Facebook pintado por Margó Venegas. ¿Es posible?

La aragonesa nacida en Madrid, Margó Venegas, nos hizo una propuesta en cuadríptico del que hemos elegido una parte, uno de sus cuatro rostros, en acrílico, que ella ha titulado “Facebook”. 

Dibujo expresivo, color potente, trazos sencillos y que nos vuelve a llevar a una obra de la que podemos aprender a practicar diversos métodos y texturas. 

La mirada o el gesto del rostro nos muestran también que es posible lograr gestos con trazos gruesos, con un dibujo bruto, sucio, bocetado. 

El puntillismo a través de gotas aleatorias (o casi aleatorias) es una forma de textura muy efectiva y sencilla para practicar.

La Virgen con el Niño más antigua

El Libro de Kells es uno de los mayores tesoros del Arte Cristiano temprano, realizado en Irlanda sobre el siglo VIII, con un tamaño aproximado de algo más de un A4 aunque se sabe que en una reencuadernación durante el siglo XIX se guillotinaron las hojas para encuadernarlo mejor, es decir, se destrozó una obra histórica, y su tamaño real debería ser mayor a 35 centímetros de altura.

En esta lámina de abajo vemos los Cuatro Evangelistas, o mejor dicho sus símbolos. El libro está escrito en cuatro colores de tinta, negra, púrpura, roja y amarilla, con letras mayúsculas curvas en un estilo que se llamaba "uncial".

En este libro está la considerada primera imagen de la Virgen con el Niño que se conoce en el Arte Occidental, la que vemos una sección de la página, en la zona de arriba de la entrada.

Este libro tenía un fin sacramental y no educativo, y muy posiblemente se utilizaba en las misas de la época para ser leído por el sacerdote.

 Actualmente, el manuscrito se encuentra expuesto permanentemente en la biblioteca del Trinity College de Dublín, Irlanda.

El breakdancing de un Jesucristo en Bristol

En la ciudad de Bristol y encargado por autoridades municipales está este mural de Cristo bailando el breakdancing que ha sido admitido por las autoridades católicas como una forma de acerca a Cristo a la juventud mostrando que tal vez, si viviera ahora, participaría de las formas y modos de la juventud actual.

La obra fue pintada por Cosmo Sarson, tras ganar un concurso para pintar esta pared, que mantendrá al menos dos años la obra. Su obra tardó cuatro días en acabarse y ha sido inaugurada en junio de 2013.

No aprendemos de las flores a morir y cumplir ciclos

Cuando todo se emponzoña, cuando es más complicado creer en las personas que gestionan, en las que confiamos para salir y avanzar, nos queda la naturaleza, sus bellezas y sus tranquilidades. 

Cuando una flor se muere ya tiene preparada a su vera el recambio, hasta que el tiempo cambia y ya no es posible nacer sino solo morir. 

No les importa retirarse a la nada, pues su misión ya la han cumplido. 

Pero mientras tanto nos muestran toda su belleza. 

Nunca una flor se obliga a seguir siendo flor una vez que se ha marchitado y ella lo nota. 

En muy pocas fechas simplemente se muere mientras las nuevas ya entregan color. 

No aprendemos. Aunque a veces, aprender es morir.

Don Quijote, dibujado por Daniel Urrabieta Vierge

Este dibujo del artista Daniel Urrabieta Vierge se utilizó para una edición de El Quijote del año 1916. Hay tantos Don Quijote como lectores, y sin ninguna duda como los múltiples artistas que lo han ido recreando para facilitarnos nuestra imaginación.

En este dibujo se decía: La doncella barbera, cuando le tuvo con un palmo de jabonadura, fingió que se le había acabado el agua y mandó a la del aguamanil fuese por ella, que el señor don Quijote esperaría. Hízolo así, y quedó don Quijote con la más extraña figura y más para hacer reír que se pudiera imaginar.

Retablo de Isenheim con diversos montajes artísticos

La religión ha abusado mucho de los sufrimientos de sus figuras, sobre todo la cristiana católica, mostrando torturas y figuras tremendamente duras. En este cuadro de la Crucifixión hay un excesivo detalle de las espinas clavadas por todo el cuerpo de Jesús.

Este cuadro forma parte de un altar retablo pintado por Matthias Grünewald y realizado en la parte escultórica por Nicolás Haguenau, encontrándose en un principio en la ciudad francesa de Isenheim, realizado a principios del siglo XVI.

Hoy se encuentra expuesto en el Museo de Unterlinden de Colmar como una de sus obras más importantes.

Está realizado en pintura al temple y óleo sobre madera y el cuadro central, el que vemos en la imagen superior tiene unos tres metros de anchura.

Esta obra proviene del convento de los antonianos, que cuidaban enfermos de ergotismo que era una intoxicación, hay muy controlada. Eran frailes que traban sobre todo enfermedades de la piel.

En realidad es un trabajo exquisito, pues el retablo permite varias configuraciones según se abren o cierran las diversas puerta que tiene, formando diversas imágenes religiosas. En total son ocho paneles pintados que configuran casi un libro religioso en relieve con 12 obras pintadas y una opción para ver obras escultóricas.

