30.9.22

¿Quién garantiza el futuro de las imágenes digitales de estos tiempos?


Nada es eterno y las obras de arte que creamos tampoco. Aunque es verdad que algunas obras prehistóricas se han conservado miles de años, pero siempre nos quedamos con las dudas de cuántas realmente existían en aquellos años, dentro de cuevas o fuera de ellas, en árboles o en el suelo, y que nunca han llegado hasta estos tiempos.

Sabemos que el Arte se pierde constantemente, y lo vemos en la pintura que ya no está, desde esculturas tan importantes como la Dama de Elche, en miles de iglesias románicas góticas repartidas por medio mundo, etc. y de las que ya no queda nada de su pintura original, y solo las piedras, las paredes, el soporte físico.

Pero en las últimas décadas nos enfrentamos a otros problemas añadidos al deterioro por el tiempo transcurrido. Me refiero a las obras digitales de todo tipo, que se están perdiendo poco a poco, pero a una velocidad tremenda.

Puede que nuestro fichero con el tiempo ya no se pueda abrir por tener problemas de continuidad con el programa que lo creó. 

Hay miles y miles de documentos hechos por ejemplo con Quark o Freehand que eran programas básicos en el diseño gráfico o en la maquetación hace poco tiempo, y que en el año 2022 tienen serias dificultades para ser conservados y abiertos. 

FreeHand estuvo 25 años funcionando en preferencia en todos los despachos de Diseño Gráfico. Se vendió a la competencia y ya no tiene continuidad para poder revisar lo que con este programa se creó.

Todo lo que diseñó en los años 90 ó 00 puede tener problemas para ser abiertos y conservados en los años 20. ¿Por qué no se cuida que haya soporte para esos documentos, que son millones?

Nadie nos garantiza que los RAW que tomamos en estos años 2020, además en diferentes versiones de RAW, se puedan abrir en años posteriores. Abrir y seguir gestionándose. 

Podemos tener problemas con la versión del Sistema Operativo como ya ha sucedido con algunos programas, o con el tipo de archivo.

Pero también lo podemos tener con el soporte físico en donde tenemos alojado el documento. Un PDF hoy, o un JPEG parece eterno. Pero depende también del disco duro en donde esté alojado. ¿Es SSD o es HDD? ¿Los reconocerá un sistema operativo de los años 2050?

Todas las imágenes hechas en la actualidad son digitales. ¿Cómo aseguramos su durabilidad? Hay millones de imágenes… ¿Sirve lo que llamamos hoy "La Nube" como un soporte más seguro? ¿Quién controla esa "nube" cuando ya se dan casos de censura que impide acceder a sus propietarios a archivos que no se consideran legales?

Excesivas preguntas y pocas respuestas seguras. No hay garantía de nada, ni por tipo de archivo, ni por tipo de soporte, ni por el programa con el que fueron creados o retocados, ni por los sistemas operativos que deben dar soporte a los programas que los pueden abrir. 



29.9.22

La basura puede tener categorías y alguna sirve


La basura tiene un componente artístico complicado de ver pues nadie supone que estos desechos puedan servir para nada diferente a ser retirada y escondida al menos a la vista de los espectadores que circulan o pasean, pero en realidad la basura tiene diversas maneras de ser "mirada".

No por enseñarla o mostrar sus opciones, deja de ser basura, simplemente se convierte en basura observable, entraría en la categoría de basura de primera, pero basura. 

Todo depende del loco como yo, que sea capaz de encontrar en las basuras elementos visitables con nuestras miradas.

28.9.22

Arte Urbano en la Zaragoza mas deliciosa


Hay veces en las que el Arte Urbano en paredes de edificios cerrados o viejos, en puertas ya desvencijadas, representan ejemplos que nos gustaría llevarnos a casa, al despacho o al Museo. Trabajo interesantes, originales y con técnicas pictóricas que demuestran oficio y profesionalidad pictórica. Pero el Arte Urbano ha nacido para ser efímero. Y a veces dura años, está transformándose poco a poco en las mismas pareces, pero sigue siendo reconocible.

Incluso a costa de tener que soportar a torpes que se dedican a firmar o a poner frases encima de buenos trabajos, con el ánimo de pasar a la inmortalidad durante diez minutos.

Hojas rojas por la libertad de elegir color


Hojas rojas de siempre. 

Hay colores que son como les viene en gana a ellos.

Deberían ser verdes, pero un día se juntaron todas ellas y decidieron ser originales y cambiar.

Ahora ya no hay remedio y las hemos dejado ser como ellas querían.

Por detrás las miran con envidia las hojas verdes de toda la vida.

