¿Dónde están las ideas? ¿Dónde se esconde la creatividad? David Wojnarowicz


¿Dónde están las ideas? ¿Dónde se esconde la creatividad? ¿De qué forma puedo encontrar o descubrir nuevas ideas, nuevos proyectos?
Pues simplemente es cuestión de mirar y de saber ver sobre lo que estás mirando. En fotografía funciona de forma perfecta pero en cualquier otro campo es muy similar. Observas un espacio, unos objetos, unas personas, un paisaje, pero todo él no es nada; es todo pero no es nada en particular. No es "TU" idea, tu proyecto.

Así que tienes que encuadrar, cortar, seleccionar lo que estás mirando para ver solo aquello que a tí te parece algo original, novedoso, perfecto. Y además lo analizas en segundos, con tu experiencia de saber ver lo que miras, y decides dar más o menos luz, más o menos frialdad de color, un enfoque con mucho detalle o selectivo, moverte tú o mover la cámara, subir o bajar el punto de vista.

Es lo mismo que harías para un negocio, para una empresa, para una idea que pillas a costa de trozos de otras ideas para un cuadro o una escultura. Algo te atrapa a la hora de la mirada, pero ese "algo" tienes que pulirlo, convertirlo en personal. Y es entonces cuando te viene "la idea tuya", tu proyecto.

Y aunque crees que estás creando algo nuevo, no es cierto. Simplemente a lo sumo estás observando desde tu mirada un punto de vista nuevo de algo que ya existe, pero que posiblemente otros ven de otra forma. Estás simplemente encontrando algo nuevo, que ya estaba allí para ser cazado. El Arte muchas veces es simplemente seleccionar formas, espacios, puntos de vista. Simplificar mensajes, transformarlos, disfrazarlos de muy personales.

Nota.: La obra que vemos arriba es del pintor norteamericano David Wojnarowicz titulada: Escarabajos peloteros. El camuflaje lleva a la destrucción, pintado en el año 1986

¿Qué es la Forma en una obra llena de Formas?


Las Formas en el Arte son el fundamento actual, y aunque siempre lo han sido, ahora con el arte más abstracto son el fundamento de los espacios, de la escritura sobre el lienzo o el aire, son el abecedario que más se utiliza para expresarse. Formas de muchas formas, pues en realidad la Forma no tiene unos límites definidos de antemano. Una línea es una forma y según dónde esté, según qué relación tiene con su entorno, es por ejemplo una luz o una suciedad, o una oscuridad o un camino o una palabra.

Y una forma puede ser potente o puede mostrarnos que se está disolviendo entre otras formas. Es una idea sobre un espacio, es también la manera de clara de mostrar qué zonas se cubren con las distintas formas que son entre ellas diferentes. Las miramos y percibimos varias formas. Las puestas allí para ser mostradas, pero también sus negativos o sus huecos, pues en realidad la forma actúa como un separados de elementos, un contenedor de más formas, que da forma de formas al resto.

Arte Gratis. Arte muy Caro. Tiempos complejos, embarullados


Todo lo que nos rodea es complejo, cada tiempo que pasa se vuelve más complejo aunque a su vez nosotros nos volvamos más capaces de poder desentrañar esa complejidad. Y en el Arte sucede algo similar pues el Arte forma parte de nuestra vida, y me refiero al Arte como algo mucho más amplio que tener cuadros colgados en una pared. 

La publicidad ya hace años que es Arte, y con la publicidad se mueven las economías, el mundo laboral, las relaciones de mercados. Pero la Cultura también es Arte, incluso parte de la Educación se asienta en el Arte aunque no lo notemos. Convertir en atractiva una actividad que deseamos multiplicar es muchas veces sinónimo de hacerla agradable, bella y por eso tener que utilizar formas artísticas de embellecerlas.

El Arte no siempre es agradable, no tiene que ser bello, pero cada vez es más complejo. 

Incluso cuando el Arte simplemente tiene una línea, unas pocas formas, estamos restando elementos para con poco querer decir "algo" y eso es volverlo más complejo de entender. 

Estos tiempos actuales son a veces contradictorios entre sí, y el Arte actual también. ¿Simplemente manchas? El Arte vive de sus propios tiempos, lo que a veces no le garantiza su durabilidad en el tiempo. 

Estas contradicciones actuales, las dudas, los temores al futuro, los cambios sin rumbo fijos se trasladan al Arte y quedan reflejados en él. Para bien o para mal. Hay tiempos de basura, de confusión, tiempos grises y sin rumbo. Y todos ellos quedan reflejados en la música, en la cocina o en el Arte Visual. 

Si observamos hoy el Arte Urbano entenderemos muy bien estos conceptos de barullo. 

Las grandes obras de Arte (por tamaño) se hacen efímeras en la propia calle, se entregan gratuitas como si no tuvieran valor. No son incluso ni valoradas por los espectadores. Nadie las quiere poseer pues no se pueden despegar de los muros. 

Es un detalle de estos tiempos, Arte sin precio que se enfrenta a otras obras de Arte que se creen simplemente para ser dinero, para ser moneda de cambio.

En un collage, no todo vale si no se complementan las partes


En el Arte mezclar elementos que no encajan es un claro error excepto que seas ya un artista que domina los espacios de forma maravillosa. Ahora está de moda el collage, el pegar, sea manual o digital. Y parece que todo podría valer. Una imagen, unos trazos, unos colores, unas marcas, unos recortes, muchas veces sin relación entre las partes, entre los elementos. El conjunto puede parecer atractivo pero… ¿nos llega a decir algo…? ¿existe una línea común que sea capaz de unir los elementos?

El conjunto en una obra de Arte es mucho más que cada uno de sus elementos. Podemos haber agrupado partes atractivas, que sean capaces de hablar… ¿pero hablan entre ellas?

Poner enfrentadas varias imágenes de varios elementos deben decir en su fusión más de lo que dicen cada una de ellas de forma individual. Agruparlas debe servir para que su mensaje sea superior al que ya dan de forma individual. Que compartan el mismo espacio, el mismo lienzo, no las hace atractivas ni capaces de sumar porque estén cerca. Deben saber dice… en la suma. 

Este ejemplo de arriba es una tontería que me sirve de ejemplo. Unos elementos todos ellos naturales, pero unos han sido repintados, secos ya y eliminados de su espacio y colocados en un ambiente natural como jugando a bailar. Sueltos no dicen nada, unidos a su ambiente puede que tampoco, pero se complementan bien. De eso se trata simplemente, de que haya una línea de acción entre ellos.

¿Y si el Arte Abstracto estuviera utilizando un abecedario no común?


Al menos en teoría si deseas entrarte en el mundo abstracto y crear obras pictóricas tuyas, abstractas en el sentido del diseño de sus partes, de sus elementos, deben saber que no todo vale. Aunque creas lo contrario. Estás jugando con los espacios, estás creando sobre una base posiblemente plana unos espacios que entran en contraste, en consistencia, formando volúmenes y distribuyendo espacios. Divides queriendo o sin querer toda aquella forma plana del lienzo, para ir añadiendo elementos que ellos por sí solos ya no son abstractos, lo son cuando se juntan unos con otros. 