Tocan tiempos violentos / They touch violent times

Tocan tiempos violentos, de los que seguramente no entendemos casi nada de sus peligros, pues no los queremos entender. 

Y esos tiempos ásperos, duros, se notan también en el Arte, que es un espejo de todo lo que sucede en la sociedad.

Mientras no comprendamos los inicios, los motivos, las razones…, no seremos capaces de encontrar soluciones a esta violencia verbal que anuncia tiempos poco deseables.

We are approaching violent times, of which we probably understand almost nothing of their dangers, because we don't want to understand them.

And these harsh, harsh times are also evident in art, which is a mirror of everything that happens in society.

Unless we understand the beginnings, the motives, the reasons…, we will not be able to find solutions to this verbal violence that heralds unwelcome times.

La Sagrada Familia es toda de Gaudí y una belleza

El trabajo desarrollado en la Sagrada Familia de Barcelona, en estos años de duras decisiones para intentar entender el espíritu de Gaudí e inventarse el resto que se quedó sin hacer, ha dado unos resultados espléndidos que ahora se pueden contemplar en toda su belleza. 

No es una catedral cualquiera, no es una iglesia al uso. Es “La Sagrada Familia”, una obra arquitectónica que ha marcado a dos generaciones de catalanes al menos. 

Su interior es más hermoso todavía que su exterior, el trabajo realizado se puede contemplar ahora y disfrutar más, sobre todo por aquellos que visitamos el templo hace ya muchos años, cuando no era más que unas torres que indicaban un excelente trabajo de futuro. 

Pero poco mas se podía uno imaginar en aquellos años de obras que siempre parecían inacabadas y casi imposibles. 

Ahora, con el trabajo muy adelantado, se puede disfrutar de un sueño, de unas ideas artísticas maravillosas. 

Casi da igual si son o no son todas ellas de Gaudí, lo importante es… “que son”. Y que beben de ese espíritu de convertir un bosque natural en una iglesia de piedra.

Adoración de los Reyes Magos, de Pablo Esquer

Una obra como esta, delicada y casi una postal, del artista Pablo Esquert, un pintor flamenco del siglo XVI, y titulada "La Adoración de los Reyes Magos" es una clásica obra religiosa en donde vemos detalles realmente curiosos.

Por ejemplo el gran despliegue de soldados que acompañaban a los Reyes Magos, que se ven incluso en la lejanía además del segundo plano. El detalle cariñoso del niño levantando el pie, y esa mirada fija en ese punto central del pie que mantiene tanto la Virgen como el propio Niño Jesús o el Rey Mago. Para terminar observando la Estrella que dirigió la visita real.

Pablo Esquert también llamado Pablo Schepers, Scheppers, Eschepers, Paul Esquarte, Pablo o Paulo de Ezchepers y Micer Pablo, vivió varios años en Zaragoza, donde trabajó de pintor principalmente para el Duque de Villarmosa, en donde tuvo taller propio.

Qué quería expresar Mark Rothko en sus obras?

Esta imagen tiene ya muchos años, pero refleja bien la idea de que el Arte está muchas veces en la mirada. en saber encontrar un encuadre, un punto de vista. Aunque sea muy minoritario.Mark Rothko tenía el suyo propio, sus tipos de manchas, es formas, de colores, de mezcla de esos matices tan suyos. Esos contrastes entre colores muy básicos pero reconocibles en sus obras.

La motivación de Mark Rothko para pintar sus grandes campos de color, aparentemente simples, era precisamente trascender la representación para llegar a la esencia pura de la emoción humana.

Podríamos decir que Rothko llevó la idea que explorar por eliminación al completo de cualquier tipo de representación o "simulacro" de la realidad en su Arte. ¿Algo real? ¿Para qué si ya existe, si ya lo vemos sin necesidad del Arte.

Él quería expresar emociones fundamentales, Rothko no estaba interesado en pintar objetos, personas o paisajes. Él quería pintar las grandes emociones humanas: la tragedia, el éxtasis, la fatalidad, la espiritualidad.

Decía: "El hecho de que mucha gente se deshaga en lágrimas ante mis cuadros demuestra que puedo comunicarme con esas emociones humanas básicas. Las personas que lloran ante mis cuadros están teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando los pinté".

Quería y buscaba eliminar obstáculos, Para él, cualquier figura, cualquier objeto reconocible en el lienzo, era un obstáculo entre la emoción del artista y la experiencia del espectador. Quería una comunicación directa, sin la distracción de tener que "reconocer" algo. Las manchas de color eran el vehículo más puro que encontró para lograrlo.

Y sobre todo deseaba crear una experiencia inmersiva para sus espectadores. Rothko pintaba lienzos de gran formato y quería que el espectador se sintiera "dentro" del cuadro. Al estar de pie frente a una de sus grandes obras, los campos de color envuelven nuestro campo de visión, creando una experiencia casi espiritual o meditativa.

