Pintar acrílico sobre madera. Consejos sobre la madera como soporte del acrílico

El acrílico como medio o pintura, no es ni mucho menos lo mismo que el óleo en cuanto a técnica, y hay que aprender y sobre todo practicar. Es un aviso para quienes ya dominan el óleo y desean conocer nuevas técnicas. Cada modelo de pintura tiene sus ventajas y sus pequeños inconvenientes.

Las veladuras, las mezclas, los difuminados, la técnica en húmedo, son temas que hay que volver a dominar pues son formas y posibilidades muy diferentes en el acrílico.

Pero sobre todo —y si no se compran pinturas de calidad mucho más— el color cambia ligeramente al secarse y luego otra vez al barnizarse, más cambios de los que tenemos con las técnicas de óleo. Pero esto no nos debe hacer pensar nada en negativo.

El proveedor al que le compres los materiales te informará bien de todo esto y te aconsejará según para qué desees cada material. Y si no lo hace bien, cambia de proveedor. Pero normalmente en las Tiendas de Bellas Artes dominan muy bien los productos.

Si vamos a pintar sobre tablas, sobre maderas, el conglomerado es el material mejor para ello. E incluso en muchos casos el más barato y el que mejor se presta a tamaños muy diversos, a gusto del creador. El problemas podría ser la humedad, pero a cambio tiene la gran ventaja del precio.

Eso si, hay que tener en cuenta de darle una buena capa de imprimación (se comprar en la misma tienda que las pinturas y allí os darán a elegir varios tipos, según la técnica empleada) para que la pintura se asiente sobre una base de calidad.

Y además hay que dar imprimación o pintura de la que os sobre, tanto en todos los cantos de la madera como en su trasera, para evitar que la humedad pueda afectar con el paso del tiempo a la obra. 

No entrarán nunca bichos si es conglomerado, pero la humedad es un serio problema.

La madera (conglomerado) tiene sus ventajas sobre todo en cuadros de cierto peso o con una carga de pintura importante. 

Y sin duda, para obras en donde hagamos collage con otros materiales, pues una posibilidad del acrílico es poder añadir y pegar elementos (¿extraños?) a la obra, en su creación y terminación.

Nada como explorar y probar con nuevas bases, y sobre todo trabajar pensando en los años posteriores. El acrílico permite tonos brillantes, mates, pero también metalizados, que incluso mantienen ese metalizado tras ser mezclados ligeramente con otros colores para matizarlos.

Las obras tienen la obligación de durar. O no. Pero sobre todo deben conseguir que al finalizarlas nos gusten a nosotros.

Te añado algo más de información sobre la imprimación de la madera.

Para preparar una madera de conglomerado (como DM, aglomerado o contrachapado) y antes de pintar con acrílico, es fundamental aplicar una capa de imprimación adecuada que selle la superficie, mejore la adherencia y evite que la pintura sea absorbida de forma desigual. Es mucho más sencillo pintar sobre una base ya preparada, y además puede ser ya una base con algún tono según quieras empezar sobre una base blanca o de color.

PRIMERO:

Lijado y limpieza:

Lija suavemente la superficie para eliminar asperezas y limpia bien el polvo y la suciedad.

Imprimación acrílica o gesso:

Aplica una imprimación acrílica universal o, preferiblemente, gesso acrílico específico para bellas artes. El gesso es ideal porque sella el poro, proporciona una base blanca y mejora la adherencia y durabilidad de la pintura acrílica. Si la madera es muy absorbente, puedes dar primero una capa fina de aglutinante acrílico para cerrar el poro, y luego aplicar una o dos capas de gesso.

Aplicación:

Extiende el gesso o la imprimación con brocha, rodillo o espátula, en capas finas y uniformes. Deja secar cada capa y, si quieres una superficie más lisa, lija suavemente entre capa y capa. Aplica al menos dos capas para asegurar un buen sellado y superficie de trabajo. Una capa en cada dirección: horizontal y vertical.

Secado:

Deja secar completamente antes de empezar a pintar con acrílicos.

RESUMEN DEL PROCESO:

Producto recomendado: 

Gesso acrílico o imprimación acrílica universal para madera.

Capas: 

Al menos dos, dejando secar y lijando entre ellas si quieres una superficie lisa.

Objetivo: 

Sellar el poro y crear una base uniforme y adherente para la pintura acrílica.

Con este proceso, tu soporte de conglomerado estará perfectamente preparado para pintar en acrílico y garantizará la durabilidad y el buen acabado de tu obra, y además tus colores cambiarán menos de intensidad, brillo o tono.

Tú también eres creativo y lo sabes

"Descubre tu perfil creativo 

y comparte tus ideas 

sobre la creatividad"

Si estás aquí, leyendo esto, pero si además tienes inquietudes de cualquier tipo, eres o puedes ser un creativo.

Simplemente es sacar tus ganas de comunicar, o si no te atreves, es también observar lo que comunican otros y atreverte.

Las castas en la India viven y mueren entre basuras

El 55% de las personas que viven en la India lo hacen en barrios deprimidos como este de la imagen. 

Un país que está creciendo económicamente, pero que es incapaz de lograr repartir con justicia social esos cambios que se producen en las grandes ciudades, manteniendo castas de pobres obligados de nacimiento a vivir entre basuras.

Mientras que en el resto del mundo la media de la población urbana asentada en barrios marginales está en el 33%, en India alcanza el 55%; más de la mitad.

La imagen la publicó El País en el año 2015 y es de la fotógrafa Vanessa Escuer. Se ha mejorado algo, pero no lo suficiente para salir de estos barrios.

