18.2.20

No es el futuro, es el presente de Valencia. Urbanismo amable

No es el futuro, no es ciencia ficción, no es una película de marcianos. Es Valencia. Es un urbanismo que sabe cuidar el arte para lograr la amabilidad en los paseos. No toda Valencia es así, tienen donde elegir historia o arte contemporáneo, tiene urbanismo de futuro y urbanismo histórico. Simplemente es arte urbano público en Valencia. 

17.2.20

Zaragoza y su "Vuelo de la Paloma" en la Lonja

Estas obras son de la artista burgalesa Paloma Navarés y está expuesta en una temporal en La Lonja de Zaragoza, titulada “El Vuelo de Paloma” que recoge parte de la trayectoria de esta artista en los últimos 40 años. Esta obra de arriba está titulada como “De Lucrecia, ofrenda de luz”.

Una excelente exposición de poesía visual, de arte escultórico y fotográfico, de dibujos o de montajes que buscan adentrarse al espectador en un mundo nuevo, diferente, irrealmente irreal aunque en realidad es real, pues lo podemos ver y pasear.

Sociedad, muerte, dolor, naturaleza, humor social, religión, color, oscuridad y luz, detalles de un gran arte contemporáneo.

Para quien no está muy viajado por el mundo del arte contemporáneo esta muestra en Zaragoza está a la altura de los mejores montajes que se pueden contemplar en las mejores ciudades de todo el mundo. A veces nos engañamos todos nosotros creyendo que en nuestras ciudades, con artistas cercanos, no podemos ver en Zaragoza trabajos a la altura de Berlín, New York o Madrid. Y nos equivocamos.

Entra, déjate llevar por todo lo que vas a ver y no te preocupes en juzgarlo. Simplemente pasea y observa. Disfruta de un mundo "nuevo" que te puede mover las sensaciones. Lo de menos es si esos movimientos son (según tu creas) en positivo o en negativo. El Arte está para provocar.

Esta obra de arriba se titula "Luz del pasado con La Virgen y su Niño".

Pintura de Nicaragua. Artesanía para turistas

Esta es una pequeña obrita al óleo de unos 15 centímetros de ancha, realiza en Nicaragua para turistas que visitan el país, como recuerdo del tipo de miradas que ellos mismos intentan entregar a los visitantes. 

Una clásica obra rápida, sin conceptos de arte y más de artesanía, pero que nos sirve para seguir insistiendo en que el arte es simplemente comunicación, información de sociedades y de momentos concretos. Nada más.

16.2.20

El Arte y la Cultura no sirven para nada

El Arte como la Cultura no sirven para nada. ¡¡¡Uff!!! y precisamente por eso y en la medida en que logremos que siga siendo así, es insustituible para la buena marcha de la sociedad. 

Podemos vivir sin arte ni cultura, somos animales y nuestra parte racional que ha crecido sin duda a través de las culturas, no es imprescindible.

Pero el Arte y la Cultura nos vuelve más humanos, somos la suma de varias culturas
que al final configuran nuestra identidad personal para ser humanos. Y en este camino hacia la “humanidad” social es donde el Arte y la Cultura tiene mucho que ver.

Cultura es saber leer y escribir, es entender el mundo y aprovecharse de todos los avances que antes han desarrollado nuestros antecesores. 

Pero si naciéramos en un espacio sin Arte ni Cultura de ningún tipo, y sin estar adaptados como ya lo estamos a la dependencia de los demás, podríamos sobrevivir y crecer.

Ni vamos a nacer en un espacio así, ni tenemos la biología adaptada a un mundo sin influencias culturales. Necesitamos tener Arte para Creer en algo, necesitamos Cultura para estar influenciados por lo construido antes de nosotros.

La influencia del Arte como método simple de comunicación es muy alto. Más en la antigüedad que hoy, pero sin duda también en estos momentos. 

El Arte disfraza y disimula lo que es simple manipulación. Y los publicistas lo saben bien.

Un buen anuncio de 20 segundos puede ayudar a consumir más, a dar beneficios a quien vende lo que no enseña de verdad. Ese anuncio se basa siempre en Arte de imágenes, de sonido o de guiones literarios adaptados al producto y al que observa. En mostrar como maravilloso aquello que simplemente es un objeto de consumo.

Pero… ¿no decíamos que el Arte no servía para nada?

Es que cuando el Arte lo utilizamos para otros menesteres que no sea el disfrute y la contemplación… ya no es Arte. Se ha convertido en muchas otras cosas posibles, pero en esos casos el arte con minúsculas es simplemente una herramienta, un vehículo para vender caballos viejos y enfermos.

Tampoco es Arte las obras que compran y venden los mercados por millones de dineros. Eso es inversión, es si acaso decoración o fetichismo. Pero no es Arte, pues la diferencia entre eso que vale millones y lo mismo que hace un desconocido está en su capacidad para ser vendido o comprado. 

Algo alejado del Arte. 

El Arte no se puede utilizar para mezclarlo con dinero, aunque se utilice para los negocios. Se convierte en objetos y deja de ser Arte. 

Nota.: La imagen nos muestra una exposición de Luis Feito en Madrid titulada "Una trayectoria"


Fernando Zóbel de Ayala y sus diálogos con Thomas Eakins

Esta obra del artista filipino Fernando Zóbel de Ayala se titula “Diálogos con Thomas Eakins” un pintor fotógrafo realista que falleció en 1916. Esta obra es un lienzo pintado en el año 1983 y sin poder asegurar qué nos quiere transmitir Zóbel en su diálogo con otro artista, si entendemos que intenta jugar claramente con una composición potente, bien distribuida, jugando con manchas, líneas y blancos que enmarcan la obra a través de la luz.

La obra se encuentra en La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

15.2.20

¿Qué es el Artivismo? ¿Existe o es un invento de locos?

El Artivismo podría parecer la multiplicación de los panes y los peces, empleando al Arte como herramienta de Activismo, algo que sin duda se ha utilizado durante siglos y que ahora nos parece nuevo moderno. ¿Qué eran si no muchos de los trabajos de Goya? ¿Qué fue el Guernica de Picasso? Y no quiero adentrarme más lejos para no entrar en opiniones contrarias sobre lo que supuso la religión cristiana en siglos viejos que también utilizó el Arte para hacer propaganda.

El Artivismo es un uso lógico del Arte pues el arte nace de personas implicadas en su momento y en su sociedad, y utiliza el arte para influir en la política, en las opiniones, en su sociedad.

El Artivismo es sobre todo Arte Urbano, es Cartelería, son Gritos y frases envueltos en arte bastante básico pero no por ello debe ser considerado arte menor. Eso depende de cada obra y de cada artista.

El Artivismo es arte efímero en muchos casos que simplemente aspira a darnos una buena bofetada para que despertemos del momento actual. Lo cual a veces es contraproducente pues el Arte debe ser nada violento, excepto cuando la violencia forma parte de la propia obra, lo que siempre se produce cuando se nos despierta de golpe con una frase o una muestra gráfica contundente.

En las últimas décadas la fotografía tiene mucho de Artivismo, pues no esconde la realidad brutal que es capaz el ser humano con tal de seguir demostrando que somos animales, a veces racionales. Pero solo a veces. 

Hay que informar con el arte, hay que posicionarse y comunicar. Y es aquí cuando entra a saco el surrealismo, el dadaísmo, el futurismo, los videoartes o el arte conceptual, utilizando los espacios públicos y no los privados.