No es un simple cuadro para "mirar", sino para "experimentar" dentro de él.

Rothko rechazó pintar la apariencia del mundo para intentar capturar la esencia de la experiencia de estar vivo. Sus manchas de color no son "simples", son portales a emociones profundas.

Relicario de Teuderico con restos de San Mauricio

Desde el siglo IV los primeros cristianos ya asentados en mucho territorio de Europa y el Mediterráneo, empezaron a conservar las reliquias de los que consideran Santos predicadores, unido esto a la conservación de todos los restos que podrían conservar de la vida de Cristo.

Se guardaban huesos o restos como uñas o pelo, pero también trozos de sus vestimentas, de los objetos que había utilizado en vida el Santo, o de sus sacrificios o ajusticiamiento, pensando que de esa manera podrían conservar sus fuerzas, sus poderes milagrosos, en un vínculo espiritual entre los creyentes y los Santos, que les acercaban a Dios.

En la propia medida del lugar o de la familia que había logrado guardar y poseer esos restos, de la iglesia o congregación de fieles que los poseía, se hacían hermosas obras de Arte para protegerlos y enseñarlos como símbolo de poder.

Los relicarios podían ser muy pequeños o de tamaño considerable, personales, familiares o comunales, y muchas veces se les atribuía poderes milagrosos. Por ello se ponían muchas veces en los altares, dentro de las iglesias, en lugares de especial veneración.

De esa forma estos relicarios eran piezas importantes para mostrar, y por ello se adornaban con los mejores metales y piedras preciosas que hubiera en esos momentos, realizados además por los mejores talladores y orfebres de la época.

Este que vemos es el llamado Relicario de Teuderico (Teodorico) que fue el personaje que lo mandó realizar, sobre mediados del siglo VII. 

Un cofre que se cree fue realizado en el sur de Alemania, y que contiene las reliquias de San Mauricio, un romano cristiano de alto grado militar del siglo III, que desobedeció al emperador Maximiano que le había ordenado atacar a otros cristianos en la actual Suiza.

Lo que vemos en la imagen es su parte delantera, de unos 13 centímetros de altura pues eran objetos pequeños para guardar en las habitaciones del hogar, y en la parte trasera de esto objeto se menciona a las personas que pagaron su realización, Nordolaus y Rihlindis, así como los herreros y orfebres que lo fabricaron: Undiho y Elio.

Rosario Weiss, pintora reconocida, alumna de Goya

Las mujeres en el mundo del arte siempre han tenido un espacio mucho más pequeño que el que les debería corresponder por sus trabajos. Hubo numerosas artistas que se han ido perdiendo por culpa de los modos sociales de la época pasada.

En los viejos tiempos el papel social de la mujer no era ser reconocida como una persona creadora y artista, y los encargos raramente iban hacia mujeres que destacaran por sus bellas obras de arte.

La Biblioteca Nacional recuperó en 2018 en una exposición, la figura de Rosario Weiss, alumna particular de Francisco de Goya con el que convivió de niña mientras Goya era ya un anciano, y del que recibió apoyo pero sobre todo enseñanzas, pues era tratada como una hija del pintor aragonés, sin dejar claro que no lo fuera realmente. Cuando Goya murió, Rosario tenía solo 13 años de edad.

Rosario Weiss falleció muy joven, con 28 años, pero aun así ya era miembro de la Academia de San Fernando y había recibido numerosos encargos profesionales y de trabajo, entre ellos el de profesora de dibujo y música de las infantas Luisa Fernanda y de la futura Isabel II. 

Excelente copista desde muy niña, esto le sirvió para aprender a dominar el trazo y a que sus trabajos finales sean muy parecidos en su dibujo y forma a los de su profesor de niña, Francisco de Goya. 

Logró vivir del arte en sus pocos años de vida, tanto como copista de cuadros famosos, como siendo artista original y de encargo o realizando dibujos de moda.

La imagen superior es un cuadro suyo titulado "La Tirana". Los dos inferiores y unidos son dibujos de moda para catálogos de la época.

La Virgen del Pilar, según dibujo de Goya

Vamos a ver hoy un simple dibujo boceto de Francisco de Goya, mostrando a la Virgen del Pilar con unos angelitos entre nubes. Es un dibujo preparatorio de Goya de su Cuadernos Italiano. Como podemos observar son cuatro simples toques de lápiz que le sirven sobre todo para ver espacios, para contrapesar todo el conjunto, para ordenar las direcciones de los objetos o figuras y de esa forma modela la atención del espectador, la dirección de nuestra mirada.

A veces la basura nos tapa lo real

Vamos rompiendo trozos de la sociedad a golpe de inconsciencia, o de forma muy consciente, que esa es otra variable.

El caso es que rompemos lo que nos encontramos por los caminos de la vida, sin darnos cuenta de que todo se puede volver contra nosotros.

Cualquier rotura tiene sus peligros, y aunque creamos que son un simple desecho, a veces se superpone encima de nosotros mismos, y se convierte en un problema muy serio.