Cruz de Término en Aragón

Este es un fragmento de una Cruz de Término del siglo XV, realizada en arenisca tallada, una de esas cruces que se ponían en las entradas de las localidades para que los que entraban rezaran antes o incluso se confesaran y pudieran entrar limpios de pecados.

Se llamaban y se llaman Cruz de Término, Cruz de Humilladero, Peirones o Cruceros y a veces están rodeadas de algunas escalinatas a modo de grada, para poder rezar sentado. También es posible que sean la entrada a un clásico humilladero que es una pequeñita ermita o santuco en donde se ora a determinados patrones de la zona.

Suelen tener una Cruz, una Virgen, algunas imágenes de los santos de la localidad, en una cara, en dos caras o como muchos peirones de Aragón, en los cuatro lados de una columna.

Se ponían en camino para descansar rezando, en las zonas de entrada a monasterios o ermitas, en los finales de los caminos que conducían a localidades, etc.

También se utilizaban para invocar a Santos en fechas señaladas, para pedir rogativas diversas, como guías de los caminos indicando en los cruces hacia dónde había que ir, etc.

Grabado luterano del siglo XVI. Quemando a santos

Este que vemos arriba es un grabado luterano del siglo XVI que está en la Biblioteca de Artes Decorativas de París. Es una ilustración que nos muestra el Himno de Martín Lutero pidiendo la ayuda de Dios contra la obra mortífera del Papa católico.

El Arte lo hemos ido utilizando cuando no había otros medios de comunicación o de presión, o incuso de manipulación, para explicar ideas e ideologías. Fueran políticas o religiosas.

Los Principios del Luteranismo son:

 La Biblia es la única fuente de autoridad en asuntos de fe y doctrina, es el fundamento de la fe luterana, interpretada a través de principios bíblicos.

 La salvación se alcanza únicamente por la fe en Jesucristo, no por obras que se hacen en vida.

 La salvación es un regalo de Dios, una gracia inmerecida. Toda la gloria y el honor deben ser dados a Dios y no es algo que se pueda ganar o merecer. .

 Jesucristo es el único mediador entre Dios y la humanidad.

 Todos los creyentes son sacerdotes y tienen acceso directo a Dios.

Niega cualquier teoría católica, ortodoxa o copta respecto a los méritos personales de hombres y mujeres aplicables a la salvación, y rechazan completamente la mediación de los santos y la virgen María, además de la veneración de las imágenes. No admiten que existan demonios, santos ni vírgenes, y por eso en este grabado los agrupan y los queman.

En la religión, en las religiones de miles de millones de personas, son pocas las variables, pero son defendidas con tanto ardor que se vuelven enemigas entre ellas. El Islam cree en Jesucristo, los cristianos, todos, creen en Jesucristo.

Unos 2.700 millones de personas creen en este mundo en la figura de Jesucristo como Hijo de Dios. Pero las diferencias entre ellos los llevan a matarse. Se calcula que unos 4.700 millones de personas reconocen a Jesús como una figura importante, sea Hijo de Dios, Profeta, Maestro o Figura Espiritual histórica. 

Estos grabados nos sirven para ver que desde hace siglos seguimos matando por lo mismo y con la misma vehemencia, e incluso tontería. ¿Qué pensaría el hombre Jesús si nos viera ahora matando por Él?

Cómo serán los Museos dentro de unos años?

Nos tenemos que preguntar todos qué hacemos con el Arte de cara a Museos o a Exposiciones, a ser conservado, pues estamos dentro de unos periodos de reflexión importante para escribir ese futuro expositivo del Arte Antiguo pero también ya del Arte Moderno.

Estamos asistiendo a Exposiciones sobre artistas muy conocidos, en España o en Europa, en los que sin obras originales o con mínimas obras originales, montan una exposición muy interesante, a veces incluso muy cara de visitar, en donde se busca la pedagogía, el disfrute de las obras de los autores desde otros puntos de vista, y con la utilización de nuevas tecnologías.

Y curiosamente el éxito de público es muy suficiente en estos proyectos privados que en realidad son negocios bien realizados.

Pero me quiero acercar más a otro asunto en paralelo. La seguridad de algunas obras debe estar por encima de toda demostración. 

Sé que los espectadores, todavía, de momento, solo somos capaces de disfrutar de algo si nos lo creemos. Y si lo que vemos, sabemos ya que no es el original, lo vemos cormo un juguete, como algo falso y sin valor.

Estos conceptos cambiarán en unos años por las ventajas de los otros modelos expositivos, y por las dificultades de mostrar los originales siempre y en todos los lugares. 

No se puede estar haciendo viajar algunas obras, sin tener problemas de seguridad y de durabilidad de las obras.

Todas las obras de Arte NO NOS PERTENECEN, no son de nadie de los que hoy estamos vivos. Y tenemos sistemas y procesos para lograr dos cosas fundamentales.

 Mostrar las obras con la misma calidad que los originales, y sin ser los originales.

 Garantizar que se pueden ver sin sufrir daño, aunque lo que se muestre sea algo tremendo de tamaño o de valor, y esté constantemente viajando.

Podemos poner varios ejemplos fáciles, sencillos.

La Venus de Milo. La Dama de Elche. La Maja Vestida. Las Meninas. El Guernica. La Piedra de Rosetta. Libro de Horas de los Zúñiga.

Son obras únicas que no deberían degradarse absolutamente nada. No deberían correr ningún riesgo. Y para ello debemos hacer un trato entre los países o Museos poseedores de estas obras al menos de forma temporal, y la sociedad en general que debe creerse que es la única manera de ver bien estas obras de tanto valor histórico. 