El Arte sale de los salones privados a los grandes salones públicos de la plaza, la calle, el centro cultural. 

El Arte Artivista se enfrenta a lo establecido, grita contra el poder, se queja pero sobre todo simplemente demuestra, señala, se expresa con el “hoy”. Mezcla color, formas, textos, poesía visual y mensajes. Toma partido y causa por la sociedad débil y se convierte en una herramienta más para luchar contra las desigualdades o las libertades de unos contra otros.

La obra de arriba se titula “La patera de los ricos” y fue pintada por Manuel Alcorlo Barrero en el año 1935, mostrando con toda la ironía posible a unos ricos que vuelven en patera pero conservando sus elegantes trajes pero tal vez asustados al tener que luchar contra los elementos como cualquier emigrante que se juega la vida.

13.2.20

¿Sirve el Catálogo de ARCO 2020 para aprender algo?

Cuando hablamos de aprender hay que utilizar todos los mecanismos de los que tenemos a mano para crecer y observar, mirar, fijarnos en lo que hacen otros y aprender de sus técnicas. No se trata de copiar pues copiar (casi) no existe sino en todo caso imitar procedimientos con nuestros propios añadidos. Todos copiamos de todos, incluso desde hace miles y miles de años para hacer el fuego, para cocinar los alimentos o para realizar mejores y más útiles trampas. Así que mirar un catálogo de Arte no es copiar, es aprender.

En Madrid se va a celebrar como todos los años ARCO 2020, creemos pues el CoronaVius chino está moviendo las tripas de las grandes reuniones temáticas y suspende lo que le viene en gana. Esperemos que no.

Pero como todos los años ARCO nos deja un catálogo que es un libro fabuloso para ver qué presentan las Galerías de Arte Contemporáneo más importantes lo que nos muestra un poco los diversos caminos que se podrían estar haciendo en todo el mundo.

No es nada definitivo, no es totalmente un espejo sin distorsiones, cuidado con tomarse a ARCO como una verdad absoluta en Arte pues es una Feria de compra venta de Arte

Pero nos puede enseñar ideas, técnicas, ejemplos, caminos, posibilidades que es imposible ver si no estás todo el día viajando por todo el mundo.

Y recordar que este catálogo se puede descargar de la página web de ARCO de forma gratuita.

¿Al expresarnos en el Arte, somos YO o somos un resultado?

¿Qué soy yo? No, no. No me estoy refiriendo a mi, sino a ti. ¿Te has preguntado qué eres tú?

Ya sé que estás en una página dedicada al arte y que estoy empezando por los cerros de Úbeda. Es que hay que centrarse en algo complejo. Si tú creas arte, a veces crees que construyes una expresión de tí mismo, que están creando con arreglo a lo que tú eres, y siendo cierto, hay que matizar.

Tu te expresas con arreglo a lo que te rodea, a tu mochila, a tu experiencia y formación. Incluso a tu información. Vas filtrando todo lo que te llega, coges unas cosas y otras no, y con el poso que te quedas actúas. Daría igual si eres artista o empresario, padre o futbolista. El proceso es similar.
Como toda esa información nos viene ya creada por otros o por el entorno, en realidad no somos nosotros, sino la suma menos la resta de lo que nos llega, creado ya por otros y en otros ambientes.

Y eso que nos hemos dejado dentro de nosotros es lo que transformamos en ARTE, lo que impulsamos hacia fuera para expresarnos, lo que sirve para alimentar nuestra imaginación y nuestras ideas.

Si vivimos en Oriente nos expresaremos diferente a si vivimos en África. Si estamos visitando un mes New York quedará un poso pequeño que nos afectará. Si estamos dentro de un conflicto en Palestina no podremos vaciar su influencia sobre nuestro pensamiento y nuestra manera de mirar y de ver será diferente.

En todos estos casos nuestro YO queda impregnado en diferente medida de lo que otros han creado antes de que nosotros llegáramos a esos espacios. 

Quedamos pues influenciados por ello y seguimos multiplicando esa influencia, matizada por la nuestra. Somos YO pero con la influencia de personas que no son YO.

La pintura surrealista que no es surrealista

La pintura surrealista no es simplemente todo lo que nos imaginamos sin rascar en su superficie. No todos los que nos creemos surrealistas nos admitirían los viejos surrealistas en sus grupos pues no es lo mismo Pintura Surrealista o arte surrealista que Pintura Fantástica.

El surrealismo es automatismo psíquico como decía en su Primer manifiesto André Bretón. Si pintamos obras presuntamente surrealistas pero que son meditadas, bocetadas, ideadas, ya no pueden ser consideradas surrealistas puras. Para ello no debe existir un control sobre lo que nos viene desde la mente a la mano, a los pinceles.

Y si además tenemos en la obra alguna consideración estética, de contrapeso o de encuadre, tampoco será nunca considerada una obra surrealista “de verdad”. Para ello y según los primeros cánones todo debe fluir sin control, en el momento, desde el subconsciente.

Así que con no hacer caso a André Bretón y sus Manifiestos se nos pasa bastante el tema y las dudas, sobre todo porque sí se puede pintar surrealismo sin ser surrealista. ¿Y si eres un surrealista lento que necesita recapacitar lo que le viene de dentro antes de pintarlo o escribirlo?

Si te imaginas un mundo de sueños, si te crees por un momento que eres Freud y te atreves a plasmar tus sueños con formas y colores más o menos reales, en ese surrealismo paradójico donde puedes pintar objetos reales en situaciones irreales…, estás entrando en el mundo del super realismo surrealista donde todo puede querer decir una cosa y posiblemente otra más. Es decir al menos dos cosas distintas e incluso a veces contrarias.

12.2.20

Aprendiendo a ver, de Eduardo Galeano

Esta poesía me la encontré en un pasillo de la Escuela Politécnica de Huesca y me gustó el dibujo acompañando un texto poético de Eduardo Galeano. Un aprendizaje de "VER" simplemente ver a costa de abrir los ojos y aprender a mirar.

René Magritte y sus ¿motivos? para pintar Violación

Mi pintura son imágenes visibles que no ocultan nada; evocan misterio y, de hecho cuando ven uno de mis cuadros, se hacen esta simple pregunta: "¿Qué significa eso?" No significa nada, porque el misterio no significa nada, es incomprensible. René Magritte.

A esta obra de René Magritte, muy conocida y titulada “Violación” pintada en el año 1945, se le han querido encontrar muchas explicaciones que posiblemente todas ellas sean ciertas.

 Que si es la “cosificación” del cuerpo femenino, al que se resta la posibilidad de que tenga algo más que órganos sexuales.

 Que si es un recuerdo de infancia de cuando vió a su propia madre suicida saliendo desnuda de un río y con la cara tapada.

 Que si podría ser una provocación hacia la sociedad incapaz de ver en esos años a la mujer más allá que unos cuerpos sin posibilidad de expresarse. Pero también podría ser un deseo del propio artista, un juego con nosotros, una imagen icónica de alguien, un juego de interpretación.

La realidad es tan simple como que sin restar nada de lo que nos quiso transmitir René Magritte, el surrealismo es precisamente eso, intentar explicar pensamientos y sensaciones desde idiomas provocativos, imposibles, que nos hagan pensar desde dobles miradas, desde el subconsciente.