Se nos amontonan los problemas en forma de bolas

Cualquiera nos diría desde fuera, quiero decir desde fuera de nuestra Galaxia como poco, que nos van creciendo los problemas, todos, y tanto, que ya nos afecta incluso a las miradas artísticas.

No los voy a enumerar pues son simpáticos y entretenidos si no fuera por la triste realidad de que para algunos supone la muerte, más pobreza y quitarles derechos humanos, de eso que no somos muy capaces de entregarnos entre todos nosotros, como animales que somos.

Los problemas nos crecen y se van amontonando. No pasa nada, cuando quieran los que los provocan, se disolverán, se desmontarán, se caerán al suelo. Pero solo cuando quieran los que los han provocado o sus herederos poderosos.

La pintura ha muerto. Viva el Arte de Félix González-Torres

En el último siglo el Arte Moderno se dedicó a minimizar sus composiciones, a ir restándole lo superfluo, y a dejar solo la esencia de lo pretendido. 

A un árbol le íbamos quitando su estructura, sus numerosas ramas todas iguales, hasta dejarlo en una serie de cubos y líneas que representaban espacios y elementos.

Nacía la abstracción.

Pero con estas ideas, en realidad, lo que estábamos realizando era acabar con la pintura. 

¿Qué se puede quitar o modificar o transformar, cuando ya solo has dejado un elemento?

La luz pasaba a ser un cuadro en blanco y la sombra o la nocturnidad un cuadro en negro. 

Llegados a este punto, o se vuelve atrás y se retoman otras caligrafías artísticas, o es imposible seguir avanzando y modificando. 

No nada sencillo ahora, es casi imposible ir creando escuelas nuevas. ¿Seguro?

De todo esto nace el posmodernismo. O el Arte Posmoderno.

Ya ha desaparecido la pintura anclada en un cuadro, en un soporte rectangular. 

Desaparece también el concepto de mercado artístico pues las creaciones suelen ser efímeras y no están realizadas para durar en el tiempo. 

Se construyen performance, representaciones artísticas que invaden los espacios saliendo de las paredes, se emplea más todavía un lenguaje libre y crítico, consumista por el momento actual pero a la vez sarcástico con el sistema.

Todo parece relativo e incluso a veces irrespetuoso.

Surgen figuras como Ai Weiwei, Honore Fragonard o como Damien Hirst. Arte que ya no es solo inentendible para la sociedad, sino que incluso al no entenderse con facilidad, produce rechazo. 

Pero no todo es igual de provocativo, o al menos, no todo se mueve en la misma dirección artística.

Muerta la pintura ¿qué queda? ¿Sólo el formol y los cadáveres? ¿la provocación por la provocación?

Cuando el artista chino Ai Weiwei presentó en la Tate de Londres su montaje "Sunflower Seeds" en la Sala de Turbinas, llenando una sala de un millón de semillas de girasol hechas en cerámica y pintadas para convertirlas en pipas casi reales, además de provocar con la presentación de su obra, que se podía pisar, nos estaba diciendo muchas más cosas. 

Había empleado a personas casi como esclavos para realizar ese increíble número de pequeñas cerámicas a muy poco coste. La crítica era precisamente esa, la globalización y el esclavismo de unas personas que trabajaban para malvivir. Y que luego nosotros, los espectadores ricos, podíamos romper, destrozar su trabajo.

Pero si vemos su obra desde una cierta distancia (como en la imagen) vemos que el suelo de la gran sala es un lienzo. Y que los espectadores son las pinceladas de la obra. 

Somos nosotros, moviéndonos, los que vamos creando miles y miles de cuadros diferentes, como pequeñas manchas de color sobre un lienzo igual.

En el verano de 2017 en el MoMA de New York el artista cubano Félix González-Torres nos mostró un trabajo parecido. 

En un rectángulo perfecto y sobre el suelo de la sala de unos 30 metros cuadrados, había metido miles de caramelos todos iguales. 

E invitaba al espectador a coger parte de la obra. A llevarse la obra a su casa. Un caramelo era una parte de la obra del artista. Yo tengo su obra en mi mesa de despacho. Y no pienso comérmela. Tal vez le esté llevando la contraria al propio artista que lo que deseaba es que nos comiéramos su obra.

Sus trabajos empleando elementos pequeños que forman espacios propios y formas con piezas muy comunes, son también una constante en su obra.

¿Quiere decir que efectivamente la pintura ha muerto? 

Pues posiblemente no, pero los artistas rompedores del momento actual no son pintores. La pintura les resta libertad de creación. 

¿Qué vendrá después? 

Pues nadie lo sabe, depende, todo evoluciona y el Arte sin duda más y por delante. Depende de la sociedad que vayamos creando.

Arte efímero, aunque tal vez sea lo necesario

Ser efímero en el arte no tiene ninguna ventaja, pero es el concepto actual. 

Nada ni nadie hemos venido para quedarnos, y el arte siendo humano no debe ser igual. 

Aunque algunas obras de los prehistóricos sigan entre nosotros.