Todas estas obras se pueden fotografiar (por profesionales) para crear copias de altísima calidad que permiten ver todos los detalles con todos los contrastes y todos los matices de colores que es capaz de mostrar la obra ante el ojo humano.

Todas se puede reproducir en relieve, a tamaño natural, con todos los detalles de las obras originales. 

Todos admitimos que en el cine, la televisión o en las series que vemos desde el sofá, nada es real. Aquellas personas que vemos allí no existen, nunca han existido de verdad tal y como se nos muestran, todo es ficción y nos lo creemos. Incluso lo que es historia lo vemos desde el punto de vista de una serie de profesionales de la ficción fotográfica o de sonido o de vestuarios, por poner ejemplos.

Nadie exige ver en realidad a los personajes, nadie osa solicitar la escena del asesinato en formato real. No lo necesitamos. Y disfrutamos del todo, y nos lo creemos pues nunca hemos tenido otra cosa similar pero de forma real. 

En los Museos se debe acabar el concepto de "Almacenes" pues eso ya no puede funcionar muchos años más. Los Museos deben tener vida, moverse, cambiar, respirar. 

Y por otro lado deben explorar los conceptos de ser más pedagógicos sin ser pedantes, utilizando las nuevas tecnologías. Añadiendo conceptos de inmersión del visitante para que no se sienta aburrido, y sobre todo para que si quiere pueda ampliar las visitas. No todos los visitantes quieren ver la misma cantidad de información.

Podemos ver las Meninas originales en una gran sala, pero a su vez podemos tener una sala a su lado en donde se nos muestre toda la historia de los personajes. 

No es obligatorio entrar y permanecer. 

Y a su vez podemos ver los detalles de las pinceladas de Velázquez, podemos observar de cerca y ampliado el tejido de algunas ropas, podríamos intuir qué está pintando el propio Velazquez en ese gran cuadro y verlo de frente. 

Incluso imaginarnos los olores de la escena de Las Meninas, los sonidos, las voces de algunos de los personajes. Curiosamente todo esto ya se está haciendo en algunas exposiciones, pero sin las obras originales.

Y se paga un buen dinero por la entrada, aunque no lo consentiríamos en un Museo Público aunque la entrada fuera gratuita, pues diríamos que nos están engañando. 

Es verdad que están los derechos de imagen, el famoso Derecho de Copyright o de Autor. Que es además diferente entre países.

Actualmente, "Las Meninas" es una obra que se encuentra en el Museo del Prado en Madrid, y aunque el museo tiene derechos sobre las reproducciones específicas que ellos realizan (por ejemplo, fotografías de alta resolución que toman ellos mismos), no tienen el copyright sobre la obra de arte original de Velázquez. 

La obra en sí misma es de dominio público. 

Es decir, el problema es lograr que el Museo deje fotografiar con altísima resolución la obra, cualquier obra, una vez y para muchos años de no sufrir las visitas. 

He puesto este ejemplo de Las Meninas como podría haber elegido cualquier otro. Pero para eso están los acuerdos, los intercambios, los apoyos hacia nuevas maneras de ser responsables, hacia obras únicas que no nos pertenecen a nadie y que ya son de Dominio Público. 

Somos solo los guardianes, pues necesitamos conservar todo lo que nos hemos encontrado, para que dentro de 1.000 años se siga disfrutando.

Los placeres y los días de Huguette Caland

El Museo Reina Sofía de Madrid trae para esta primavera y verano de 2025 la exposición "Los placeres y los días: Huguette Caland", una artista libanesa libre como todas las mujeres de su tiempo que saben que es la única manera de poder sobrevivir creando.

Grandes cuadros llenes de sensualidad, de color, de instantes libres, de juegos y risas, de provocación visual, se abren a un Arte muy personal que sin perder de vista el terrible mundo actual de sus tierras de nacimiento, sabe que el Arte debe sobrevivir, mostrar un optimismo a prueba de sufrimiento humano.

Goya y su obra de José de Toro-Zambrano y Ureta

El retrato de José de Toro-Zambrano y Ureta (Chile, 1727 - Madrid, 1796) fue la primera obra pintado por Goya para el Banco de San Carlos (luego Banco de España), que siguió a las resoluciones de su Junta de gobierno del 22 de diciembre de 1784 y del 30 del mismo mes y año.

Entre 1785 y 1788 el Banco de San Carlos (actual Banco de España), que había sido creado por Francisco Cabarrús en 1782 bajo el gobierno del conde de Floridablanca, encargó a Goya la realización de seis retratos oficiales. En la elección de Goya como pintor influyó Juan Agustín Ceán Bermúdez, por entonces primer oficial de la secretaría de la entidad.

La figura aparece recortada sobre fondo neutro siendo la cabeza la zona iluminada. De medio cuerpo y casi de frente, lleva peluca blanca, va vestido con casaca roja, chaleco del mismo color con botones dorados, camisa blanca con chorreras en el cuello y las mangas sobresalen por debajo de la casaca. La mano derecha descansa en el chaleco y la izquierda se apoya sobre lo que puede una ventana.

El primer restaurador del Museo Nacional del Prado, Amutio, hizo desaparecer una cruz de Carlos III que llevaba el retratado y repintada posteriormente a la ejecución del cuadro por Goya.

José de Toro-Zambrano fue uno de los tres primeros directores de la institución, nombrado en 1783 por su excelente trayectoria comercial y sus brillantes estrategias en la materia, sobre todo en las relaciones con América. Su actividad en el Banco de San Carlos determinó en 1784 su nombramiento como ministro honorario del Consejo Real de la Junta de Comercio y Moneda. El rey le concedió en noviembre de 1785 la Gran Cruz de la Real y Distinguida Orden de Carlos III; se sabe que Zambrano se había hecho una espectacular con más de trescientos brillantes y treinta y cuatro zafiros, todo montado en oro, que no luce aún en el retrato de Goya pero que pudo añadir más tarde, según muestran las primeras fotos del cuadro.