Y en ese juego con elementos y formas debes querer decir "algo". Y en ese "algo" es donde cabe toda la complejidad enorme o simpleza tremenda de lo que intentas explicar. 

Hay infinitas formas de "escribir" con colores, formas y volúmenes. Hay multitud de alfabetos y el Arte abstracto utiliza según cada artista, unos u otros grafismos. 

Antes de conocer la A, la B o la C ya había civilizaciones que escribían con otras "letras" incluidos los pueblos prehistóricos. Y entre ellos se entendían bien, como se entendían los íberos o los egipcios, por poner otros de los ejemplos de grafismos reconocidos. Y todos ellos querían decir "cosas" con sus formas de expresión.

La obra que vemos arriba se titula "Gesto y K" y es del artista zaragozano Borja Cortés Soria, realizada en el año 2018

¿Puede un artista defender o explicar una de sus obras?


Tus obras se tienen que defender ellas solas, son seres inertes pero con vida (teórica) propia y no sirve de nada ni justificarlas ni explicarlas ni darles sentido desde las palabras del artista que las crea. Ellas, en cuanto las sacas de tus manos empiezan a caminar por sí solas, gustarán o no, defraudarán o resultarán maravillosas, pero tú ya no puedes hacer nada por ellas. Así que deben ser sinceras consigo mismas, sin que entre para nada ni tu explicación posterior ni tu defensa.  

Es cierto que la trayectoria del artista marca de alguna forma la opinión que tengan los espectadores de cada obra, pues la medirán con el resto, quedará influenciada por sus compañeras de estudio. El artista defiende cada una de sus obras a costa de todo el conjunto de todas sus obras. Unas sujetan a las otras, unas ofrecen sinceridad al resto. La escritura de unas obras del mismo artista ayudan al resto de obras a saber explicarse.

La obra que vemos arriba es de la artista aragonesa Julia Dorado del año 2017 y titulada "Obstáculo".

¿Para qué servían las vidrieras en las iglesias góticas? Montauban (Francia)


Una de las representaciones artísticas más innovadoras en su momento fueron las vidrieras del gótico, en grandes catedrales cristianas que intentaban —y lograban— impregnar de luz santa a los fieles que acudían a las ceremonias. Todo representación artística religiosa intenta explicar historias sagradas, hablar con imágenes de hechos religiosos ante una sociedad que todavía no sabía leer ni existían libros a su alcance. 

Así que lo mejor era trasmitirles con cuadros o esculturas lo que se explicaba en el púlpito. Pero si además se podía hacer con luz, si se podía lograr que los fieles se sintieran elevados hacia el Cielo arropados por la propia Historia Sagrada, era ya el éxito de la explicación religiosa para aquellas gentes que casi vivían en chamizos, en la oscuridad de vivienda que a lo sumo tenían velas o candiles.

Esta vidriera representando a un San Miguel está en la catedral de la ciudad francesa de Montauban.

Gerhard Haderer y sus obras de arte que no nos gustan nada


Sin ninguna duda el Arte del alemán Gerhard Haderer es un arte contundente; dibujante de caricaturas y viñetas que sabe ir un paso más allá para sacar de sus obras ese poco de humor doloroso que a veces tan bien encaja con la sociedad actual. Yo no creo que se ría de nosotros, ni que nosotros nos riamos con sus obras. Al contrario, creo que tanto él como nosotros sufrimos al contemplar sus dibujos, pues nos retrata a todos y no nos gusta nada que lo que vemos.

Coleccionar Arte es coleccionar Artistas. Aprender a Coleccionar Arte


Hablábamos antes de algunos aspectos a considerar si quieres comenzar una colección propia de Arte, algo que parece carísimo, raro y minoritario, pero que nos asombraría saber que es mucho más común de lo que pensamos. No siempre como forma de inversión, sino de guardar y recopilar, añadir e ir aumentando tus propios gustos artísticos, con obras de diversos autores. Y sabemos que coleccionar Arte puede parecer muy caro, sobre todo si solo hacemos caso a los precios que salen en los medios de comunicación a través de subastas o de Galerías de Arte de un nivel importante. Pero hay muchas maneras de comenzar una Colección de Arte.

El Arte está para contemplarlo, así que una de las primeras causas de tu decisión es analizar si dispones de espacio suficiente para tener colgadas las obras a tu mirada. Puedes pensar en obras colgadas con suficiente espacio para respirar, o puedes pensar en obras bien colocadas en la pared con arreglo a tus gustos. El espacio es importante.

También lo es tu propia formación artística con los añadidos de novedades, tendencias, Ferias, exposiciones, etc. Pero no para hacerlas caso, sino para aprender a ver, para saber en qué punto está el mercado, para decidir con toda la información posible. 

Al final tu dinero es tuyo y lo vas a cambiar por obras de Arte que deseas contemplar pero a la vez deseas que no se conviertan en polvo. Para ello hay que conocer los mercados al menos un poco, y debes educar tu forma de ver y entender, dentro de unos ejercicios que también ayudan a caer rendido ante todas las aristas que el propio Arte tiene. 

Eso no supone que todo te guste, que no admitas que a veces el mercado del arte es engañoso y hecho para inversionistas y no para artistas o personas con gusto artístico.

Si compras una obra de arte lo será siempre porque te atrapa, porque te gusta. Y además porque piensas que te gustará durante mucho tiempo. En el Arte  pictórico o fotográfico las modas duran en las mentes de los espectadores muchos más años que en otras disciplinas.

Si quieres comenzar tu colección de arte pero no estás seguro de por dónde ir caminando, empieza por obra de pequeño tamaño, por obra gráfica, bien litografía, fotografía o serigrafía, y poco a poco irás seleccionando. Es obra mucho más barata, te afianzará a ir conociendo el mercado y sus opciones, no estarás invirtiendo mucho si algo al final no te gusta, y sin dura irás aprendiendo.

Es importante conocer al artista, saber algo de su trayectoria, pues al final una obra es simplemente una parte del artista. Obra y artista van unidos y es muy difícil que te guste una obra pero en cambio no te guste el artista y el conjunto de sus obras. Si es un artista nuevo el gozo de vele crecer es mayor si ya tienes una obra suya en tu colección. 

En las colecciones de Arte no se trata tanto de seguir tu propia obra en concreto, como en seguir al artista e incluso de ir comprando obras suyas según él vaya evolucionando.

Nota.: La obra que vemos arriba se titula "Joven cosiendo" y está pintada en el año 1947 por Miguel Ángel Álvarez

¿Quieres crearte una Colección de Arte y no sabes por dónde empezar?