¿Qué quedará de nuestra generación dentro de varios siglos? 

Posiblemente muy poco, pero tampoco nos tiene que importar, no estamos haciendo mucha calidad novedosa para que sea perviviente. 

Es posible que nos queda la teoría de todo y la práctica de nada.

Ante el Arte somos sólo espectadores

Quise comenzar el Año Nuevo 2016 con un simple dibujo infantil. Unos trazos, unas formas sobre una pizarra, unas líneas simples que denotan dominio de los espacios y frescura. 

Lo de menos es qué nos quiere trasmitir el artista, en este caso un niño creador de dibujos. 

Lo maravilloso es que nacemos artistas y nos van moldeando hasta dejarnos en grises espectadores. 

Y si al final logramos convertirnos en espectadores, hemos salido ganando, pues a la mayoría de la sociedad… ni eso.

Qué Arte Contemporáneo verán nuestros nietos en los Museos?

Hay una gran parte del Arte Moderno actual, del más conocido como Arte Contemporáneo, con un apellido añadido que no siempre admitimos y sin duda sabemos que no será el definitivo, que no sabemos bien en qué quedará, cuánto quedará, para qué quedará en el medio plazo de la historia. 

¿Cuántas de las obras que hoy se contemplan en los Museos de Arte Contemporáneo, las verán nuestros nietos en esos museos de finales del siglo XXI? 

Esta obra es de la artista inglesa Phyllida Barlow: “Casa vuelta hacia arriba, 2” (2012), es la nueva compra del Museo Tate Modern de Londres. 

Efectivamente parece un montón de escombros, puede incluso que lo sean, pero pegados hasta formar un conjunto, que ocupa un espacio, mostrando unas formas que resultan cuando menos curiosas. 

Queda claro que el Arte Contemporáneo ya no trabaja las obras para que nos las colguemos en el dormitorio, en el despacho o en el salón. 

Ahora a lo sumo o las adquiere un Museo o las tienes que tirar. No caben en otro espacio. Y en la calle como arte público, muchas de ellas se deshacen pues no se hacen para perdurar.

Clase de dibujo para los que no saben dibujar

Las obras de este dibujante y pintor de EEUU, Jerry Shawback, son contundentes en sus casi débiles trazos, y resulta muy fácil aprender de él copiando sus formas de trabajar .

Vamos a dibujar practicando con una simple hoja de papel y un rotulador de calidad, de un grosor de 0,4 ó 0,5 mm, practicando con trazos rápidos donde lo que importa es el resultado final en conjunto, la vitalidad del resultado, casi el movimiento que se intuye entre sus pocos pero bien elegidos rasgos de rostros y partes del cuerpo. 

Es sin duda un ejercicio para realizar varias veces empleando una fotografía de un familiar como modelo de ejemplo a modificar. 

No importa que se parezca o no, para eso ya está la fotografía. Lo que importa es que con cuatro rayas logremos algo interesante sobre el papel, que refleje una sensación de vida con pocas líneas rápidas. 

Si no nos gusta un ejemplo, se tira y se empieza otro, y otro, y otro. Bueno, mejor no tirar ninguna, que igual a los cuatro días nos gustan todas.

¿Qué es el Arte Invisible? ¿Existe?

Esta obra que representa una escena con dos cuadros vacíos y que vemos arriba no es para ver, sino para pensar qué pintaríamos en esos espacios vacíos. Es lo mismo que escuchar una canción sin notas musicales, comienzas a imaginar nuestra propia melodía y nos abrazamos internamente a nosotros mismos. 

Es la conciencia de nuestra propia vida, porque, al parecer, hay muchas dudas sobre si realmente existimos en este mundo. 

El vacío interior hace que las personas se vuelvan más introspectivas para ver si podemos encontrarnos a nosotros mismos ya que lo que vemos ha perdido el color, las formas, y aparente estar vacío.

En el horizonte del arte contemporáneo surgen preguntas que desafían nuestra propia definición de la obra de Arte: ¿estamos en la mirada de esas obras vacías, ante la visión de los "hiper artistas del futuro" o estamos delante de la prueba de que el arte solo existe en la imaginación? Sin la mente que imagina, solo quedan brochazos de colores y, a veces, ni eso.

Este texto que os dejo a continuación quiere profundizar (o liarla más) en el concepto del arte invisible, una de las fronteras más estimulantes y polémicas del arte conceptual. Y a partir del texto surgen las dudas o al contrario, se sientan las bases de que no existen dudas y de que todo es interpretable para bien o para mal. 

Cabe incluso decirse que todo es una mierda, un engaño, una mentira. 

La premisa del arte invisible es radical: la obra no es un objeto para ser visto, sino un espacio mental que el espectador debe llenar con su imaginación o con su mochila personas de conceptos, culturales, dudas y dolores. Nos pide el Arte, no solo mirar, sino pensar, sentir e imaginar. 

Es un desafío directo a la idea tradicional del arte como un producto físico, cuando posiblemente sea un producto de la imaginación.