Goya siguió en el retrato de Zambrano hecho al óleo en 1785, la sencillez, claridad, precisión y estudio de la personalidad y del carácter del personaje. La sobriedad no es, sin embargo, un obstáculo para convertir el retrato en una obra de arte magnífica y nueva.

La técnica de Goya al óleo sobre lienzo, capta los aspectos externos de Zambrano, el color de su tez, la finura y elegancia de sus manos, el color profundo de su casaca, pero también la frialdad de sus ojos azules, el gesto seco y tenso de la boca o la firmeza de su puño sobre el antepecho que revela su carácter acostumbrado a imponer su opinión y a conseguir sus deseos.

Fernand Léger, cubista cilíndrico

Fernand Léger (1881-1955) fue uno de los artistas franceses más influyentes de la primera mitad del siglo XX, reconocido por su papel clave en el desarrollo del cubismo y por su personal interpretación de la modernidad

Léger nació en Argentan (Francia) y, tras una formación inicial en arquitectura, se trasladó a París, donde se integró en los círculos vanguardistas y estudió con maestros como Jean-Léon Gérôme y Gabriel Ferrier. 

Pronto se sintió atraído por el cubismo pictórico, exponiendo junto a Braque y Picasso, aunque desarrolló un enfoque propio: su cubismo se caracteriza por el uso de formas cilíndricas y tubulares, colores primarios vibrantes y una marcada tridimensionalidad, alejándose de la descomposición plana de otros cubistas.

La obra que vemos arriba la pintó en el año 1914 al óleo sobre lienzo y la tituló "Naturaleza muerta con lámpara".

Uno de los rasgos más distintivos de Fernand Léger fue su fascinación por la vida moderna, la máquina  que parecía adueñarse de todo en aquellos años de inicio del siglo XX y de la ciudad que crecía y ofrecía muchas opciones de crecimiento cultural y personal. 

Sus obras incorporan motivos industriales y mecánicos, como engranajes, andamios y figuras robotizadas, reflejando el impacto de la industrialización y el dinamismo urbano.

Tras su experiencia en la Primera Guerra Mundial, esta iconografía se intensificó, dando lugar a su llamado “Periodo Mecánico” al que se unieron diversos artistas y no todos pintores.

Sus innovaciones y aportes artísticos los podemos definir como:

Contraste de formas: Léger desarrolló una teoría artística basada en la yuxtaposición de formas orgánicas y mecánicas, explorando la tensión entre naturaleza y tecnología.

Color y volumen: Utilizó colores puros y delimitados, y una estructura compositiva que resalta el volumen y la monumentalidad de las figuras protagonistas de cada obra.

Arte multidisciplinar: Además de la pintura, incursionó en la escultura, el cine, la cerámica, el diseño escenográfico y las vidrieras, colaborando con cineastas y arquitectos como Le Corbusier.

Compromiso social: Su obra refleja inquietudes sociales y políticas, defendiendo una visión humanista de la modernidad y participando activamente en debates culturales y educativos. 

Fernand Léger fue maestro de numerosos artistas internacionales y su influencia se extendió al constructivismo o hacia el futurismo, el art déco y el pop art. 

Tras la Segunda Guerra Mundial, se afilió al Partido Comunista y realizó importantes encargos públicos, como murales y vidrieras para edificios y templos. 

Su museo principal se encuentra en Biot, Francia. En suma, Fernand Léger es recordado como el “pintor de las máquinas”, un innovador que supo unir arte y tecnología, y cuya obra celebra la energía, el color y el ritmo de la vida moderna

Gallery Goodman con frases de luz y sombras

Un lamento, un dolor. Un dolor, una revolución.

La Gallery Goodman nos presentó en el Reina Sofía de Madrid este montaje de neones titulado "Sonidos de agua" en el año 2023, mezclando frases con espacios y sonidos que inundaban el paseo de observación. Grises, luces, sombras y reflexiones.

Goodman Gallery es una de las galerías de arte contemporáneo internacional más distinguidas y más antiguas del mundo. Establecida en Johannesburgo en 1966, la galería trabaja con artistas que son contemporáneos, influyentes y se esfuerzan por cambiar de perspectiva y generar una transformación social. Fundada durante la era del apartheid, Goodman Gallery ofrecía un espacio no discriminatorio cuando los museos servían a la agenda del gobierno autocrático.

Un dibujo de una niña siria

Este dibujo es de una niña siria, hoy refugiada en la ciudad de Gaziantep en Turquía. Es un dibujo infantil realizado en un taller del programa "ColoFull Syria" que llevan a cabo desde la ONG Solinfo con personas turcas que atiende a estos niños.

Está realizado en el año 2014, ya hace un tiempo. Hoy la niña ya no es una niña sino una joven, que yo no sé en donde se encuentra, pero sí sé los sufrimientos que lleva incrustado dentro de ella.

Es Arte Infantil, al que solo le quiero añadir levemente un pequeño detalle. El rojo de las ventanas podría se fuego. La casa su vivienda. Se llama Ayah.

El maravilloso paisaje de las ciudades dormitorio

Podría ser cualquier ciudad del sur de Europa, es una mañana de Belgrado en Serbia. 

Es un barrio de los llamados dormitorios, que sacan sus trapos nocturnos a orear, a limpiarse de brujas nocturnas, de malas vibraciones de la noche oscura. 