11.2.20

¿Por qué nació el surrealismo? ¿Qué es el surrealismo?

El surrealismo, el mundo y el arte surrealista no es como a veces se piensa un mundo construido desde el teórico “subrealismo” sino al contrario, un super realismo, un término que intenta explicar que dentro de cada uno de nosotros, de toda la sociedad, además de lo que observamos hay mucho más, hay un mundo casi escondido donde cabe casi todo, donde está lo imaginado, lo irracional, el mundo psíquico de cada uno de nosotros, el mundo real que creemos irreal.

Se esconde en sus mundos la irracionalidad de la razón, la violencia de la palabra, del gesto, del grafismo, del trazo, de la pintura, ante una realidad social que es violenta y que en esos años nadie entiende bien. 


—¿Cómo hemos llegado hasta aquí?— se preguntaban las sociedades del final de la I Guerra Mundial.

La I Guerra Mundial fue una masacre sin paliativos y sin entendimiento conceptual
pues supuso el nacimiento de los bombardeos a las ciudades, de los ataques indiscriminados con armas químicas.

Tras aquella barbaridad surge un mundo totalmente diferente con los Felices años 20, donde los que se lo podían permitir abrazaban la juega, la felicidad con añadidos, la despreocupación por el futuro, por lo terrenal. Y en todo ese caldo de cultivo surge el Surrealismo como forma artística de intentar expresar todo lo que rodeaba a esos años que nadie podía entender bien.

Las emociones se multiplicaban y se convertían en algo mucho más complejo, por lo que algunos artistas les dieron la vuelta creando literaturas automáticas, poesías visuales o pinturas del mundo más interior, donde casa nada era lo que parecería ser. 

Si el hombre puede matar al hombre lanzándole productos químicos encima… ¿por qué no va a poder explicarle que se puede sentar dentro de unos grandes labios rojos, o que un ave es una mancha roja con rayas negras?

En la imagen vemos el Cartel de Max Ernst para la Exposición Surrealista Internacional de 1936 en las New Galleries Burlington de Londres.

Demsky y las crónicas de tu ya no pueblo. Kirk Douglas y su raza

Porque se nos ha ido el gladiador Kirk Douglas y ya nunca nacerán esas espaldas que tenía Issur Demsky. Judío de estirpe bielorrusa born in Amsterdam. A quien su hijo se parece menos, como roca de desierto a la que le da el sol de la tarde, que el fiero Harvey Keitel. En mi opinión, su único sucesor artístico judío.

Ambos gentes de las que llenaban un bar, que paraban una conversación desustanciada solo con una mirada, un pelado y corte de cebolla enérgico a navaja. Como tantos irremplazables con copia mala.

Sosteniendo y encerrando en sus manos de sarmiento todo un hatillo vital de emigrantes. De judíos errantes o de pastores por cabañera, da lo mismo.

Ahora todo es técnico y de muchas palabras. Pero seguirá siendo necesaria que piensa en cuándo están maduras y huelen las trufas.

Maduradas por el frío, es otro de esos olores como el pachuli que no se pueden embotar antes de hora. Que modifican el sabor de los huevos más que siendo rayadas en ellos, dejándolas en la nevera para que los aromaticen crudos.

Kirk Douglas perteneció a esa grey, raza e individuos por circo y necesidad esculpidos. Hubiera disfrutado echando humo en cualquier casino o bar de Jacetania, relatando sus errancias, sus yerros y sus cosechas perdidas por falta de conocimiento del árbol que plantó donde fuera.

Ahora salud, castings o pasarse de fuerte están protocolizados.  Desde entonces, hay un porcentaje de medianía que mejora imputando todas las muertes a los sanjuandedios u hospitales especiales coronachinos del mundo. Pero los omoplatos y tibias tronchaus, ya no nos sueldan como a Demsky y se nos queda el cuerpo contrahecho.

Igual es que le damos demasiada mente al postoperatorio y a ellos les cosieron en vivo. Y tuvieron ellas y ellos dedos como ramas de noguera.

Savia de saúco no podado, by Gaultier… No son ya más que nombres que barajear en campañas de promoción.

Tus hijos viven a todo trapo blanco de harina, ocultos en Valldemossa sin bajar al bar ya cerrau a convivir y sentir por qué comprar trufas en Teruel a primeros de diciembre pero no tanto en la Canal.

06.02. 2020 Luis Iribarren

Mural de Manolo González, en Huesca

Este mural me lo encontré en una visita a la Escuela Superior Politécnica de Huesca y firmada por Manolo González en el año 1990. Pero no he sido capaz de lograr más información de una obra que me pareció muy interesante. Simplemente la disfrutaremos observándola.

9.2.20

¿Qué queremos transmitir con el Arte?

El ARTE es sobre todo mostrar y hablar. O hablar mostrando. Describir con grafismos, imágenes, letras, acciones o espacios aquellas ideas que se quieren transmitir a los demás. 

Es hablar y no con la boca solo, sino utilizando muy diversas herramientas. hay arte en la escultura, en el teatro, en la pintura o en la literatura, en la música o en la danza.

¿Qué queremos decir?

¿De qué manera lo sabemos describir?

¿Cómo queremos transmitir lo que deseamos contar?

¿Hacia quién deseamos dirigirnos?

¿Cuándo y durante cuánto tiempo vamos a mostrar el contenido de las ideas? 



5.2.20

José Luis Cuerda se ha ido a soñar. Y nos dejó sus sueños

El surrealismo es mucho más que una técnica pictórica de plantear ideas e ilusiones, sueños mezclados con realidad. También la literatura, la poesía, el cine, la poesía, el humor, la arquitectura, el teatro han emprendido camino surrealistas para explorar mundos escondidos.

Ayer se nos escapaba José Luis Cuerda, con muchas ganas de irse pues la enfermedad le castigaba desde hacía ya mucho tiempo. Con su película "Amanece que no es poco" dio a conocer al gran público una forma distinta de mostrar su mundo interior desde el surrealismo sin excusas. Dejó muy claro que desde el surrealismo se pueden explicar muchas cosas bárbaras.

Abrir los caminos, ensancharlos, mostrarlos, explorar nuevas herramientas es el camino responsable de cualquier artista que quiera expresarse utilizando todo tipo de pinceles. José Luis Cuerda se ha ido a su mundo de sueños.

4.2.20

El arte es un idioma para explicar la historia de la humanidad

El ARTE es un idioma, una forma de hablar, de comunicar, una manera de expresión que desde hace miles de años han ido utilizando las diversas sociedades para explicarnos “cosas” de su momento vital. 

A través del arte conocemos parte de toda nuestra historia e incluso en algunos momentos de ella es (casi) lo único que nos ha quedado para intentar entender qué eran, qué pensaban las personas anteriores a nosotros.

Por eso el arte es fundamental para conocer la historia de la humanidad. Y por eso los artistas tenemos la obligación de conocer la Historia del Arte pues sin saber lo suficiente de ella nos podemos perder a la hora de intentar seguir hablando, seguir comunicando.

En el arte como en cualquier otra forma de comunicación hay que intentar ser novedoso, explicar algo nuevo o desde otro punto de vista o con otros símbolos. 

O simplemente adaptado a la particular forma o manera de expresión de un momento dado en la historia de la humanidad, es decir, (para nosotros) en el nuestro. En nuestro presente.