A los que nos gusta el Arte, creo que a todxs nosotrxs, nos encantaría tener una Colección de Arte de nuestra propiedad para que nos rodeara en nuestra vida. Obras de diversos autores que tendríamos cerca de nosotros, para disfrutar contemplando una de las bellezas que hemos elegido, el Arte. Pero eso… ¿es caro? ¿cómo se inicia? ¿dónde se aprende a tener una colección de arte propia? ¿en qué criterios nos basamos?

Sin duda hay mucho que hablar de la forma en que debemos iniciar una Colección Propia de Arte. Lo importante es pensar que lo que vayamos a comprar nos va a durar muchos años y por eso lo básico sería decirte que nos tiene que gustar. Pero también es cierto que hay muchas formas de comenzar una Colección de Arte. Veamos algunas de ellas. Hay más.

1/ Compras Arte por inversión y sacar beneficio comprando y vendiendo

2/ Compras Arte por que te gusta, pero también quieres invertir y poco a poco hacer crecer tu Colección

3/ Quieres comprar algo de Arte, poco a poco pues no tienes mucho dinero para ello, pero quieres formar tu propia Colección modesta

4/ Quieres tener Arte y te da igual los conceptos de inversión y compra venta

Estas cuatro fases son muy distintas y no solo por las cantidades de dinero que se pueden utilizar, sino porque los objetivos son muy diferentes y el tipo de obra y de autor es también tremendamente distinto. Digamos que yo me voy a dirigir a los dos últimos casos, pues los dos primeros ya tienen sus propios asesores en Arte y se mueven por decisiones que no siempre son las de crear un propio pequeño Museo de Arte para disfrutar.

Seamos sinceros. ¿Cuánto dinero quieres invertir todos los años, que puedas dedicar a comprar Arte? 

Hay gente que se lo gasta en tabaco, en entradas deportivas o en discos. Coleccionar Arte es una hermosa afición. 

¿Tienes espacio para tenerlo colgado, para poderlo contemplar? 

El Arte de Gran Tamaño es mucho más caro que el Arte de Pequeño formato, se revalorizan de forma muy distinta y se accede a diferentes autores. Si no dispones de mucho espacio, tal vez debes empezar por obra pequeña o mediana. 

Otro asunto a determinar es decidir qué hilo conductor quieres para toda tu obra comprada, para tu colección. ¿Toda (o casi) del mismo concepto artístico, de la misma temática, de pocos autores elegidos, de cualquier autor con tal de que te guste la obra, de autores conocidos? ¿Pintura, fotografía, escultura, vídeo, dibujo, serigrafía, litografía, montajes, grabado, cerámica?

Para empezar lo correcto sería dotar de una temática o hilo conductor a las adquisiciones, aunque sin duda las reglas están para saltárselas. 

Si algo te gusta, punto, te gusta. Y si te das de bruces con un autor que te gusta por algún motivo, no hay otra que picar. Pero eso ofrece juego y además puntos de contraste con tu colección, siempre que no mezcles obras con muy diferentes siglos de distancia.

Hay que formarse algo más que POCO, sobre todo para entender de precios, de géneros y tipos de arte, de modas sin convertir a esta palabra en peyorativa. 

Aprende de la obra y del autor a quien quieres comprar, para ver si su obra es parte de una temática. Si es obra ya expuesta será más cara que si es obra de alguien que está empezando o se encuentra fuera de los canales clásicos de exposición. 

Hay tantos tipos de Arte como posibles Colecciones Personales de Arte. No puedes abarcar todo, debes seleccionar mucho y elegir con arreglo a tus posibilidades, incluidas las formativas y las de gusto personal por el tipo de Arte. 

Tu propia sensibilidad te llevará hacia la obra de Arte que te gusta y que puedes comprar. Nadie (casi) empieza su colección por un Picasso o un Miró, pero tal vez hay obra con diversas técnicas que te gusta por algo y entra en la temática que deseas explorar. 

Hay ciudades "especiales" para encontrar obra contemporánea como Barcelona y Madrid en España. Si quieres comprar en otros países ya debes tener más información y saber a través de asesores todo lo referente a la obra. Pero hoy internet es un canal imprescindible para conocer e incluso comprar.

Puedes optar por obra antigua, pero lo habitual es empezar por obra contemporánea donde hay mucho para elegir y tremendamente distinta una de otra, por técnica, escuela, tipo, tamaño y precio. 

Nota.: La obra que vemos es de Juana Francés "Sin titulo" pintada en el año 1985 al acuarela sobre papel pegado a madera 

Pintura al óleo o acrílico. ¿Comenzamos con soporte blanco u oscuro?


No se trabaja igual con pinturas o medias traslúcidos que si trabajas con pinturas o medios opacos. Sobre todo no se empieza el cuadro, la obra de la misma forma. Los medios traslúcidos van desde el blanco al color, es decir, si empleamos acuarelas o acrílicos los colores van restando luz al soporte y por ello tienen que empezar siempre desde un fondo blanco o lo más claro posible. En los medios opacos como el óleo puede ser al revés ya que en realidad estamos añadiendo (si queremos) luz sobre el soporte o la base.

Imaginemos en un óleo que empezamos con una base o soporte que sea del color más oscuro del resultado final que deseemos, por ejemplo negreo. Simplemente tenemos que ir añadiendo luz. El claroscuro utiliza muy bien esta técnica y tiene muchos siglos de antigüedad.

Se puede trabajar de oscuro hacia la luz, añadiendo colores claros a la base oscura, y esto cada artista lo utiliza según sus gustos. Algunos empiezan casi en un marrón oscuro, otros incluso en negro, algunos parten de una base gris media y otros empiezan con un soporte coloreado en gris tomado de algún tono de color que sea el predominante en la obra final. No hay un solo ejemplo y con los años de práctica cada artista encuentra su mejor base con la que empezar a colorear. En óleo también se puede empezar desde el blanco de la tela, todo depende de la escuela.

Pero en acuarela o en acrílico casi es obligado iniciar la obra desde el blanco e ir añadiendo color y por ello de ir restando luz. En un óleo se puede terminar una obra añadiendo las luces y remarcando las sombras más oscuras con colores super oscuros. En acrílicos nunca es recomendable terminar la obra añadiendo golpes de luz con blancos, menos todavía en acuarelas, pero alguna veces se trampea el final.

La obra que vemos: El Puerto con el desembarco de Cleopatra en la ciudad de Tarso pintado en el año 1642 por el pintor francés Claudio de Lorena y que se encuentra en el Museo del Louvre de París es un ejemplo donde queda reflejado que es más sencillo añadir las luces al final que ir añadiendo las sombras para dejar los blancos y luces sin trabajar. ¿De qué manera te resultaría más sencillo realizar un cuadro como este? ¿Partiendo de una base o soporte blanco o con un lienzo ya tintado del color de las paredes del edificio de mas a la derecha o incluso del suelo sobre donde están colocados los personajes? 