Es sobre todo una estampa que de ser horrorosa se ha ido convirtiendo en típica y estética, incluso maravillosamente artística en sus formas y distribuciones aleatorias. 

Cada día es un paisaje diferente.

Lleno de colores distintos, cambiantes.

El caos tiene sus reglas de informalidad. En Valencia también

El caos tiene sus reglas; no es fácil lograrlo con pocos elementos y lo sabe él mismo. 

Si intentas crear caos con una o dos formas horrorosas es complicado lograrlo pues resulta insuficiente. 

Pero a veces se puede. 

Un poco de dejadez, de polvo de viejo, de abandono disfrazado de tiempo muerto. 

Si le añades el absurdo, lo curioso, lo inútil e incapaz de servir para algo, puedes lograr un pequeño museo al caos local. 

Esta terraza valenciana es un ejemplo de ello. 

No sabemos qué piensan los muñecos, qué piensa la dueña de estos elementos (sí, es dueña), pero sabemos que eso es el caos. 

Su propio caos que ella no considera caos.

Puede que incluso un maravilloso caos desorientado e informal.

Bien, podrímos estar de acuerdo. Todo es una mierda

Bien, podríamos estar de acuerdo. 

Todo es una mierda, lo asumimos. 

Y a partir de esto ¿qué debemos hacer? 

¿Para qué sirve asumir que todo es una mierda? 

¿Para cabrearnos más? 

¿Y si no hiciéramos caso a nada y nos comportáramos como si nada de todo esto estuviera sucediendo?

¿Qué parte de todo esto es culpa nuestra?

¿Qué hemos hecho hoy por mejorar algo de lo que nos rodea y que así deje de ser esa mierda que nos creemos?

Pelusa blanca, dispuesta a volar para esparcirse

Una simple pelusa blanca es en realidad de lo más etéreo que existe en el mundo. 

Nace y crece hasta convertirse en esa bola blanca que vemos,  dispuesta para volar en cuanto el viento sople con ganas. 

Su única misión es precisamente volar, que las semillas caigan lo más lejos posible de la planta madre. 

Son semillas diminutas, sin peso, pero son vida nueva, con arquitecturas naturales que sorprende como todo lo natural. 

Bellezas en forma de pequeños paraguas dispuestos a volar en busca de nuevas tierras.

El aire traslada la vida entre los campos.

Una gran duda entre un balcón y una Virgen de Bruselas

Bruselas es una ciudad católica no practicante. El número de personas que acuden a las iglesias es mínimo, pero siguen quedando en la ciudad, en toda Bélgica, muestras de su gran pasado religioso. 

Este balcón de Bruselas, hermoso por sí sólo, con la gran Virgen que tiene encima se convierte en un lugar místico para salir y saludar, casi teatralmente. 

Aunque nunca sabrás si te miran a ti por estar en el balcón saludando, o si desde abajo miran a la Virgen para pedirle algún milagro.

Antonio Saura y Francisco de Goya. Amigos entre ellos

Los aragoneses Antonio Saura y Francisco de Goya tienen mucho guiños artísticos entre sí. Efectivamente nunca pudo Goya hacérselos a Saura, lo que no evita que curiosamente se hayan encontrado formas que se abren en caminos artísticos que traspasan a ambos aragoneses imprescindibles. 

Fueron amigos sin conocerse, lo cual debe ser otro sueño más entre ambos. 

Esta obra de Antonio Saura, del año 1984, se titula “Retrato imaginario de Goya”, donde se busca mostrarnos un Goya observador, preparado para mirar todo y retratar aquello que él sabe trasciende los tiempos, al reflejar sueños o violencias, costumbres o modos, personas o miradas de estas que son el espejo de su personalidad.

De conocerse, no sabremos nunca qué punto de vista habría utilizado Goya para retratar a A. Saura, pero cabe imaginarse que sería en un grabado en blanco y negro, con trazos rápidos y miradas críticas.

Eugenio Recuenco y su Proyecto Fotográfico 365º

El fotógrafo madrileño Eugenio Recuenco crea una serie impresionante que tituló "Proyecto 365º" y que dentro de una vanguardista estética, conceptual y sustancialmente fotográfica al menos como resultado final, intentó mostrar los asuntos mundiales, desde las artes de la Edad Media hasta las redes sociales, así como los asuntos políticos actuales.

Eugenio Recuenco imagina eventos mundiales en sus propios pequeños microcosmos, con escenarios, a veces sutiles y a menudo elaborados, y que construye de manera cinematográfica.

Decoración, moda, estética, teatro, publicidad, para terminar en fotografía. Simplemente y de forma tremendamente compleja, Eugenio Recuenco analiza sutilmente la realidad dentro sus obras y pone un espejo frente a la sociedad para levantar sonrisas dentro del dolor, y una falsa percepción llena de poder visual y teatral.

Nunca sabes si están viendo una cuadro, una escena teatral, una fotografía o un sueño real que nos han creado a la medida del momento.

Judas besa a Jesús. Fresco de Giotto di Bondone

El italiano Giotto di Bondone, pintor y arquitecto, a principios del siglo XIV era reconocido públicamente como "el maestro más soberano de la pintura de su tiempo, que dibujaba todas sus figuras y sus posturas de acuerdo con la naturaleza" y de su "talento y excelencia".

Alrededor del año 1305, Giotto ejecutó su obra más influyente, los frescos interiores de la Capilla Scrovegni en la ciudad de Padua que en 2021 fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO

Vemos arriba un detalle de esos frescos de Giotto en la capilla de los Scroverianos, pintados entre 1303 y 1306, que muestra El beso de Judas a Jesús. Esta capilla de los agustinos llamada también "Capilla de la Arena" que marcaron el inicio de una revolución en la pintura mural e influyeron en la técnica, el estilo y el contenido de los frescos durante todo un siglo.

