y maravillosas obras de arte textil en telares verticales. 

En ellas se puede ver la manufactura tradicional de tapicerías donde se teje a punto de Aubusson. 

Se encuentran, principalmente, en la fábrica de Manufactures Sénégalaises des Arts Decoratifs, en la calle de la Marie. Aquí se puede comprar telares o simplemente visitar las salas de exposición de la fábrica. La factoría más importante fue fundada por artistas franceses en los años sesenta. 

Este sistema de tejer emplea diversos tipos de hilos según sean para las urdimbres o hilos verticales en donde se emplea lino o algodón, o para las tramas o hilos horizontales, en donde utilizan lana, algodón, pero también oro, plata, seda o materiales especiales.

Goya a golpe de un clic en el Museo del Prado

Si deseamos conocer mejor toda la obra del genial Goya, ahora el Museo del Prado nos ofrece la posibilidad de mostrarnos en el ordenador y en alta resolución sus obras de pintura y dibujo, con un detalle como el que podemos observar en el detalle del dibujo que dejamos arriba, con fichas técnicas de sus obras con amplia información sobre todas ellas. Una excelente manera de viajar sin movernos de casa y de conocer las obras más importantes que el Museo del Prado tiene de Goya.

Dislexia de libros, una obra de Alicia Martín sobre los libros

Esta obra de Alicia Martín, titulada “Dislexia” nos lleva a una locura en la relación con los libros, con la lectura, nos muestra un cierto desorden en nuestra coherencia con la lectura, que nos perturba en lo que todos consideramos una relaciones con los libros muy asumidas por todos.

Yo te compro, te leo y te abandono. O…, yo te compro, te regalo y te olvido.

Aquí quedan los libros agrupados en una biblioteca que se rompe, se cae, de desparrama creando belleza pero también dureza e incluso pavor. 

¿Sirven estos libros para ser leídos? 

¿Han perdido ya su sentido para convertirse en parte de un objeto global? 

¿Siguen siendo parte de un todo y por ello, entes con vida individual que todavía sirve o al contrario son simplemente ladrillos de una gran columna que ha absorbido la fracción de vida de cada una de sus partes?

Es una obra del año 2002 de la madrileña Alicia Martín, que trabaja los libros como material poético para sus creaciones artísticas. Alicia Martín emplea para sus obras libros con taras o donados por instituciones que los iba a destruir por su mucho uso o cambio.

La Puerta del Paraíso de Lorenzo Ghiberti en detalle

La Puerta del Paraíso (Porta del Paradiso, su nombre en italiano) es el nombre con el que se conoce popularmente la obra del escultor y orfebre italiano Lorenzo Ghiberti. La primera de las puertas fue realizada entre los años 1403 a 1424 y la última entre los años 1425 y 1452 y es esta última la que representa 10 episodios de la vida de Jesús por ambas caras de la puerta y que ahora se ha restaurado y abierto al público es realmente maravillosa. 

Permaneció en la fachada este del Baptisterio de Florencia hasta 1990, cuando fue sustituida por una réplica. 

Su técnica de relieve en muchos planos ligeramente diferentes en su profundidad le otorgan una visión realmente maravillosa de las escenas, técnica italiana conocida como “relievo schiacciato”. 

La puerta fue sometida hasta este agosto de 2012 a una lenta y profunda restauración, tras muchas décadas de abandono a los elementos y el vandalismo. En 1966, por ejemplo, esta obra sufrió graves daños al caer víctima de las inundaciones que cubrieron buena parte de Florencia. Las grandes dimensiones de la obra (5,20 metros de altura, 3,10 de largo, 11 centímetros de grosor y ocho toneladas de peso) dificultan mucho cualquier intento de traslado. 

En la actualidad, se expone dentro de una vitrina de cristal en el Museo dell'Opera del Duomo, en las inmediaciones del Baptisterio. 

La "Puerta del Paraíso" es la obra cumbre de Lorenzo Ghiberti y una de las producciones más destacadas del Renacimiento. Completamente dorada, le fue puesto el sobrenombre de 'La Puerta del Paraíso' por Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564). Su popularidad en el Renacimiento fue considerable. El arquitecto y pintor Giorgio Vasari (1511-1574) dijo de ella que era “la obra de arte más fina jamás creada”. 

Dejo en detalle el primer cuadro pictórico en bronce, en donde se ve la Creación de Adán y de Eva, la desobediencia de estos a Dios y como son expulsado del Paraíso.