El concepto sobre la materia que podemos tocar es claro, el valor no reside en el lienzo, la piedra o el bronce, sino en la potencia de la idea que lo genera. Con la música lo tenemos claro, nadie es capaz de tocar con sus manos la música, simplemente se siente.

El espectador como co-creador: La obra solo se completa en la mente de quien la contempla con el espectador como co-creador incluso en la literatura o el teatro. 

Es un diálogo entre las partes, no un monólogo. Es como escuchar una canción sin texto, incluso casi sin notas; nuestra mente crea la melodía, convirtiendo la experiencia en algo único e intransferible.

La reflexión que debemos hacernos sobre el "vacío interior" que está dispuesto a ser llenado por la contemplación o la escucha o la lectura de algún tipo de Arte, es lógica. Más en el arte conceptual, al despojarse del objeto, lo que a menudo nos confronta con un vacío. 

Este vacío no es una ausencia, sino un espejo. Incluso es eso, un espejo en donde nos podemos ver. El vacío lo llenaremos nosotros con nuestras experiencias. Ese blanco lo verá de diferente manera cada espectador. Nadie verá nada hecho, pero todos intentarán hacer "algo", incluso escapar.

Cuando una obra nos reta con su inmaterialidad, nos obliga a volvernos hacia dentro, a un estado de introspección para ver si podemos encontrarnos a nosotros mismos, especialmente en un mundo saturado de imágenes donde corremos el riesgo de perder nuestro "color" interior. La obra se convierte en un mecanismo que nos obliga a tomar conciencia de nuestra propia vida y de nuestra existencia.

¿Debemos Tirar los Pinceles? El Manifiesto del Arte Invisible nos habla de la provocación de "tirar nuestros pinceles y lienzos" es la esencia de este manifiesto. No es un llamado a la destrucción del arte físico, sino a la revalorización de su origen, de priorizar la Idea, de intentar dedicar más tiempo a pensar, a reflexionar sobre nuestro contenido humano y nuestros malentendidos.

Incluso a intentar abrazar el Proceso de creación, valorando más el camino introspectivo y conceptual, tanto o más que el resultado final. ¿Qué nos lleva a crear? ¿Para qué o para quien creamos? ¿Qué papel nos guardamos para nosotros como creadores?

Reconocer el Privilegio de la Idea es fundamental, pues supone entender que una gran idea, una que cambia la percepción de algo, es en sí misma una obra de arte de incalculable valor, contenida en esa "mochila vacía o ya llena" de la que hablamos. 

La idea además de servir para debatirla, sirve para construir sobre ella. Nunca una idea final es cuando se realiza y se construye, igual a la idea primera.

Para ilustrar hasta qué punto este debate ha calado en la cultura, es imposible no mencionar el famoso caso de "Lana Newstrom". En 2014, una noticia satírica sobre una supuesta artista que vendía obras invisibles por miles de dólares se hizo viral. 

Y la gente se lo creyó, pensando que era el lugar lógico a donde nos lleva el actual Arte Contemporáneo. De todas las formas, tampoco es una locura en sí misma, pero tiene poco recorrido, pues hecha una obra vacía, hechas mil obras vacías, todas casi iguales.

La cita que original que explicaba esos conceptos pertenece a este personaje ficticio:

"El hecho de que no puedas ver nada no significa que no haya puesto horas de trabajo... El arte se trata de la imaginación y eso es lo que exige mi trabajo de las personas... Tienes que imaginar una pintura o escultura frente a ti". - 'Lana Newstrom', personaje de una parodia de 2014.

Angustiado de Paul Klee en 1934

Sobre una base geométrica, el artista suizo Paul Klee hizo este dibujo en uno de sus trabajos menos conocidos. En un tamaño A3 y con guache y acuarela hizo este trabajo que llamó "Angustiado".

Era la Navidad del año 1934 cuando Paul Klee le ofreció a Lily, su esposa desde el año 1906, el cuadro Angustiado, que era el testimonio de su sufrimiento personal. Sobre una red de líneas finas que recuerda a un mosaico, pasa una sola línea que dibuja el busto de un hombre que representa una especie de autorretrato. La cabeza está inclinada hacia adelante, los ojos están cerrados y las comisuras de los labios caídos.

El Arte no es obligatorio, ni tiene que gustar

Para un número elevado de personas, esto que vemos una obra de Rodrigo Reinoso titulada "Banco Rizado" no es una obra de Arte. O lo que es peor, no le dice nada, es anti arte, es marquetería, no es cultura, no merece la pena ser observado.

O incluso dicen que esto es directamente un atentado contra el Arte. Es interesante constatar que no hay una única definición del Arte, pues eso enriquece la actividad placentera de crear y de observar.

Debemos aceptar que no hay límites claros que nos separen qué es Arte y qué no lo es. No la hubo nunca ni la tendremos en el pasado. O mejor dicho, cada vez es más difusa esa línea de haber existido alguna vez, pues el Arte actual, de mezcla y muy híbrido, hace imposible la separación.