En realidad no pintó esta enorme obra él solo pues era totalmente imposible, sino ayudado por unos 40 artistas que realizaban los trabajos más de batalla, para se calcula en un año el tiempo necesario para poder tener terminada la capilla que iba a ser un oratorio encargado a Giotto por el rico banquero de Padua, Enrico Scrovegni para después convertirse en la iglesia en donde serían enterrados.

Hablamos de una Capilla en Padua, decorada por Giotto entre 1302 y 1305, que contiene aproximadamente 1.000 metros cuadrados de pintura al fresco en su interior y que abarca tanto las paredes como la bóveda de la capilla, cubriendo escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, así como el famoso Juicio Universal en la contra fachada. Una de las obras en fresco más grandes que se conservan.

En el detalle de arriba vemos a Judas Iscariote entregando y traicionando a Jesús y maestro por treinta monedas, con la señal para hacerlo que tradicionalmente se afirma, de darle un beso delante de las tropas romanas para que supieran distinguir quien era el señalado.

Giotto consigue en este espectacular fresco transmitir el efecto de tumulto y confusión que produjo la traición. Entre multitudes con palos y antorchas al más puro estilo de las películas bélicas actuales, se sitúan los dos personajes, en el centro justo de la composición. Jesús petrificado, pero sereno, y Judas envolviéndolo con su manto para darle el beso de la traición.

Vemos también un malhumorado San Pedro (otro con aureola), que le corta la oreja a Malco con un cuchillo, uno de los criados del Sumo Sacerdote (dicen que Jesucristo se la volverá a poner después) y al fondo ya aparecen las tinieblas que describe la Biblia en este episodio de violencia y que Giotto representa con el azul lapislázuli, el pigmento de moda en aquellos siglos.

Giotto está considerado como el primer gran artista moderno, incluso mucho antes del renacimiento, como demuestra en esta escena tan maravillosamente realizada, donde el sentido tridimensional y la presencia física de los personajes son completamente inéditos para la época. Un adelantado a su tiempo que asentó las bases de la que sería la nueva pintura.

Noctámbulos o Nighthawks de Edward Hopper

Voy a comentar algo de la obra Noctámbulos o Nighthawks, del artista Edward Hopper pintada en el año 1942 al óleo sobre un lienzo de metro y medio de anchura. Una de esas obras realizadas por un pintor norteamericano y que por no existir muchos artistas de esa nacionalidad, se hizo muy famosa desde el principio, además de por su indudable calidad psicológica aunque él lo desmintiera.

En realidad es una obra nocturna de soledad, de tristeza, en donde vemos a cuatro personas que posiblemente están en el New York de los años 40, antes de que los EEUU entraran a saco en la Gran Guerra, tristes, callados, sin mirarse los unos a los otros, absortos en una cristalera como si estuvieran encerrados en una pecera a la vista de los espectadores, que por cierto, no existen.

Los únicos que miramos la pecera, perdón, la cafetería, somos nosotros. Ya los japoneses había atacado Pearl Harbor, y esa tristeza de la obra, esa incertidumbre y silencio, puede que tenga bastante que decirnos del momento que el mundo ya vive.

Todo la escena es fría, incluso los amarillos son fríos, los rojos están manchados de la luz verdusca del ambiente. Los únicos pequeños toques cálidos son los rostros de alguna de las personas. O el vestido de la mujer.

Que por cierto, dicen que el propio Edward Hopper es el que está de espaldas, y la mujer que vemos con otro hombre pero sin mirarse parece ser su esposa, retratada con el único toque de color vivo.

Puede ser verano por las ropas, pero a su vez parece ser una hora tardía pues nadie está en la calle, es el vacío más absoluto excepto por el detalle de que la cafetería tiene una gran cristalera que deja ver todo su interior.

Si miramos mejor esta obra podemos observar que no hay puertas, no existe forma de entrar o salir, o al menos no la vemos. Ni el propio camarero parece poder salir o entrar. hay que imaginarse que es capaz de moverse de allí, por las zonas que no vemos.

La obra se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago en los EEUU.

¿Y tienen los hombres que seguir llevando el sombrero dentro del bar?

¿Y los tres clientes están tomando lo mismo, pues las tazas son idénticas?

¿Qué lleva en la mano la mujer y que mira con tanta atención?

Santiago Ramón y Cajal artista pintor

El científico y Premio Nobel español Santiago Ramón y Cajal, además de ser médico e investigador, fue un pionero de la fotografía en España y artista dibujante y pintor, una faceta menos conocida. Sobre todo la de pintor de paisajes, pues sí son muy conocidos sus apuntes dibujados de partes del cuerpo humano, para sus clases de medicina.

Esta obra paisajística la pinto en el año 1878 y nos muestra el Fuerte de Santa Elena en Biescas (Huesca), un cuadro de la colección privada de Ángel Cañadas Bernal.

Este fuerte iniciado en el siglo XVI como un lugar de defensa militar fue casi destruido en la Guerra de la Independencia y reconstruido en el año 1884  1889, es decir, este cuadro fue pintado cuando el Fuerte de Santa Elena eran restos de un lugar estratégico.

La escultura de David Shrigley, un artista visual británico y provocador

David John Shrigley es un artista visual británico que pasó de ser un mal dibujante para convertirse en un gran provocador, un artista que con pocos elementos plantea dudas y dramas, nos obliga a replantearnos la vida o a soñar con la nada y con el todo.