Pero a su vez, además de expresarnos en el presente, debemos conocer bien todo el tipo de grafismo que en nuestro “hoy” se utiliza para expresarnos. No para copiarlo, no para seguir por el mismo camino de expresión, sino para elegir y decidir.

En todos los tiempos de la humanidad se han ido encontrando nuevas formas de expresión, y esos cambios los han realizado personas que tras conocer lo que ya se hacía, decidieron modificar procesos, formas, expresiones, bases o lienzos, buscando cambios que fueron abriendo nuevos caminos.

El trabajo de cada uno de los que hablamos con el arte es fundamental para abrir o cerrar caminos, y admitiendo que es posible haber perdido algunos de esos intentos en la historia de la humanidad, sin duda han quedado los mejores o los que más suerte han tenido para mantenerse, y con ellos han (hemos) escrito la historia de la humanidad.

La obra que vemos arriba es un “San Gil Penitente” del artista italiano Paolo de Matteis, de finales del siglo XVII o principios del XVIII. Fue discípulo de Luca Giordano. La obra se encuentra en la Real Academia de Bellas Artes de San FErnando en Madrid.

3.2.20

¿Puede Joan Miró pintar como un niño?

Cuando un niño dibuja o pinta, lo que hace es sacar de su interior su propia memoria. Dibuja lo que recuerda que ha visto, lo que ya le ha quedado dentro, una imagen fija que sin ser real es la que idealiza. 

Dibuja lo que ha visto, pero modificado por sus vivencias, por lo que realmente percibe, por lo que él ha querido quedarse dentro. 

Un adulto es para un niño un ser enorme, pero no tanto por el tamaño sino por lo que representa para él. No todos los adultos son igual de enormes pues el tamaño real para un niño es la suma de varios factores.

Los dibujos infantiles no están para interpretarse, aunque a veces se haga, sobre todo con el clásico test del árbol. Están sobre todo para disfrutarlos, y para escuchar las explicaciones del joven artista, casi del nonato artista.

En este dibujo de la izquierda lo que vemos tú y yo posiblemente no es lo mismo que deseaba plantearnos el dibujante. Para él aquello era un espantapájaros. 

Pero mezclaba el concepto irreal de un espantapájaros con el de una persona con vida, fruto posiblemente de imágenes de cuentos o de vídeos. Ya tenemos pues la capacidad de abstracción, de imaginar y además…, de al revés convertir en real lo que él imagina.

Para el niño no es un espantapájaros normal, es un espantapájaros sonriente. Y además y curiosamente tiene ombligo. Fruto casi seguro de su propio hermano menor, que lo tiene y le produce sensación de curiosidad humana.

Pero sigamos jugando. Vamos a ver a la izquierda el dibujo original del niño y a la derecha una representación teórica de esos mismos grafismos adaptados a los grafismos de Joan Miró. Es un ejercicio burdo y rápido, pero lo que he intentado mostrar es que la distancia entre una obra de la imaginación infantil no está muy alejada de las obras de un pintor abstracto que por cierto sabía dibujar maravillosamente y hay ejemplos de eso.

Tal vez como se dice ahora mucho, se trate de restar, de quitar, de hacer más con menos. O al menos lo mismo pero con menos, para que todo salga más sostenible y sencillo de abrazar.

2.2.20

Ángel Orensanz y sus dibujos escultóricos en papel

Todos conocemos y reconocemos muy bien la obra escultórica de Ángel Orensanz, pero todos los artistas tienen obra en diversas técnicas, bien por ser obra de distintos tiempos vitales, por ser la obra de sus comienzos, por ser bocetos o apuntes que luego sirven para obras finales posteriores.

Este es un dibujo de Ángel Orensanz que se conserva en su Museo de Sabiñanigo en Huesca, donde podemos disfrutar de una gran colección de dibujos suyos, algunas esculturas y algunos textos suyos con opiniones diversas.

31.1.20

El Arte, su momento y su lugar de creación, asociados totalmente

Cualquier creación artística se enmarca en el momento en que nace, en que se crea. Es imposible no impregnar poco o mucho de la realidad del momento de la creación, cuando nos ponemos a crear algo nuevo. Sea una novela, un cuadro, una obra de teatro o una película

Incluso da igual si es una película de la época romana, sin querer y sin darnos cuenta, estaremos casi seguro añadiendo elementos del momento actual, pues lo construimos desde nuestra forma de pensar actual.

Si cogemos un texto de Lope de Vega
, si quisiéramos montar una obra de teatro con su texto, veríamos que le tenemos que añadir casi todo. El texto es la historia, la sustancia, pero falta el plato, los cubiertos, las compañías, el ambiente, las luces, le mesa y el tiempo real junto a su ambiente.

Si analizamos hoy cualquier obra de arte pictórica y no somos capaces de abstraernos al tiempo en que fue creado, la estaremos viendo parcialmente con arreglo a lo que el artista nos quiso mostrar. Y eso que la pintura es la disciplina junto a la fotografía que más se acerca a la realidad. Pero a la realidad de su momento.

Una obra de arte es un momento tiempo, es un ambiente, un lugar. Un ballet ruso del siglo XIX nació allí y lo podemos ver ahora aquí. Pero a la hora de representarlo, de copiarlo para transmitirlo en el momento actual, hay que decidir cuánto del siglo XIX ruso queremos mostrar.

Pues no se trata solo de mostrar a unos bailarines moviéndose maravillosamente. Hay que añadir un espacio, una escenografía, una iluminación y unos colores, un ritmo, una música que podemos volver más o menos alegre o triste, un conjunto que puede ser más o menos numeroso y agrupado o desperdigado. 

Sin contar que hoy le podemos añadir imágenes de fondo estáticas o en movimiento, podemos jugar con guiños al espectador, o a la hora de crear la escenografía debemos ambientarla como deseemos transmitir sensaciones.

Es una pintura de los años 1960 en España es normal que se refleje la falta de libertad, y en los años 2000 que se vea la confusión. Si esta obra no es de un autor español sino chino o ruso, se notará su procedencia espacial y temporal. Y eso es siempre un valor añadido que tiene el ARTE pues refleja notarialmente los tiempos.

La pregunta respuesta es sencilla ¿Por qué necesitaba la iglesia católica tantas obras sacras en el siglo XV mostrando a Cristo sufriendo, a demonios o ángeles? Era mera propaganda que había que explicar a una sociedad analfabeta a base de imágenes.


La obra que podemos ver arriba es una olla del pueblo peruano de Nazca, posiblemente con uno 2.000 años de antigüedad y que nos muestra a un Ser Oculado de cuerpo entero con ojos desorbitados, boca felina y como falsamente alegre que parece cobrar vida para saltar sobre nosotros. Una clásica obra religiosa de aquellos años en aquella zona en concreto.

La Compañía de Rafael Amargo y su Dionisio

Acudí a ver la obra “Dionisio” de Rafael Amargo, o mejor dicho de la Compañía de Rafael Amargo y debo reconocer que me sorprendió doblemente. Por una parte lo flojo del guión, que aunque no afectaba enormemente a la obra pues en realidad iba “de otra cosa” resulta complejo para una obra de ballet y teatro que aspira por el nombre a representar un trabajo clásico.

Pero a su vez me sorprendió por la belleza del espectáculo, su escenografía o el trabajo de la Compañía, excelente y sin poder señalar a ninguno de sus integrantes, estuvieron muy profesionales, muy dignos, muy conscientes de que el ARTE escénico puede tener muchas variables.