Muñecas kachinas pintadas de la cultura Hopi de Norteamérica


Las kachinas de la cultura Hopi eran unos seres sobrenaturales que mediaban entre los humanos y los Dioses que lograban la lluvia, las buenas cosechas y que el mundo agrario fuera fértil y sin muchos problemas. Estas muñecas se utilizaban para dárselas a los niños y así que aprendieran a conocerlas, respetarlas y orarlas. La de la derecha se llama Ma-Alo y era la Kachina del bastón. La de la izquierda es Pahlik Mana y era la Muchacha Mariposa. Se cree que había más de 300 muñecas distintas que representaban a diferentes intermediarios entre las divinidades y los mortales.

Estas muñecas del pueblo norteamericano Hopi en la zona de Arizona, se construían de maderas generalmente de álamo, de lana y luego pintadas con colores naturales. Estas muñecas son de principios del siglo XX.

Steve Gibson y sus personas de madera barata, que temen ser vistas desnudos


El artista de Liverpool pero afincado en Zaragoza desde hace más de 20 años, Steve Gibson nos dejó en el año 2018 una exposición de sus obras para disfrutar de esas esculturas en madera de desecho que reflejan su particular modo de entender los espacios, de recrear mundos paralelos y vivos aunque parezcan artificiales. 

Vive en uno de esos barrios mundiales que son los que mejor dejan vivir la realidad no ficticia, en un barrio duro y blando según si vives fuera o dentro (Dentro = Blando y vital) lo que le permite seguir soñando con las personas que sigan pasando/posando por su estudio taller donde aprende a enseñar, enseña a aprender… que la vida están en sabe mirar y en querer seguir mirando.

Unas Almas Desnudas del fotógrafo José Ramón Luna de la Ossa


Del fotógrafo José Ramón Luna de la Ossa, de Tarancón (Cuenca), una imagen que él titula "Almas desnudas" y donde nos refleja ese mundo casi irreal del mundo rural español en donde lo más secreto se abre a mostrarnos la vida e incluso la muerte, pero sin duda la vitalidad de esa naturaleza que siempre se abre paso aunque la intentemos doblegar.

Fotógrafo surrealista (si él quiere) pero de ese surrealismo que ha sabido trascender los siglos para seguir mostrando que lo que no vemos pero que está allí esperando a ser cazado. La fotografía es cazar instantes, y José Ramón Luna de la Ossa sabe pillar los momentos… o incluso crearlos.

Batalla de señoras francesas del artista Jean Veber


Esta obra pictórica del artista francés Jean Veber pintada en el año 1897 y titulada "Batalla de señoras" refleja sobre todo una viñeta humorística, una caricatura de la vida parisina de finales del siglo XIX dodne parece reírse del mundo a través de sus juegos. Mezcla la crueldad, la lujuria y el sexo, con un espectáculo sádico de peleas de mujeres donde ambas están impedidas, para caminar pero no para seguir golpeándose entre ellas, mientras otros tres espectadores masculinos en sus mismas condiciones de enfermedad disfrutan observando como se pelean entre ellas. 

Podría ser el ejemplo claro de la pelea entre la propia sociedad débil, entre ellos no se sabe los motivos pero sobran, antes de pelearse contra los que los han dejado en unas condiciones deplorables. Y todo como espectáculo de nosotros mismos, como divertimento de nuestras propias incapacidades.

Georges Rouault y el retrato de una prostituta francesa


Del artista francés Georges Rouault y realizada la obra con lápiz y acuarela sobre papel, un cuadro titulado "Eva caída II" pintada en el año 1912. Un pintor muy especial, expresionista en casi todas sus obras, empezó en el arte con 14 años como aprendiz ayudante de pintor y restaurador de vidrio y tal vez por ello podemos ver en muchas de sus obras como quedan perfiladas en negro las figuras, pasando con los años de pintar paisajes a retratar a personas que destacaban por sus expresiones, fueran payasos, prostitutas o jueces y abogados. Era muy religioso y por ello también realizó un buen número de obras de temática religiosa.

En sus últimos años de vida Georges Rouault no quiso que pasaran a la posteridad un gran número de sus obras pues no las consideraba de calidad y llegó a quemar más de 300 cuadros suyos. Dejó muchas obras inacabadas que su viuda ha logrado mantener y que se han ido exponiendo en diversas ciudades europeas. Supo trabajar con su particular técnica unas obras muy de la época pero que casi reflejaban escenas de vidrieras con fuerte color, a través de la pintura.

¿Tenemos que entender el Arte o simplemente gustarnos?


Esta viñeta del dibujante Máximo es del año 1970, publicada en el diario El País iba acompañada del siguiente pie.

"Donde esté una lagarterana bien pintada, con su cántaro a la cadera…, ¿verdad, usted?" 

En realidad Máximo pone el dedo en uno de los problemas menores del Arte, pero problema al fin. La incomprensión. Y confundir no comprender o no gustar, o pensar con que tenemos que entender todo lo que se nos muestra, con la valía del Arte Abstracto. Es un gran error. 

Pensemos en gastronomía. Hay decenas de alimentos que no son como nos los comemos. Están bueno o malos simplemente si nos gustan. Si los han cocinado bien, los han presentado de forma atractiva, y nos dicen algo. En gastronomía todo lo modificamos. La música entra sin que a veces la entendamos del todo, simplemente nos dejamos impregnar. 

Técnicas diversas en los medios urbanos de Art Street


En el Arte Urbano se puede utilizar las mismas técnicas que en cualquier otro modelo o técnica artística. No es solo spray como ya vamos observando desde hace años, y las plantillas por ejemplo han intentado copiar métodos similares a la serigrafía o a los aguafuertes impresos sobre pared, o se utilizan acrílicos o aguadas como herramientas junto a pinceles, espátulas, esponjas, etc. La pared simplemente es un soporte, un enorme soporte para recibir al trabajo artístico.

Y por eso también se pueden utilizar técnicas muy variadas, desde el puntillismo a las tramas, desde los difuminados para simular acuarelas, etc. Y sin duda desde collages a trabajos en 3D, desde dibujo lineas a obras mucho más complejas llenas de diversas técnicas.

Lo que vemos es un detalle de un conejo en un mural de Zaragoza. Se ha trabajado el dibujo lineal tipo tramas para imitar medios tonos. 

Disparate Redondo, del artista Juan Genovés, en Impresión Digital


De Juán Genovés una obra realizada como estampacion digital con tintas minerales y sobre papel gofrado en el año 2010 titulado "Disparate Redondo" en honor a los Disparates de Goya y que es propiedad de la Fundación Fuendetodos Goya. Una clásica obra de Genovés realizada con impresión de altísima calidad llamada "Giclée" y que utiliza gotas de chorro de tinta casi polvo líquido que sobre un soporte papel de gran calidad consigue una impresión sin tramas, en tono contínuo, que es la utilizada en la actualidad con mayor o menor calidad para impresiones digitales de obras de Arte. 