En su nuevo libro “¿Qué demonios estás haciendo?”, David Shrigley nos plantea sus dibujos más sencillos pero también más tiernos o duros, depende de cómo los veamos. 

Arriba os dejo una faceta suya menos conocida. La escultura en metal. En los últimos años además de escribir libros, o crear música sin dejar de montar exposiciones, sigue adentrado en el mundo surrealista al completo.

Las señoritas de Avignon o Las señoritas de Avinyó

Pablo Picasso pinta esta obra titulada "Las señoritas d'Avignon" en el año 1907 tras unos meses preparando la obra (13 meses) que iba a resultar en muchos aspectos una obra rompedora con aquellos tiempos artísticos y con todo lo establecido.

Picasso nos muestra en esta obra a cinco prostitutas barcelonesas y lo hace de un modo inédito hasta entonces: lo realiza, lo pinta por primera vez al estilo cubista, con lo que con posterioridad hemos llamado Cubismo. 

No son mujeres de la ciudad de Avignon (Francia), sino de Barcelona, de la calle Avinyó en donde se concentraban en aquellos años bastantes locales nocturnos en donde había prostitutas. De hecho al principio se llamó "El Burdel Filosófico".

No existía todavía el cubismo como una corriente artística reconocida y de alguna manera esta obra es la que da inicio a esa manera de plasmar las ideas, provocando un cambio con el realismo que había, para mostrar aquello que eran ideas realista que se convertían en conceptos, formas de expresión en donde quería introducir nuevos lenguajes expresivos en las figuras que pintaba.

Esta obra no siempre tuvo cinco mujeres, sino que comenzó con un estudiante en la posición más a la izquierda y un marinero sentado, que finalmente Picasso suprimió convirtiéndolo todo en una obra solo con figuras femeninas.

Picasso quiso mezclar en ese Cubismo que no había nacido todavía, el estilismo desfigurado de El Greco, algo de esas figuras tribales de las máscaras africanas e incluso formas que le venían de ciertas esculturas ibéricas de la antigüedad o de las formas de representación de las personas en el mundo egipcio.

En este caso en concreto, además Picasso quiso hacer una obra grande, con casi 2,5 metros de lado, para dejar claro que no era una representación a tamaño real, realista, sino totalmente imaginada. 

Picasso hizo un gran trabajo preliminar de estudio, que al menos constaba de un boceto en óleo, una acuarela y una gran cantidad de dibujos que fueron debidamente estudiados y analizados en un catálogo.

La obra se puede ver en el MoMA de New York y es una de sus obras estrella, y al que agradecemos nos permita reproducir esta obra con carácter Educativo. Abajo podemos ver una sección de la misma obra y un boceto de Picasso para esos rostros.

El Surrealismo y sus diferencias con el Dadaísmo

El Surrealismo sigue siendo una corriente artística y literaria que aunque surgió en la década de 1920 sigue viva con cambios contemporáneos pues forma parte de la expresión artística interior de los creadores.

Liderada en sus inicios por el poeta francés André Breton, quien lo definió como "automatismo psíquico puro" se fue transformando más en una corriente pictórica pero sin dejar de ser a su vez una expresión que abarcaba el Cine, la Poesía o la Literatura.

Los artistas buscan expresar el funcionamiento del pensamiento sin la intervención de la lógica o la moral, dejando que el subconsciente y los sueños guíen la creación. 

Hoy el Surrealismo posiblemente por su propia edad como movimiento artística ha ido evolucionando hacia otros movimientos artísticos que beben de sus inicios, pues es simplemente un modo de expresión que busca en el interior, con la menos influencia del artista y sus mochilas vitales.

Características principales del Surrealismo

Exploración del subconsciente: Inspirados en un principio por las teorías de Sigmund Freud, los surrealistas consideraban en un principio los sueños y el inconsciente como fuentes clave para revelar emociones, deseos reprimidos y pensamientos profundos.

Imágenes oníricas y absurdas: Las obras surrealistas suelen presentar escenas que parecen sacadas de un sueño, con elementos extraños o imposibles, como los relojes derretidos de Salvador Dalí en "La persistencia de la memoria".

Automatismo: Los artistas emplean técnicas como el dibujo automático o la escritura automática para permitir que el subconsciente fluya sin restricciones racionales. 

Juxtaposiciones inesperadas: Objetos comunes se combinan de formas sorprendentes o desconcertantes, como en "El hijo del hombre" de René Magritte, donde un hombre tiene su rostro cubierto por una manzana flotante.

Metamorfosis: Las transformaciones de objetos y figuras son frecuentes, creando una sensación de cambio constante y fluidez. Nada es constante, todo puede imaginarse de otra forma, en otra situación que no parece la habitual.

Objetivos del movimiento

El Surrealismo buscaba en sus inicios desafiar las normas tradicionales de arte y sociedad, proponiendo una nueva forma de entender la realidad a través de lo irracional y lo fantástico. 

Los surrealistas querían revolucionar la experiencia humana, equilibrando el mundo racional con el poder de los sueños y lo inesperado. Hy en día la abstracción se mezcla a veces con el surrealismo, creando modelos artísticos de complicada adscripción artística.

Aunque el Surrealismo comenzó como un movimiento artístico y literario, el Surrealismo influyó en múltiples disciplinas como el cine, la fotografía y la escultura. Hoy en día lo hace más levemente en la literatura y el cine, pero en cambio en la fotografía ha encontrado un modelo de expresión fabuloso.

Artistas destacados en sus inicios incluyen a Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miró, Max Ernst y Frida Kahlo. Su enfoque en lo inconsciente sigue siendo relevante en el arte contemporáneo. 