Lo de menos, lo recalco, es la excusa de utilizar a Dionisio como el motor de la obra. No lo parece y no encaja bien pues igual podría haber sido una fiesta del sur de España que un amor entre diversos o un planteamiento del norte de Europa. Desenfreno tal vez no suficientemente explicado, sexo y fiesta, dolor y dudas.

Buena escenografía, buena musicalidad e iluminación, mal sonido. La figura de Rafael Amargo a veces sobra. No es necesario estar siempre en el escenario, incluso a veces NO estar supone que al volver si coga con más ganas. No tenía su día o su mes un Rafael Amargo que se cansaba mucho antes que sus compañeros de un trabajo duro, donde se entrega al público sobre todo una composición artística buena, llena de hermosos cuadros y de un ballet contemporáneo que a veces quiere ser clásico y otras histórico.

El conjunto como obra musical de ballet moderno funciona. Como obra clásica que nos quiere contar una historia… ya no tanto. Algunos protagonistas de la Compañía simplemente excelentes, lo mejor de toda la noche.

La Composición es el elemento básico en la creación artística

La COMPOSICIÓN es lo más importante a la hora de crear arte, es lo primero, lo básico, lo fundamental. Es el marco sobre el que se coloca todo lo demás. La composición es lo “que compone” el resultado. La composición es simplemente la ORGANIZACIÓN de los espacios y de los elementos.

Todo lo que seamos capaces de crear hay que enmarcarlo (y no me refiero a ponerle marcos de madera) y seleccionarlo, cortarlo, mostrar lo que deseamos y sobre el espacio que hemos decidido utilizar, al que podemos llamar lienzo, escenario, hoja blanca o espacio tiempo.

Vamos a imaginarnos un paisaje, y lo vamos a fotografiar o a pintar, daría igual. Tenemos que decidir si lo queremos transmitir horizontal o vertical, tenemos que elegir el punto de vista y distribuir los elementos que vemos sobre el espacio elegido.

Sobre todo en pintura tenemos que decidir qué importancia queremos para cada elemento. Qué tamaño deseamos mostrar de las montañas, de esa flor amarilla, del espacio del total que deseamos cubrir del verde hierba. Vamos a decidir si el cielo es simplemente cian con algo de magenta o queremos mostrar un cielo con nubes blancas, de tormenta o de noche.

Si es teatro o literatura tenemos que decidir en qué momento entra un personaje, desde qué lado, vestido cómo, para decir qué. Vamos a componer la historia a base de componer el espacio y el tiempo. Y componer es también dar más o menos tamaño a cada elemento, sea un personaje o una mancha, un sonido o un grito.

La suma de toda la obra es la suma de muchos elementos, pero la Composición determina en qué posición hemos colocado cada uno de ellos, por ejemplo para que entre ellos no se tapen, se contrapeses bien, encajen de colores sin vibrar más de lo que deseas, etc. La suma de todas esas decisiones es la Organización que marca la Composición final de la obra.

¿Cambiamos la mirada del personaje? ¿Quitamos verde y añadimos negro? ¿Movemos hacia el centro esa mancha roja, haciéndola algo más pequeña? ¿Dejamos la percusión que entre unos segundos antes? ¿Acercamos más al actor hacia los espectadores para que le vean mejor la cara rota de sus dolores?

La obra que vemos arriba es del artista holandés Karel Appel y se titula “Figuras” pintada en el año 1952 al óleo.

26.1.20

Una pieza de arte textil llamada "Mola" de Colombia

En la imagen vemos un ejemplar de "Mola" una técnica de arte textil que se realiza en algunas zonas de Colombia y Panamá, generalmente realizado por los Guna (o Kunas), un pueblo amerindio con ancestrales formas sociales de vida y de organización laboral, familiar y económica. 

Una mola es una pieza textil compleja, con diversos diseños artísticos que va configurando con diversas piezas terminadas una blusa o un vestido para su uso festivo.

En realidad es un ropa que imita con dibujos geométricos los mismos tipos de pinturas que se pintaban en el cuerpo, técnica textil confeccionada totalmente a mano, donde reflejan el mantenimiento de sus culturas aunque en los últimos años van añadiendo a sus diseños aves, flores y animales de las zonas de influencia. ya no son solo dibujos geométricos. 

La técnica se basa en unir varias capas de tejidos de distinto color, entre dos y siete capas, que una vez cosidas, se cortan trozos de las diferentes capas para ir dejando ver los colores de las capas inferiores, o se rajan y se abren capas para la misma sensación visual, cosiendo las aperturas con hilos muy finos.  

Todo el conjunto final con su aperturas y trozos retirados se cosen con agujas muy finas para que casi no se noten las puntadas y de la sensación de ser todo una sola pieza de tela, entresacando las partes de las diferentes capas para que el conjunto quede en apariencia como una tela de una sola capa o a lo sumo de dos. Cuantas más capas tenga la tela y más finas las puntadas, más cara es la obra de arte.


24.1.20

¿Cómo trabajaba Hergé para crear a Tintín?

Este que vemos arriba es un primer boceto de un álbum del dibujante Hergé (Georges Prosper Remi), el creador belga de Tintín, recogiendo su primera idea en un cuadernos de bocetos específico para esas primeras escenas donde ya marcaba los paisajes que iban acompañar a los personajes, las posturas de ellas, la posición de la “cámara” que los iba a representar en el cómic final. 

Pero no era todo improvisación. Antes Hergé se documentaba y tenía a su alcance libros y revistas de donde sacaba esos paisajes y la información que necesitaba para reflejar el escenario o los personajes nuevos que iban a acompañar a los fijos y muy conocidos.

Alrededor de sus escenas ya iba colocando los diálogos o los textos explicativos de la acción para plantear el tamaño de los bocadillos finales, aunque luego eran finalmente modificados los textos cuando pasaban a la mesa de dibujo final, y allí eran definitivamente dibujadas las viñetas sin excesivo detalle en hojas A3 y con lápiz. 

Y se hacen por primera vez los bocadillos pues ya se conoce los textos que van acompañar cada viñeta.

Tras revisar toda la hoja ya dibujada casi definitivamente a lápiz se pasa al siguiente paso que es dibujar definitivamente la hoja de cómic a tinta, terminando los detalles y convirtiendo a los personajes en sus figuras habituales con sus detalles bien reconocidos. 

Se completan los bocadillos adaptando los espacios vacíos pero sin escribir textos y se pasa a la sección de colorear, donde los colaboradores de Hergé se dedican a dar el color a los dibujos con aguadas y acuarelas y con arreglo a la información que tienen de cada escena.

Finalmente los textos se incorporan al dibujo con diversas técnicas. Actualmente parte de estas secuencias de trabajo que hemos visto se realizan de forma digital. El coloreado y la incorporación de los textos son las funciones que ya (casi) todos los dibujantes realizan de forma digital.

23.1.20

Las 3 ó 4 patas de la creación artística

Cualquier obra de arte se sujeta sobre dos columnas claras. La IDEA y los MEDIOS. Lo que queremos decir y las herramientas que utilizamos. Luego está como tercera columna nuestra experiencia, personalidad, mochila…, el ARTISTA.

Si falla cualquiera de las tres patas de la banqueta todo se cae. ¿O tiene cuatro?