La literatura sigue estando muy pegada al arte visual. Francisco de Goya y Jaume Plensa


El muy reconocido Jaume Plensa también ha trabajado los grabados y un ejemplo es este aguafuerte del año 2008 titulado "Disparate" en honor y recuerdo a los Disparates de Goya. Se encuentra en la Fundación Fuendetodos Goya. 

Cualquier obra antigua se puede transformar y actualizar desde puntos de vista más actuales. Se convierten en otras obras derivadas, pero siguen siendo en su interior miradas similares, en este caso más que el propio dibujo de Goya el texto que le acompañaba pues es un "todo en uno". 

La literatura sigue estando muy pegada al arte visual.

Uno de mis primeros cuadros al óleo. Cosas de juventud


Todos hemos ido aprendiendo con el tiempo o con la práctica. Este es uno de mis primero cuadros al óleo, denota mucho pero hemos tenido la suerte de que se conservara, pues lo regalé a alguien que no ha querido tirarlo a la basura. Y eso me permite recordarlo y tenerlo al menos fotografiado. Nadie nacemos aprendido de nada. Y hay que practicar, ver fallos, entender de perspectiva, de limpieza de color y corregir. Y seguir aprendiendo. 

Ahora ni firmo como "Puente" ni hago obra pictórica. Tras esa época hice surrealismo y tras eso algo de abstracto en mi último periodo como pintor. Y entré de lleno a la fotografía, de la que he vivido siempre. No por artista sino por técnico. Lo que me ha posibilitado ver miles de obras de otros fotógrafos que tenía que reproducir y aprender simplemente de mirar. Como recuerdo a mi trayectoria, dejo esta orbital mala pero simpática.


Festival Asalto 2020 en Zaragoza. Arte Urbano de calidad


Las iniciativas para llenar las ciudades de Arte Urano son el ejemplo más claro de que hay que gestionar el arte público de manera diferente en este siglo XXI y que las ciudades son mucho más que calles y árboles, que el Arte Urbano tiene un espacio que cubrir para modificar las ciudades, para convertirlas en más amables. Esta imagen es del barrio de San Jose de Zaragoza, que con su Festival Asalto que lleva quince años poniendo Arte al alcance visual de los barrios zaragozanos, como se han ido realizando en otras ciudades de todo el mundo.

The New Yorker. Algo especial para la ilustración y la literatura corta



El Arte es muchas veces simplemente un intento. La revista The New Yorker es una institución mundial del mundo de la cultura y por ello del arte. Es una revista que como el nombre nos indica es "neoyorquina" funda en el año 1925 que ha sabido marca espacio propio desde siempre, simplemente con algo muy simple. La calidad de sus artículos, de sus periodistas. Trabaja muy bien la literatura corta, el cuento, las viñetas americanas, la vida de New York, y cuenta con más de un millón de subscriptores. 

Sus portadas ilustradas son tomadas como un icono, tanto, que en el Museo de las Torres Gemelas hay varias de ellas en las que se mostraban dibujos de los famosos edificios, siendo la única referencia gráfica y periodística de ese Arte del Dibujo y la Ilustración que tanto ha trabajado The New Yorker.

Cuando visitas el edificios (por fuera aunque sea, en el centro de New York) sabes que estás observando el contenedor de cultura y literatura corta más importante del mundo occidental, sobre todo por el cuidado que ponen en verificar todo lo que se publica, por tener un libro de estilo propio y por no dejarse llevar ni por modas ni por presiones. 

¿Qué ve Camilo José Cela en la actitud de un pintor aragonés?

 

El pintor se encuentra —sin llegar cómo llegó a estarlo— profundamente cansado. Limpia los pinceles, enciende un nuevo cigarrillo, se echa unos pasos atrás y mira su obra aún inacabada, como es natural. En ella descubre rasgos e intenciones en los que no pensó. Esa es la buena señal.

Camilo José Cela escribiendo sobre una visita al estudio del pinto Alejandro Cañada en el año 1947 y publicada en el diario zaragozano Amanecer.

Alejandro Cañada retrató a Juan Ramón Jiménez en puro surrealismo


Un retrato de Juan Ramón Jiménez realizado en el año 1970 por el artista aragonés Alejandro Cañada nos da entrada a una clásica obra surrealista donde todo es lo que parece y además otra cosa más. Se encuentra en el Museo de Teruel y es un ejemplo básico de entender lo que muchas veces el artista quiere plantear en el lienzo, entrar dentro de la persona retratada y reflejar alguna parte de su personalidad o de lo que al artista le parece. Es simplemente ir un poco más allá que simplemente reflejar sus rasgos, que una buena fotografía haría mucho mejor que una obra pictórica. 

Los Museos del Siglo XXI y sus alternativas


Los modelos clásicos de Museos como almacenes contenedores de "cosas" que se muestran al público están ya obsoletos y poco a poco se van transformando en otros servicios culturales. Pero en ese buscar alternativas hay ya al menos tres caminos diferentes que poco a poco se van abriendo paso e incluso se van modificando hasta encontrar la fórmula del Museo del siglo XXI. Si hoy pudiéramos visitar un museo de hace un siglo veríamos la enorme transformación sufrida en este siglo. Veamos los de momento tres tipos de ejemplos de "new" Museos.

 Tenemos el ya clásico Museo pedagógico que ha pasado de ser unos espacios demostrativos de objetos a estar acompañados de gran cantidad de información en carteles, textos explicativos, sinópticos, vídeos, etc. Se complementan los objetos propios del lugar museístico con todo tipo de información pedagógica. Un Museo hecho para escolares o para personas que desean "conocer aprender".

 Ya han ido surgiendo Museos o Exposiciones que contrastan lo que se expone, ofreciendo alternativas totalmente diferentes para enfrentar al espectador con varias realidades a la vez. Junto a una obra pictórica del siglo XVI ponemos una similar del siglo XXI. Junto a un ambiente clásico colocamos varias obras modernas. Junto a una cerámica romana ponemos una cerámica muy actual, para ver los cambios pero a la vez para determinar que los usos no han cambiado. Es un juego de contrastes sin salirse del mismo espacio vehicular. 

  Y de momento está surgiendo un último tercer Modelo de Museos que está trabajando todo lo contrario al primero que hemos expuesto. Museo donde las sensaciones están por encima de todo. Muy pocas obras, muy espaciadas, muy bien elegidas e iluminadas, nada de explicación para no dirigir al espectador, con ambientes que se van modificando según se avanza, que no se estorban los unos a los otros. Grandes espacios donde además de una obra mostrada casi en solitario funciona el olor, el sonido, la luz, la voz. Se trata de ir cambiando pocas obras pero potenciando precisamente esa selección a costa de muy pocos espectadores en espacios amplios, que acuden a relajarse, a contemplar pero no a devorar, que formarían un slow museo, a veces virtual y real fundiéndose.