27.9.22

Cómo deben ser los Museos en el Siglo XXI


Los Museos que se han tomado en serio el Siglo XXI ya no son lugares estáticos. No deben serlo. Sean Museos de Arte Contemporáneo o de Historia Local. 

Se acabaron los Museos como contenedores o almacenes de “cosas”. La gente que va a los Museos ya no acude a simplemente contemplar y ver, ahora quiere mucho más. 

Y los Museos tradicionales… o se adaptan o mueren.

No solo hay que interactuar en su interior con elementos diversos según cada modelo de museo, que está bien pero es insuficiente. 

Hay que asombrar, mover sentimientos, sorprender, entrar en el oído, en el olfato, en el tacto además de en la vista. 

Hay que salir del museo llevándose “cosas” que sean los deberes de casa, hay que lograr que una visita dure días, aunque en realidad solo dure minutos o un par de horas.

Un Museo del siglo XXI debe ser un lugar multidisciplinar, entretenido, pedagógico, novedoso, distinto a lo que vemos constantemente en los medios de comunicación habituales. 

Un Museo debe ser un lugar de exploración de obras pero también de visitantes. 

Un lugar de muestra pero también de participación. 

Un almacén de culturas pero también de futuros. 

Una aula pero también un divertimento.

Si queremos ver qué ideas de nuevos museos están planteándose en Europa, ver la página web del Museo Real de Bellas Artes (KMSKA) de Amberes, un gran museo muy clásico, totalmente reformado tras 11 años cerrado. Mucho mejor si podéis visitarlo.


Zaragoza 2008 se olvida, y algo se quiere gritar


Torre del Agua de la Expo 2008 - 2022 - Zaragoza



Existe el negro transparente y translúcido aunque no lo notemos


Sobre todo en Artes Gráficas y más en lo que llamamos impresión litográfica, el negro que se utiliza, la tinta negra que existe para imprimir, es transparente y translúcida. No es opaca. Aunque no lo notemos en los impresos. 

Todas las tintas básicas que se utilizan son transparentes, el Cían, el Amarillo, el Magenta y el Negro. Y no se utiliza (casi nunca) el Blanco (que sería casi opaco aunque hay varias tintas de blanco y cada una se comporta de una manera diferente), pues para ofrecernos a la vista el blanco ya está el papel, el soporte sobre el que se imprime, que no siempre es blanco, eso además.

Pero a veces hay que crear por ejemplo grises en tintas directas… y sin blanco eso parece imposible. Y no lo es. Se mezcla la tinta negra con una base o tinta que es totalmente traslúcida, con una base transparente que rebaja el color del negro hasta lograr una tinta gris tan clara como deseemos. Sería como una crema con todos los integrantes de las tintas básicas, pero sin nada de color.

¿Y cuál es el motivo de no utilizar blanco? Pues que la impresión de unos colores sobre otros, para con los cuatro básicos o con otros se logre un resultado de miles de colores diferente a la vista, se basa precisamente en la transparencia de las tintas que se van superponiendo unas sobre otras.

Imaginemos un gris hecho con blanco. Al caer encima del papel blanco sería gris y al caer en una zona naranja sería el mismo gris. 

Pero en cambio si lo hemos realizado con negro y una base traslúcida hasta crear un gris, al caer en el papel blanco se vería gris, pero al caer encima del color naranja lo veríamos como un gris cálido, anaranjado. Lograríamos dos tonos diferentes tanto de gris como de naranja.

De esta forma, con las tintas transparente logramos que con solo cuatro tintas básicas se logre diferenciar miles de colores distintos en una impresión litográfica. También en otros procesos de impresión se logra algo muy parecido, pero cada uno tiene sus particularidades. La tipografía hoy ya casi desaparecida es menos transparente y traslúcida pero lo es, la serigrafía depende totalmente de sus tintas y procesos de creación de sus planchas, etc. 

Así que sí, el negro es en litografía siempre transparente y translúcido, aunque no lo notemos.

Es cierto que como el negro de la impresión siempre va al 100% de su intensidad, su transparencia parece no existir, pues al 100% realmente no existe. La notamos más o casi exclusivamente cuando utilizamos esa tinta para mezclarla con otras para crear colores añadidos, algo que en estos tiempos ya casi no se hace, por comodidad del impresor, utilizando tintas ya fabricadas por Gamas, por ejemplo la Gama Pantone, y así se evitan tener que mezclarla, para lo que siempre hemos necesitado una cierta experiencia y profesionalidad.