Una idea se puede representar de miles de formas, dependiendo de las herramientas o del artista.



 Con las mismas herramientas se puede realizar miles de obras o ideas diferentes.


 Cada artista utilizando las mismas herramientas puede transmitirnos la misma idea de formas muy diferentes entre unos y otros.

Una fotografía puede refleja la soledad, pero también una escultura, una obra de teatro, un relato corto o un cuadro en acuarela. E incluso esa misma soledad reflejada a través de una fotografía será tremendamente diferente de un fotógrafo a otro.

El tema, la idea, es el fundamento, la sustancia. El sentido de la obra. Pero va unido claramente a las herramientas, a los medios. Si no se dominan los medios que utilizamos para “contar” será imposible lograr lo que se pretende. 


Un pintor no puede reflejar la soledad en una novela con la misma calidad que lo haría con una obra en lienzo. Y al revés. Si no se domina la herramienta, no seremos capaces de transmitir lo que queremos decir.

La unión de las tres patas (mínimas) del taburete son imprescindibles para que la banqueta no cojee. La idea, la herramienta y el creador de la obra, del contenido. Efectivamente, hay infinidad de tipos de banquetas, de alturas, de calidad, de belleza. Pero todas necesitan tener tres patas similares en altura.

Pero podríamos decir que hay una cuarta pata en ese vehículo de expresión artística y que podríamos llamar el MOMENTO o el LUGAR. El espacio tiempo en donde se realiza la obra. 


No es posible crear lo mismo en un país asiático que en Portugal, no es lo mismo 1945 que 2018 por poner ejemplos sencillos. Algunos artistas logran abstraerse de la influencia del lugar o del tiempo, pero no todos y no siempre. Y en cualquier caso siempre llevan encima de su obra la influencia de un lugar y de un tiempo.

Esta obra de arriba es del artista marroquí español José Hernández Muñoz titulada “Mesa Malaya” y creada en el año 1987. Decía José Hernández Muñoz: “La Pintura es silencio. Un silencio esencial de imágenes”.



22.1.20

El arte que observamos está escrito en un alfabeto que no conocemos

Al ARTE que observamos, el de cualquier artista que quiera ser considerado como tal, es el producto de un complejo proceso donde intervienen muy diversos aspectos que ellos van sumando a su proyecto artístico. 

Si el resultado final merece la pena, si se nota el trabajo realizado o si se queda vacío de fondo es la muestra más clara de que lo hemos comprendido, entendido o si en cambio el autor no ha sabido transmitirnos lo que pretendía.

El ARTE es muchas veces una escritura con formas, texturas, colores, movimientos, sonidos, voces. Y es posible que al igual que ya sabemos leer en nuestro idioma familiar desde muy pequeños, el arte en un idioma que utiliza signos distintos, y que por eso no siempre somos capaces de entenderlo, de leer lo que se nos dice.

El artista elige materiales, formas, modos de mostrar el conjunto, espacios, marcos mentales, para atrapar nuestra atención pues los presuntos alfabetos (abecedarios) que utiliza el arte sin innumerables.

Si se nos escribe un poema en chino o árabe no seremos capaces de entender lo que nos dice más allá de la posible belleza de sus signos, pero no entenderemos el mensaje o su enunciado. Hay que explorar sobre lo complejo para desentrañarlo. Y el arte algunas veces está en ese mismo dilema. Estás escrito con signos que no siempre entendemos.

Un ARTISTA tiende a mantener su “idioma” artístico durante toda su obra para simplificar el entendimiento de sus seguidores. Miró, Picasso o Millares por poner tres ejemplos al azar mantuvieron unas “formas” gráficas durante muchos años de su producción para reconocer sus mensajes, para familiarizarnos con sus signos, sus lenguajes de trabajo.

Todo eso es un trabajo del artista que va sumando ideas similares dentro de sus proyectos de autor y sin salirse de su “idioma” artístico, mientras va avanzando desde el mismo proceso, buscando nuevos caminos, diferentes zonas de actuación.

La obra que he dejado arriba es de Luis Feito del año 1960. Si observamos su producción artística veremos una clara evolución sin salirse mucho de su propio idioma. Una vez alcanzado un punto de trabajo, de expresión con manchas y formas determinadas, sigue evolucionando desde ellas, cambiando colores o simplificando los espacios, pero ya no vuelve a los años anteriores, donde las líneas parecían marcar más sus formas de dialogar con el espectador. 

Su cambio más profundo en estos últimos 50 años puede ser la inundación de color en sus obras, manteniendo sus formas y sus distribuciones.

En el ARTE hay que insistir con series temáticas

Se nos dice muchas veces en la vida que hay que insistir, que hay que volver a los mismos sitios hasta dominarlos, que hay que especializarse. Y sí, es una buena manera de crecer sobre algo en concreto, de que cada vez sea mejor lo que hagamos en esa especialidad pues se van sumando experiencias. 

En el ARTE sucede lo mismo. 

Hay que insistir con SERIES similares, con temas elegidos a los que les vamos exigiendo cada vez más y más. Hay artistas que (casi) toda su vida la han dedicado a un tema muy concreto.

Aprendemos de todo lo que nos va rodeando en nuestra vida, y vamos aprendiendo de ese “algo” elegido por nosotros a base de insistir, de repetir, de mirar y remirar lo mismo siempre, desde muy diversas ópticas, puntos de vista, añadidos o restados, hasta dejar pulido y abrillantado el tema.

Los artistas que logran salir de su zona de confort se instalan en otra zona de confort más compleja que les permite ampliar sus conocimientos sobre ella. Eligen una temática, la exploran hasta casi agotar sus posibilidades, le dan la vuelta, la miran desde distintos puntos de vista. 

De esa exploración repetitiva, de ese insistir en la temática van saliendo cada vez aspectos y puntos de vista que al principio ni tan siquiera imaginábamos.

Pongamos un ejemplo muy sencillo. Vamos a crear series de fotografías de ventanas.

En un principio nos gustarán todas las ventanas que se salgan de lo habitual. Y le añadiremos nuestro punto de vista y el tratamiento que nuestra formación crea más conveniente. 

Pero poco a poco iremos explorando el mundo de la ventana hasta convertirlo casi en una obsesión. 

¿Ventanas rotas? 
¿Ventanas vestidas? 
¿Ventanas con personas? 
¿Ventanas con gran colorido? 
¿Ventanas rurales? 
¿Ventanas distorsionadas? 
¿Trozos de ventanas? 
¿Paredes junto a las ventanas? 
¿Clavos o enganches de las ventanas?

Nos hemos ido moviendo desde un trabajo “con” ventanas a un trabajo “de” ventanas para terminar con un trabajo “contra” las ventanas. 

De la primera obra a la última veremos que ya no parece un trabajo sobre ventanas, aunque sea un trabajo con ventanas. Y de ese camino saldrá algo "diferente" y sin duda más pulido y válido.

21.1.20

Necesita la música para seguir caminando más lejos

Desde la ciudad de Bali en Indonesia me llega esta imagen efímera de la artista Julia Volchkova, reconocida artista rusa que domina sobre todo el arte urbano muralista con imágenes ácidas y en (casi) blanco y negro donde retrata a personas realizando siempre acciones potentes. Este músico callejero nos grita que él… necesita la música para seguir caminando cada vez más lejos. Fue pintada en el año 2018.