El papel de los Museo y de las Salas de Exposición es fundamental para crear cultura a través del ocio, para mover turismo, para crear artistas y motivar a personas, para dar a conocer obras y trabajos de exploradores de la cultura y el Arte. Y como es una actividad MUY viva se va modificando, hasta convertirse en sorpresas sin perder su importancia cultural.

La obra de la imagen es del artista estadounidense Edward Kienholz, titulada "Dibujo para Comercial 2" realizada la instalación en el año 1973

Los Favoritos de Midas. Mucho más que una serie de televisión


Es imposible hablar de la Serie "Los favoritos de Midas" sin nombrar en primer lugar al gran trabajo que el director Mateo Gil ha logrado de los actores Luis Tosar, Willy Toledo, Marta Belmonte o Carlos Blanco. Están fabulosos todos ellos en una seria de Netflix que hay que ver con calma (algo complicado) y sabiendo que nos va a obligar a ponernos en Fase Pensar e incluso en Fase de Preguntarnos qué hacemos nosotros mismos por evitar lo que sucede.

El final está abierto, o está muy cerrado. Depende de las conclusiones que cada uno de nosotros queramos admitir, deglutir, tragar. 

Yo creo que está perfectamente cerrado, claro, contundente, triste, doloroso incluso. Sobre todo doloroso porque juega con nosotros y con nuestra capacidad para no hacer nada, para dejarnos llevar. Lo mismo que ha hecho el protagonismo. Admitir lo que minutos antes decíamos que era inadmisible. 

Sin duda es una seria para ver e incluso para volver a  ver. pero sobre todo es una seria para llorar. Y un detalle que quiero resaltar. El papel de Willy Toledo es fabuloso, es imprescindible, está muy bien realizado y es el punto necesario junto al de Carmelo Gómez, para entender todo. 

Tapiz del palacio Real de la Almudaina en Palma de Mallorca


El Palacio Real de la Almudaina en Palma de Mallorca es también conocido por el palacio de los tapices, construido en el siglo XIV conserva todavía en sus paredes parte de las obras que se ponían para forrar las paredes y evitar los fríos del invierno además de servir para decorar con imágenes alegóricas de batallas y de triunfos. Unas técnicas artísticas que conjugan el trabajo del artista creando los cartones y bocetos y el de los artesanos y artesanas que bordaban los tapices.

¿Qué es pintar para el artista Eduardo Lozano?


En Heraldo de Aragón entrevistan al pintor zaragozano Eduardo Lozano y os dejo unas respuestas que creo dibujan muy bien el mundo del Arte para un artista y lo que todos más o menos tenemos dentro y expresamos.

¿Qué es para usted pintar?

Pintar para mí es una forma de entender la vida. El que es y se siente pintor no solo pinta cuando está enfrente del caballete, sino en todas las facetas de la vida, cuando saco al perro y observo la belleza del Canal Imperial, cuando voy por la ciudad y el sol me deslumbra, en la montaña, o una simple berenjena de mi huerto es para mí motivo de belleza y por qué no, exportable al lienzo. Al fin y al cabo, creo que una vez entras en la dinámica de pintar, todo gira en torno a ella y si además, das clases de pintura como yo, pues la pintura lo es todo.

¿Por qué usa este método de pintura brava, de pincelada ancha, gestual, un tanto sorollesca y con mucha materia?

Conocí la cultura del gesto cuando comencé a estudiar en la Facultad de Salamanca. En las clases de pintura enseñaban a soltarte y desprenderte de los miedos. Aunque conozco mucha gente que estudió ahí y no necesariamente son expresionistas, así que no sé si ese será el motivo o simplemente el comienzo. Quizás sea simplemente una cuestión de gusto. En ocasiones he tratado de ser más cauto pero nunca me ha funcionado, acabo echando la casa por la ventana y hasta que no me suelto realmente la cosa no funciona. Con los años en la pintura te vas dando cuenta de que al espectador no hay que dejarle todo mascado, la pintura es un lenguaje vivo que tiene que transmitir pero no atosigar. Si con una pincelada das el mensaje ¿porqué dar cinco para decir lo mismo? En esa plasticidad también tiene mucha culpa la técnica aprendida, el manejo del medio. En la actualidad, me encuentro más seguro con los materiales y manejo el lenguaje de forma más inconsciente, sintiéndolo más.

Obra pictórica reflejando los cuatro niveles de interpretación del Torá


Esta obra pictórica está (o estaba) a la entrada de una sinagoga en Croacia. Representa los cuatro niveles de interpretación del Torá. El Peshát o el sentido literal del texto; el Rémez o el sentido alegórico del texto; el Derásh o el sentido interpretativo y el Sod que representa el sentido místico del que derriba la cábala.

Se refleja en la obra los rollos que contienen los Libros Sagrados de los judíos, referidos a su manera de ser interpretados. La técnica empleada en la obra es de una abstracción naif incluso y reflejando símbolos de su religión en colores vivos pero diferenciados, con ligeros relieves hechos con pintura espesa.

Cuando la restauración de un obra es profesional pero a la vez atrevida


Estuve en Dubrovnik (Croacia) el año pasado —por cierto una ciudad maravillosa—y dentro de su monasterio franciscano y alrededor del claustro se encontraban unos murales al temple, unos cuadros que parecían representar la vida y obra de un santo posiblemente cercano al monasterio. En cada uno de estos cuadros estaba un texto en latín viejo y en croata pero no coincidían las traducciones.

Os dejo este como ejemplo de lo que todavía se conserva al aire libre después de varios siglos (se pintaron en el siglo XIV), y en donde mas o menos dice:

"El líder de la negra noche y entre sueños, le entrega su manto para que el franciscano tenga más Fé"

Estamos hablando del Monasterio Franciscano en Dubrovnik, cuyas pinturas del claustro fueron totalmente restauradas entre 2010 y 2012, y situado en la calle principal de la ciudad. Como podemos ver con la imagen de abajo, el trabajo de los restauradores fue inmenso y sin duda tendrían que tomar algunas decisiones muy atrevidas para terminar sus trabajos. Hay detalles e incluso zonas grandes que han sido cambiadas en profundidad.



A crear no se puede aprender, viene desde dentro


A dibujar se aprender, a pintar también. A mirar y saber encuadrar también se puede avanzar bastante. Pero a crear no se puede aprender, eso se tiene o no se tiene. No es una técnica que podamos adquirir sino un sentimiento, una sensación de poner en valor y construir de la nada aquello que te sorprende y que deseas compartir. Crear es entregar aquello que a ti te gusta. No es mucho más que eso. Y sí, se requiere dominar alguna técnica, alguna herramienta, pero sobre todo se tiene que tener esa sensibilidad para crear y para entregar. 

Cartel de las Brigadas Internacionales en la Guerra Civil


La cartelera ha sido siempre una forma de comunicar, de motivar, incluso de manipular si hiciera falta. Sobre todo en periodos de guerras, de conflictos, de peleas políticas y sociales. Este cartel es de la época de la Guerra Civil en España. De las Brigadas internacionales claramente hace un llamamiento para fortificar lo que nos lleva posiblemente a un periodo ya de dudas, de derrotas casi asumidas. Con los carteles podemos ver sensaciones, como en todo tipo de Arte.