Si algo nos produce placer y además nos invita a pensar, a reflexionar, nos estimula o provoca, nos mete dentro y nos vuelve sensibles o violentos con la mera contemplación… eso suele ser Arte.

Si al mirar un objeto, pequeño o enorme, nos emociona, que puede ser de forma positiva o negativa, generalmente es Arte. 

Que ojo, tampoco es que eso nos vaya a resolver la vida, que el Arte no trata de arreglarnos lo estropeado.

Lo que vemos arriba es Arte Conceptual, es un concepto que Rodrigo Reinoso ha convertido en Arte, pero que no nos obliga a mirar, a pensar en él. 

Nos lo deja y que cada espectador haga lo que le pide su cuerpo. Huir o soñar, reflexionar y disfrutar, odiarlo o aplaudirlo.

Un plátano pegado en una pared, una caja vacía de zapatos en el suelo de un Museo, un wc puesto del revés, puede no ser nada, o puede ser un concepto movido desde el punto de vista habitual a otro espacio mental. 

E insisto, que como no es obligatorio verlo, es también obligatorio no pisarlo, no darle un manotazo.

¿Cómo dar a conocer mejor el Arte?

Existe un enorme potencial para democratizar el acceso al arte y hacerlo más cercano al gran público. La clave está en combinar estrategias tradicionales con enfoques innovadores que aprovechen las tecnologías digitales y fomenten la participación activa de las comunidades.

Estrategias de Divulgación Digital y Redes Sociales

El Poder Transformador de las Redes Sociales

Las redes sociales han revolucionado la forma en que el arte llega al público general. Plataformas como Instagram, TikTok y YouTube se han convertido en galerías virtuales donde cualquier persona puede acceder a contenido artístico de calidad. El fenómeno de los influencers culturales está redefiniendo la divulgación artística, con creadores que logran millones de visualizaciones explicando arte de manera accesible y entretenida. Curiosamente, se ha abierto una serie de ventanas por donde se está colando el Arte como modelo de agua fina que puede ir calando poco a poco, de la forma más natural para los jóvenes.

En España, instituciones como el Museo del Prado o Colecciones Reales y la Thyssen-Bornemisza han demostrado el potencial de estas plataformas. Es el camino de crecer en formación artística a diversos niveles y mostrar la gran riqueza de nuestra histórica artística.

Estrategias Específicas para Redes Sociales

Contenido educativo y entretenido: Crear vídeos cortos y verticales que expliquen conceptos artísticos complejos de manera sencilla, aprovechando el formato dominante en 2025

Historias detrás del arte: Compartir anécdotas, curiosidades y el contexto histórico de las obras para generar conexión emocional

Retos y challenges: Desarrollar contenido participativo que invite al público a crear su propio arte inspirado en obras clásicas o contemporáneas

Democratización a Través de la Tecnología

Las galerías virtuales están transformando el acceso al arte al eliminar las barreras geográficas y económicas. Estas plataformas ofrecen experiencias en 360 grados que permiten explorar espacios artísticos de manera inmersiva. Realidad aumentada que enriquece la experiencia visual con información contextual. Tours virtuales interactivos que democratizan el acceso a colecciones mundiales

El impacto de la pandemia aceleró esta transformación, llevando a muchas instituciones a desarrollar estrategias digitales que han permanecido y evolucionado, ampliando significativamente su alcance. También la IA generativa está revolucionando la creación y distribución de experiencias culturales. Las herramientas de inteligencia artificial permiten generar contenido educativo adaptado a diferentes niveles de comprensión, y crear recomendaciones basadas en el comportamiento y preferencias del usuario

Eliminando Barreras de Acceso

La accesibilidad universal es fundamental para que el arte llegue verdaderamente a todos los públicos. Los museos y espacios culturales deben garantizar una accesibilidad física con rampas, ascensores y espacios adaptados para personas con movilidad reducida. Audioguías, descripciones táctiles, códigos QR con información en múltiples formatos y contenidos adaptados a diferentes niveles de comprensión y capacidades de procesamiento. Según la normativa europea, para 2030 todos los espacios culturales deberán tener planes de accesibilidad implementados, lo que representa una oportunidad para repensar completamente la experiencia cultural.

Casos de Éxito en España

Museos como el Guggenheim, el Prado y el Reina Sofía han sido reconocidos como los más accesibles de España, implementando, sillas de ruedas disponibles para visitantes, mostradores adaptados para usuarios con diferentes capacidades, ascensores y rampas en todos los espacios expositivos, aseos adaptados y señalética inclusiva, mediación Cultural y Participación Comunitaria.

El Papel de los Mediadores Culturales

La mediación cultural se ha establecido como una práctica fundamental para conectar al público con el arte. Los mediadores actúan como puentes entre las obras y los visitantes, facilitando una omprensión contextual de las obras y su significado, ampliando el diálogo activo que involucra al público en la interpretación de las obras, aumentando las experiencias personalizadas según las necesidades del grupo. El Museo Reina Sofía, por ejemplo, ofrece un servicio gratuito y continuado de mediación cultural que ha transformado la experiencia de visita, convirtiendo a los espectadores pasivos en participantes activos.