Mi arte es algo sin lo cual no puedo vivir, por eso intento pintar o dibujar todos los días”, Julia Volchkova

La importancia de aprender a dibujar antes de pintar

Cuando estudias Arte o simplemente Pintura (si quieres ir rápido simplificando las enseñanzas) es muy normal que te canses enseguida de algo que no llegas a entender bien. Hay que aprender a DIBUJAR. Y las primeras clases, los primeros meses son de DIBUJO. Quieres tocar color, tocar pinceles, pero los profesores se empeñan en enseñarte a dibujar.

No te rebeles, es muy importante aprender a DIBUJAR y es muy necesario que dediques tiempo a ello. Dibujar es lograr aprender y/o dominar tus manos y dedos a transmitir a un papel lo que piensas.

En principio aprender a transmitir lo que ves, lo que ven todos. Unas escayolas, unos bodegones, unas sombras y unas luces. Nada más que eso.

Tienes que enseñar a TU herramienta el trabajar, para que sea capaz de realizar lo mismo que estás pensando, lo mismo que tu ves en tu imaginación. Tienes que aprender a representar lo que estás viendo, para que sea lo más parecido posible a lo que te imaginas que ves. De momento, escayolas, flores o jarrones, luces y sombras como decíamos antes.

Y para ello nada más barato que el papel y nada más fácil de corregir, quitar y sobre todo añadir como el carboncillo. En realidad se aprende con carboncillo y papel por lo rápido y barato que resulta aprender a dibujar con esos elementos. Pero recuerda que lo importante es tu mano, la conexión entre lo que deseas hacer con tu cerebro y lo que realmente hace tu mano.

Pero además debes aprender a mirar y a ver. Una escayola es un objeto inerte que está iluminada de una forma determinada. ¿Tu ves todas sus sombras y luces para convertir algo blanco y soso en una completa gama de grises que le dan forma y volumen?

Cuando intentas dibujar una escayola observas que te queda “muerta”, como sosa, sin vida o sin volumen. Simplemente es porque no has “pillado” todas sus sombras y luces. No las estás viendo. Le falta a tu obra detectar cuales son más importantes que otras para lograr que logre vida. 

Es decir… falta aprender a ver, no sabes todavía detectar las partes de luz y de sombra que convierten a tu obra en más real. Lo estás mirando y lo notas, pero todavía no lo sabes ver bien.

Tenemos con el DIBUJO que aprender a pensar con la mirada para luego hablar con las manos empleando utensilios muy diversos. 

Se empieza dibujando del natural para aprender a controlar nuestras herramientas naturales (la vista y las manos). Y de esa forma estamos aprendiendo a transmitir a un papel y luego a un lienzo lo que nos imaginamos. 

Aunque luego sean imágenes abstractas, geométricas, montajes o collages. Eso al final son técnicas ajenas al aprendizaje, al saber mirar y saber transmitir lo que vemos.

Os he puesto arriba un dibujo de Joan Miró, una obra que en apariencia no necesita el autor ser un reconocido dibujante capaz de transmitir a un papel un dibujo reconocible. Joan Miró tienes obras de juventud donde el dibujo es perfecto, demostrando un gran dominio del dibujo que podríamos llamar academicista. 

Para pintar como Joan Miró antes el aprendido a dibujar y con ello a dominar sus manos y sus formas de ver. Esta obra es del año 1953, cuando Miró tenía ya 60 años, y se titula "La sonrisa de alas flameantes". Es propiedad de Caja Madrid.

Cualquier cosa puede ser una Obra de Arte. O no

Dicen, y creo que es verdad, que cualquier cosa puede ser una Obra de Arte, lo cual no quiere decir que una Obra de Arte sea cualquier cosa, ni que cualquier cosa es una Obra de Arte. Depende todo. Del contexto, de la forma, del marco, del lugar en donde se encuentre, del mensaje que nos manda con arreglo al espacio. Incluso depende del encuadre, de la luz, del envoltorio, del momento.

Alguien —Duchamp— logró convertir una taza de urinario en una obra de arte simplemente dándole la vuelta 180 grados. Pero le añadió algo. La firma. Y la osadía de presentarlo en una magna exposición de obras de arte.

Una tortilla deconstruida en un restaurante de lujo y nombre puede ser un buen plato de 60 euros. Esa misma tortilla en el bar de abajo es un día de mierda del camarero. Depende. Al de abajo no le piensas pagar, al de los 60 euros le dejas propina y sales encantado de que te haya hecho un hueco para poderte atender.

Yo creo que al ARTE le damos a veces mucha más importancia de la que el propio arte nos reclama. Yo prefiero quedarme en la parte baja de importancia y así poder disfrutar más de casi todo lo que me parece arte. Me conformo con poco. Por ejemplo con que simplemente provoque.

Un plátano pegado a una pared de una conocida sala de arte es una Obra de Arte. Pegado en la pared de un mercado de barrio es una gamberrada. Puede ser incluso el mismo plátano. En realidad no es el plátano la Obra de Arte sino la acción de poner el plátano pegado en un sitio determinado.

Cuando Mauricio Cattelan puso su obra “Comedian” pegado en la pared del Miami Art Basel no pensó en vender un plátano pegado con cinta americana, sino en provocar al propio arte que lo había separado durante 15 años y del que se quería reír a costa de hacernos reflexionar si cualquier cosa puede ser considerada Arte. Pues depende.

¿Valía los 120.000 dólare que alguien dijo que pensaba pagar por la obra de arte del plátano, antes de comérsela otro artista? Pues sin duda no. Incluso su precio servía para poner en valor artístico a la pieza en su conjunto. Sin precio alto es posible que nadie considerase aquello como una obra de arte. 


No es que seamos tontos, que también, es que simplemente nos movemos en parámetros que no siempre son lógicos. ¿Puede ser lógico el arte surrealista?

20.1.20

Mujer sentada, obra en papel de Pablo Picasso

Esta obra en papel es de Pablo Picasso que trabajó en muchas ocasiones muy diversas obras en papel dando valor a una base, un soporte, que no siempre valoramos en su justa medida. El título es "Mujer sentada" y lo realizó en el año 1938. Con este mismo título, Picasso realizó muchas otras obras.

19.1.20

Diorama de Nápoles del siglo XVIII. Arte en cera

Hubo un tiempo que algunos artistas hacían pequeños dioramas de siluetas de ciudades en sus momentos clave de su historia, como una forma artística de crear en relieve lo que a veces también se trabajaba en pintura, pero con técnicas que recordaban más a la escultura en miniatura o al actual modelismo.

Se hacían relieves en cera enmarcados luego dentro de unas urnas de cristal, para decorar salas de estar o de comedor. En esta caso podemos ver una Vista de Nápoles de Nicolás Englebert Cetto de mitad del siglo XVIII.

Los ángeles llevan entre sus brazos unos carteles indicando el nombre de los edificios más importantes de la ciudad, como si fuera una postal turística de entonces. En la zona más cercana vemos las aguas casi moverse, intentando zarandear a barcos con unas olas de gran tamaño que mueven los barcos como si no tuvieran peso. Eran obras muy fotográficas mucho antes de inventarse el procedimiento, donde se buscaba sobre todo impresionar al espectador.