Perdices con 1.600 años de antigüedad, y siguen igual de color


Estamos ante un Arte con 1.600 años de antigüedad, del siglo IV un fragmento de un mosaico encontrado en Quintana del Marco en león, que representa a tres perdices en el campo, hechas con mosaicos de caliza y mármol. Capacidad de saber trabajar con el puntillismo.

El niño del taco. Un dibujo de Diego Rivera previo a un mural


El artista mexicano Diego Rivera nos dejó este dibujo litografiado titulado "El niño del taco" realizado en el año 1932. Un ejemplo del poder del dibujo, en este caso como boceto previo a la construcción de murales que fueron su constate artístico. 

Todos los artistas cuando construyen grandes obras, antes suelen hacer bocetos previos de escenas de la obra, de personajes, de "trozos" de la composición final, para luego encajarlos y muchas veces modificarlos con arreglo a la totalidad de la obra.

Diego Rivera creaba personajes y escenas de la base social de México que nos muestran el candor, la dureza social, otras miradas de sobre todo personas que nos llegan muy adentro.

Miquel Barceló y sus obras en despachos y no en museos


El artista Miquel Barceló se queja del uso que de algunas obras suyas se hace ya fuera de los circuitos expositivos de un Museo, para ser colgados en Consejos de Ministros o en despachos oficiales. Pero alejados de esa opinión que podría tener matices, os dejo una respuesta suya a una entrevista en El País, donde habla del papel del Arte.

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P. Hay una vieja discusión sobre la función social del arte, si el arte ha de crear espacios libres del mercado y de los poderes hegemónicos para ejercer un poder transformador, una discusión que atañe a la visibilidad de su obra en los museos.

R. Es una discusión un poco naíf. Yo distingo entre marxismo y comunismo. Mis amigos de más edad fueron comunistas por generosidad, pero yo, por fortuna, llegué tarde. Cuando asistí en los 70 a las asambleas del PSUC en Barcelona me acordaba de los curas que iban a los pueblos en busca de carne joven. Les enseñaban instalaciones con piscina y les prometían paraísos, pero enseguida vi que allí había una trampa. Acaba de salir en Francia Le partage de l’oeuvre, de Anne Sauvageot, que habla mucho de mi obra y que eligió para la portada imágenes de mi vitral de la Catedral de Palma. La obra de arte es una obra de colaboración, de relación con la gente que la hace posible. En el caso de los vitrales es evidente. Toda obra de arte es colectiva o acabará siéndolo con el tiempo. Vemos las pinturas de Chauvet como una obra colectiva porque no sabemos quién las pintó. Si te acercas a ellas verás que fueron pintadas por una sola mano y un gesto, un pensamiento, un espíritu común, e intuyes cómo la gente aupaba sobre sus hombros al pintor para que llegara más arriba. Los cuentos populares también nacen de ese espíritu colectivo. El buen arte siempre tiene una función social, incluso a pesar del propio artista. Incluso el más onanista, incluso el que tenga lepra y no salga nunca del taller, acabará teniendo un poder de transformación.

P. Como Kafka...

R. No hay nadie más individual que Kafka y con más poder transformador de mentalidades. Hace unos días visité la exposición de Matisse en el Pompidou que explora las relaciones de la pintura con la literatura. Pude disfrutarla porque estaba solo en las salas, vacías como suelen estar casi siempre las salas del Macba y del Reina Sofía. Han demostrado que son inmunes a la pandemia: tienen los mismos visitantes que antes.





Nota.: La obra que vemos de Miquel Barceló se titula: 

El estudio de las esculturas, una pintura del año 1993. 

¿Hay que entender el Arte actual? ¿Es esa su función?


Reírse del Arte Contemporáneo entra dentro de los que buscamos con la provocación, pero hay que aclarar algunos puntos. Una cosa es provocar incluso rechazo, y otra sería no tener criterios suficientes para elegir. Lo peor de cualquier actividad es pasar desapercibido, así que la crítica de cualquier tipo siempre debe ser bien recibida.

El Arte actual nunca pretende SOLO ser entendido. Busca agradar o remover, provocar como decíamos o crear sensaciones nuevas. Nadie entiende la música en su totalidad (no hablo de la letra), y la música es admitida como motivadora, provocadora de sensaciones. 

Incluso no siempre la poesía busca ser entendida. Puede simplemente buscar el ser bella, el resultar sonora, agradable, envolvente. El abrir incluso nuevas formas de expresión. Algo que a veces (muy pocas) hace la literatura.

Un Museo es un contenedor, un almacén de obras. Y puede ser de historia y puede que algunos espectadores no les diga tampoco nada. Depende de varios factores. Que sea "fácil" no supone que sea ni agradable, ni que sea lo correcto. 

¿Por qué Kazimir Malevich inventó el Suprematismo?


Cuando Kazimir Malevich, pintor entre ruso y polaco, se puso a principios del siglo XX a trabajar la abstracción más abstracta (¿?) creó el Suprematismo, una escuela de abstracción total donde las figuras geométricas llenaban el espacio de la obra. 

Era la máxima expresión de "la nada", de las formas, el color, el espacio, la luz. Y a veces ni eso mismo. 

¿Y a dónde quería llegar Kazimir Malevich con aquella "nada"? 

¿Era una forma de provocar o de explorar ideas?

Kazimir Malevich era sobre todo era un teórico del Arte, de la expresión, del color y la formas, de la enseñanza artística y de sus exploraciones. 

Pero aquellos tiempos eran complicados para una Rusia (y Europa) que buscaba incidir en sus sociedades y sabían que a base de formas geométricas abstractas no era el mejor camino para convencer a la población de nada. 

Así que el propio Sistema político crea otras escuelas pictóricas que pudieran ser utilizadas mejor para mostrar las ideas. Y nacieron desde el Realismo Socialista, al Constructivismo o el Futurismo Ruso.

Nota.: Con la imagen de arriba hemos jugado girándola 90 grados a la izquierda. El autor buscaba el juego de formas, de espacios, de vacíos, así que cabe poder girar las obras según el momento. La imagen inferior es una mestra de "0.10. La última exposición futurista de pintura”, montada en la ciudad de Petrogrado en el año 1915 por Kazimir Malevich. 




Ejemplo del claroscuro en pintura. La Alcahueta


El claroscuro en el Arte es una decisión teatral, un juego de contrastes, es llevar ese contraste, la luz y la sombra, a sus máximas expresiones, a sus mayores diferencias. Los artistas que han utilizado el claroscuro como una herramienta para dramatizar las escenas saben que se logran relieves visuales que no se conseguirían de otra manera.

Los volúmenes salen de la escena empujados precisamente por ese claroscuro que convierte en más negros los negros y en más blancos los colores claros, al verlos el ojo humano rodeados de sus contrarios. 