Un rostro del artista Josep María de Sucre


El artista catalán Josep María de Sucre pintó esta obra en anilinas y cera sobre papel en el año 1963 a sus 77 años de vida, titulándola Rostro. Es de la Colección MACBA, como depósito de la Generalitat. Pintor y poeta, ha sido colocado como un pintor a medio camino entre el modernismo y las vanguardias del siglo XX. Pintor sin formación académica en Arte pero que consigue trasmitir a través de sus retratos el misterio de la pintura.

26.9.22

Gaudí creó un Paraíso Terrenal en Barcelona


Cuando Antoni Gaudí imaginó la Sagrada Familia para Barcelona debió pensar en un Jardín artístico, tal vez en el Paraíso Terrenal en donde se mezclara la religión con la piedra, imaginando un edificio vegetal y duradero para albergar a fieles eternamente. Cambiando unos por otros con el paso del tiempo, eso sin duda.

En arquitectura los experimentos artísticos salen muy caros y por eso hay que ser muy bueno y estar muy seguro de la idea. Y proyectarla muy bien antes de empezar a encargar materiales. 

El Arte creado desde la arquitectura dura muchos años y siempre marca un antes y un después en la zona sobre la que se asienta.

La Sagrada Familia es una Catedral, una iglesia, un templo religioso, pero es también un parque lleno de vegetales de piedra que alternan con las figuras religiosas. 

Y eso convierte en único al edificio, en muy bello, e incluso en tremendamente útil vistas las visitas de cada día, aunque no puedan quedarse mucho para disfrutar de sus palmeras interiores y de sus frutas exteriores.



25.9.22

El grupo Coldplay y su estética Art Pop


El grupo de música Coldplay (Juego Frío) aun siendo despreciado como dice hoy El País por muchos (dicen) expertos musicales, es un fenómeno Pop tal vez fuera de su tiempo. O no. Y digo que tal vez NO por el simple hecho de que son capaces de llenar estadios de fútbol con 100.000 espectadores que pagan sus entradas para acudir a verlos. ¿Puede haber algo más popular que lograr que paguen por verte cantar Pop, 80.000 personas?

Las críticas tienen su fundamento precisamente en el propio espíritu POP, crean música comercial, se aseguran que sea fácil y popular, analizando qué desean escuchar sus seguidores, analizando tendencias en las Redes.

Es crear POP, crear algo popular, desde el análisis más exclusivo de las formas y resultados. 

Crean música para un público en masa, basándose en lo que ese público parece querer, y para ello emplean herramientas sofisticadas de análisis de mercados y de consumo.

Buscan mantener ese grado popular dentro de su popularidad y del Arte Pop, pero haciendo negocio con todo ello. Desde el espíritu POP es lo lógico, crear algo popular para todo el mundo, para el consumo masivo.

Si vemos en la imagen su estética, vemos claramente que es Art Pop en todas sus manifestaciones. Colores, formas, gestos, sonidos, montajes. Buscan simplemente emocionar desde lo popular, desde el Art Pop.

La imagen que vemos es del fotógrafo Jim Dyson en el concierto de Coldplay en Wembley de Londres.



Ramón Casas y Carbó y unas cerámicas sobre invenciones y oficios


La cerámica hecha en pequeñas baldosas era casi una forma artesana de mostrar de forma repetitiva algunos dibujos del momento social en el que se creaban las piezas. Tenía un componente de humor y de crítica, fácil pero a la vez real en muchos aspectos, desde el cinismo a veces, desde el punto de vista más popular.

Estas cerámicas de los primeros años del siglo XX, nos quieren mostrar los nuevos oficios que iban surgiendo con el nuevo siglo. Invenciones de servicios, nuevas costumbres de las personas, y por ello nuevos oficios que iban en aumento.

Los dibujos de estas cerámicas son del reconocido artista Ramón Casas y Carbó y la colaboración de Miquel Utrillo y se hicieron en el año 1902. Se vendieron las 25 piezas con la revista "Pèl & Ploma" y se vendían a los subscriptores de la revista al precio de 25 pesetas. La revista se vendía a 10 céntimos.

Arte en calaveras mexicanas. Mexicráneos


El uso de calaveras de tamaño grande como lienzo para creaciones artísticas en México es un ejercicio que mezcla sus culturas ancestrales con el Pop Art y explica sus símbolos, creando obras de gran belleza, pues también unas calaveras vistas desde la perspectiva del Arte Pop pueden resultar atractivas.

Son obras de mas de dos metros de altura y que intentan contarnos una historia visual, mezcla de Arte Urbano o Grafiti y cómic utilizando grafismo de la cultura actual mexicana.