18.1.20

Los niños sí, los adultos… no. Está prohibido asomarse a la vida

Desde Indonesia nos remite esta preciosa imagen urbana de la ciudad de Bali la corresponsal compartida entre Luis Iribarren y todos nosotros, lectores y miradores de ese arte efímero que es el sencilla arte urbano con doble intención.

El niño quiere salir, o quiere entrar, o quiere mirar. Todo es posible. El niño se está aupando para llegar a la libertad que supone poder saber “qué hay detrás” y con ello se comporta como cualquier otro niño. Algo que los adultos ya hemos sido domesticados para no hacer. No hay que intentar saber qué hay detrás, no vaya a ser que nos guste y nos volvamos atrevidos queriendo alcanzarlo.

Los niños sí, los adultos… NO. Tenemos que aprender que está prohibido.

Un dibujo de Diego Velázquez, de los pocos que existen

El dibujo es mucho más que un arte menor, es sobre todo un procedimiento de boceto para grandes pinturas y un método de arte con mayúsculas para reflejar ideas terminadas donde las formas imperan sobre el color o sobre las grandes muestras artísticas. Sin dibujo no hay arte, aunque sea en algunos casos incluso dibujo poco expresionista y en apariencia poco trabajado.

Este dibujo es de Velázquez, uno de los pocos que se han conservado de este importantísimo artista. Sirvió de boceto para retratar al Cardenal Gaspar de Borja y Velasco entre los años 1643 y 1645. Diego Velázquez ya tenía más de 40 años, era maduro y seguía utilizando aunque no se hayan conservado, dibujos para preparar sus obras.

En aquellos años un pintor era un contratado como lo puede ser ahora un fotógrafo de estudio, al que los grandes personajes no estaban dispuestos a dedicar mucho tiempo para posar. Así que había que tomar bocetos rápidos dibujando el rostro y las facciones, para luego en el cuadro terminar de esbozar los parecidos con visitas rápidas en muchos casos, fueras Goya o Velázquez.

Se empieza con la mancha, para lograr volver a la mancha

Manchar es también crear. Es formar y edificar escenas, es llenar vacíos o cambiarlos de aspecto. Es intentar dar vida nueva a espacios vacíos. Se empieza manchando cuando eres niño, y puedes terminar como Goya, volviendo a manchar como con ls Pinturas Negras. 

En el camino entre las primeras manchas y las últimas puede quedar un inmenso espacio para mostrar su pensamiento, tus ideas. Se empieza con las manchas, para lograr volver a las manchas.

17.1.20

Aníbal vencedor visualizando Italia desde los Alpes, de Goya

Es muy posible que el primer cuadro que se atribuye a Francisco de Goya: “Aníbal vencedor visualizando Italia desde los Alpes” sea subastado en la sala Sotheby’s de New York por una cantidad inicial de 800.000 dólares lo que podría suponer una venta final al menos sobre el millón de euros. Es un cuadro de propiedad privada que se encuentra en New York y que tiene un tamaño pequeño de 41 de ancho por 32 centímetros de alto y que sirvió de boceto para el cuadro definitivo que se encuentra en la actualidad en el Museo del Prado.

Esta obra ya ha estado expuesta en el Museo de Zaragoza en el año 2008 dentro de la Exposición “Goya e Italia” y existe otra obra similar pues fueron dos los bocetos que realizó Goya para la obra final del mismo nombre.

¿Habrá terminado sus estudios Kanwaljeet Kumr?

Hoy nadie duda de que los fotógrafos deben estar en todos los Museos del mundo, deben figurar en exposiciones de Arte Contemporáneo y deben ser tenidos como artistas globales, incluidos los fotógrafos periodistas o reporteros, que además de informar trasmiten (o lo intentan dentro de sus enormes dificultades) mostrarnos su particular punto de vista en estética y con valores artísticos.

Abel Ruíz de León es uno de ellos con con poco mas de 20 años decidió irse a Afganistán con una cámara fotográfica a buscar la experiencia de la vida y de la muerte. A partir de ese momentos sus constantes viajes por zonas en conflicto le han enseñado que debe enseñarnos.

Por que enseñar es mostrar, es abrir los ojos, es incidir en la zona de confort de todos nosotros para que no se nos olvide que hay muchas otras sociedades y que algunas de ellas además de pasarlo muy mal, no tienen quien las quiera mirar. 

Esta imagen nos muestra a una joven de la India que con 21 años está estudiando a la luz de una vela pues no hay más comodidades en su casa. Tras 8 años viviendo con su familia en tiendas de campaña sabe que la vida no es fácil en los campos de concentración, pero ella quiere dejar atrás la pobreza por la falta de estudios y sabe que su esfuerzo es muy necesario para toda la familia. Esta imagen es del año 2008, tomada en la ciudad de Jammu. ¿Habrá terminado sus estudios Kanwaljeet Kumr?

14.1.20

Historia de España de Bartolomé Seguí

Hermoso dibujo ilustrado del mallorquín Bartolomé Seguí para su libro Mi primera historia de España de Editorial Molino realizado en el año 2009 a lápiz y posteriormente coloreado de forma digital. No debo añadir nada que no sea daros acceso a una entrevista suya pinchando aquí, realizada en Just Down. ARTE ilustrado de los de gran calidad.

12.1.20

Fotografía de un agujero negro, que es casi rojo

En abril de 2017 un equipo de unos 200 científicos lograron fotografiar por primera vez un agujero negro, en el centro de la galaxia Messier 87 que se encuentra a unos 55 millones de años luz de nosotros. Una distancia imposible ni de imaginar. 

Como imposible parece explicar la forma en que se ha tomado esta imagen teórica más bien, que parece ser está compuesta de la suma de cuatro millones de gigas hasta combinar los datos de diferentes telescopios que en diferentes días fueron explorando una zona concreta del espacio.

Ahora y tras más de dos años de traducción de los datos, en la primavera de 2019 se logró obtener realmente la imagen que vemos arriba que ahora el MoMA de New York a a colgar en sus salas.

Una imagen imposible de ver, que posiblemente exista, que sin duda tiene un componente artístico con arreglo a los cánones actuales, y que bien merece ser contemplada en un museo.

11.1.20

Escaparatismo en Gerona. Arte Efímero urbano

El escaparatismo, la decoración de interiores o exteriores, el simple buen gusto y el diseño de todo tipo, no siempre está considera arte pero es cuestión de tiempo que se le reconozca un valor que tiene pero no se quiere admitir en su valoración justa. 

Si nos hace más bella la vida, las calles, nuestras casas, el paseo, debe ser ARTE e incluso arte efímero en el caso del escaparatismo. Es teatro y decoración, es performance constante aunque no se quiera poner en valor. Es construcción de ambientes para agradar.

Estas dos cajas sencillas estaban en la ciudad de Gerona facilitando el reparto de folletos a ambos lados de una tienda. Pero de esto ya hace año y medio y ahora casi seguro ya no estará esto en las paredes pues muchas veces ser efímero le otorga más valor al trabajo decorativo. Siempre tenemos el recuerdo y la fotografía para volver a poner ante las sensaciones los trabajos bien realizados.


4.1.20

Boceto de Las Mujeres de Argel, de Pablo Picasso

Pablo Picasso con pluma y tinta china pintó sobre el reverso de una invitación para la venta de libros del Comité Nacional de Escritores realizó este dibujo que era un estudio para la obra "Las mujeres de Argel" en enero del año 1955. La tarjeta invitación era del año 1953.