Y si nos centramos en la fotografía y el uso del surrealismo que se adscribe a ella, podemos decir que en la actualidad, varios fotógrafos y artistas visuales continúan explorando el Surrealismo a través de técnicas modernas como la fotografía digital, el collage y la manipulación de imágenes. 

Algunos de los nombres más destacados que se podrían considerar surrealistas son:

Seb Janiak

Este fotógrafo combina fotografía y manipulación digital para crear composiciones cargadas de simbolismo celestial y metafísico. Sus obras fusionan realidad e imaginación, transportando al espectador a dimensiones oníricas y otras realidades.

Michael Vincent Manalo

Conocido por sus escenas distópicas y surrealistas, Manalo utiliza la fotografía y la edición para construir mundos que parecen sacados de sueños o pesadillas. Sus obras suelen tener un aire melancólico y misterioso.

Viviane Sassen

Fotógrafa holandesa que emplea sombras, colores vibrantes y composiciones desorientadoras para crear imágenes que parecen salidas del subconsciente. Su trabajo explora temas como la identidad y el espacio, utilizando técnicas surrealistas como el fotomontaje.

Alexandra Gallagher

Artista multidisciplinaria británica que combina fotografía, collage y pintura para explorar temas como el feminismo, la identidad y los sueños. Su obra está impregnada de simbolismo y busca generar una conexión emocional e intelectual con el espectador.

Julie Curtiss

Aunque principalmente pintora, Curtiss también utiliza elementos surrealistas en su obra visual, explorando temas relacionados con los arquetipos femeninos mediante composiciones fragmentadas y ambiguas. Su estilo mezcla humor, oscuridad y lo inesperado.

Chema Madoz

Es uno de los fotógrafos españoles más reconocidos en el ámbito del Surrealismo. Su estilo se caracteriza por transformar objetos cotidianos en metáforas visuales sorprendentes, invitando al espectador a reflexionar sobre la realidad. Obras como El libro y El espejo son ejemplos de su habilidad para crear imágenes poéticas y simbólicas.

Jorge Rueda

Considerado el padre del Surrealismo fotográfico español, Rueda fue conocido por su uso del fotomontaje y su actitud provocadora. Su obra combina humor agrio, ironía y denuncia, desafiando los estándares establecidos en la fotografía tradicional.

Miguel Vallinas

Aunque no tan ampliamente reconocido como Madoz o Rueda, Vallinas ha expuesto su obra surrealista contemporánea en galerías como la Tamara Kreisler de Madrid. Su trabajo se inspira en maestros del Surrealismo como Dalí y Miró, explorando el instante preciso en que la realidad y la imaginación se entrelazan.

Técnicas comunes en el Surrealismo fotográfico actual

Manipulación digital: Uso de herramientas modernas como Photoshop para crear escenas imposibles o alterar la realidad.

Collage: Integración de elementos dispares en una misma composición para generar contrastes sorprendentes.

Simbolismo: Incorporación de objetos cotidianos en contextos inesperados para provocar una reacción emocional o intelectual.

Estos fotógrafos actuales mantienen vivo el espíritu del Surrealismo al reinterpretar sus principios clásicos con las herramientas y sensibilidades del siglo XXI.

El Surrealismo es una invitación a explorar lo desconocido, a romper con lo lógico y a dejarse llevar por la imaginación. Podría describirse como un arte que convierte los sueños en imágenes y las ideas más extrañas en belleza visual. Y ahora me atrevo a acercarme ligeramente al Dadaísmo como un movimiento artístico que se mueve ligeramente en paralelo al Surrealismo.

El Surrealismo y el Dadaísmo son movimientos artísticos y literarios de vanguardia que surgieron en el siglo XX, pero tienen diferencias fundamentales en su origen, enfoque y objetivos. A continuación, se presentan las principales diferencias entre ambos:

El Surrealismo se centra en la exploración del subconsciente y los sueños para crear arte que trascienda lo racional.

El Dadaísmo es una protesta contra las normas establecidas, utilizando el absurdo como herramienta para subvertir el arte tradicional.

Ambos movimientos comparten su carácter revolucionario en cuanto a expresiones claras y diferentes, pero mientras el Surrealismo busca construir nuevas formas de expresión desde lo irracional, el Dadaísmo se enfoca en destruir las convenciones existentes, las formas de entender el momento actual.

Encorchado de la Virgen de Guadalupe en México

La imagen religiosa más famosa de México como nación es la Virgen de Guadalupe, y esta que vemos arriba es una nuestra de arte colonial español, está realizada con fragmentos incrustados de concha que la convierten en un ejemplo diferente de imágenes religiosas españolas.

Inspirado por las artes decorativas de Asia, esta técnica especial fue inventado en México y es conocida como enconchado.

Durante todo el período colonial hubo una afluencia significativa de productos asiáticos a México a través de los legendarios galeones de Manila que conectaban desde el Este hacia el Oeste.

Las embajadas de Japón de 1610 y 1614 a México y otros países cercanos también contribuyeron a la moda de los objetos de inspiración asiática. La obra mide 95 x 124 centímetros y se realizó en el año 1698.

Este cuadro de la Virgen de Guadalupe fue realizado por Miguel González y representa a la Virgen colocada encima de un águila posada sobre un nopal, el legendario escudo de armas de la Ciudad de México y está rodeada por cuatro medallones que representan sus tres apariciones al indio Juan Diego en 1531, y el momento en que Juan Diego dio a conocer su imagen impresa en la túnica, antes del obispo Juan de Zumárraga.

El marco de la obra combina motivos florales con los símbolos de la letanía de la Virgen. Un excelente trabajo de marquetería no con madera sino con conchas.