Arte Comunitario y Transformación Social

El arte comunitario representa una de las estrategias más poderosas para acercar el arte al gran público. Esta práctica implica aumentar la colaboración directa entre artistas y comunidades locales, crear procesos creativos participativos donde el público se convierte en co-creador con una transformación del espacio público a través de intervenciones artísticas colectivas y proyectos como los murales comunitarios han demostrado su capacidad para revitalizar barrios, generar sentido de pertenencia y hacer del arte una herramienta de cohesión social.

El Street Art como Arte Accesible

El arte urbano representa la forma más democrática de arte contemporáneo. Sus características principales incluyen una accesibilidad total pues es gratuito y visible para cualquier persona, una interacción con el entorno pues se integra en el espacio cotidiano de las personas, crea mensajes sociales al abordar temas relevantes para la comunidad, y con una diversidad de técnicas, desde grafiti hasta instalaciones y proyecciones. Iniciativas en Madrid, Zaragoza o Vitoria por poner solo tres ejemplos, demuestran cómo el arte urbano puede ser tanto accesible como inclusivo, incorporando códigos QR que permiten a personas invidentes "visualizar" los murales a través de descripciones sonoras.

Impacto Social del Arte Urbano

El arte urbano genera transformación social al democratizar el acceso cultural eliminando barreras económicas y sociales, generar diálogo comunitario sobre problemáticas locales y globales, revitalizar espacios urbanos y fomentar el orgullo ciudadano, educar y sensibilizar sobre temas de justicia social y sostenibilidad.

Estrategias Sistemáticas de Formación

La formación de públicos requiere un enfoque sistemático y planificado. Las estrategias más efectivas incluyen analizar y segmentar las posibles audiencias para crear experiencias personalizadas, una programación educativa que combine teoría y práctica artística, sumado a una serie de actividades intergeneracionales que conecten diferentes grupos diferentes. Un uso de tecnologías como espacios de encuentro entre arte y espectadores ampliando la Educación Artística para Jóvenes.

La educación artística dirigida a jóvenes es fundamental para formar los públicos del futuro. Programas exitosos incorporan técnicas innovadoras como el mosaico-Trencadís para espacios públicos, proyectos comunitarios que conectan el arte con problemáticas sociales, uso de plataformas digitales para llegar a audiencias jóvenes, una metodologías participativas que fomentan la creatividad y el pensamiento crítico, un trabajo conjunto con profesores y escuelas, creando modelos de formación adaptados a las diferentes edades de los niños y jóvenes. No debemos olvidar tampoco la Formación Artística para personas mayores, en las diferentes técnicas y grados que se vayan demandando o que se observe que es necesario crear o ampliar, pues representan un grado de calidad de vida, muy interesante.

Marketing Cultural y Nuevas Tendencias

El marketing cultural está experimentando una transformación radical. Las tendencias principales incluyen una personalización extrema de experiencias culturales usando IA y big data. Colaboraciones con influencers culturales que aportan autenticidad y alcance y un conocimiento de la sostenibilidad como valor fundamental en todas las iniciativas y narrativas variadas que extiendan las experiencias más allá de los espacios físicos

Las colaboraciones entre artistas, influencers y marcas comerciales cercanas al Arte o que les interesa el Arte como vehículo de llegada, están creando nuevas formas de acercar el arte al público. Ejemplos exitosos demuestran que la autenticidad es fundamental para el éxito de las colaboraciones y que el valor añadido debe ir más allá de la promoción básica pues el compromiso real con la audiencia genera conversación significativa.

Hacia un Arte Verdaderamente Democrático

Dar a conocer mejor el arte al gran público requiere una estrategia multifacética que combine tecnología como Facilitadora de acceso y explicación o formación, plataformas digitales que eliminen barreras geográficas y económicas, la llegada de la inteligencia artificial para personalizar experiencias y para aumentar la realidad virtual para enriquecer la comprensión artística. Hay que ampliar la participación Activa, la mediación cultural que transforme espectadores en participantes y crear o aumentar el Arte comunitario que involucre a las comunidades en procesos creativos. Debemos crecer en formación de públicos sistemática y planificada, con inclusión universal y accesibilidad total para personas con diferentes capacidades y culturas, una diversidad de formatos que respondan a distintas formas de aprender y experimentar.

Democratización real del acceso cultural con un aprovechamiento del patrimonio local para crear narrativas únicas con colaboraciones estratégicas entre sectores público, privado y comunitario de la zona en donde se realicen las innovaciones, y una sostenibilidad como valor transversal en todas las iniciativas. El arte del siglo XXI debe ser accesible, participativo y transformador. Las herramientas están disponibles; la voluntad de cambio es lo que determinará si realmente conseguimos que el arte llegue a más o a todos los públicos, convirtiendo la experiencia cultural en un derecho efectivo y una fuente de enriquecimiento personal y comunitario.