Y casi siempre con toques de adoración a la muerte, no solo por la utilización de la figura de una calavera como lienzo, sino en el contenido de las obras.




Campesina Romana de Laura Díaz y Nicolás Mejía


Esta es una obra de la artista madrileña Laura Díaz de una obra del artista Nicolás Mejía que pintó esta "Campesina Romana" en el año 1878. La obra original fue regalada por suscripción popular a la reina María de las Mercedes, con motivo de su enlace matrimonial con el rey Alfonso XII.

El óleo de casi 150 centímetros de altura es del Patrimonio Nacional de España, del Palacio Real de Madrid.
 

24.9.22

Expresionismo Abstracto. Arte Pop. Grafitis y Arte Urbano


El Arte Pop efectivamente viene de Arte Popular, el también conocido como Pop Art americano y que simplemente es una democratización del Arte, para ser incluso consumido por todo el que lo desee. En los años 50 del siglo XX y al llegar una cierta calidad de vida en los países anglosajones sobre todo, crece el consumismo de forma casi desaforada y con ello todo tipo de demostraciones culturales y artísticas.

Si a Mozart le escuchaban 50 ó 100 personas, a los artistas que van surgiendo en este siglo XX ya calmado  les acuden a verlos miles, sean músicos, actores, cine o teatro, y se abre las opciones de ampliar el consumo de Arte incluso en pintura.

Pero a su vez se crean conceptos nuevos de creación artística, para que esa presunta democratización del Arte no solo sea consumir, sino también crear y mostrar.

No es todavía el Siglo XXI y sus Redes Sociales y las digitalizaciones de las formas de crear Arte, pero es el camino que se está abriendo para hacer Popular todo tipo de Arte.

Cuando el artista sueco Claes Oldenburg, crea la escultura de su famosa hamburguesa, con materiales blandos pero construyendo a tamaño gigante un elemento común, sencillo, popular, se abre de alguna manera la puerta al Art Pop, a reproducir elementos habituales, populares, pero vistos desde otra perspectiva.

Era crear objetos comunes, baratos, y romper claramente con el elitismo del Arte, con el concepto de que el Arte tenía que ser siempre refinado, elitista, educado, silencioso. Era el Pop Art un claro contraste de crítica hacia el estado del momento, un consumismo de todo lo que se podía vender, que traspasaba el incluso el concepto de alimento, para ser señal de prestigio, de diversión.

Se venía de una II Guerra Mundial, de hambre y necesidad, y en pocos años se había logrado un consumo de productos que simplemente eran una forma de vida, de diversión incluso, de relación entre personas.

Pero a su vez era claramente una tendencia artística que deseaba romper con el Expresionismo Abstracto que era lo que imperaba (y que había llegado tras el Surrealismo), tachándolo de superfluo, de fácil, de inútil. Era a su vez el inicio del siguiente, paso, los Grafiti o el Arte Urbano. El cómic puesto en valor, a tamaño grande, viñetas que inundarán las calles a base de Arte Efímero.



Arte Siglos XX y XXI. ¿Qué quedará de estas décadas?


Llevamos miles de años rodeados de un Arte que conocemos porque se ha logrado conservar. Sabemos qué pintaban los habitantes de la prehistoria y además sospechamos que era por motivos religiosos, y sabemos que no era igual en unas zonas que en otras.

Hemos conocido el Arte Romano y Griego, el Egipcio o el español de diversos siglos, muy distinto al Holandés, al Chino o al Maya por poner algunos ejemplos. Todas estas manifestaciones artísticas, conservadas, nos han ido mostrando su sociedad, sus paisajes y sus viviendas, sus formas de vestir o de comer. Muchas veces de forma más sencilla y completa que con la literatura cosnervada.

El Arte sirve para escribir historias.

La pregunta que me hago es muy sencilla. ¿Qué tipo de Arte se conservará del siglo XX cuando lo gestionen, descubran y estudien los ciudadanos del año 3.000?

Podemos pensar que no importa tres pepinos, es una opción, pero es también el acompañamiento perfecto para estos tiempos raros, líquidos y a veces revueltos. Seremos recordados por lo que se conserve de nosotros, de nuestra civilización actual, y el Arte suele ser un buen termómetro.

Posiblemente en pintura quede el Arte Abstracto, el Expresionismo brutal, la fotografía en papel, y sin duda debería quedar el Arte Urbano que por su concepto es un Arte Efímero. Podría quedar también como curiosidad para los futuros, el Arte Bruto.

Pero enseguida viene la segunda pregunta ¿Es eso lo que nos apetece que quede para la posteridad de nuestro paso por el tiempo?