Un claroscuro puede ser de blancos y negros, pero también de colores complementarios (o no) con sus matices. Caravaggio, Rembrandt, Zurbarán o Tintoretto fueron grandes maestros de esta técnica casi teatral de pintura, grabado, pero también de escultura y en la actualidad de fotografía.

Como ejemplo dejo una obra de Gerard van Honthorst del año 1625 titulada "La alcahueta" y donde ese contraste de negros y tonos carnes, de sombras y luz, nos lleva sin duda la mirada hacia la zona donde quiere el artista que miremos lo primero. Gerard van Honthorst fue un continuador de los modos pictóricos de Caravaggio.

Dibujo infantil de una tormenta en un bosque


Si volvemos al dibujo infantil, al Arte Primitivo de un niño de tres años y medio, volvemos a ver grafos similares a los de algunos artistas contemporáneos. Arte que se sigue manteniendo pues emana desde el interior del ser humano. Arte Brut si así lo queremos llamar, Arte Primitivo también, Arte Conceptual incluso pues lo que simplemente busca el niño, es decir la Persona Artista, es plasmar una idea.

Aquí vemos un bosque en otoño. Este niño vive en el campo, sabe lo que es caerse las hojas, lo que son las tormentas, que los árboles dejen caer unas hojas mientras otras todavía se mantienen en las ramas de diverso color entre verde y ya marrón. Sabe lo que es la tierra y el cielo y las hierbas secas del suelo en un amarillo cromo. Incluso sabe mezclar con la nube negra esas aguas azules que caen y algunos rayos que pinta de negro pues no tiene pintura blanca sobre papel blanco. Sintetiza, elige, simula. 

¿Y lo rosa qué es? El niño no está en el bosque solo disfrutando de la tormenta. Lo ve todo desde el corral de su casa, desde lo que podríamos llamar jardín. Y allí hay un cactus grande. ¿Y por qué lo pinta de rosa? Pues porque el ya sabe que el cactus es un elemento diferenciador. lo pone incluso en el centro de la escena. No encaja bien en el bosque que observa desde su casa. Y el color rosa aunque no se parezca en nada al cactus real, es el único color diferenciador de la naturaleza. Él no lo sabe, realmente él cree no saberlo. pero su interior le dicta que de los colores que tiene en la mano, él único que no ha utilizado es el rosa. Así que si quiere remarcar el cactus, hay que hacerlo en rosa, para que se vea.

Simpleza, economía de las ideas, interiorismo mental puesta a trabajar para dejar salir lo que realmente él está viendo. No hay tanta distancia entre un dibujo infantil y algunas obras surrealistas basadas en conceptos, en minimalismo incluso naif.




Gran Lona gris para Kassel; de Antoni Tàpies


Gran Lona gris para Kassel - 1964 - Antoni Tàpies

La obra de Antoni Tàpies "Grande toile pour Kassel" fue realizado para la Documenta III y presenta, a pesar de estar realizado en una sola pieza, una clara estructura de tríptico, dividido en tres secciones verticales con sutiles intervenciones horizontales.

La importancia de la zona central de la obra de Antoni Tàpies ha sido desplazado al exterior, hacia el rectángulo gris más oscuro y roto que parece caerse descompensado a la izquierda, dejando el centro sin su importancia, es decir, negando en su práctica abstracta uno de los principios estructurales de la estética occidental del contrapeso, enfatizando el vaciamiento, la ausencia y el silencio del arte oriental, tan apreciado por el maestro catalán. 

La superficie del enorme lienzo (son cuatro metros de anchura) se resuelve entre una matizada gama de grises neutros y la frágil estructura de madera y cuerdas que forman el relieve. La renuncia al color no debe entenderse en la línea de la opción reduccionista, sino más bien en el interior de una economía de la expresión: obviando el color.

De esta forma Antoni Tàpies consigue que el campo pictórico se enriquezca con la sutileza de levísimos contrastes de tono, de textura y de arquitectura en su composición total, renunciando al aspecto más inmediato  del color, construyendo un espacio de "sensibilidades" para el espectador que le obliga a tener que repensar toda la obra. 

¿Podríamos imaginarnos a Felipe II sin sombrero?


Retrato imaginario de Felipe II, Número 3 - 1967 - Antonio Saura



Escultura a Largo Caballero en Madrid. Ahora se han fijado en ella los tontos


Cuando el escultor José Noja Ortega realizó la obra dedicada a Largo Caballero en Madrid nunca pensó que su trabajo pasaría a ocupar más información por su destrucción que por su trabajo en sí mismo. Son cosas de esta sociedad inculta a la que hemos llevado casi al abismo.

Lo de menos es saber quién fue Francisco Largo Caballero ni por qué está junto al Ministerio de Trabajo. Lo importante para los tontos de la incultura es joder al que consideran enemigo utilizando la historia. En breve nos liaremos —tras Colón y las figuras del siglo XX— con las figuras de los romanos, o las religiosas, para terminar destruyendo las pinturas rupestres, pues vete a saber con qué intenciones las hicieron. 

¿Pero estas prácticas no las habían realizado hace poco los fanáticos de una religión y nos pareció una barbaridad histórica?




Los fantasmas de Dalí y Duchamp se hablan, pero no se entienden


Podría parecer que el Humor no tiene mucha cabida en un blog de Arte, pero es un error, por un lado porque el humor es muchas veces Arte con propiedad para ser tratado de Arte. Pero si además habla de Arte Contemporáneo, más todavía.

Encuentro entre los fantasmas de Dalí (Don Salvador) y Duchamp (el provocador Marcel). Viñeta de El País Semanal

Enhiesto surtidor de sombra y sueño… el ciprés esbelto


Todas las culturas tenemos nuestros árboles para vivir y morir, para abrazar o dejarse abrazar. Derechos o copiosos, esbeltos o secos, grises o de colores. Es la naturaleza de la que venimos, a la que volvemos, de la que vivimos.

Gerardo Diego como poeta trabajó muy bien el modernismo que rompía con el simbolismo clásico para adentrarse más en ese mundo casi surrealista que otros trabajaron mucho más que él como Vicente Aleixandre.

Pero Gerardo Diego nos dejó bellos ejemplos de esa nueva poesía nada empalagosa que se adentra en la Poesía Visual, en el dibujo con palabras, en elegir las menos palabras posibles para decir lo más posible.


Nota.: Las imágenes son de Luis Iribarren



Puerta de un escritorio en taracea, del siglo XVI


De finales del siglo XVI podemos ver este trabajo de ebanistería o taracea en la puerta de un escritorio posiblemente de un taller flamenco o alemán. Mueble de taracea en madera de pino, nogal y otras maderas, que estuvo en la Iglesia de San Juan Bautista en la localidad de Villafrades de Campos en Valladolid. Trabajo con las herramientas de aquellos siglos, realmente costoso.