El Arte no es manipulable, es el que es, según los tiempos que le tocan vivir. Incluso cuando se manipulan
las tendencias artísticas, en realidad se refleja el modo de su tiempo.

Ya no estaremos, lo sé, pero tampoco están ya ni Goya o Picasso, ni Vincent Willem van Gogh, y me importa mucho su obra y sus modos de reflejar lo que en aquellos años existía por el mundo.

22.9.22

Expresionismo fotográfico, expresivismo o surrealismo


Existe el Expresionismo fotográfico, y el Expresionismo Abstracto dentro de la fotografía. E incluso el Surrealismo que en los últimos tiempos vemos tanto, directamente explicado o acercándose a él o disfrazándose a veces de un cierto Expresivismo Expresionista y con toques de abstracción, disimulada o no. 

El exceso de fotografía, todos llevamos ya siempre una cámara al menos en los bolsillos, hace que muchas personas vayan descubriendo que pueden utilizarlas para muchas más cosas que para fotografiar un viaje o una comida de amigos. La fotografía sale ganando.

6.9.22

La artista polaca Katarzyna Gagol y sus retratos


Desde Varsovia recojo estos dos dibujos retratos de la artista polaca Katarzyna Gagol. Una técnica sencilla de crear bellas obras, en este caso retratos casi siempre, pero utilizando un método muy clásico. Sobre una base de papel de color medio, utiliza generalmente dos colores, el blanco y el negro.  A veces incorpora también algunos tonos de color que complementen el trabajo dentro de una misma gama de tonos. Con rotuladores como si fuera un trabajo de plumilla y tinta china, realiza su obra sobre unas indicaciones hechas a lápiz. El éxito de sus obras está en saber captar las miradas, los gestos, en la naturalidad de sus modelos.



2.9.22

La pintura del aragonés Álvaro Lombarte


Os dejo una obra del artista aragonés Álvaro Lombarte Lombarte, que desde su abstracción a veces surrealista v conquistando sobre cartones, lienzos o madera sus mundos fusionados y expresivos, que buscan la intimidad de estos tiempos tan raros, tan complejos, tan difíciles de plasmar incluso entre las sensaciones de los artistas.

Sus obras son complejas, llenas de diversas miradas de estos tiempos, buscando el interior de las cosas que van sucediendo a base casi de gritos contra sus lienzos, sus dibujos o sus esculturas.

Los mejores soportes para pintar al óleo o acrílico

La mayoría de las personas que nos adentramos en la pintura acrílica u óleo lo hacemos sobre soportes de lienzo ya montado sobre bastidor de madera, telas no muy buenas pero baratas y con su imprimación ya colocada y por ello listas para ser usadas.

Es una buena opción. Pero hay otras posibilidades sobre todo si quieres trabjar en tamaño grandes.

La pintura acrílica se utiliza cada vez más sobre la madera conglomerada o no, siempre a partir de un grosor a partir de 5 mm, cortada al tamaño que nos interese en tiendas de carpintería o de madera para muebles. La ventaja es clara pues se un método sencillo de conseguir una base al tamaño deseado por nosotros, barato y rápido.

Podemos disponer del tamaño que necesitemos en la proporción que deseemos, algo que no se puede hacer con los bastidores de lienzo montado, excepto si compramos el lienzo en rollos y hacemos nosotros los bastidores. 

Dar una imprimación sobre la madera es muy sencillo y acertar con el producto también, pues en la misma tienda en donde se comprar las pinturas te ofrecerán diferentes soluciones. 

Incluso puedes explorar la posibilidad de empezar un cuadro no sobre fondo blanco sino con una base de imprimación en un color oscuro o diferente al blanco. Es una buena manera de explorar y aprender técnicas de claro oscuro.

La pintura sobre madera conglomerada tiene la ventaja de que no será atacada por los insectos, pero el inconveniente de que sufre mucho con la humedad. 

Por eso es conveniente al cuadro terminado, darle una capa de pintura por los cantos y el fondo trasero, para que si le cae agua, no sufra el soporte, la base de la obra.

Si te gusta el lienzo, aprende a crear tus propios bastidores para poder elegir tamaños y formas y para poder emplear telas de mejor calidad y de texturas distintas. Es complicado encontrar texturas gruesas en lienzos industriales y de encontrarlos son caros. Pero aprender a montar sus lienzos es una buena decisión, aunque más cara y compleja que sobre maderas.

No es nada complicado seguir buscando por Google la forma de prepararse los lienzos o los soportes de cartón preparado o madera, en casa o en el taller. Lo importante es que no te cambien mucho los colores al secar y que tenga durabilidad la calidad final conseguida.